舒曼的作品有哪些????

　　主要作品有：

　　(1)钢琴独奏：奏鸣曲三首，“少年奏鸣曲”三首，三乐章《幻想曲》—首，根据帕格尼尼随想曲主题而写的练习曲十二首，阿贝格变奏曲，克拉拉主题即兴曲一首，变奏曲式练习曲(即《交响练习曲》)十二

　　首，浪漫曲三首，四首赋格曲和七首小赋格曲，四首进行曲，《蝴蝶》、《间奏曲》、《大卫同盟舞曲》、《狂欢节》、《幻想曲》(共两首)、《童年情景》、《克莱斯勒偶记》、《新事曲》、《夜曲》、《维也纳狂欢节趣事》、《钢琴曲》、《少年曲集》、《森林景色》、《五彩缤纷的叶子》、《画册的一页》、《早晨的歌》等标题小曲集，托卡塔，b小调快板，《阿拉伯风格曲》，《花儿》和《幽默曲》。

　　(2)钢琴二重奏：八首波洛奈兹，六首即兴曲(《东方印象》)，十二首大小儿童用乐曲，九首舞曲(《舞会情景》)，六首简易舞曲(《儿童舞曲》)。

　　(3)两架钢琴用：行板与变奏曲，八首波洛奈兹舞曲。

　　(4)带脚键盘钢琴用：六首练习曲和四首素描。

　　(5)管风琴或带脚键盘钢琴用：以巴赫的名字(Bach)为基础的赋格曲四首。

　　(6)管弦乐曲：四首交响曲，序曲、谐谑曲与终曲，席勒的《墨西拿的新娘》序曲，莎士比亚的《恺撒大帝》序曲，歌德的《赫尔曼与窦绿苔》序曲，《a小调协奏曲》，《G大调引子与热情的快板》，钢琴与乐队的D大调音乐会快板，小提琴协奏曲，小提琴与乐队的《幻想曲》，大提琴协奏曲，四支圆号与乐队的《音乐会曲》。

　　(7)室内乐：三首四重奏，三首三重奏，三重奏《幻想曲》四首，钢琴四重奏，钢琴五重奏，钢琴、单簧管(或小提琴)与中提琴的《童话故事》，两首小提琴奏鸣曲，中提琴与钢琴的《童话场景》，大提琴与钢琴的民歌风格小曲五首，双簧管与钢琴的浪漫曲三首，单簧管与钢琴的《幻想曲》，圆号与钢琴的《柔板与快板》。

　　(8)声乐曲：三十三部套曲与十四首单篇的歌曲(有钢琴伴奏)，钢琴配乐朗诵的三首叙事歌，四套二重唱，一套三重唱，四套四重唱(均有钢琴伴奏)，主调合唱歌曲(七套混声、四套男声、两套女声)，十五首乐队伴奏的合唱曲。

　　(9)戏剧音乐：《格诺费瓦》(歌剧)，拜伦的《曼弗雷德》配乐(原拟上演舒曼亲自改编的剧本时用)。

　　摘自《外国音乐辞典》

　变奏曲(Variation)是指主题及其一系列变化反复，并按照统一的艺术构思而组成的乐曲。“变奏”一词，源出拉丁语variatio,原义是变化，意即主题的演变。从古老的固定低音变奏曲到近代的装饰变奏曲和自由变奏曲，所用的变奏手法各不相同。作曲家可新创主题，也可借用现成曲调。然后保持主题的基本骨架而加以自由发挥。手法有装饰变奏、对应变奏、曲调变奏、音型变奏、卡农变奏、和声变奏、特性变奏等。另外，还可以在拍子、速度、调性等方面加以变化而成一段变奏。变奏少则数段。多则数十段。变奏曲可作为独立的作品，也可作为大型作品的一个乐章。下面我就为大家具体介绍一下变奏曲。

　管弦乐曲《森吉德马》前后两段旋律相同，而速度、力度、节奏、音色和伴奏音型起了变化，就是用了变奏手法。第一段轻柔缓慢，气息宽广，描写辽阔壮丽的草原景色。第二段速度转快，节奏活跃，描写草原人民的愉快生活。

　这种保持原来的旋律，而变化音乐语言中其他因素的变奏手法，叫做固定旋律变奏。另一种常用的变奏手法是装饰变奏。装饰变奏只是保持主题的旋律骨架。而变化旋律的细节，也就是用装饰音把原来的旋律进行加工，同时也可以变化音乐语言中的其他因素，如速度、力度、节奏、音色、伴奏音型等等。

　贝多芬所作《田园交响曲》第五乐章开头的主题，描写雨过天晴时牧人欢乐的歌声。贝多芬发展这个主题时既用了固定旋律变奏手法，又用了装饰变奏手法。主题后紧跟着的两次固定旋律变奏，同一个旋律，一次比一次移低八度，伴奏音型一次比一次加速，力度则一次比一次加强，从而使欢快的情绪逐步加深。后来这个主题再一次出现时，改用了装饰变奏的手法，在旋律音与旋律音之间，加进了装饰音，把原来的旋律装饰得更加流利欢畅。

　以上这两个例子，仅是在乐曲中采用了变奏手法，如果在一首乐曲中，有系统地用变奏的手法来发展主题，那就叫变奏曲。变奏曲的原则是：先奏出完整的主题，然后依次演奏一个一个变奏。变奏的次数可多可少，少则三四次，多则二三十次。十七、十八世纪的组曲中，一首舞曲的后面往往紧跟着同一舞曲的变化反复，称为“复奏”。这种包含主题和一个变奏的舞曲，是变奏曲的前身。

　巴赫的《b小调乐队组曲》中的波兰舞曲就是。这首曲子是由长笛和弦乐器演奏的。长笛和第一小提琴演奏旋律，其他乐器演奏和声。后面紧跟着这个舞曲的“复奏”，同样的旋律移到低音部，由大提琴和低音提琴演奏;长笛吹另一个流畅的旋律，和它结合在一起，这也是一种固定旋律的变奏手法。复奏以后，又回到原来的舞曲，也就是说，变奏以后，又回到了主题。

　也就是说，变奏以后，又回到了主题。贝多芬的《f小调钢琴奏鸣曲》，因为音乐热情奔放、充满 英雄气概，而被称为“热情奏鸣曲”。其中第二乐章是一首变奏曲。抒情歌唱性的主题，象一首宁静而严肃的歌曲，表现出凝神思索的形象。主题的节奏是沉着的，严肃的，基本上一拍一个和弦。下面四个变奏用装饰变奏的手法来发展这个主题。从第一变奏到第三变奏，节奏逐渐加快，从一拍两个音、一拍四个音，到一拍八个音，表现从沉思中活动起来的精神境界。第三变奏是节奏的高潮，逐渐滋长的希望，达到了神采飞扬的境地。第四变奏回复了主题的节奏，但低音区和高音区的对照，犹如向深沉的内心投进了光亮，使人从沉思默想中振奋起来。突然，一个强烈的不协和弦打破了沉寂，导向热情奔放的第三乐章，它和第二乐章是紧密相连的。

　舒伯特《A大调钢琴五重奏》的第四乐章也是变奏曲。变奏曲的主题是他创作的歌曲《鳟鱼》，所以这首五重奏又被称作《鳟鱼钢琴五重奏》。钢琴五重奏通常是由第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴和钢琴演奏的，但这首五重奏不用第二小提琴而用了低音提琴。第四乐章包含《鳟鱼》主题和五个变奏，每个变奏基本上保持着主题的旋律，主要是用固定旋律的变奏手法来发展主题的。在主题中，旋律由小提琴奏出。在五个变奏中，旋律分别由钢琴、中提琴、大提琴和低音提琴、小提琴、中提琴奏出。最后，在尾声中，主题第一段的旋律由小提琴和大提琴一问一答轮流演奏，钢琴上并且出现了歌曲《鳟鱼》中描写鳟鱼戏水的伴奏音型。

　里姆斯基-科萨科夫的《西班牙随想曲》，它的第二乐章也是一首固定旋律变奏曲。主题是西班牙阿斯土里亚斯省的一首舞蹈歌曲，叫做《黄昏舞曲》。在变奏发展中，作者绚丽多彩的配器手法，赋予丰富的色彩变化。在主题和四个变奏中，歌唱性的旋律分别由圆号、大提琴、英国管、木管乐器加小提琴、长笛、双簧管加大提琴演奏。四个变奏除了第一变奏以外，为了造成和声色彩变化，在结构上都有一些扩充。

　复变奏曲包含两个主题的变奏曲，也就是双主题变奏曲有两种不同的形式结构：

　第一种，先出现两个主题，然后依次出现两个主题的一系列变奏;

　第二种，先出现第一主题和它的一系列变奏，然后出现第二主题和它的一系列变奏。

　现以后一种类型的双主题变奏曲——俄罗斯作曲家格林卡的《卡玛林斯卡亚幻想曲》为例。这首幻想曲用变奏的手法发展两个俄罗斯民间主题，渲染成一幅民间风俗生活的图画，是俄罗斯民族交响音乐的奠基作品。第一主题出现在短短的引子以后，是俄罗斯民间的一首婚礼歌曲，原来的歌词是：“森林后，黑暗的森林后，一片绿色的小花园后，飞起一群天鹅。……”这个主题的曲调淳朴优美，由弦乐器齐奏。第一主题后面紧跟着三个变奏，用支声复调来衬托原来的旋律。所谓支声复调，就是在主旋律的上下，加进和主旋律时而平行、时而分离的陪衬旋律，是民间音乐中常用的手法。第二主题采用俄罗斯民间的卡玛林斯卡亚舞曲，这是一种两拍 子的、欢快的舞曲。

　第二主题的一系列变奏，也广泛运用了支声复调的手法。格林卡在两个形成鲜明对比的主题之间，找到了音调上的内在联系，因此在第二主题的变奏中，很自然地引进了第一主题开始的旋律。在第二主题的一系列变奏以后，又继续变奏第一主题，最后又 是第二主题的继续变奏。末段速度转快，全曲在生动热烈的 气氛中结束。

　固定低音：以4～8小节的低音旋律或和弦进行为主题(前者如JS巴赫的c小调《帕萨卡里亚》，后者如他的d小调《恰空》)，当主题不断反复时，上方声部蜿蜒不绝地变化复调结构与和声织体。在巴罗克时期的组曲中，有些舞曲反复演奏时，往往将旋律加以装饰，或同时改变其织体，称为“复奏变奏曲”。

　装饰：将一个结构完整(通常为二段式)的主题，进行一系列的变奏。常用的变奏手法有：

　1，装饰主题的旋律，并改变其织体;

　2，保持主题的旋律，而改变其和声与织体;

　3，改变主题的速度、节拍、节奏、调性、调式;

　4，从单调体变为复调体(卡农、赋格)等。固定低音变奏曲，主题和变奏是连续不断地发展的;装饰变奏曲的主题和每个变奏都是结构完整的段落，变奏少则3、4次，多则几十次(Lvan贝多芬的《迪亚贝利主题变奏曲》多达33次)，除了从主调体变为复调体的变奏外，主题结构都保持不变。

　自由：不仅主题的结构常起根本的变化，主题的性格和体裁也变幻不定(如从抒情性变为谐谑性，从进行曲变为舞曲等);保持不变的，只是主题的个别音调和若干和声轮廓，因此又称“性格变奏曲”。R舒曼的《交响练习曲》是性格变奏曲最早的范例。

　19世纪末叶的标题音乐常利用性格变奏曲移步换形的特点来揭示特定的标题内容。如R施特劳斯的《堂吉诃德》(1897)，主题带有骑士性格，各个变奏描绘了堂吉诃德的10次奇遇，终曲则描写了他的死亡。

　在V丹第的《伊斯塔尔变奏曲》中，甚至运用了独特的倒装变奏的形式，从最复杂的变奏开始，随后的一系列变奏描写伊斯塔尔在经过七重门时所受到的考验，最后才出现齐奏的主题。

　在浪漫派作曲家的作品中，往往同时运用装饰变奏和自由变奏，如ПИ柴科夫斯基为大提琴和乐队写的《洛可可主题变奏曲》。变奏曲可以作为独立的作品(声乐曲或器乐曲)，如：A亚当的《莫扎特主题变奏曲》(花腔女高音独唱曲)、巴赫的《戈尔德贝格变奏曲》;变奏曲也可作为奏鸣曲、协奏曲、交响曲、室内乐、组曲等套曲的一个乐章，并常用于慢乐章，如贝多芬《第二十三钢琴奏鸣曲》(热情)的第2乐章。某些变奏曲，按其艺术构思将一系列变奏划分为几个部分，因而使变奏曲具有组曲的性质，如СВ拉赫玛尼诺夫为钢琴和乐队而写的《帕格尼尼主题狂想曲》(见变奏曲式)。

　《戈德堡变奏曲》应该算是巴赫诸多钢琴独奏作品中流传最广的一部，编号为BWV988。名气与声望上可以与“平均律”相提并论，音律的美感很容易引起听者的共鸣。当初巴赫在创作它的时候就对这部作品有一个十分明确的定义——“一首为音乐爱好者消遣用的各种咏叹调以及变奏”。其实这部作品属于巴赫《键盘练习曲》的第四部分，写于 1741-1742年间。当时巴赫身处莱比锡，五十多岁的他视力开始逐渐衰退，但艺术热情丝毫没有减退，创作风格越发纯熟。这部变奏曲问世之初巴赫为它定的标题是《有各种变奏的咏叹调》，而后人根据其有趣的创作背景把这作品称为《戈德堡变奏曲》。

　这是音乐史上规模最大，结构最恢宏，也是最伟大的变奏曲。这部变奏曲是为两层大键琴而作，巴赫在各段变奏里都指定了键盘的种类。变奏曲的形式，是以一个基本主题，引导出对比命题和对应(反对)命题，然后再探求演绎与对比的各种可能性。巴赫这部作品，以他1725年为安娜·玛格达琳娜而作的小曲集中的一首萨拉班德舞曲作为主题，发展成30段变奏。这30的数字，由3所支配，以3个成一组的变奏，以卡农的方式表达：一位齐声的卡农，二为二度卡农，三为三度卡农……此后达到第九个卡农后，第十变奏为四声部的赋格，之间不断出现创意曲、托卡它、咏叹调等各种形式。第一层与第二层键盘交替。第十六变奏作为中心，速度分为前后两半，这种作曲技巧所构成的建筑结构之微妙，实在令人叹为观止!

　这部作品共分32段，第一段以那首萨拉班德舞曲的主题开头，第32段是经过30段变奏后和缓地、平静地重新回到主题(不同的是第一段的简单主题经过30段变奏后，已变得异常丰富和复杂。

　贝多芬写过两首著名的变奏曲。一首是作于1802年，主题采自芭蕾舞剧《普罗米修斯的生民》(OP43，1801年)的《降E大调变奏曲》(OP35)，该作品内有变奏和赋格15段，被称为《普罗米修斯变奏曲》。这一主题后来又用于《英雄交响乐》的最后乐章，因此，该曲还被称为《英雄变奏曲》。此曲风格雄壮豪迈，技巧辉煌丰富，贝多芬将即兴手法和赋格处理紧密结合，体现了钢琴曲的交响气势。

　另一首是作于1823年的《迪阿贝利变奏曲》。奥地利作曲家兼出版家迪阿贝利创作了一首圆舞曲，并邀请50位音乐家根据此主题各创作一首变奏曲，合成一部集体创作集，以爱国艺术家协会的名义出版。参加此项活动的音乐家包括了贝多芬、舒伯特、车尔尼、胡梅尔和年仅11岁的李斯特。迪阿贝利是一位相当成功的音乐出版家，但却只是一个平庸的作曲家，当时贝多芬接到迪阿贝利这个主题时曾大笑，讥讽这是“擦鞋匠的破布”，认为这是一首极粗俗、无聊、幼稚的圆舞曲，拒绝参加“爱国艺术家协会”。后来同意单独给贝多芬出版，他才答应为迪阿贝利写一首六至八段的变奏曲。但是，在创作过程中，贝多芬的乐思滚滚而来，一下写了33首，比他1807年创作的有32段变奏的c小调变奏曲还要多。因篇幅过大，歪打正着，正好单独成册，作为上卷。其余音乐家的作品合为下卷。

　贝多芬是在53岁的时候创作此曲的，这也是他创作出许多伟大作品的鼎盛时期。也许是创作的构思早已深埋在贝多芬的心里，一但遇上合适的环境，音乐的种子马上破土而出，他的创作仿若下笔有神，挡不住的音乐灵感令他一下子就创作了33首优秀的变奏曲。这部作品是继巴赫《哥尔德堡变奏曲》后，又一部传世的经典钢琴变奏作品。这部出色的钢琴变奏作品，自1824年出版后却更遭到了数年乏人问津的尴尬命运。直到由19世纪著名的指挥家、钢琴家彪罗对《迪阿贝利变奏曲》作了大量的推广工作，成功地激起了人们对该曲的兴趣。

　贝多芬高超的创作技巧和极富创造性的手法在《迪阿贝利变奏曲》中淋漓尽致地表现出来。彪罗认为不应只简单地把这部作品看作是一系列精彩的变奏，应更深地发掘作品的内涵——在作品中，人们可以清晰地看到贝多芬思想的进化和对声音的想象力，整个音响世界的意象被勾勒出来，这部作品反映的是他天才般音乐“小宇宙”的无限潜能。在第31变奏中，人们会看到巴赫所写的柔板的再现，随后的两重赋格变奏非常类似亨德尔时代的复活。最后三段变奏构成了过去音乐世界的重演。除c小调的第9和第28至31变奏以及降E大调的第32的赋格变奏外，整曲都采用C大调。第23变奏采用了莫扎特的歌剧《唐·璜》的主题，但这并未打乱变奏形式的逻辑。舒曼曾称这部变奏曲是贝多芬用钢琴对听众的永别。在这部作品中，贝多芬表现出高深的技巧，因此它被称为音乐史上无与伦比的著名变奏曲。《迪阿贝利变奏曲》表现出古典主义的宏伟气势，贝多芬将原本平庸无趣的圆舞曲主题打造成华丽典雅的音乐殿堂。只有巴赫的《哥尔德堡变奏曲》以及独奏小提琴奏鸣曲第五乐章主题加32个变奏的《夏空舞曲》才能与之媲美。

　《海顿主题变奏曲》也叫做《圣安东尼变奏曲》，勃拉姆斯以奥地利朝圣歌曲《圣安东尼赞歌》为主题创作而成。这是当时颇为流行的曲调，海顿的一首管乐嬉游曲也用了《圣安东尼赞歌》的主题，为了让听众更好地区分，因此勃拉姆斯把作品命名为《海顿主题变奏曲》。此曲有两种演奏的形式，可用于乐队演奏，也可以用于两架钢琴演奏。全曲共有八段变奏，并有一个帕萨卡里亚舞曲式的结尾。《海顿主题变奏曲》于1873年初在维也纳首演。

　英国作曲家布里顿，非常尊重和敬重自己的作曲老师——布里奇。1937年，他自老师布里奇《三首牧歌》中第二首的主题加以变奏，创作了这部管弦乐作品。全曲共十段，为了使听众便于理解各段变奏都加了注解：柔板、进行曲、浪漫曲、意大利曲调、布列舞、古典曲、维也纳圆舞曲、无穷动、送葬进行曲、歌曲与赋格。1937年，在奥地利的萨尔茨堡音乐节成功首演。

　1934年，俄国作曲家、钢琴家拉赫玛尼诺夫，用帕格尼尼的《二十四首小提琴随想曲》最后一首的主题，创作了钢琴与乐队的变奏曲。有关这部作品的创作经过，还有一段鲜为人知的佳话：有一次，拉赫玛尼诺夫与他的好朋友、俄国著名钢琴家莫伊赛维奇共进晚餐。两人都是大名鼎鼎的钢琴家，席间，他们谈及《帕格尼尼狂想曲》中第二十四变奏曲的演奏方法。这段音乐以和弦跳音写成，技巧极高并很难演奏。拉赫玛尼诺夫正搔首踌躇如何表现音乐，侍者送上一盘饮料，不过他却无心品尝。莫伊赛维奇笑道：“欲使跳音得心应手，何不饮用薄荷奶油”拉赫玛尼诺夫停下思考，顺手取了一杯，一饮而下。随后坐到钢琴前弹奏起来，刚才想不通的弹奏方式，仿佛一下子全部开窍，弹奏得完美无瑕。自此以后，拉赫玛尼诺夫每次上台演奏此曲，必先饮薄荷奶油一杯。因此，这首曲子也叫《薄荷奶油变奏曲》

　1712年，奥地利著名小提琴、作曲家克莱斯勒，根据意大利小提琴家、作曲家塔蒂尼的变奏曲改编成《科列里主题变奏曲》。原曲名为《据科列里极其优美的加沃特的运弓技法——小提琴的五十个变奏》，但这个曲名太长而且显啰嗦，因此重新命名为《科列里主题变奏曲》。这个变奏主题源自意大利早期小提琴乐派的代表人物——科列里，他所作的《小提琴奏鸣曲集》第十首第四乐章中的《加沃特舞曲》。乐曲由主题与三个变奏构成。主题旋律跳跃欢快，具有较强的舞曲性质。第一变奏采用琶音奏法，轻捷而流畅。第二变奏用跳进音程和颤音相结合的奏法，活泼优美，有着鲜明的加沃特舞曲的特点。第三变奏采用和弦奏法，间断有力，生气勃勃，使乐曲形成了一个高潮。最后，乐曲将主题重奏一遍结束。

　法国作曲家、音乐理论家拉莫，为其《新编古钢琴组曲集》中的第七首，改编成了变奏曲，命名为《加沃特与六个变奏》。乐曲由一个主题和六个变奏组成。第一变奏用左手的和弦奏出，右手用连续的十六分音符的走句装饰。第二变奏将左、右手的两部分加以调换。第三变奏中上声部的主旋律与构成对位的低声部相互交织，中声部则继续奏出连续的十六分音符的走句。第四变奏采用轻快而较强的节奏。第五变奏采用分散和弦式进行与同音反复进行。最后的第六变奏用右手奏出和弦，并由上声部的和弦连成主旋律，而以用左手奏出的乐音为其衬托。

　值得一提的是，拉莫不仅是一位作曲家，还是一位音乐改革家。他在自然音响的体系基础上，创立了现代和声体系，建立了和声体系转位法，也就是说拉莫建立了和声和古典转调的程序。当时对位法非常盛行，即几个旋律平行展开，在垂直的方向获得了意外的和弦，从而产生了“拉莫法制”。拉莫在理论上创立了和弦、和弦移位、基本和声功能学说，又是第一个论证主调和声音乐的人，并通过丰富的创作实践，整理为系统化的体系，为音乐理论的建立作出了卓越的贡献。德彪西认为：“只有拉莫才是法国真正的第一位音乐家”。

　1876年，柴可夫斯基创作了《洛可可主题变奏曲》，题献给他的好朋友、著名大提琴家菲芩哈根，该曲于1877年11月30日在莫斯科首演。“洛可可”一词，源于法语ro-caill，意思为“贝壳形”。是法国十八世纪中叶，庭院布置、室内装饰多方面的一种实用的艺术风格，其特点为强调富丽堂皇的外形和纤巧繁琐的装饰，在具体运用中强调不对称的各种漩涡形曲线和轻淡柔和的色彩。在音乐上常指巴洛克至古典乐派过渡时期的音乐作品风格。柴可夫斯基的《洛可可主题变奏曲》，曲名意在表明乐曲按照莫扎特的风格写成。曲调流丽安逸，具有和莫扎特作品相似的诗意，同时也表现出柴可夫斯基的艺术个性，以及俄罗斯民族音乐的风格。1879年，李斯特听了这部作品后赞叹道：“瞧，终于又听到音乐了”!《洛可可主题变奏曲》由一个主题与八个变奏组成，具有浓厚的俄罗斯音乐特点。由于这部作品是一首经典的变奏曲，所以版本也很多，但大提琴家菲芩哈根编定、演奏的版本流传最广。除了上述介绍的作品，著名的变奏曲还有：帕格尼尼的《摩西主题变奏曲》、柯达伊的《孔雀变奏曲》、埃尔加的《谜语变奏曲》、《威尼斯狂欢节幻想变奏曲》、《那坡里民歌主题幻想曲与变奏曲》、《魔笛主题变奏曲》等等。

　在中国民间音乐中，加花变奏法是旋律发展的重要手法之一。用装饰音把旋律装饰起来，使其更为丰富。加花变奏的手法有两种：一是原板变奏，保持结构而使骨干音提前或延迟出现;二是增减板变奏，扩充或压缩节拍，增减速度放慢，减板速度加快，民间称之为“快减慢繁”法。江南丝竹，古曲《春江花月夜》都有此类的变奏手法。

体裁 tǐcái

　　[modes of expression;type of literature;style] 文学作品的分类,可用多种标准来划分

　　genre

　　指一切艺术作品的种类和样式，其艺术结构在历史上具有某种稳定的形式，这种形式是随着艺术反映现实的多样性以及艺术家在作品中所提出的审美任务而产生发展起来的。在中国古代文学中，体裁，是指诗文的文风辞藻。

　　前苏联奥夫相尼柯夫《简明美学辞典》：体裁表示一门艺术内部分类的概念。因为体族是在各门艺术内部形成的，所以这个概念具有一般美学性质。在每一种体裁中都可以看到内容的某种共同牲（生活联系和关系的特殊性）以及方向性、生活现象取舍及其艺术体现、思想和审美评价、感染作用特点的某种共同性。每一种体裁都有一整套相对稳定的艺术手段，这些艺术手段就是这体裁的独特辨认标志。这些艺术手段具有派生的性质，因为它们都受各种体裁所特有的反映对象制约。体裁同艺术形象结构的各个方面，首先是同主题、情节和布局相关，体裁的各个要素（其外在的、物质的标志）可以归入艺术形式，但它在整体上体现着内容与形式的统一。

　　体裁又是一个历史范畴，现实的艺术运动只有通过体裁才能得以实现。体裁的兴起、发展及演化受历史环境的制约。体裁还体现时代特征、人们的生活方式和行为特征。每个时代都有只属于自己时代的体裁，而各种体裁的总和则反映时代的总体艺术风貌。体裁运动虽然最终制约于社会关系领域，但也有其相对的独立性和内在的发展逻辑。体裁反映了艺术发展过程中的各种稳定倾向，体现了艺术过程的特征和统一。体裁形式永远处于一种动态的嬗变过程，这－过程受艺术家的表现方法、艺术风格和世界观的影响。通过对体裁的选择，以及活跃多变的体裁形式，可以看出－个艺术家的生活、思想和审美定势的总貌。体裁形式的分类过程中体现看分合倾向的错综交叉。求分倾向预示着各艺术门类和种类内部新兴体裁的产生，而求合倾向则体现了各种体裁形式的相互联系和共同特征。

　　体裁的门类众多，－般包括文章体裁：记叙文、说明文、议论文、应用文，诗歌、散文、小说、戏剧；绘画体裁：风景画、肖像画。静物画、风俗画、战事画、主题画等；雕塑体裁：肖像、动物像、风俗、历史、花纹图案、纪念性雕塑等；舞蹈体裁：民间舞、古典舞、民族舞、技巧运动舞、节奏造型舞等；**体裁：故事片、新闻片、戏剧片、喜剧片、音乐戏剧片、艺术文献片等；音乐体裁：交响乐、奏鸣曲、颂歌、浪漫曲、歌曲等；建筑体裁：宫殿、文化设施、住宅、厂房等。狭义的“体裁”，有时是文体的同义词。

　　体裁是诗歌的外在形式。

　　体裁 古诗：古体诗

　　近体诗：绝句：4句 1、2、4句最后一字押韵 音律

　　律诗：8句，4联 2、4、6、8句最后一字押韵 音律

　　（颔联、颈联对仗）

　　词：别名：长短句、诗余、曲子词

　　组成：词牌名、题目

　　分类：小令（58字以下）、中词（59~90字）、长词（91字以上）

　　风格：婉约派、豪放派

　　曲：组成：宫调（曲调）、曲牌、题目

　　音乐体裁：

　　音乐的各种表现样式和类别。从简短的歌曲到宏大的交响曲，其中包含大小不一，繁简各殊的体裁。音乐作品的体裁大体上可以概括为声乐、器乐和戏剧音乐三大类，其中每一类还可细分。例如器乐类即有幻想曲、前奏曲、托卡塔等即兴性体裁，赋格、创意曲等复调性体裁，以及组曲、奏鸣曲、室内乐、协奏曲等套曲体裁。近代交响乐队演奏的管弦乐作品，总称为交响音乐，包括音乐会序曲、交响曲、交响组曲、交响诗等。声乐类有独唱、重唱、合唱、康塔塔、清唱剧等；戏剧音乐类有歌剧、舞剧、话剧配乐等。中国传统的民族民间音乐一般分为民歌、曲艺音乐、歌舞音乐、戏曲音乐和器乐5大类。其中每一类还可分为较小的体裁。如民歌中有山歌、号子、小调；曲艺中有弹词、大鼓、牌子曲等；歌舞中有采茶、花灯、秧歌等；戏曲中有昆曲、高腔、梆子、皮黄等；器乐中有丝竹、吹打、弦索等。

　　音乐体裁的具体分类如下：

　　1 曲调（air，法、英）具有歌唱性的器乐曲，常用于18世纪的组曲中。

　　2 阿勒曼德（allemande，法）17世纪盛行于法国和英国的舞曲体裁，四拍子，节奏平稳，速度较慢，常用于组曲。同样的名称在19世纪指流行于瑞士乡村的三拍子轻快舞曲，它是华尔兹的前身。

　　3 赞美歌（anthem，英）英国基督教教会仪式所用音乐，有独唱、合唱形式，歌词大多取自圣经，用英语演唱，一般用管风琴伴奏。

　　4 咏叹调（aria，意；air，英、法；Arie，德）独唱曲，是歌剧、清唱剧等大型声乐作品中的重要段落，也可以是独立的作品。具有高超的演唱技巧和幅度较大的情感抒发。

　　5 叙事歌；叙事曲（ballade，法、德）⑴13、14世纪的法国世俗歌曲。⑵19世纪盛行于德国的具有叙事性的歌曲，内容常与民间故事、传奇有关。⑶19世纪抒情浪漫的器乐曲，如肖邦和勃拉姆斯的钢琴作品。

　　6 芭蕾舞剧（ballet，意）由舞蹈演员身着剧装在音乐伴奏下表演的戏剧。起源于文艺复兴时期的意大利，后传入法国获得极大发展。最初的法国芭蕾舞剧音乐不仅有器乐，还有歌唱和朗诵，因此可看作是歌剧的前身（当时的歌剧中也有芭蕾舞，此传统一直延续到19世纪末，并影响到意大利歌剧）。19世纪中叶以后出现大量优秀的芭蕾舞剧音乐，如柴可夫斯基的《天鹅湖》、斯特拉文斯基的《火鸟》等。

　　7 船歌（barcarolle，法；Barkarole，德；barcarole，意）来源于威尼斯船夫歌曲的器乐曲（钢琴曲为多，也有管弦乐曲），6/8或12/8拍，速度和缓，通常是在荡漾的节奏韵律之上有一条歌唱性的悠扬曲调。

　　8 摇篮曲（berceuse,法；cradle,英；lullaby,英；Wiegenlied，德）安静温和的声乐或器乐小曲，节奏有如摇篮缓缓摆动。

　　9 布鲁斯（blues，英）一译蓝调。美国爵士乐的一种风格，源于黑人灵歌。通常为十二小节，节奏平稳，速度较慢，其名称来源于别具特色的常降低半音的大调第三和第七级音（称作"怨音"blue notes）。

　　10 波莱罗（bolero，西）西班牙舞曲，三拍子，稳定的中速，用响板敲击具有特性的节奏。拉威尔的管弦乐《波莱罗舞曲》是最著名的作品，肖邦也写有这种风格的钢琴曲。

　　11 布列（bourrée，法；borry，boree，英；bore，意）⑴盛行于17和18世纪的法国舞曲，速度较快，通常为2/2拍。⑵现流行于法国中部奥弗涅山区的三拍子舞曲。

　　12 康康（cancan，法）19世纪末盛行于法国的舞曲，快速，2/4拍，热烈而粗俗。最著名的是奥芬巴赫所作轻歌剧《地狱中的奥菲欧》中的康康舞曲。

　　13 卡农（canon，系）一种二声部或更多声部的复调音乐形式，当一个声部的旋律出现之后，另外的声部紧跟模仿。有将旋律完全保持的"严格卡农"，也有带些变化的"自由卡农"。它可以是一首独立乐曲的形式，也可在大型作品中出现局部性的卡农写法。

　　14 康塔塔（cantata，意；Kantate，德）一译大合唱。盛行于17世纪和18世纪上半叶的多乐章声乐作品，包括独唱的宣叙调、咏叹调，重唱，合唱，由管弦乐队伴奏，与清唱剧相类似，但规模较小。有宗教的也有世俗内容的。巴赫留存于世的二百余部康塔塔是经典之作。

　　15 随想曲（capriccio，意；caprice，法）⑴16世纪末至17世纪较为自由的赋格性质器乐曲，多为古钢琴作品。⑵技巧性练习曲，如帕格尼尼的《24首小提琴随想曲》。⑶19世纪用于形式较为自由的乐曲，常借用著名曲调为主题，如柴可夫斯基的管弦乐曲《意大利随想曲》。

　　16 夏空（chaconne，法；ciaccona，意）一译恰空。盛行于17世纪的风格庄重的三拍子舞曲，也是一种复调音乐形式，即在固定的主题或一连串固定的和声进行之上作多次变奏。

　　17 室内乐（chamber music，英）指适合在室内而不是大厅由少数人演奏的器乐曲，早期曾包括声乐。主要体裁是数种重奏，最常见的是古典时期的弦乐四重奏、钢琴五重奏等。现在虽常在音乐厅演奏这类作品，但依然保持原有的细腻亲切的特性。

　　18 众赞歌（Choral，德；chorale，英）基督新教（路德教派）的赞美诗曲调，最早出版于1524年。宗教改革者马丁·路德将其作为改革手段之一（他本人还曾创作过一些）。其特点为：采用本国语演唱，曲调大多选自朴素通俗的民歌和古老的圣歌。起初为单声部，后来出现了主旋律在最高声部的四部合唱式以及复调形式。17、18世纪众赞歌成为重要的音乐创作源泉，如巴赫的管风琴众赞歌前奏曲、众赞歌变奏曲以及大量宗教康塔塔中都以众赞歌旋律为素材。

　　19 众赞歌前奏曲（chorale prelude，英）以众赞歌为素材的管风琴曲通称，盛行于17、18世纪。在路德教派的教堂仪式中，会众唱赞美歌之前要先由管风琴将其旋律演奏一遍。演奏者可将旋律作自由变奏，这种做法逐渐形成了众赞歌前奏曲体裁。

　　20 协奏曲（concerto，意；Konzert，德）也称作独奏协奏曲，是一件独奏乐器和管弦乐队的协奏。形成于18世纪，通常为快－慢－快三个乐章。在莫扎特奠定的古典协奏曲模式中，第一乐章有两个呈示部，即乐队先呈示主题，然后由主奏乐器在乐队伴奏下带有变化地再次呈示主题；第一乐章（有时也在末乐章）将近结束处有"华彩乐段"（cadenza），即主奏乐器单独演奏的炫技性段落。19世纪逐渐不再遵循这种模式。

　　21 大协奏曲（concerto grosso，意）盛行于17世纪和18世纪初的多乐章作品，是由几件乐器组成的独奏小组和管弦乐队的协奏。主奏组大多由小提琴、长笛、双簧管、大提琴、古钢琴组成，通常为2-5件乐器，它们细腻纤巧的音响与宏亮的乐队合奏形成鲜明对比。

　　22 库朗（courante，法；corrente，coranto，意）盛行于17和18世纪初的活泼的三拍子舞曲，常用于组曲。

　　23 恰尔达什（csárdás，匈；Czardas，德）一译查尔达什。匈牙利舞曲，由缓慢而忧郁的lassan段和快速热烈的friss段构成。李斯特的《第二匈牙利狂想曲》即典型的恰尔达什舞曲。

　　24 嬉游曲（divertimento，意）盛行于18世纪末的轻松怡情的多乐章室内乐或小乐队作品。在莫扎特的嬉游曲中，也有些比较深刻严肃。

　　25 二重协奏曲（double concerto，英；Doppelkonzert，德）两件独奏乐器与乐队的协奏曲。如勃拉姆斯《小提琴与大提琴二重协奏曲》。

　　26 二重奏（唱）（duet，英；duo，法；duetto，意）供两人演奏（演唱）的形式，二个声部不分主次，可有伴奏或无伴奏。器乐二重奏（除钢琴二重奏外）还专门称做duo。

　　27 练习曲（étude，法；study，英；studio，意）专为练习乐器演奏技巧而作的乐曲。19世纪肖邦、李斯特、德彪西等人加强了这种体裁的艺术性，使之成为音乐会上的正式曲目。这类作品称为"音乐会练习曲"。

　　28 凡丹戈（fandango，西）活泼的西班牙舞曲，快速、三拍子，用响板和吉他伴奏。

　　29 幻想曲（fantasy，英；fantasia，意；fantaisie，法；Phantasie，德）器乐曲，总体特点是形式上自由不拘，带有幻想的性质。⑴文艺复兴时期指不采用舞曲形式或变奏手法而采用复调技巧自由写作的器乐曲。⑵巴洛克时期即兴性的键盘或琉特琴乐曲，如巴赫的《半音阶幻想曲》。⑶古典主义时期在写法上比奏鸣曲更为自由的大型作品，如莫扎特的钢琴《幻想曲》K396、贝多芬的"月光"奏鸣曲op27no2（作者标明"类似幻想曲的奏鸣曲"）等。⑷浪漫时期带有幻想色彩的乐曲，如勃拉姆斯的钢琴曲《幻想曲》op116。⑸根据现成主题（民歌、他人音乐素材）所写的乐曲，如李斯特《根据贝利尼歌剧<梦游女>主题而作的幻想曲》等。

　　30 法朗多尔（farandole，法）古老的法国舞曲，目前仍流行于普罗旺斯一带。6/8拍，也有2/4拍，如比才管弦乐组曲《阿莱城姑娘》中的《法朗多尔舞曲》。

　　31 弗拉门科（flamenco，西）盛行于西班牙南部安达卢西亚的歌舞体裁，用吉他伴奏，常常带有悲伤意味。在西班牙吉他作品中弗拉门科是一种典型风格。

　　32 赋格（fugue，法；Fuge，德；fuga，意）在一个主题上构成的多声部（至少二声部）复调作品。单声部的主题在原调上出现之后，另外的声部依次进行模仿。主题在全曲多次出现，中间有数个"间插段"，它们大多采用主题片断作素材，在不同调性上进行丰富多样的变化，也可引进新材料。最后一次主题在原调上完整出现，便告结束。赋格可用于一部独立的作品，也可用于一部大作品的局部，称作"赋格段"。

　　33 加伏特（gavotte，英）盛行于17世纪的法国舞曲，传入宫廷后，成为当时各种作品中不可或缺的形式，如歌剧、组曲中常有加伏特舞曲。快速，4/4拍。

　　34 格里高利圣咏（Gregorian chant，英）一译"素歌"。罗马教会所保存并沿用至今的最古老的宗教歌曲集，以教皇格里高利一世命名。单声部旋律，节奏自由，以拉丁文歌词的抑扬顿挫为依据。分为两大类：⑴用于教堂举行弥撒的成套圣咏，内容集中于耶稣最后的晚餐与受难；⑵用于修道院每天不同时辰祈祷的"日课"圣咏。

　　35 哈巴涅拉（habanera，西；abanera，意）一译"阿伐奈拉"。起源于古巴哈瓦那的舞曲，较慢的二拍子，第一拍为切分音。19世纪传入西班牙。

　　36 哈里路亚（hallelujah，希伯莱；alleluia，拉）希伯莱文原意为"赞美上帝之歌"，是圣经中欢乐地赞美上帝的专门用词。巴洛克时期的作曲家常将其用于清唱剧、康塔塔等大型声乐作品，如亨德尔《弥赛亚》中的合唱"哈里路亚"。

　　37 幽默曲（humoresque，法）盛行于19世纪的一种形式较为自由的器乐体裁，如德沃夏克的《幽默曲》op101。

　　38 即兴曲（improperia，法）盛行于19世纪的钢琴小曲体裁，具有精美典雅以及自由灵动的特性。如舒伯特的钢琴即兴曲。

　　39 间奏曲（interlude，英；entr'acte，法）同intermezzo⑵、⑷。

　　40 幕间曲（剧）（intermezzo，意）⑴盛行于16、17世纪在戏剧幕间演出的带有音乐的短剧，它是18世纪喜歌剧的前身。⑵在戏剧或歌剧两幕之间的器乐曲。同interlude。⑶一种独立的器乐小品，如勃拉姆斯等人的钢琴小曲。⑷多乐章作品（交响曲、协奏曲、奏鸣曲）中较为的短小乐章。

　　41 引子（introduction，英）乐曲的开头部分，常见于交响曲、奏鸣曲、弦乐四重奏等较大型作品，通常为慢速，与快板主题形成鲜明对比。

　　42 爵士乐（jazz，英）20世纪初产生于美国的音乐风格。其中含有非洲鼓乐的节奏、欧洲的和声、美国福音歌曲的唱法以及布鲁斯（即"蓝调"）、"拉格泰姆"（ragtime，一译雷格泰姆）等诸多因素。称之为Jazz大约是在1915年左右，但含义模糊。之后发展出多种类型，如摇摆（swing）、比博普（bebop）、博普（bop）等。

　　43 吉格（jig，英；gigue，法）16世纪出现的英国舞曲，17世纪盛行于欧洲，常用于组曲。快速活泼，三拍子。

　　44 霍塔（jota，西）源于阿拉贡地区的西班牙舞曲，快速，三拍子，用吉他和响板伴奏。

　　45 利德（lied，德）原意为歌曲。现专指德、奥浪漫歌曲，如舒伯特、舒曼、勃拉姆斯、沃尔夫的歌曲。其特点是歌词选用短小的诗作，音乐和诗歌紧密结合，钢琴伴奏部分担任重要的烘托气氛和描绘情景的作用。

　　46 牧歌（madrigale，意；madrigal，英）意大利古老的世俗声乐曲。最早出现于14世纪，大多为二声部（也有三声部的）复调形式，至16世纪发展为以五声部最为常见的复调重唱或合唱。此外还有独唱形式，如蒙特威尔第的作品。

　　47 进行曲（march，英；Marsch，德；marcia，意）伴随队伍行进的音乐。两拍子或四拍子（快速的也有6/8拍子），重拍突出，乐句对称。常用于歌剧、交响曲中，如威尔第歌剧《阿伊达》中的大进行曲，贝多芬第三交响曲中的"葬礼进行曲"。

　　48 弥撒曲（mass，英；Messe，德；missa，拉）天主教（基督教旧教）用于圣体圣事礼仪的音乐，由成套的圣咏组成，用拉丁文演唱。常规的弥撒形式有五个固定部分：慈悲经（Kyrie）、荣耀经（Gloria）、信经（Credo）、圣哉经（Sanctus）、羔羊经（Agnus dei）。中世纪后期开始对其中某些乐章进行多声编配，以后更是出现了丰富而自由的创作。

　　49 玛祖卡（mazurka，mazur，波）波兰民间舞曲，中速或快速，三拍子，节奏带有附点，强拍常处于第二或第三拍上。肖邦将其高度艺术化，作有大量钢琴玛祖卡。

　　50 小步舞曲（menuet，法；minuetto，意；minuet，英）17世纪盛行于法国的中速三拍子舞曲，源自民间，后成为宫廷舞。18世纪常被用于多乐章器乐曲，如交响曲、弦乐四重奏的第三乐章。

　　主要作品有：

　　(1)钢琴独奏：奏鸣曲三首，“少年奏鸣曲”三首，三乐章《幻想曲》—首，根据帕格尼尼随想曲主题而写的练习曲十二首，阿贝格变奏曲，克拉拉主题即兴曲一首，变奏曲式练习曲(即《交响练习曲》)十二

　　首，浪漫曲三首，四首赋格曲和七首小赋格曲，四首进行曲，《蝴蝶》、《间奏曲》、《大卫同盟舞曲》、《狂欢节》、《幻想曲》(共两首)、《童年情景》、《克莱斯勒偶记》、《新事曲》、《夜曲》、《维也纳狂欢节趣事》、《钢琴曲》、《少年曲集》、《森林景色》、《五彩缤纷的叶子》、《画册的一页》、《早晨的歌》等标题小曲集，托卡塔，b小调快板，《阿拉伯风格曲》，《花儿》和《幽默曲》。

　　(2)钢琴二重奏：八首波洛奈兹，六首即兴曲(《东方印象》)，十二首大小儿童用乐曲，九首舞曲(《舞会情景》)，六首简易舞曲(《儿童舞曲》)。

　　(3)两架钢琴用：行板与变奏曲，八首波洛奈兹舞曲。

　　(4)带脚键盘钢琴用：六首练习曲和四首素描。

　　(5)管风琴或带脚键盘钢琴用：以巴赫的名字(Bach)为基础的赋格曲四首。

　　(6)管弦乐曲：四首交响曲，序曲、谐谑曲与终曲，席勒的《墨西拿的新娘》序曲，莎士比亚的《恺撒大帝》序曲，歌德的《赫尔曼与窦绿苔》序曲，《a小调协奏曲》，《G大调引子与热情的快板》，钢琴与乐队的D大调音乐会快板，小提琴协奏曲，小提琴与乐队的《幻想曲》，大提琴协奏曲，四支圆号与乐队的《音乐会曲》。

　　(7)室内乐：三首四重奏，三首三重奏，三重奏《幻想曲》四首，钢琴四重奏，钢琴五重奏，钢琴、单簧管(或小提琴)与中提琴的《童话故事》，两首小提琴奏鸣曲，中提琴与钢琴的《童话场景》，大提琴与钢琴的民歌风格小曲五首，双簧管与钢琴的浪漫曲三首，单簧管与钢琴的《幻想曲》，圆号与钢琴的《柔板与快板》。

　　(8)声乐曲：三十三部套曲与十四首单篇的歌曲(有钢琴伴奏)，钢琴配乐朗诵的三首叙事歌，四套二重唱，一套三重唱，四套四重唱(均有钢琴伴奏)，主调合唱歌曲(七套混声、四套男声、两套女声)，十五首乐队伴奏的合唱曲。

　　(9)戏剧音乐：《格诺费瓦》(歌剧)，拜伦的《曼弗雷德》配乐(原拟上演舒曼亲自改编的剧本时用)。

　　摘自《外国音乐辞典》

http://downchinayqcom/UploadFile/2008-12/ 巴克拉诺娃%20降B大调小奏奏鸣曲(sonata)的原意是指被演奏着的套曲（多乐章的音乐作品），今指用奏鸣曲式写作的器乐套曲。奏鸣曲式是乐曲的一种结构形式，包括呈示部、展开部和再现部三大部分。奏鸣曲式有一种传统的写法，例如：呈示部中包括主部主题（第一主题）和副部主题（第二主题），主部主题如果是小调性，那么副部主题就要在主部主题的关系大调上；主部主题如果是大调性，那么副部主题就要在主部主题的属大调上。展开部要有转调或离调，再现部中副部一般要调性回归，这种曲式结构逻辑本身就是矛盾对立统一的辩证关系。演奏奏鸣曲时，要注意曲式结构中的音乐起伏。 小奏鸣曲是指曲式结构规模较小，音乐形象较为简洁（单一），音乐内容较为浅显的奏鸣曲。钢琴小奏鸣曲是钢琴学习的必修内容。 本课次学习贝多芬的《G大调小奏鸣曲》，曲谱可见“钢基”第一册第86页。 第一乐章要演奏得优美如歌，亲切抒情，充满着诗意。右手第2小节两个音一连的小连线要注意语气自然，第一个音用自然重量弹，第二个音用提手的自然离键动作带起（下同）。倚音要弹得圆滑灵巧，占用本位音符的时值。右手第6小节中的二分音符同音换指要从容，注意虎口松弛及拇指主动。右手第25-30小节要注意保持音和连音的演奏，时值充足连贯，音乐情绪饱满。左手第9-10小节和第11-12小节可以作为一个伴奏短句来弹，使其音乐进行有推动力。第10小节和第12小节右手第一拍上的缩指要准确舒畅。左手第13-15小节的双音伴奏要注意节拍韵律，使其节拍重音与右手的四分音符同步。乐曲的第一乐章在延长的强势中结束。 贝多芬这首小奏鸣曲的第一乐章谱首标有Moderato(中板，每分钟88拍 )，练习时可以用每分钟76-96拍的音乐速度。 《G大调小奏鸣曲》第二乐章谱首标有Andantino（小行板，每分钟69拍），标题为“浪漫曲”。浪漫曲(Romance)是一种音乐体裁，它主要是指使用乐器伴奏的抒情独唱歌曲，柴可夫斯基创作了多首独唱形式的Romance。有时作曲家把自己创作的旋律抒情流畅优美的器乐独奏曲取名为“浪漫曲”。如贝多芬创作的小提琴独奏曲“F大调浪漫曲”和“G大调浪漫曲”、舒曼创作的“双簧管浪漫曲”等。 贝多芬《G大调小奏鸣曲》第二乐意“浪漫曲”要演奏得舒展优美、清新流畅。左手的半分解和弦或分解和弦伴奏音型，要掌握好节拍的韵律。右手弹奏第9小节的半连音上行音调，手指尖要贴键运行，并注意渐强走势。第12小节第四拍至第16小节的重复变化进行，可以弹出弱——中强——强的三个力度层次，不要简单地重复。第17-19小节左手上的分解柱式和弦的弹法要作为一种技巧练习，要弹得清晰俐落而有共鸣，犹如吉他的扫弦。第20-21小节渐慢要自然，第21小节回原速(a tempo) 前要有呼吸。第30小节右手上的复倚音要贴键滚动圆滑地弹出，右手独立正确地保持好节拍与节奏。第34小节右手上的复倚音要与左手上的分解音型配合协调，倚音的弹奏不要失去旋律的歌唱与连贯。乐曲终止处的三个四分音符要保持两拍的时值，八分休止符准确，音乐在八六拍子中结束。 在“乐圣”贝多芬的音乐作品中，充满着丰富多彩、对比强烈的音乐素材，因而形成了贝多芬音乐中的戏剧性效果和哲理性思想，如钢琴奏鸣曲《悲怆》、《暴风雨》和《热情》等等。然而，贝多芬的这首《G大调小奏鸣曲》却充满了甜蜜的爱意及美妙的诗境，这是贝多芬风格的另一个侧面，犹如他的钢琴小品《艾丽丝》和第四交响曲等。 此课次可以弹奏bB大调与C大调音阶的听辨练习。 奏鸣曲的传统式样一般为“快——慢——快”三个乐章的套曲。第一乐章多为充满活力的、有精神的快板，第二乐章多为舒展优美的慢板，第三乐章多为活泼欢快、乐观向上的快板。乐章与乐章之间的风格对比，乐章之内的不同主题之间的性格对比，主题内部不同因素的对比，是奏鸣曲式写作的重要原则，也是奏鸣曲艺术的逻辑特征，例如贝多芬的钢琴奏鸣曲《暴风雨》、《热情》、《悲怆》等。然而，纯古典的钢琴奏鸣曲常常带着宫廷室内乐的娱乐性艺术情调，比如海顿、莫扎特的一些钢琴奏鸣曲等。 奏鸣曲的第一乐章一般是作品的中心部分。乐思形象、艺术技巧及结构地位往往集中于此。所以，在钢琴演奏学习及考试中，一般要求演奏奏鸣曲的第一乐章。然而，“乐圣”贝多芬继古典大成又开浪漫先河，他的第三乐章常作为奏鸣曲创作的中心内容，例如：“月光”、“热情”等。贝多芬的32首钢琴奏鸣曲被誉为“新约圣经”，是钢琴艺术发展史上划时代意义的作品。“交响曲之父”海顿和“音乐神童”莫扎特的钢琴奏鸣曲，是传统钢琴专业学习中的不可跨越的修练域面。 在钢琴奏鸣曲的学习中，先学习小奏鸣曲，继而学习莫扎特——海顿——贝多芬等，这是教学中的一般操作程序与进度设计。小奏鸣曲的学习一般还要结合车尔尼“849”和“299”的进度而实施。在弹奏鸣曲的练习过程中，不可放松对音阶琶音的练习。 在钢琴演奏学习或考级中，往往只学习作品的某一个乐章（多见第一乐章或第三乐章），然而，在音乐会上演奏奏鸣曲，一般要完整地表演三个乐章的套曲形式。完整地演奏一部奏鸣曲要注意调节乐章之间的情绪转换，要注意第三乐章对第一乐章的呼应关系，提高把握作品曲式结构的艺术表演能力。 克列门蒂(MClementi,1752-1832)创作的《C大调小奏鸣曲》（作品36之一，曲谱可见“钢基”第一册第94页）是包含“快——慢——快”三个乐章的套曲。第一乐章为spiritoso（有精神的、热情的），调性为C大调，二二拍子；第二乐章为Andante（行板 ），调性为F大调，四三拍子；第三乐章为Vivace（速板），调性为C大调，八三拍子。三个乐章的调性布局按照古典原则的对比统一规律，节拍对比也形成鲜明特点。“没有对比就没有音乐”在此得以证验，演奏中要予以心理上的重视。 克列门蒂《小奏鸣曲》（作品36号之一）第一乐章活跃而富有朝气，要注意旋律弹奏中的连音与跳音的对比效果。右手第9小节和第11小节的八度上行大跳旋律及重复保持要注意一五指弹奏中的重量转移及四五指的轮指弹法。右手第20-21小节分解八度弹奏要保持手腕松通及重量转动调整，不要弹得太重，此处要突出左手的分解和弦走向。右手第30小节要注意双音跳奏整齐而富有弹性并奏出渐强超势。主题的重复与发展变化，要注意强弱的起伏对比，例如第1-4小节与第24-27小节等。左手第1-5小节和声功能低音不可弹得太短，手指尖有在键盘上“站一站”和“稳一稳”的感觉，声音圆润踏实，有根基有运动的倾向性。左手第16-19小节要作为一个旋律声部来弹奏，手指尖在键盘上站稳松通，保持好手型，声音贯通舒展。第一乐章的音乐有一种童趣形象，乐章在强势中以肯定的音乐语气结束。 第二乐章的表情术语为dolce（柔美的），dolce这个词又多出现在奏鸣曲式中的副部中，这可谓是奏鸣曲艺术的常用音乐词汇。这个第二乐章是优美柔和的行板(Andante), 要仔细关切乐谱中较为细致的力度记号的要求。左手第1-4小节三连音伴奏音型要有表情地衬托旋律，要均匀连贯且有起伏（下同）。第4小节右手接左手的三连音进行要准确自然（下同）。第3小节的右手颤音从上方音开始，与左手音型形成“右手两个音对左手一个音”的立体（双手）节奏关系（下同）。第8小节要注意段落呼吸，第9小节右手双音不要弹成“分割式”的块状，可用贴键弹法的半连音弹出渐强的走句。第12小节尾处要呼吸，第13小节有重新起始音乐的感觉。第19小节是再现段落的开始，音乐语气要有所强调，但不失dolce的韵味。第二乐章在dolce的饱满情绪及美妙的意境中终止。 第三乐章是非常活跃的速板(vivace),弹奏中要始终保持八三拍子的节拍律动特征。此乐章的主要技术课题仍然是连音与跳音的对比，连跳分明，连音圆滑流畅，跳音灵巧而富有弹性，是学习中进一步讲究的运指规格与技术目标。弹奏中要注意主题反复时的力度对比，第17-23小节要注意不同旋法及不同弹法的呼应式艺术口吻。左手分解和弦伴奏音型要突出节拍重音，均匀连贯面富有节拍起伏。右手第24-28小节音阶式跑句要严格指法，可用一次性的弹奏动作状态奏出，顺畅华丽，清晰匀致。第三乐章在强势的肯定与强调性音乐语气中结束，收尾的柱式主和弦可用“推弹式”断奏来弹。 鸣曲rar