波普艺术的介绍以及代表作是哪些 ？

　　波普艺术(Pop Art)最早起源于1950年代的英国，之后因为以Andy Warhol为代表的一批明星级艺术家的影响力而在美国得到巨大发展。让波普出现在了时装、AC-DC、香烟、胶纸、摇滚唱片等任何东西上。将身边的物品，如漫画、**海报、明星、高跟鞋、任何消费品图像通过解构、拼贴、重复的手法进行艺术创作，都可成为波普艺术的创作主题。

　　波普艺术作为对抽象表现主义的叛逆登上了艺术舞台，这也是美国一种重要和独特的艺术形式。代表人物劳森伯格受到作曲家凯奇的影响，试图以一种新的艺术形式来抹平艺术与生活的区别，艺术家应该自由的反映客观现实，不受传统的约束。他甚至把城市的废弃物作为创作作品的材料，把这些本来不具备审美特性的东西按照艺术构思拼凑起来，使之脱离原来的属性在形式上开了“结合”艺术的先河。汉密尔顿的作品更直接体现了波普艺术的本质，他们并非对现实的讽刺挖苦或反叛，而只是以一个普通者的姿态观察我们生活的世界。使我们突然意识到某些东西的存在，而这些习以为常的东西确经常被我们忽略。安迪·沃霍与其他波普艺术家相比显得更彻底，他完全取消了艺术创作中的手工操作观念，直接用制版印刷的方法 把照片形象移到画布上。还应用了古典主义者和现代主义者视为大忌的“重复”，甚至于推向极端，可口可乐瓶无尽无休的排列，以及明星们的照片都成为了最好的创作主题和素材。 这十分贴切的反映出了后工业时代的特征，现代工业正是这样每天重复着同一样东西。以直观的艺术形式代替了深奥的艺术。随着后现代艺术的推进，它同我们生活的界限也显得愈来愈近，可能我们无法意识到，但它作为我们生活和精神的组成部分已无法替代。

　　是流行艺术（popular art)的简称，又称新写实主义，因为波普艺术（Pop Art）的POP通常被视为“流行的、时髦的”一词（popular）的缩写。它代表着一种流行文化。

　　在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。

巴勃罗·毕加索是西班牙画家，是现代艺术的创始人，西方现代派绘画的主要代表。毕加索是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，是20世纪最伟大的艺术天才之一。

毕加索的作品风格丰富多样，后人用“毕加索永远是年轻的”的说法形容毕加索多变的艺术形式。史学上不得不把他浩繁的作品分为不同的时期——早年的“蓝色时期”、“粉红色时期”、盛年的“黑人时期”、“分析和综合立体主义时期”（又称“立体主义时期”）、后来的“超现实主义时期”等等。

毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。他在艺术历程上没有规律可循，从自然主义到表现主义，从古典主义到浪漫主义，然后又回到现实主义。从具象到抽象，来来去去，他反对一切束缚和宇宙间所有神圣的看法，只有绝对自由才适合他。艺术作品是伟大的人物创造的。

毕加索的主要作品有：《亚威农少女》、、《卡思维勒像》、《瓶子、玻璃杯和小提琴》、《格尔尼卡》、《和平鸽》、《戴帽子男人的半身像》、《戴贝雷帽、穿格子裙的女子》、《坐在窗边的女人》等等。

人物评价：

毕加索是20世纪现代艺术的主要代表人物之一，遗世的作品达二万多件，包括油画、素描、雕塑、拼贴、陶瓷等作品。毕加索是位多产画家，据统计，他的作品总计近 37000 件，包括：油画1885 幅，素描7089 幅，版画20000 幅，平版画 6121幅。

毕加索的一生辉煌之至，他是有史以来第一个活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。毕加索是国际公认的艺术大师，他一生的创作几乎反映和见证了西方现代艺术发展的重要历程，对世界艺术的推动也产生了极为重大的作用和影响，并极大改变了人们绘画创作与观赏的思维和方式。

以上内容参考  -毕加索

20世纪以来具有前卫特色、与传统文艺分道扬镳的各种美术流派和思潮，又称现代派。

发展状况

现代主义的源流可以追溯到法国的印象主义。19世纪80年代，法国的后印象主义、新印象主义和象征主义画家们提出的“艺术语言自身的独立价值”、“绘画不作自然的仆从”、“绘画摆脱对文学、历史的依赖”、“为艺术而艺术”等观念，是现代主义美术体系的理论基础,所以,法国后印象主义画家P塞尚这位在作品中追求绘画语言的几何结构和形体美感的画家，被人们称作“现代绘画之父”。较为明显的现代主义绘画风格首先是在法国野兽主义画家们的作品中出现的。以H马蒂斯为代表的一群年轻画家，在1905年的巴黎秋季沙龙中，展出了一批风格狂野、艺术语言夸张、变形而颇有表现力的作品，被人们称作“野兽群”,由此“野兽主义”得名。1908年,另一群年轻画家以P毕加索、G布拉克为代表，在法国推出立体主义绘画。立体主义的原则最初出现在毕加索的油画《亚威农少女》中。这幅画被认为是传统艺术与现代艺术的分水岭。立体主义用块面的结构关系来分析物体，表现体面的重叠、交错的美感，是立体主义追求的目标。野兽主义和立体主义都从非洲雕塑中吸收了养料，它们的艺术语言与传统法则相去甚远，标志着现代主义已进入自我确立的阶段。与此同时，在德国1905年组织的桥社、1909年成立的青骑士社等表现主义社团崛起。它们的美学目标和艺术追求与法国的野兽主义相似，只是带有浓厚的北欧色彩与德意志民族传统的特色。如果说表现主义受工业科技的影响，表现物体静态的美，那么在意大利兴起的未来主义则在现代工业科技的刺激下，用分解物体的方法来表现运动的场面和动的感觉。他们还热衷于用线和色彩描绘一系列重叠的形和连续的层次交错与组合，并且试图用线来描绘光和声音。蒙克：《圣母》上述思潮和运动,特别是未来主义,在雕塑领域内均有所反映。未来主义的画家和雕塑家U博乔尼于1912年4月签署关于雕塑艺术的宣言,并把未来主义的原则运用到自己的作品中，代表作为《在空间连续的形》(1913)。相应的现代主义美术思潮在20世纪初的俄国也相当活跃。除了受立体主义和未来主义影响产生的一些社团外，俄国的构成主义对现代艺术探讨如何表现工业美方面有独特的贡献。抽象主义的美术作品最早于1910年前后产生。首先从事抽象主义艺术创造的是参与德国青骑士社活动的俄国画家W康定斯基。他用点、线、面的组合、构成，参照音乐的表现语言，用绘画来传达观念和情绪。他的著作《论艺术中的精神》(1912)、《点、线、面》(1923)等奠定了抽象主义的理论基础。作为实践家，他主要从事抒情抽象绘画的创造，但同时也在几何抽象方面有所探索。俄国的画家KC马列维奇于1913年左右创建的至上主义，属于几何抽象的范畴。至上主义在平面构成上的努力，在探讨艺术的虚、空、无方面的尝试，应该说是有意义的。真正奠定几何抽象主义理论基础和在艺术实践上有突出贡献的是荷兰画家P蒙德里安创建的风格派（或称新造型主义）。在整个20世纪，抽象主义基本上遵循着抒情的抽象和几何的抽象两个方面发展，只是在各个阶段有所变化而已。康定斯基：《第一抽象水彩画》第一次世界大战期间在瑞士苏黎世出现的达达主义社团，影响波及欧美各国。在法国、德国都有达达美术社团。达达主义反对战争，反对权威和反对传统，同时也反对艺术，反对一切，作为社团它必然要走到自我否定的境地。达达的虚无主义和反传统的精神，贯穿在整个西方现代文艺的进程之中。在平面的绘画中采用拼贴手法，把偶然性、机遇性运用在美术创作中，是达达对现代美术的贡献。超现实主义的社团是从达达内部分化出来的。它用建设性的态度对待艺术创作，以取代达达主义的破坏和挑战。它直接从弗洛伊德的潜意识学说中汲取思想养料，并以弗洛伊德的理论作为这一艺术运动的指导思想。超现实主义的美术家们从儿童、精神病患者、梦境中汲取灵感,致力于探讨人类经验的先验层面,试图突破现实观念,把现实观念与本能、潜意识和梦的经验相糅合,以达到一种绝对的和超现实的境界。超现实主义者常常采用出其不意的偶然结合、无意识的发现、现成物的拼集等手法。写实与抽象的语言在他们的作品兼而有之。从1924年以后到30年代末，是超现实主义美术的活跃期。30年代以后，作为艺术运动，超现实主义逐渐冷寂，但许多重要的超现实主义画家仍然活跃于欧洲和美国画坛。波伊斯：《向兔子解释图画》第二次世界大战以后曾在美国产生的抽象表现主义（又称行动绘画或纽约画派），是集表现主义、抽象主义和超现实主义大成的流派，也是重视个性、重视风格的现代派绘画顶峰。抽象表现主义强调创作者行动的自由性、自动性和无目的性，把创作行为本身提高到重要的位置，已经孕育着以创作者的行动作为艺术传播媒介的因素。杜尚：《干燥的便盆》继抽象表现主义之后产生的硬边抽象、后绘画性的抽象是几何抽象主义在新形势下的变化和发展，也说明艺术从强调主观感情到侧重于客观表现的转变。这种转变在与抽象表现主义完全相悖的波普艺术中表现得更为明显。波普艺术的兴起，说明西方的现代主义向后现代主义转变。当然，对于后现代主义这一概念，西方美术史论家们的论说很不一致。首先在建筑中使用的后现代主义，当然是一个相对的、模糊的、充满着争论的概念。严格地说，后现代主义是不能与现代主义截然分开的。后现代主义加以弘扬的许多方法与原则，在现代主义的美术中已经尝试过、试验过，只是在后工业社会里把个别的方法和原则加以极端的发展和夸张。后现代主义在某些方面也确实是现代主义的反拨。然而，现代主义的审美原则仍然强烈地影响着当代西方的美术家们。新表现主义、新超现实主义、新抽象等流派在80年代的兴起，多少说明了这个问题。在现代主义与后现代主义美术思潮的变化中，似乎可以看到，艺术中的主观与客观、理性与感性、人性与共性、风格特征的加强与消失、人性与机械性、阳春白雪与下里巴人、艺术的审美与反审美，永远是使艺术家困惑并驱使他们去不断探索的课题。在艺术发展的历史过程中，常常会产生此长彼消或彼长此消的状况，尤其在工业化社会和后工业化社会，这种状况更是常见。观念艺术及其他后现代派思潮之所以那末惊世骇俗，就是因为它们不仅和传统艺术背道而驰，而且在向现代主义挑战。但是，历史本身似乎在昭示着这样一个事实，艺术发展存在着不以人的意志为转移的客观规律。艺术的本身进程犹如社会本身的进程一样，本身具有一种自我调节的力量，它要在上述列举的种种两极之间寻求平衡。当然，平衡是短暂的、临时的，不平衡则是绝对的、永久的。唯其不平衡和充满着矛盾，艺术才不断向前发展。即使在发展过程中充满着矛盾和曲折，整个趋势则是向前的。从这个意义上说，现代主义艺术应该被认为是对现实主义的一个有力补充。或者说现代主义是一个新的艺术表现体系，它有别于现实主义，更与现代工业社会的时代节奏相吻合。至少它已经获得了与现实主义共存的力量。雷斯：《法国式的场景》特征 既然现代主义美术是西方进入垄断主义时代以后产生的，是伴随第二次工业革命的产物，它就不可避免地反映了这个时代政治、经济和精神文化生活的重要变革，反映了这个时代人们极其复杂、丰富的思想感情和极为深刻的哲学思考。不同于现实主义的是，现代主义的美术在对待社会、人、自然与自我的关系上失去了平衡，关系是扭曲的。这样，现代主义的美术家似乎是超脱社会、超脱自然的人，他们不直接描写社会和人生（少数艺术家例外），但他们的作品影射着社会和人生，采用的语言是荒诞的、寓意的或抽象的。在他们的作品中，可以感觉到这些艺术家表现了现代人们（包括艺术家们自己）的精神创伤和变态心理，感觉到他们对现实生活的消极、悲观和失望的情绪，感觉到他们思想上强烈的虚无主义。正是现代主义美术作品的这些特征，使它们具有不可忽视的社会历史的和审美的价值。因为它们正是西方现代社会和现代精神生活重要方面的写照。

对现代主义美术发展起了重要作用的是现代工业和科学技术。现代主义的美术家们对待现代科学和机械文明的心理和态度是复杂的。在有些艺术家的实践（如立体主义、未来主义和构成主义）中，试图反映社会的这一深刻变革,而在大多数美术家的作品中,对工业文明采取回避和超然的态度。他们对工业社会人性的贬值、机械的升值表示不满。但这丝毫并不意味着现代主义美术的主流与工业社会的进程相反。事实上，工业、科技文明剧烈地改变着现代社会的面貌，从精神上有力地推动了现代艺术的迅速变化。

现代主义艺术最早从康德的先验唯心主义武库中汲取了养料，同时又受到现代哲学思潮，特别是尼采、弗洛伊德、柏格森、荣格、萨特等人的哲学、心理学的强烈作用。尼采的学说，不仅对德国的表现主义运动起过推动作用，也对整个现代主义的文艺运动产生很大影响。尤其是他否定权威，主张发挥以人的意志、本能为基础的创造力，蔑视中产阶级的文明和虚伪道德，对无意识和本能的推崇，对世界前途的悲观主义，在现代主义的各个流派的理论和实践中，都有所反映。弗洛伊德的潜意识学说，他的“无意识才是精神的真正实际”，是超现实主义运动的理论支柱，正是在弗洛伊德理论的引导下，超现实主义以及其他流派的美术家们用多种手法挖掘人们精神世界的深层，其后果是一方面开拓新的艺术表现领域，另一方面使艺术语言趋向荒诞和怪异。自然不少作品创造了荒诞、怪异的新境界。

现代主义美术比起以写实和模仿为基础的传统美术来，具有象征性、表现性和抽象性的特点。现代主义多流派标榜自己是反传统的，实际上它可能完全抛弃传统。它竭力否定和排斥的是19世纪中期以来的含有学院派特征的写实主义传统。在对待历史遗产方面，它们更重视对原始社会艺术、埃及和美索不达米亚的美术、希腊古风时期美术、欧洲中世纪美术的研究。自印象主义之后，西方美术家开始把目光转移到中国、日本和印度的绘画、工艺品的表现语言上，探索写意的表现手法。野兽主义、立体主义的美术家们直接受益于非洲雕塑。同时，中东的伊斯兰教美术和大洋洲的艺术遗产，也是现代主义艺术家们研究的对象。上述人类历史上的美术遗产均为现代主义美术家们提供了有益的养料。

总的说来,20世纪以来西方的现代主义美术,适应了现代社会人们的需要，创造了一批可以列入人类经典文化的作品，但远非所有流派和思潮的理论都是无可非议的，更不用说其中有些作品的思想倾向颇值得研究。对于现代主义美术不加分析地一味赞扬是不可取的，而视现代主义为洪水猛兽、拒之于门外，不让人们接触和了解更是愚蠢和可悲的。中国80年代以来艺术创造和理论的繁荣、活跃，除了社会、经济的推动这些主要因素之外，与包括西方现代主义在内的外国文艺提供的可用来参考、借鉴的丰富资料不无关系。

您好，茫茫人海之中，能为君排忧解难实属朕的荣幸，在下拙见，若有错误，还望见谅！。展开全部

现代

特征一：绘画的表现形式从具象转变为抽象或意象

特征二：由再现客观世界转变为表现主观世界

古代

和谐性

象征性

灵动性

天趣性

特征一：绘画的表现形式从具象转变为抽象或意象

现代主义绘画与传统绘画相比有相当大的区别，以毕加索的《格尔尼卡》和德拉克洛瓦的《希奥岛的屠杀》为例。前者是现代主义绘画立体主义的代表作，后者是传统绘画浪漫主义的精典作品，两幅绘画同样都是表现战争题材，但是从作品的表现形式来看，却是大相径庭。《希奥岛的屠杀》运用了明暗造型的方法，真实地刻画了耀武扬威的侵略者和倒在血泊中绝望挣扎的孤立无助的受压迫者的残状，是具象的画面

特征二：由再现客观世界转变为表现主观世界

格尔尼卡》正是以象征性的手法、变形的形体和灰暗的色调，表现了战争的罪恶和灾难的悲剧。画面中牛头是法西斯残暴的象征，肢离破碎的人体是人民残遭迫害的残状，画面上方的灯泡一样的眼睛则是对法西斯暴行的揭露。那变形的形体相互交错、拼贴组成了一种混乱的视觉效果和残暴恐怖的气氛，而这正是战争在毕加索脑海中的一种主观反映，毕加索正是通过这些极度夸张、变形的图式，表达了他对德国法西斯暴行的强烈仇恨。由此可见，现代主义绘画的特征之二，就是从传统绘画的再现客观世界转变为表现主观世界。而这一点正与中国写意画的特点不谋而合，画家不再以画得与客观世界逼真肖似为目的，而是以被描绘的对象为媒介，表现自己的情感、观念、思想等主观世界，将客观对象按照主观意图进行变形或抽象化处理。非常感谢您的耐心观看，如有帮助请采纳，祝生活愉快！谢谢！

　　西洋美术（英语：Western art）以西方造型艺术为主，包含绘画、雕刻和建筑等

　　1奴隶社会时代

　　进入奴隶社会，那些文明古国谱写了人类美术史的辉煌篇章。

　　美索不达米亚（即幼发拉底河和底格里斯河之间的地区，又称两河流域）的雕塑，如巴比伦王国的“汉漠拉比法典”浮雕，亚述王国那些表现战争和狩猎的紧张场面、手法极为写实、充满激烈动势的浮雕。

　　古埃及的庞大金字塔建筑，按照正面律程式雕刻的人像雕刻和神秘威严的狮身人面像。

　　古希腊的自由民主创造了具有民主思想的建筑、雕刻和绘画作品，其中留存于世的不少健美而优雅的雕刻形象，如《掷铁饼者》、《米洛斯的维纳斯》等，尤其具有无穷的魅力。

　　古罗马美术承继着古希腊的传统，但罗马人的美术更倾向于实用主义。规模巨大的科洛西姆竞技场和万神庙是古罗马建筑的杰出代表。而曾被维苏威火山灰掩埋达1700多年的庞贝壁画，则给我们展示了古罗马绘画的独特面貌。

　　2封建社会时代

　　自公元476年开始，欧洲历史进入封建中世纪。受基督教制约，中世纪美术不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世界的表现。建筑的高度发展是中世纪美术最伟大的成就。拜占廷教堂、罗马式教堂和哥特式教堂，各具艺术上的创造性。与宗教建筑相结合，雕刻、镶嵌画和壁画也取得了一定成就。

　　3欧洲文艺复兴时期

　　14-16世纪的欧洲文艺复兴美术以坚持现实主义方法和体现人文主义思想为宗旨，在追溯古希腊古罗马艺术精神的旗帜下，创造了最符合现实人性的崭新艺术。

　　意大利的达"芬奇、米开朗基罗和拉斐尔是文艺复兴美术的三位代表。达"芬奇既是艺术家又是科学家，其杰作《最后的晚餐》、《蒙娜丽莎》等皆被誉为世界名画之首。米开朗基罗则在雕刻、绘画和建筑各方面都留下了最能代表鼎盛期文艺复兴艺术水平的典范之作。他塑造的人物形象，雄伟健壮，气魄浑宏。拉斐尔则以其塑造的秀美典雅的圣母形象最为成功。他的圣母像寓崇高于平凡，被誉为美和善的化身，最充分地体现了人文主义的理想。

　　417世纪时期

　　17世纪在欧洲出现了巴洛克美术，它发源于意大利，后风靡全欧。其特点是追求激情和运动感的表现，强调华丽绚烂的装饰性。这一风格体现在绘画、雕塑和建筑等各个美术门类中。佛兰德斯的鲁本斯是巴洛克绘画的代表人物，他的热情奔放、绚丽多彩的绘画对西方绘画具有持久的影响。同时代的现实主义大师如荷兰的伦勃朗、西班牙的委拉斯贵支等，也在一定程度上具有巴洛克的特色。

　　518世纪时期

　　18世纪罗可可风格在法国兴起，随后波及欧洲其他国家。罗可可美术的特点是追求华丽纤巧和精致。代表画家有法国的瓦托、布歇和弗拉戈纳尔。随着1789年法国资产阶级大革命的到来，进步的美术家们又一次重振了古希腊古罗马的英雄主义精神，开展了一场新古典主义艺术运动。其代表画家是法国的大卫和安格尔。浪漫主义随着新古典主义的衰落而兴起。法国的热里柯的《梅杜萨之筏》被视为浪漫主义绘画的开山之作，而这一运动的主将却是德拉克洛瓦，其绘画色彩强烈，用笔奔放，充满强烈激情，代表作有《希奥岛的屠杀》和《自由引导人民》等。法国吕德的《马赛曲》和卡尔波的《舞蹈》都是杰出的浪漫主义雕塑作品。

　　619世纪时期

　　19世纪中期是现实主义美术蓬勃兴旺的时期。法国画家库尔贝是现实主义的倡导者，他的代表作《奥南的葬礼》堪称绘画中的“人间喜剧”，而《石工》则深刻揭示了社会的矛盾，表现了作者对劳动人民的同情。勤劳朴实的农民画家米勒，以醇厚真挚的感情，歌颂了辛勤劳作的农民。政治讽刺画家杜米埃创作了大量思想深刻而形象夸张的石版画和油画。德国女版画家柯勒惠支，以社会民主主义思想和鲜明的个人风格创作了反映工人运动和农民革命的系列铜版画和石版画。俄罗斯的批判现实主义产生了列宾、苏里科夫等杰出画家。法国雕塑大师罗丹的作品也具有一定的现实主义品质。

　　19世纪后期在法国产生了印象派。此派绘画以创新的姿态出现，它反对当时已经陈腐的古典学院派的艺术观念和法则，受到现代光学和色彩学的启示，注重在绘画中表现光的效果。代表画家有马奈、莫奈、雷诺阿、德加、毕沙罗、西斯莱等。继印象派之后还出现了新印象派（代表画家是修拉和西涅克）和后印象派（代表画家是塞尚、梵高和高更）。而实际上后印象派与印象派在艺术主张并不相同甚至完全相反。其中凡"高的绘画着力于表现自己强烈的情感，色彩明亮，线条奔放。高更的画多具有象征性的寓意和装饰性的线条和色彩。法国画家塞尚（1839-1906）是后印象派的代表人物。他毕生追求表现形式，对运用色彩、造型都有新的创造，他的绘画则追求几何性的形体结构，他因而被尊称为“现代艺术之父”。他的绘画源泉是自然、人和他生活在其中的现实世界的事物，而不是昔日的故事和神话。

　　720世纪时期至今

　　20世纪以来，现代美术呈现出流派迭起，千姿百态的局面。1905年诞生的以马蒂斯为代表的野兽派绘画，强调形的单纯化和平面化，追求画面的装饰性。1908年崛起的以布拉克和毕加索为代表的立体派绘画继承了塞尚的造形法则，将自然物象分解成几何块面，从而从根本上挣脱传统绘画的视觉规律和空间概念。随着德国1905年桥社和1909年蓝骑士社的先后成立，表现主义作为一种重要流派登上画坛，此派绘画注重表现画家的主观精神和内在情感。1909年在意大利出现了未来主义美术运动，此派画家热衷于利用立体主义分解物体的方法表现活动的物体和运动的感觉。抽象主义的美术作品大约于1910年前后产生，其代表画家有俄罗斯画家康定斯基和荷兰画家蒙德里安，而两人又分别代表着抒情抽象和几何抽象两个方向。

　　第一次世界大战期间产生的达达主义思潮，此派艺术家不仅反对战争、反对权威、反对传统，而且否定艺术自身，否定一切。杜尚将达"芬奇的《蒙娜丽莎》画上胡须，并将小便池作为艺术品，便是达达主义思想的体现。随着达达主义运动消退，在此基础上出现了超现实主义艺术思潮。此派画家以柏格森的直觉主义，弗洛伊德的精神分析学和梦幻心理学为理论基础，力图展现无意识和潜意识世界。其绘画往往把具体的细节描写与虚构的意境结合在一起，表现梦境和幻觉的景象。代表画家有恩斯特、马格利特、夏卡尔、达利、米罗等。

　　第二次世界大战后在美国产生的以波洛克、德"库宁为代表的抽象表现主义绘画，综合了抽象主义、表现主义的特点，强调画家行动的自由性和自动性。

　　20世纪50年代初萌发于英国、50年代中期鼎盛于美国的波普艺术，继承了达达主义精神，作品中大量利用废弃物、商品招贴、**广告和各种报刊作拼贴组合，故又有新达达主义的称号。代表人物有美国画家约翰斯、劳生柏、沃霍尔等。

　　而70年代兴起的超级写实主义（或称照相写实主义）运动，其主要特征是利用摄影成果，进行客观的复制和逼真的描绘。代表画家有克洛斯、佩尔斯坦，雕塑家中，安德烈、汉森最为著名。除上述之外，可以归入现代艺术范畴的还有偶发艺术、大地艺术等。其许多艺术活动已经超出了美术的范围。

这篇教程主要介绍用 Freehand 的拼贴填充( Tile fill )来创建木质纹理效果。

步骤一：

新建一个文件，打开 Snap to Point 和 Snap to Guides 选项，并将单位尺寸设为 Inches ，接着在Colors面板添加下一步所需的颜色。如上图。

步骤二：

现在创建一个 2 X 1125 英寸的矩形，填上图中所示的颜色，当然你也可以根据自己 的喜好来设定颜色。沿着矩形的两边放置两条垂直参考线，将标尺的原点拖到 矩形的左上角。

步骤三：

现在你需要给矩形加8条水平参考线，我们用 Guides Editor来设置，它在View - Guides - Edit里，见上图所示的对话框，请按上面的 数值进行输入，在点击最后的ok之前，请将上左 图里的水平参考线数值进行调整，调整好的数值见下表。

Horizontal -13125

Horizontal -1125

Horizontal -09375

Horizontal -075

Horizontal -05625

Horizontal -0375

Horizontal -01875

Horizontal 0

Vertical 2

Vertical 0

步骤四：

现在你将导线层移到最上方，你看到最下方的导线并未与矩形相接，在后面你将了解到原因。利用导线将帮助最后的纹理表现的无缝和随意，下面你将看到我是如何做的：

步骤五：

利用工具 (Bezigon, Pen, FreeHand) 都可，绘制一条 1 point 宽的曲线从矩形的左上角到第二条水平导线和垂直导线的交点，如上图所示。

步骤六：

接着用同样的方式创建剩下的线条,现在我们共要画 6 条线来模拟深色木纹。

步骤七：

现在我们检查所绘制的每条线的端点。将端点调节成左上图所示的那样。最好在放大的情况下进行精确调节，拖动端点的手柄使之与水平导线重合。如右上图，这样将来才能生成完美的木纹。

步骤八：

全选6条深色木纹线，将它们复制，保持复制品的选择状态并将它们向下移，给它们设定浅色木纹。

注意：每条复制线和原始线，它们在两端的端点在垂直方向上的距离应保持相等。

步骤九：

接着将相邻的两条深浅色线条进行混合，设步数为 5 。然后选择混合中的浅色线，调节它们的节点。使它们更像木纹的自然外观， 如上图所示。

步骤十：

现在你要选择你的第一条混合木纹，复制它并将复制品垂直移到最下方的水平导线处，确定它的对齐方式和第一条混合线完全一致。

步骤十一：

现在你可以关闭导线的显示，全选所有的混合线条并按住 shift 向上平移一小段距离，向上图所示的那样。剪切这些混合线条 把它们用 Paste Inside 的方式粘贴到矩形里面。

步骤十二：

现在，你已经做好了一个木质纹理！你可以将它用 Tiled fill 的方式填充到任何对象里。让我们先把它保存起来，将来可以应用到别的作品中去。

步骤十三：

若想用这个木纹作 Tiled fill 填充，你首先要将它拷贝，然后新建一个对象，打开 Fill Inspector 面板，选择 Tiled fill ，如图所示，点击 Paste in ，你将会看到木纹的小图标出现在示例框中。并且木纹图案会填充到对象里。在这个面板里你还可以设置木纹的旋转角度、缩放比例和位移以实现你想要的效果。

步骤十四：

现在我对一个圆施加木纹的 Tile fill ,并用滤镜为它增加 “bevel” 斜角边效果，最后在上面加一个雕刻图案并对它施加透明滤镜就大功告成啦！

中央音乐学院钢琴演奏专业考研分享

一、学院介绍

中央音乐学院指挥系创建于1956年，是中国智慧教学历史最悠久的系，长期以来曾作为中国唯一的指挥系为国家培养了大批享誉中外的优秀指挥家，并为中国指挥学科的开创和发展作出了重大贡献。中央音乐学院指挥系以“成才率最高”闻名于国内音乐教育界，并以管理严格著称，是国内各大音乐团体、音乐界精英的培育之地，学生成绩大都优异。这里曾造就过二十多位音乐总监、首席指挥及知名乐团、歌剧院的领导者。

二、考试科目

钢琴演奏

电子管风琴演奏

手风琴演奏

三、复试分数线

2019分数线

暂无

参考书目

中国古代音乐史简述，人民音乐出版社（2006），刘再生著

中国近现代音乐史（第三次修订版），人民音乐出版社（2009），汪毓和编著

中国现代音乐史纲，中央音乐学院出版社（2010），汪毓和著

中国当代音乐，上海音乐学院出版社（2004），梁茂春著

和声学教程一理论与应用，人民音乐出版社(1984），吴式错著

基础和声，中央民族大学出版社（2007），刘锦宣著

和声学教程（增订本）(上、下），人民音乐出版社（2000），(苏）伊·杜波夫斯基、伊·斯波索宾、斯·叶莆谢也夫、符·索科洛夫著，陈敏译

和声学，人民音乐出版社（1956，1978重印），(美）瓦尔特·辟斯顿著，丰陈宝译

曲式与作品分析，人民音乐出版社（2003），吴祖强著

音乐的分析与创作，人民音乐出版社（2003），杨雷怀著

曲式学(上、下），上海文艺出版社（1986），（苏）伊·斯波索宾著，张洪模译

曲式学（修订版），人民音乐出版社（1985），（美）柏西·该丘斯著，缪天瑞缤译

大型曲式学，人民音乐出阪社(1982），（美）柏西·该丘斯著，许勇三译

《古典风格》，华东师范大学出版社(2014），（美）查尔斯·罗森，杨藕遍译

五、经验分享　

政治

资料：《肖秀荣三件套》、《风中劲草》、《徐涛黄皮书》、《肖4》、《肖8》

政治这个科目说难不难说简单不简单，每年都有一些高分选手因为政治不过线而被刷掉，所以大家虽然可能不情愿学习政治，但是还是要引起重视。政治分为客观题和主观题两个部分来说，着重应该把握住的是客观题的分数，主观题要关注肖、徐两位老师的押题。客观题是在前期进行准备的，我大概从10月份开始，每天看一章的视频和做对应的选择题，一直持续到十一月中旬，之后每天就做一套各大押题卷的选择题部分，通过这种反复的过程，到最后选择题应该基本维持在40+的水平。

主观题最开始不用太过关注，在选择题过了一遍之后我看了一些网课关于主观题的模块和答题套路，在对应历年真题的答案去看他的答题思路，基本上理清楚一个主线大致就可以了。我是那种背诵需要厘清逻辑的人，我不太赞同那种上来一字不漏就开背的政治学习方式，因为这样东西实在太多，在我看来政治主观题还是有一定的逻辑和套路可以遵循的，具体可以体会徐涛老师关于这部分的讲解。

理清套路之后背诵也会变得事半功倍。而每年的热点部分大家通过老师的讲解并结合自己对于时局的判断，大致也能弄清楚要考的模块应该是哪几个，有针对的结合肖4、肖8和黄皮书背诵即可。至于考试的经验的话我觉得重要的还是要写快点，我就差点没有写完，书写工整可能也有加分，但是也不必太过注重，反而弄得本末倒置。

英语

至于英语方面，英语复习主要是看真题，其他的一些模拟题建议不要用，把所有的精力都花在真题上，确保把真题的阅读理解搞得清清楚楚。英语复习是个长线的过程，我在整个过程中主要用书有：①考研真想 ②恋练有词 ③黄皮书150篇

首先是词汇，我选用的是朱伟老师的练练有词，配套视频效果还是挺好的，这本书里面所有的单词都有一句真题里面的例句，一般都是真题里面的长难句，在背诵单词的同时也能够对长难句有所学习与理解，这一点在后期阅读理解里面很重要，也与后面的真题的学习有交叉作用，可以加强记忆。

其次是阅读，我是选出最近十年的真题，其他的全部不做，只做真题里面的阅读理解的部分，一年的真题里面有四篇阅读理解。一篇一篇一年一年的来，首先是自己做一篇，然后对答案，不要在意错多少，要知道会了多少。准备一个厚一点的本子，首先是把不认识的，模糊的，优美的副词或者形容词摘抄下来，然后每天背诵，我一般都是在吃过晚饭之后背诵。（为此我还自己准备了一个很小的口袋本，把单词在抄在上面，上厕所的时候拿出来看看，实践证明还是有点作用的，上厕所很快就解决了，相比于以前看手机上个厕所）然后是句子，首先要在把这篇文章的所有句子都懂得前提下，摘抄下自己喜欢的，可能会用上的，句式结构不错的语句。怎么检测自己每个句子都懂了呢？我以前是想挨个翻译的，后来发现口头上能翻译与写在纸上完全是两回事，于是就放弃了，只要自己能够逐句的说出中文意思就行了。一篇文章摘抄的句子不需要太多，一两句就行，不要好高骛远，抄一些翻译都结巴的句子，用不上的。然后就是仿写，就这一两个句子，自己讲核心词汇选出来，然后套用句式，仿写一两个句子，主题可以是大小作文经常出现的，比如环境污染，文化冲突等等。一篇文章一定要分成三步走：单词，句子，仿写。

等把十年40篇阅读坐下来，差不多有40多句自己能够仿写的句子了，而且这些句子都来自真题，所以质量很好。接下来就可以准备作文了，我当时就是从这些句子里面选出合适的开头语，中间并列语，结尾结束语，然后自己组成两个作文模板，一般来说，一个是看图写作，一个是没图的。这样做好处太多了，我当时在被作文模板的时候，许多同学都在买作文模板书，但是又担心作文模板相似，所以很纠结。但是我自己的模板全是自己组装的，完全不用担心这一点。而且自己选的句子很容易记忆，很方便自己背诵。

最后就是新题型了，所有的新题型包括完形填空我觉得都很难，所以我是本着能拿几分是几分的心态学习的，但是选择了商志老师的新题型讲解视屏，看了一遍，有些题目还是有些技巧的，所以推荐观看。做题。

专业课经验：

初试大纲

中音史、西音史内容各占50%。

一、古代希腊和罗马音乐

概述：古希腊文化艺术的繁荣期和音乐的成就

（一）古希腊音乐的特点

（二）常用乐器（三）音乐理论

（四）古罗马后期基督教音乐的兴起

二、中世纪音乐

概述：中世纪的时期划分，与古代文明的联系，对中世纪的认识。

（一）格里高利圣咏

定义，特征，分类，运用，调式，扩展

（二）复调的兴起

从9世纪末的奥尔加农到13世纪的经文歌

（三）中世纪方言歌曲

法国游吟诗人（时间、地点、名称、构成、音乐特征，题材）

（四）十四世纪“新艺术”

定义，特征（三个方面），马肖的创作（三种体裁，以三类世俗歌曲为主）

意大利十四世纪音乐（三种体裁和兰迪尼）

三、文艺复兴时期音乐

概述：文艺复兴的时期划分和定义，人文主义，对音乐的影响。

（一）文艺复兴早期

英国音乐的影响

勃艮第地区的音乐，法一佛兰德作曲家（时间，地点，人物，迪费和若斯坎的风格特点）

（二）世俗音乐的发展

意大利牧歌（定义、特征、三个时期的特点和主要代表人物）

其他国家的世俗音乐及器乐

（三）宗教改革与反宗教改革的音乐

定义，众赞歌（定义、来源、发展形态），帕莱斯特利那的风格和历史贡献

（四）威尼斯乐派

定义，代表人物，创作体裁

四、巴罗克时期的音乐

概述：时期的划分和词源，总体特征。

（一）巴罗克音乐的特点

两种常规，通奏低音，单声歌曲

（二）歌剧的诞生及其早期的发展定义，从第一部歌剧的诞生到那不勒斯学派，英法德的早期歌剧

（三）器乐的发展

弦乐器为主的器乐曲，科雷利、维瓦尔第键盘乐器为主的器乐曲，布克斯特胡德、F库普兰

（四）巴罗克晚期的几位大师

拉莫，D斯卡拉蒂，亨德尔，巴赫

五、古典主义时期音乐

概述：时期的划分，音乐风格的归纳。

（一）前古典时期的歌剧

（1）格鲁克和他的歌剧改革

历史地位，改革的基本原则，改革的主要措施（六点），代表作

（2）喜歌剧的兴起与繁荣

定义和特点，意大利喜歌剧，法国喜歌剧，德奥歌唱剧，英国民谣剧

（二）前古典时期的器乐

奏鸣曲和奏鸣曲式，室内乐，协奏曲，交响曲

（三）维也纳古典乐派

（1）海顿和莫扎特

海顿生平要点，创作要点，莫扎特生平要点，创作要点

（2）贝多芬

生平要点，创作分期（三个时期的特点和代表作），创作要点：交响曲六、浪漫主义音乐

概述：时期划分，与古典主义的关系，浪漫主义音乐的特点。

（一）七个最典型的浪漫主义作曲家

舒伯特，门德尔松，舒曼，肖邦，李斯特，柏辽兹，勃拉姆斯体裁：艺术歌曲、钢琴曲、标题交响曲、交响诗、标题性序曲、无标题交响曲（二）浪漫主义歌剧德国：韦伯、瓦格纳

法国：大歌剧、谐歌剧、抒情歌剧、比才的《卡门》

意大利：罗西尼、贝利尼、唐尼采蒂、威尔第、马斯卡尼、普契尼

（三）民族乐派

民族乐派产生的原因，基本特点，与浪漫主义的关系。

俄罗斯：格林卡、强力集团、柴可夫斯基捷克：斯美塔纳、德沃夏克

挪威：格里格

（四）世纪之交的两个流派

法国印象主义：德彪西，拉威尔德奥晚期浪漫主义：马勒，R施特劳斯七、20世纪音乐

概述：与19世纪的联系，时代特点，两次高潮，三个阶段。

第一阶段：

1表现主义，定义，特征，勋伯格：三个时期，作品举例贝尔格与韦伯恩：各自特点，作品举例

2，新古典主义，特征，斯特拉文斯基：三个时期，新古典主义的代表作兴德米特，六人团

民族主义：定义与特征

巴托克，席曼诺夫斯基，亚那切克，沃安威廉斯，科普兰和格什温

其他

苏联音乐，英国音乐，微分音音乐与噪音音乐第二阶段：

序列音乐：定义，梅西昂

偶然音乐：定义，凯奇

电子音乐：定义，三个阶段，施托克豪森

新音色：定义，五个作曲家

第三阶段：

总的特点，四个流派：简约派、第三潮流、新浪漫主义、拼贴

2、《和声》考试大纲：

要求考生掌握大小调体系功能化和声的全部内容，具体要求如下：分析所给出的音乐作品中的和声，并用规范的和声标记方法，做出详细而恰当的标记，倘若仅用标记还无法说明和声的全部内容，可以用简短的文字说明加以补充。

《作品分析》考试大纲：

1，用图示表明对于所给音乐作品的不同层次的结构段落划分；

2，图示中应表明作品所涉及到的所有曲式类型名称，最小单位为一部曲式；

3，图示中应标示出详细的小节号及调性；

4，简述作品的核心音乐材料及布局，简述作品的调性布局特点。

复试大纲：

（1）技术性练习曲二首，其中一首选自，另一首选自其他作曲家作品；

（2）复调乐曲一首；

（3）古典时期完整奏鸣曲或变奏曲一首（包括Schubert）

（4）中型乐曲二首，或大型乐曲一部或大型套曲一部（不低于20分钟）

（5）中国乐曲一首。

注：①曲目总时间不得少于60分钟；②专业课考试时须在网上提交完整详细的演曲目及演奏时间；③所有乐曲应为独奏作品，背谱演奏，考试时由考官指定演奏部分或全部曲目。

另外讲一下专业课我的复习策略，就是边看书边做笔记，一网打尽所有知识点考点。复习过程中，我一共整理了两大本笔记，一本是基础知识梳理，一本是强化记忆背诵。

提示：

（1）书本教材是重中之重，所有考题都源于书本。不要放过任何一个细节，不经意间遗漏的可能会在试卷上与你重逢。所以说要像扫描般的把所有可考内容都存入大脑，按重要性排个序，重复再重复，直到不能更熟悉的程度。

（2）手中现成的资料、笔记再多，也只是参考而已，其主要作用在于提纲契领，帮助我们掌握复习方向和重点。我的建议是可以阅读有价值的资料，在教材和资料的基础上形成自己的个人笔记，将书本资料内化为逻辑思维能力和分析能力。多看多背多拓展。

　　印象派

　　一是将绘画从客观自然再现转向主观精神表现，反映印象派具有绘画独立性的美学观念。印象派在艺术精神上对立于西方古典传统绘画，强调创造新时代的艺术形态；他们对主题性地再现现实不以为然，提出应自然而随意地表现生活与客观物象；他们游离于传统艺术所关注的社会功用与教育职能，离开了艺术表现现实的情节化和戏剧性结构，排除叙事性的文学内容，注重画家对现实情境的自我感受和自觉表现，擅长对现实情景的生命状态和存在形式进行直觉式的客观再现与描绘，将绘画从客观自然再现转向主观精神表现，以迎合新兴市民阶层的审美需求，努力反映印象派绘画独立性的美学观念。印象派并不反对以自然为师，只是强调“不要失掉你所感觉到的第一印象”。印象派认为“记忆”和“想象”可以“从自然的束缚下解放出来”。塞尚还提醒画家“应防止倾向于文学”，在绘画中排除叙事性的文学内容。毕沙罗的《农家女》的纯朴与率真、《牧羊女》的灵动与鲜活等，正反映了“以自然为师”，描绘了“感觉到的第一印象”。德加的《赛马》的投入与动情、《骑马散步》的闲情与潇洒、《舞台上的芭蕾舞者》的欢快与忘我等，正叠加了“记忆”和“想像”，试图“从自然的束缚下解放出来”。塞尚《弯曲的树》的豁达与野趣、《马纳河上的桥》的静谧与清淳、《埃克斯近郊的巨松》的简练与张扬等，正依循了“色彩的逻辑”。印象派画家从具有“社会学功能”的传统艺术倾向中走出，又带着“绘画的独立性”步入当时的社会生活。马奈的杰出风俗画，如《咖啡音乐会歌手》、《咖啡馆里》、《弗利·贝杰尔酒馆》等，恰是这方面的代表作。劳特累克尽管出身贵族，却以带有讽刺意味的心情表现现实，他笔下的巴黎上流社会的夜生活，没有优雅高贵的生活情趣，却是一个堕落、污秽并充满欺诈的世界，他的《红磨坊的舞会》中喧嚣中的狂欢、《女丑角莎尤考》中人物形象的静思与无奈等，实是痛苦的呻吟。这里，也可以领悟印象派要真正反掉传统艺术中的“社会学功能”是不可能的，印象派生活在各种矛盾交杂的社会之中，即便再三强调具有绘画独立性的美学观念，其实是无法真正步入游离于“社会学功能”的“独立性”之中的。

　　二是注重绘画的光、色、形、意、美的融合，体现印象派的艺术与光学相结合的主要特征。印象派绘画在光与色的表现上取得了突破性成就，在光、色中求形，以光与色的讴歌表现意和美，理解了光、色、形、意、美在绘画语言中的辩证关系，把闪烁的阳光和微妙的阴影引入画面，绘画随之变得清新明丽、生机盎然。在印象派绘画作品中，光和色是基本的绘画语言、艺术要素、快速跳动的音乐旋律和慢慢流淌的文化符号，光和色是形、意、美的艺术起始点，形、意、美在光和色中成形、达意、示美。印象派画家最基本的绘画技法是竭力探索一种有效方法，以突破物体单一的、表面看来一成不变的“固有”色；他们力图捕捉物体在特定时间内自然呈现的瞬息色彩，那种受一定环境条件、空间距离和周围其他物体影响的颜色。他们从画水开始，把水波反射出来的五光十色描绘得惟妙惟肖。他们进而扩大到从建筑物到天空的光与色的表达。印象派对光与色的探索得益于19世纪初期科学家对光的本质的新发现，孕育了艺术与科学相结合而产生的文化跃迁。莫奈曾反复画不同时间的鲁昂大教堂和草垛，正是为了捕捉瞬间的光与色。这次珍品展展出的《鲁昂大教堂，从正面看到的大门，棕色的和谐》与《鲁昂大教堂，阳光的效果，傍晚时分》便是莫奈为教堂绘制的30余幅油画中的两幅。画这批画时，他曾在给妻子的信中写到，他每天都会有一些头天未曾见到的新发现，于是赶紧将其补上，但同时也会失去一些东西。

　　三是采用原色并列、重叠和补色手法，形成印象派新的绘画语言。为了表现物体的动态变化和光色的斑斓绚丽、光怪陆离，印象派画家采用小笔触和色调并列方法，有些颜色不再在调色板上调配，而是红、黄、蓝三原色并列，时而重叠，并把红和绿、黄和紫、蓝和橙色补互对比，使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。印象派新的“光色”技法形成了新的绘画语言，令人耳目一新。

　　四是“把画架搬到户外”，成为印象派的重要绘画方式。它不是简单的绘画场所位移，而是绘画方式变革，改变了西方传统绘画方式，是为了在阳光下对景写生，捕捉和描绘物体在阳光照耀下色彩的微妙效果。雷诺阿喜欢在户外林下写生模特儿，以悉心研究模特儿身上、脸上的绿色反光和灿烂的斑点效果。雷诺阿从清新的自然风光中揭示色彩晕染流动的奥秘，感悟色彩的争妍与和谐、阳光的欢愉与变化、自然的节奏与坦诚、人生的明朗与温馨，于是，有了《打阳伞的丽丝》中的伞下阴影处、回眸一瞬间视觉色彩的晶莹剔透与丽丝眼神的非视觉色彩的真诚魅力，有了《夏杜的春天》的春光明媚、春色涌动、春讯汇集和春意荡漾，有了《泛舟塞纳河》的河水淌动、河光波动、小舟划动和泛舟人的灵动。“阳光下的绘画”，为印象派绘画的崛起和发展在绘画方式上奠定了基础。

　　五是变革西方传统绘画和借鉴各种画派，留下印象派叩开20世纪现代艺术之门的文化轨迹。印象主义艺术思潮随印象派绘画而生，印象派绘画又在印象主义艺术思潮的涌动中而兴。印象派之兴，在于对西方传统绘画的变革和对19世纪上半叶各种画派的借鉴，包括借鉴古典主义、浪漫主义和现实主义等。印象派绘画的反叛表现在众多方面。印象派很快形成了自己的艺术风格、绘画特征和文化风采，在独树一帜驰骋19世纪下半叶艺术舞台的同时，也显现了自身的艺术选择和文化取向的局限性，以至于困惑、分化不断。在这种进程中，印象派、新印象派、后印象派相继而生。印象主义、新印象主义、后印象主义衰落后，立体主义和20世纪各种理性化抽象艺术从中吸取了动力。印象派、新印象派、后印象派叩开了20世纪现代艺术之门。

　　印象派画家的文化肖像

　　在印象派、新印象派、后印象派的演进中，出现了一些颇有影响的画家，他们自觉或不自觉地走到印象派旗帜之下；有的虽然没有印象派的“团队意识”，但他们的笔下却吐露出印象派的艺术风格；有的虽然参加了印象派初期的艺术活动，但其总体艺术倾向更接近后印象派，或者成了后印象派代表人物。这次“法国印象派绘画珍品展”共选作品51幅，有4幅以上作品的为马奈、莫奈、毕沙罗、西斯莱、雷诺阿、德加、塞尚。马奈是印象主义的奠基者，他在绘画创作题材上开创了从日常生活和自然风光中取材的先河，强调绘画的色块运筹要高于描绘作用。莫奈是印象主义绘画运动的发起人、引领者和坚定不移的实践者，“光和色”的讴歌者。毕沙罗是点彩法的引领人。西斯莱在印象派中画风较为稳健。雷诺阿是法国印象画派的先驱，早期作品是典型的印象主义的真实写照，充满了闪烁的色彩和光线。德加被誉为表现动态人物的绘画大师。塞尚是后印象派杰出画家之一，现代绘画艺术之父，他的作品和思想对20世纪许多美术家及美术运动（特别是立体主义）的审美观念发展很有影响。

　　印象派画家各有风采、各显个性，同时又共显亮丽，共具特征。

　　一是艺术思想的批判性。印象派绘画在本质上是批判的、“叛逆”的，被正统沙龙排斥，又因排斥而增强了“叛逆”性，更坚韧地走上了探索之路。1874年一群青年画家假借巴黎著名摄影师那达尔的工作室举行首次画展，即是受正统沙龙排斥的产物，至1886年，印象派共举办8次画展。其间，印象派绘画曲折发展，印象派画家离合聚散。然而，整体而言，印象派艺术思想的批判性锐意不减。

　　二是艺术体系的独创性。印象派代表人物虽然仍保持了绘画的古典形式和一般审美理念，却撼动了传统绘画方式，松动了传承性极强的艺术之链，在美学理念、光色处理、视觉建构和审美情趣等方面创造了新的艺术体系。

　　三是艺术精神的探索性。印象派画家始终处于探索之中，起步于探索，发展于探索，在探索中走到一起，在探索中又新展艺术轨迹，在探索中冲撞而分手，在探索中从印象派、新印象派、后印象派走来，又向20世纪现代艺术走去。

　　四是艺术珍品的渐显性。印象派绘画被世人接受有个过程。当印象派画家作品被正统沙龙拒之门外时，其作品随之遭受冷落，甚至已买走的作品被要求退回。1933年7月，当雷诺阿的《小艺术家》在巴黎以17万法郎售出时，常书鸿先生曾感慨地在巴黎写了《雷诺阿的胜利》：“雷诺阿和莫奈可说是印象派前锋队伍中两个最独特的具备着卓绝的情操、艰苦奋勇穷毕生精力向时代挑战着的纯艺术家……人说雷诺阿是胜利了！然而请不要忘记他在仇视和讥刺中的奋斗，他不断地追求，而且这个胜利的报酬是在1933年距他死后14年的今朝。”在这里，艺术珍品的渐显过程经历了14个春秋！

　　五是艺术技法的借鉴性。印象派画家借鉴了巴比松派画家和英国画家的技法与审美理念。西斯莱曾对评论家阿道尔夫·达维尼埃说：“我喜欢的画家是谁？如果只说同代人，那就是德拉克洛瓦、柯罗、米勒、卢梭和库尔贝，他们都是我们的老师。他们热爱大自然并强烈地感受到大自然。”巴比松派风景画家对印象派画家的影响显而易见。毕沙罗则承认：“我们的道路是从英国大画家透纳开始的……”印象派画家还从中国、日本等东方艺术中吸取营养。凡·高指出：“我敢预言，别的画家们会喜欢一种在强烈阳光下的色彩，喜欢日本绘画中那种晶莹澄澈的色彩。”“日本艺术……在法国印象派艺术家中生了根。”1870年，莫奈对日本浮世绘发生了兴趣，并且于1871年开始收集浮世绘版画

　　2

　　后印象主义是继印象主义之后存在于19世纪80至90年代的美术现象,并不含有风格意义。这些艺术家既不同于印象派狂热地追求外光和色彩,也不同于新印象派对光色进行分析和运用逻辑思维进行艺术创作。他们主张重新重视美术中形的观念,重视作者的主观个性,注意在作品中表现作者的主观感情和情绪,注意形式的 表现力。通常被称作后印象主义的画家是塞尚、凡高和高更。

　　后印象主义画家的探索过程与成果对20世纪西方现代美术流派产生很大的影响。 塞尚主张绘画摆脱文学性和情节性,充分发挥绘画语言的表现力,推动了欧洲纯绘画观念的流行和形式主义绘画的发展,被誉为西方"现代绘画之父"。他的作品注重理念、注重结构,注重画面的建筑美。他对体面的深入研究和高度重视,孕含了立体主义的因素。凡高的作品含有深刻的悲剧意识,他大胆地探索、自由地抒发内心的感情,追求强烈的个性和独特的形式,远远走在了时代的前面。后来的野兽主义、德国表现主义、以至于20世纪初出现的抒情抽象派,都从凡高的艺术中获得丰 厚的收益。高更受象征主义美学观念的影响,作品充满原始艺术的抽象性、神秘性和象征因素,结合他精致的艺术趣味,平绘的构成形式,浓郁的装饰效果,形成了鲜明的艺术特征。他推动了近代象征艺术的发展,对后来的超现实主义也有深远的影响。

　　3

　　西方现代艺术史上的一个运动和流派。又译为立方主义,1908年始于法国。这个名称的出现含有偶然性。1908年,G布

　　拉克在卡恩韦勒画廊展出作品,评论家L活塞列斯在《吉尔布拉斯》杂志上评论说:”布拉克先生将每件事物都还原了

　　……成为立方体”,这种画风因此得名。立体主义的主将是P毕加索和布拉克。毕加索的油画《弹曼多林的少女》(1910),被

　　认为是包含了立体主义因素的作品。

　　立体主义绘画方法的产生,经历了一个酝酿过程。20世纪初巴黎画坛异常活跃。继后印象主义、象征主义之后,年轻的艺

　　术家们普遍关注的是如何革新形式,来表现在迅猛变革的工业社会里人们的内在情绪和心理。新的流派在法国、德国、意大

　　利和俄国相继出现。在法国,继野兽主义崛起后,另一群文艺家常在蒙马尔特的”流动洗衣房”聚会。参加的有毕加索、布拉

　　克、M洛朗森、G阿波利奈尔、A萨尔蒙、M雷纳尔、J格里斯、F莱热等。支持他们的有画商D-H卡恩韦勒,他在1907年

　　在巴黎开办了画廊,这便是被人们称作的立体主义社团。参予立体主义活动的还有R德洛内、A格莱兹。1910年,以J维荣为

　　中心,建立起新的立体派社团,因经常在法国皮托活动,被称作皮托集团。荷兰画家P蒙德里安、墨西哥的Jde里维拉也与皮

　　托集团有联系。他们赋予分析的立体主义以秩序和规则,从而促进了立体主义朝着更为抽象和主观的方向发展。从1912年开

　　始,毕加索等又进行综合的立体主义的试验。在分析的立体主义破碎而又剔透的结构中,还保留着强烈的光线和某种空间感。

　　画家们将不同状态及不同视点所观察到的对象,集中地表现于单一的平面上,造成一个总体经验的效果。综合的立体主义不再

　　从解剖、分析一定的对象着手,而是利用多种不同素材的组合去创造一个新的母题,并且采用实物拼贴的手法,试图使艺术家

　　接近生活中平凡的真实。

　　虽然作为立体主义分支的黄金分割社于1920、1925年继续举行展览,但作为艺术运动的立体主义早在1914年便失去活力。

　　立体主义是富有理念的艺术流派。它主要追求一种几何形体的美,追求形式的排列组合所产生的美感。它否定了从一个

　　视点观察事物和表现事物的传统方法,把三度空间的画面归结成平面的、两度空间的画面。明暗、光线、空气、氛围表现的

　　趣味让位于由直线、曲线所构成的轮廓、块面堆积与交错的趣味和情调。不从一个视点看事物,把从不同的视点所观察和理

　　解的,形诸于画面,从而表现出时间的持续性。这样做,显然不主要依靠视觉经验和感性认识,而主要依靠理性、观念和思维。

　　立体主义在反传统的口号下有浓厚的形式主义倾向。但它在艺术形式上的探索,又给现代工艺美术、装饰美术、建筑美术等

　　注重形式美的实用艺术领域以不小的推动作用。

　　4达芬奇(Da Vinci)--意大利文艺复兴时期卓越的代表人物，达芬奇是西方艺术史上最具传奇色彩的人物。达芬奇的成就和贡献是多方面的，他不仅是一位天才的艺术家，同时也是科学家和博学的学者。

　　达芬奇在各个领域为人类做出了卓越的贡献，无论是皮具、服饰、珠宝、家具还是自行车、汽车、飞机、潜水艇、军事工程、军事武器、解剖医学……五百年来，人类正是沿着达芬奇的足迹，才取得了今日的成绩，世界上的先进国家以及日本、韩国、以色列这些亚洲国家都有专门达芬奇的研究机构，时至今日，他当年的一些科学设想又陆续被人们发现、了解和应用，事实证明达芬奇的思想在今天还是历久而弥新的，相信在未来他的理论仍然会对一个国家乃至整个世界在科学学术领域产生深远的影响。

　　达芬奇(Da Vinci)品牌作为古典艺术的现代演绎代表了时尚潮流，代表卓越、高贵和素质。意大利--欧洲文艺复兴的发源地，富丽辉煌的历史诗篇让意大利充满了诗情画意。使达芬奇(Da Vinci)品牌注入时尚元素，现代科技的发展使达芬奇(Da Vinci)向消费者展示一种现代的生活方式：达芬奇对消费者，即"Da Vinci B TO C",正是这一经营理念和意识，达芬奇在产品的品质和服务上不懈追求尽善尽美最终使达芬奇(Da Vinci)品牌成为著名的时尚名牌。

　　达芬奇(Da Vinci)的自画像被中国消费者称为"老人头"，其实真正的"老人头"就是"达芬奇Da Vinci"，只有意大利达芬奇国际集团出品的"达芬奇Da Vinci"才是真正的国际品牌。请认明"达芬奇Da Vinci"及侧面图像方为正品。

　　达芬奇大事记

　　1452年4月15日 意大利佛罗伦萨共和国的芬奇镇近郊，赛尔·皮耶洛·达芬奇与卡特莉娜所生。 1465年 进入韦罗基奥的工作室成为入门弟子（13～14岁）。

　　1473年 创作《圣告图》。

　　1476年 被告密与韦罗基奥的其它弟子犯了同性恋之罪，由于他矢口否认，最后被释放（24岁）。 1482年 绘《三贤王的膜拜》，返往米兰（30岁）。

　　1483年 接受圣佛郎西斯克，格兰德教会订作《岩石上的圣母》（31岁）

　　1495年 开始绘制《最后的晚餐》（43岁）。

　　1502～03年 回到佛罗伦斯，开始绘制《蒙娜丽莎》（50岁）。

　　1516年 应法王之邀，赴法国安伯瓦兹（64岁）。

　　1519年5月2日 去世于法国安伯瓦兹（67岁）。

　　1980年意大利达芬奇国际基金会在意大利佛罗伦萨共和国芬奇镇成立。

　　2000年在香港组建亚太代表处后升格为亚太总部即意大利达芬奇国际集团有限公司前身。

　　2001年-2004年达芬奇品牌进入知识产权保护期，在中国大陆及香港地区数十个类别获商标权得到法律保护。

　　2004年达芬奇品牌正式进入亚太市场。

　　2005年意大利达芬奇国际集团有限公司在香港组建。

　　2005年设立广州代表处负责中国大陆市场推广。

　　2006年投资成立广州市达芬奇实业有限公司"达芬奇DAVINCI"皮具正式进入中国市场。

　　《蒙娜丽莎》

　　《最后的晚餐》

　　《维特鲁威人》

　　5

　　伦勃朗(Rembrandt 1606～1669)1606年7月15日生于莱顿，1669年10月4日卒于阿姆斯特丹。其画作体裁广泛，擅长肖像画、风景画、风俗画、宗教画、历史画等。自画像莱顿时期（约1625～1631）作品采取强烈的明暗对比画法，用光线塑造形体，画面层次丰富，富有戏剧性。

　　伦勃朗在绘画史——不独是荷兰的而是全欧的绘画史上所占的地位，是与意大利文艺复兴诸巨匠不相上下的。他所代表的是北欧的民族性与民族天才。造成伦勃朗的伟大的面目的，是表现他的特殊心魂的一种特殊技术：光暗。这名辞，一经用来谈到这位画家时，便具有一种特别的意义。换言之，伦勃朗的光暗和文艺复兴期意大利作家的光暗是含着绝然不同的作用的。法国十九世纪画家兼批评家弗罗芒坦（Fromentin)目他为“夜光虫”。又有人说他以黑暗来绘成光明。

　　卢浮宫中藏有两幅被认为代表作的画《木匠家庭》《以马忤斯的晚餐》，我们正可以把它们用来了解伦式氏的“光暗”的真际。

　　作品《圣斯蒂芬被石块击毙》（藏里昂美术馆），通过捕捉面部表情，揭示人物的内心活动。为了塑造有个性特征的人物形象，他毕生研究相学，其探索的成果是他绘画技法的重要组成部分。阿姆斯特丹时期（1632～1648）从1632年定居阿姆斯特丹到1640年，是其创作的成熟阶段。成名作《蒂尔普教授的解剖课》（藏海牙莫里斯皇家绘画陈列馆），突破团体肖像画呆板的程式，在构图和人物神情上处理得逼真而又生动。这时期的大量宗教画，均表现世俗内容，具有巴洛克画风。1636年所作《参孙被弄瞎眼睛》，因表情刻画细腻而复杂，被评论家形容为相当于莎士比亚笔下的麦克白夫人。类似的杰作还有《画家和他的妻子》、《怀抱萨斯基亚的自画像》（藏德累斯顿画廊）等。1640～1648年，个人生活的不幸和折磨，使他更深刻地去观察和理解社会，艺术创作也进入一个深化的阶段。1642年儿子去世使他悲痛万分，而《夜巡》（藏阿姆斯特丹国立博物馆）的问世，一开始又不被人理解，这幅带有风俗画和历史画性质，可以使人回忆起往昔荷兰人民反抗异族统治斗争的史诗性杰作，因其进一步突破了传统画法，开始不被订画者接收，一度形成僵局。此时期他的其他作品，也像《夜巡》一样采用更加接近舞台效果的表现手法，含蓄地描绘画面上的主要人物，因而不像30年代那样受到上层社会人士的欢迎，以致生活越来越困难。《夜巡》晚年（1648～1669）伦勃朗晚年生活困难，家产被拍卖，油画作品买主不多，只有宗教题材的蚀刻版画还有人订制。其中一幅取名《100荷币版画》的作品，就是依其售价而定名的。这时期他最著名的作品是描绘荷兰古代英雄C西菲利斯反抗罗马暴政的《西菲利斯的密谋》和《呢商同业公会理事》（藏阿姆斯特丹国立博物馆）的团体肖像。前一幅具有纪念碑式气魄，可惜现只存一块残片，藏于斯德哥尔摩国立博物馆；后一幅因表现了因人而异的外貌性格特征，成为他的不朽之作。家庭的不幸和一系列折磨并未摧毁这位倔强的老人，他始终坚持自己的艺术主张和创作方法，直至逝世前还画出了《浪子回头》、《扫罗与大卫》等名画。据20世纪60年代统计，他一生留存的作品有油画600幅，蚀刻版画350幅，素描1500幅，70年代以后还陆续有新的发现。