美国建国后三大文学发展时期特点？

1、The Romantic Period浪漫主义时期

浪漫主义时期开始于十八世纪末，到内战爆发为止，华盛顿欧文出版的《见闻札记》标志着美国文学的开端，惠特曼的《草叶集》是浪漫主义时期文学的压卷之作。（也可称为“美国的文艺复兴”）受到清教徒主义的影响，美国浪漫主义也逐渐形成并发展。浪漫主义文学主张个人主义和鼓励人们勇敢追求个人权利和幸福。美国浪漫主义时期的小说富有独创性，多样性，与华盛顿欧文的喜剧性寓言体小说，有爱伦坡的哥特式惊险故事，有库柏的边疆历险故事，有麦尔维尔的长篇叙事，有霍桑的心理罗曼史，有丽贝卡•哈丁的社会现实小说。

2、The Realistic Period现实主义时期

内战后，美国成为世界上重工业最发达的国家。美国经济和政治的发展，促进美国现实主义文学的出现于发展。而且，商人和企业大亨成为年青一代的英雄和榜样。马克吐温称这个时期为“镀金年代”。当然，西部的发展特别是旧金山的“淘金热”也对美国现实主义文学的发展有促进作用。这段时期的重要作家有：马克吐温，斯蒂芬克莱恩，亨利詹姆斯，艾米莉狄金森，西奥多德莱塞等。

3、 The Modern Period现代时期

第一次世界大战之后，人们的心比以前更加活跃，他们从传统的文化观念和道德中解放自己，创造了现代主义文学。他们觉得世界是疯狂的，也很没意义，所以也叫做“迷茫的一代”，理想和文明也是幻灭的。 "迷惘的一代"作家群中有著名诗人庞德(Ezra Pound),威廉姆斯(William Carlos Williams)和弗罗斯特(Robert Frost)。

浪漫主义的英文名字是Romanticism。意思是“传奇”或者“小说”，“罗曼蒂克”是它的音译。浪漫主义是文艺的基本创作方法之一，它和现实主义都是文学艺术上的两大主要思潮。浪漫主义主要从主观内心世界出发，抒发对理想世界的热烈追求，常用热情奔放的语言、瑰丽的想象以及夸张的手法来塑造形象。浪漫主义是从18世纪后半叶到19世纪上半叶盛行于欧洲，并表现在文化与艺术的各个部门。

浪漫主义宗旨和“理”相对立，主要特征是注重个人感情的表达，形式较少拘束且自由奔放。浪漫主义手法是通过幻想与复古等手段超越现实。

浪漫主义是欧洲文学中的一种文艺思潮。政治上，它反对封建专制，艺术上，它和古典主义相对立，是资本主义上升时期的一种意识形态。

浪漫主义还分为积极浪漫主义与消极浪漫主义。积极浪漫主义是进步的潮流，它引导人们往前看，后者是反动的逆流，它引导人们向后看。浪漫主义产生的哲学基础，是这一时期流行的德国古典哲学以及深受启蒙思想影响的空想社会主义。它注重主观、天才以及灵感；强调人性的自由与解放。

积极浪漫主义的代表作家是英国的拜伦、雪莱，法国有雨果，德国有海涅，俄国有昔希金，还有匈牙利的裴多菲等等。他们的生活实践与艺术实践，都是同当时资产阶级民主革命思想以及各国的民族解放运动联系在一起的，大多数作家就是民族解放运动的积极参加者。

1、丰富的想象——超现实的情节。　　

浪漫主义是文学艺术上的一种创作方法，指运用丰富的想象和夸张，塑造人物形象，反映现实生活。著名美学大师朱光潜在《谈美书简》中引述亚里士多德的话将浪漫主义定义为“按照事物应有的样子去模仿”，强调其“理想”与人的主观因素。可以说，丰富的想象是浪漫主义最为本质的特征　　　

2、大胆的夸张——无法考究的细节。　　

夸张指文艺创作中突出描写对象某些特点的手法。作为修辞方式，它是指为了启发听者或读者的想象力和加强所说话的力量，用夸大的词句来形容事物。应该说，大胆的夸张是浪漫主义的基本特征　　

3、强烈的抒情——极端鲜明的爱憎。　　

在文学史上，浪漫主义文学都特别重视对于自己的理想的描绘，并把它和现实对立起来，以表达对现实的不满和反抗。由于在描绘理想的过程中，必须从作者的内心感受出发，抒发出自身强烈的主观愿望，所以感情色彩特别浓烈。重理想的表达，有强烈的抒情色彩，是浪漫主义的又一个基本特征。

扩展资料

浪漫主义是文艺的基本创作方法之一，与现实主义同为文学艺术上的两大主要思潮。作为创作方法，浪漫主义在反映客观现实上侧重从主观内心世界出发，抒发对理想世界的热烈追求，常用热情奔放的语言、瑰丽的想象和夸张的手法来塑造形象。浪漫主义的创作倾向由来已久，早在人类的文学艺术处于口头创作时期，一些作品就不同程度地带有浪漫主义的因素和特色，但这时的浪漫主义既未形成思潮，又不是自觉为人们掌握的创作方法

巴洛克音乐指欧洲在文艺复兴之後开始兴起，且在古典主义音乐形成之前所流行的音乐类型，延续期间大约从1600年到1750年之间的150年。

巴洛克（Baroque）一词来源於葡萄牙语「Barocco」，意指形态不够圆或不完美的珍珠，最初是建筑领域的术语，後逐渐用於艺术和音乐领域。在艺术领域方面，巴洛克风格的特徵是精致细腻的装饰以及华丽的风格，造成这种现象的主因，是因为巴洛克时期是贵族掌权的时代，富丽堂皇的宫廷里奢华的排场正是新的文化以及艺术的发展中心，而这个大环境的改变也直接的影响到了音乐家的创作。十七、八世纪宫廷乐师所写的音乐作品，绝大部分是为上流社会的社交所需而做，为了炫燿贵族的权势以及财富，当时的宫廷音乐必定得呈现出炫燿的音乐以及不凡的气度，以营造愉悦气氛。[1]

巴洛克音乐的特点是极尽奢华，加入大量装饰性的音符。节奏强烈、短促而律动，旋律精致。复调音乐（复音音乐）仍然占据主导地位，大小调取代了教会调式，同时主调音乐也在蓬勃发展。於是复调的和声性越来越明显。复调在 JS巴赫时代发展到极至。<br/><br/>数字低音及即兴创作是巴洛克重要的部分，并且管弦乐团编制尚未标准化。<br/><br/>目录 [隐藏]<br/>1 主要作曲家 <br/>2 音乐创作 <br/>21 乐器作品类型 <br/>22 创作技法 <br/>3 参考书目 <br/>4 附注 <br/>5 参见 <br/><br/><br/><br/>[编辑] 主要作曲家<br/>义大利：<br/><br/>科莱里（Arcangelo Corelli, 1653-1713） <br/>A史卡拉第（Alessandro Scarlatti, 1660-1725） <br/>韦瓦第（Antonio Vivaldi, 1678-1741） <br/>D史卡拉第（Domenico Scarlatti, 1685-1757） <br/>德国：<br/><br/>巴赫（Johann Sebastian Bach, 1685-1750） <br/>韩德尔（George Frideric Handel, 1685-1759） <br/>泰勒曼（Georg Philipp Telemann, 1681-1767） <br/>法国：<br/><br/>吕利（Jean-Baptiste Lully, 1632-1687） <br/>F库普兰（Francois Couperin, 1668-1733） <br/>拉摩（Jean-Philippe Rameau, 1683-1764） <br/>英国：<br/><br/>珀赛尔（Henry Purcell, 1659-1695） <br/><br/>[编辑] 音乐创作<br/>巴洛克音乐创作的发展中心以贵族的宫廷、私人组织的学会以及天主教教会为主，其中又以宫廷最具影响力。此时期的音乐创作除了适合在宫廷里演奏的大协奏曲（concerto grosso）以外，还有贵族沙龙里带有私密气氛的小规模乐器奏鸣曲（Sonata）；弥撒、神剧、受难曲以及丰富的管风琴曲目，令教堂充满了圣神的光彩；另外，歌剧在威尼斯快速兴起，藉著音乐和戏剧的结合将情感抒发到最高点。音乐创作从此步入了一个蓬勃发展的阶段。[2]

[编辑] 乐器作品类型

当时富有的贵族大多都拥有专属的乐团，以便在宫廷中娱乐宾客，而变化多样又音乐宽广的乐器曲就广受青睐。乐器曲崛起後，音乐的创意更有了发挥空间，音乐家开始发展出不同的乐曲类型：[3]

组曲（Suite）

奏鸣曲（Sonata）

协奏曲（Concerto）

赋格曲（Fugue）

罗曼尼斯卡（Romanesca）

[编辑] 创作技法

数字低音（basso continuo）

顽固低音（basso ostinato）

赋格（fugual polyphony）

竞奏（concertato medium）

即兴演奏（improvisation）

浪漫主义音乐、文学

　　浪漫主义在艺术上的兴起，最早见于十八世纪的文学作品中，这些作品将一切个人的感情、趣味和才能表现得淋漓尽致。在音乐方面，浪漫主义作曲家强烈地表现出自己的癖好，这与受形式支配的古典主义格格不入。古典主义音乐象线条一样鲜明；而浪漫主义音乐则偏重于色彩和感情，并含有许多主观、空想的因素。

　　然而，这只是原则上的区别，要想在不同的创作风格之间，譬如古典主义和浪漫主义之间，按照那些讲究条理的音乐史家的愿望划一道泾渭分明的界线，从来不是那么容易的。简单地下定义行不通，这些定义总是因为忽视了很多非常重要的因素而过于简单化。

　　例如，假使断言古典主义音乐是客观的，浪漫主义音乐是主观的，那么岂不是说海顿、莫扎特和贝多芬在某种程度上像电脑一样，从不创作反映自己个人感情的作品了？这显然是非常荒谬的。同样地，如果说浪漫主义作曲家“摆脱”了传统形式的原则，那么这实际上就是否定了他们在继续使用这些形式，甚至在未必可能的场合下使用古典形式。

　　例如威尔第就用赋格曲式结束他的喜歌剧《法尔斯塔夫》。另外还需明确古典主义和浪漫主义这两种风格曾经共存了一段时期，重要的浪漫主义歌剧作曲家、德国理想主义者韦伯就先贝多芬一年逝世，舒伯特的死也仅比贝多芬晚一年。可是，在这两种乐派之间实际上又存在着我们很容易把握的区别，这些区别大多是源于非音乐的原因。到浪漫主义时期，作曲家在社会上的地位已有根本的改变，他们已不再是一个城市、宫廷或教堂的雇员。

　　贝多芬也只是赢得了某种程度上的真正独立，因为不管那些贵人们多么慷慨地让他自行其是，他的大部分生计仍维系于贵族的庇护。而现在，理论上说作曲家完全是他自己的主人，实际上也就是大众的仆人。

　　为了满足大众的需要，各种各样的音乐会社团和音乐节网络迅速地发展起来。如果一个作曲家，比如门德尔松，能为这个众多的占统治地位的中等阶层提供他们所喜闻乐听的音乐，他就是成功的；反之，如果他忽视时代的审美观，只为自己或他理想中的后代创作，那么他在公众的心目中就必然是个“怪里怪气”的孤僻艺术家。这一类作曲家常以为他们是出类拔萃的杰出人物，是未来艺术的预言者。

　　“艺术家”一词的使用不是没有意义的，因为整个十九世纪的作曲家都这样看待自己。他们这样称谓自己很有理由，因为一旦摆脱了私人的庇护，投身到社会中去，他们便开始和文学作家等富于创造精神的同行有了接触。

　　事实上，韦伯、舒曼、柏辽兹除了作曲还写过一些有关音乐的书，而瓦格纳不仅自己写剧本，还写出了许多关于音乐、戏剧和哲学的著作和论文，真难以想象他何以还有时间创作出那么多的乐曲来。这新的一代作曲家对弥漫在社会上的各种新思想有着浓厚的兴趣，不管是科学的、民族的、还是艺术的。最重要的是，他们对文学的陶醉到了如痴如狂的程度。他们的前辈仅满足于用器乐表达纯粹的音乐思想，浪漫主义音乐家则致力于让音乐在表达的广度上与语言并驾齐驱。

　　当然，给歌词谱曲一直是作曲家们的实践之一，可是当时流行的是用器乐表达或描绘一种特定的场面，甚至讲述一个故事。这起始于贝多芬的同代人韦伯，后来又被李斯特、理查德·施特劳斯发展为描述性的交响诗。

　　十九世纪上半叶，自然的、乡村的浪漫主义文学转变为幻想的、比生活更加广阔的浪漫主义文学，分别以简·奥斯汀的《傲慢与偏见》（1813年）和艾米莉·勃朗特的《呼啸山庄》（1847年）为代表。这两部英国小说有天壤之别，这种区别在沃尔特·佩特（W·Pater）给浪漫主义下的定义中可以得到概括，他认为浪漫主义是“给美添上了怪诞的色彩”。

　　因此，毫不奇怪，浪漫主义音乐在很大程度上同样表现了一种奇异的超自然的东西，如柏辽兹在他1830年所作的《幻想交响曲》中所表现的那样。作曲家们很快就对周围的大自然发生了新的兴趣，这种自然已经不是贝多芬《田园》中的那种简单的自然，而是大写的“自然”，一种因为他们超脱于芸芸众生才与他们有着特殊联系的力量。不管是文学还是音乐，浪漫主义的另一个特点就是十分强调单个的人，而不是那种作为社会的一分子、被仔细地划入某个阶层而根本无法摆脱其束缚的人。

　　因此，对独立个性的重视使作曲家们有意识地追求个人的特点，有时成了自我主义。这样，他们离那些因为循规蹈矩而压抑了自己部分创造才能的古典主义作曲家就越来越远了。

　　想用寥寥数语概括浪漫主义音乐的特点，其结果非常容易使读者误以为浪漫主义作曲家都是放浪形骸之徒。虽然他们中间有人确有行为出轨的时候，但是总地来说，他们有足够的自控能力使自由不致逾越界限。他们当中大多数人仍继续运用传统的交响曲、奏鸣曲、四重奏等形式，虽然在这些形式里出现了与莫扎特不同、会使他的审美观受到侵害的新东西需要记住的是，审美的好恶总是处于不断的变化之中，因此这一代认为“过分”的行为在下一代眼里却是规范，昨天的“顽皮的孩子”，逐渐长成为今日受尊重的“老伯伯”。[注：法国诗人戈蒂耶早年参加浪漫主义运动时被称为“顽皮的孩子”、“老伯伯”则是英国人对曾经担任首相的政治家格莱斯的尊称]。浪漫主义运动内部也一直存在两个不同的流派，一个是以柏辽兹、李斯特、瓦格纳为代表的激进派，另一个是以门德尔松、勃拉姆斯、布鲁克纳为代表的保守派。研究早期浪漫主义可以说明分裂是怎样产生的，也可以把那些重要性在管弦乐曲的作曲家（门德尔松、柏辽兹）和那些重要性在其他方面的作曲家（如歌曲方面的舒伯特、歌曲与钢琴曲方面的舒曼、歌剧方面的韦伯）区别开来。

17世纪下半叶，法国文化艺术的主导潮流是古典主义，法

国为了巩固君主专制，鼓吹绝对君权和唯理主义。古典主义建

筑以古典柱式为构图基础，突出轴线，强调对称，注重比例，

讲究主从关系，为君主制国家所推崇。代表作有卢佛宫和凡尔

赛宫等。

法国古典主义园林艺术在17世纪下半叶形成鲜明特色，法

国古典主义园林艺术风靡欧洲，影响及于俄国彼得保等地。

著名的古希腊三柱式

柱式

facts and information

柱式是指一整套古典建筑立面形式生成的原则。基本原理就是以柱径为一个单位，按照一定的比例原则，计算出包括柱础（Base）、柱身（shaft）和柱头（Capital）的整个柱子的尺寸，更进一步计算出包括基座（Stylobate）和山花（Pediment）的建筑各部分尺寸。

柱式包括古希腊的三个柱式和古罗马的五个柱式。

古罗马建筑师和工程师维特鲁威在《建筑十书》中介绍了有关古希腊柱式的传说。文艺复兴时期的意大利建筑教育家塞利奥出版一系列关于古典建筑样式的书，在第四册书中，首次出现了对古罗马的五种柱式划分等级的说法。随后著名的建筑大师帕拉第奥（Andrea Palladio，1508—1580）在威尼斯发表的论文《建筑四书》中明确将柱式系统规范化，形成了被建筑界广为接受的建筑立面设计规范。他设计的维琴察圆厅别墅（Rotonda in Villa Capra，1550）就是采用此规范的典范。

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历史

古希腊的建筑从公元前7世纪末，除屋架之外，均采用石材建造。神庙是古希腊城市最主要的大型建筑，其典型型制是围廊式。由于石材的力学特性是抗压不抗拉，造成其结构特点是密柱短跨，柱子、额枋和檐部的艺术处理基本上决定了神庙的外立面形式。古希腊建筑艺术的种种改进，也都集中在这些构件的形式、比例和相互组合上。公元前6世纪，这些形式已经相当稳定，有了成套定型的做法，即以后古罗马人所称的“柱式”。

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古希腊三柱式

多立克柱式

希腊多立克柱式（Doric Order）的特点是比较粗大雄壮，没有柱础，柱身有20条凹槽，柱头没有装饰，多立克柱又被称为男性柱。著名的雅典卫城（Athen Acropolis）的帕提农神庙（Parthenon）即采用的是多立克柱式。

爱奥尼柱式

希腊爱奥尼柱式（Ionic Order）的特点是比较纤细秀美，柱身有24条凹槽，柱头有一对向下的涡卷装饰，爱奥尼柱又被称为女性柱。爱奥尼柱由于其优雅高贵的气质，广泛出现在古希腊的大量建筑中，如雅典卫城的胜利女神神庙（Temple of Athena Nike）和伊瑞克提翁神庙（Erechtheum）。

科斯林柱式

希腊科斯林柱式（Corinthian Order）的比列比爱奥尼柱更为纤细，柱头是用毛莨叶（Acanthus）作装饰，形似盛满花草的花篮。相对于爱奥尼柱式，科林斯柱式的装饰性更强，但是在古希腊的应用并不广泛，雅典的宙斯神庙（Temple of Zeus）采用的是克林斯柱式。

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图解:从左至右依次为: 多利克柱式,爱奥尼亚柱式,科林斯柱式

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意大利古典柱式

古典柱式

classical architectural order

欧洲古代石质梁柱结构的几种规范化的艺术形式。柱式包括柱、柱上檐部和柱下基座的艺术形式。成熟的柱式从整体构图到线脚、凹槽、雕饰等细节处理都基本定型，各部分的比例也大致稳定，特点鲜明，决定着建筑物风格。柱式形成于希腊，而在罗马得到发展。

希腊柱式 形成于小亚细亚的爱奥尼柱式和形成于希腊的多立克柱式，是两种最基本的柱式。它们都是从木结构演变而来，公元前5世纪中叶达到成熟程度，在雅典产生代表性作品。爱奥尼柱式的主要特征是柱头的正面和背面各有一对涡卷，有柱础，由圆盘等组成。多立克柱式的柱头是个倒圆锥台，没有柱础。爱奥尼柱式如女性的柔美，多立克柱式似男性的刚健。公元前5世纪下半叶，希腊还出现了科林斯柱式。它的柱头上雕刻着毛莨叶，很华丽，其余部分则如爱奥尼柱式。

罗马柱式 罗马人继承了希腊柱式，根据新的审美要求和技术条件加以改造和发展。他们完善了科林斯柱式，广泛用来建造规模宏大、装饰华丽的建筑物，并且创造了一种在科林斯柱头上加上爱奥尼柱头的混合式柱式，更加华丽。他们改造了希腊多立克柱式，并参照伊特鲁里亚人传统发展出塔斯干柱式。这两种柱式差别不大，前者檐部保留了希腊多立克柱式的三陇板，而后者柱身没有凹槽。爱奥尼柱式变化较小，只把柱础改为一个圆盘和一块方板。塔斯干、多立克、爱奥尼、科林斯和混合式，被文艺复兴时期的建筑师称为罗马的五种柱式。其风格的差异远比希腊爱奥尼和多立克两种柱式的差异为小，因而失去了鲜明性。罗马人创造了新的柱式组合，最重要的是券柱式。

维特鲁威在他的《建筑十书》里给柱式本身和柱式组合作了相当详细的量的规定，用柱身底部的半径作量度单位。他注意到这些规定要根据建筑物大小、位置等具体条件作必要的调整。柱式作为基本的建筑造型手段，在罗马帝国流行，形成统一的罗马建筑风格。

影响 西罗马帝国灭亡(476)后，欧洲大多数地区柱式建筑不再流行。在意大利虽然流风尚存，但细部和组合方式等都不很严格，与罗马柱式有很大差别。

意大利文艺复兴时期的建筑师，重新使用罗马柱式作为基本的建筑造型手段，追求风格的纯正。16世纪下半叶的手法主义，产生了两种潮流。一种是刻意求奇，不惜破坏柱式的结构逻辑来创造新的建筑形像，如螺旋式柱身、断折的额枋、不均匀的开间、成组的柱子等，这种潮流被17世纪的巴洛克建筑继承。另一种是刻意求同，给五种柱式厘订死板的规范，消除古罗马时期普遍存在的变体，作出苛细的量的规定，这种教条化的潮流被17世纪的古典主义建筑继承。巴洛克建筑流行于意大利等国和拉丁美洲的一些地区；古典主义建筑流行于法国和北美等地。它们都创造了一些新的柱式组合。但二者在个别手法上互有渗透。后来，古典主义建筑的影响比巴洛克建筑的大。尤其是法国成了欧洲建筑教育的中心以后，教条化的柱式就在欧洲成了主流，一直持续到20世纪30年代。但装饰仍多用巴洛克手法。