全球10大舞蹈旅游胜地

下面给大家介绍一下全球10大舞蹈旅游胜地一起来学习一下吧!

1、阿根廷布宜诺斯艾利斯的探戈舞 (Tango)

探戈于19世纪后期在布宜诺斯艾利斯的工人阶层中诞生，随后传播到了上流社会，最终走向了世界。如今，浪漫的布宜诺斯艾利斯是欣赏和学习阿根廷探戈舞的最佳去处。

2、西班牙塞维利亚的弗拉明戈舞(Flamenco)

即便是从来没有来过西班牙的人，也熟悉西班牙红色和黑色的褶皱裙、高高的鞋跟、弗拉曼柯舞的吉普赛节奏。该舞蹈也是一种神秘的舞蹈。最早记录出现在1774年。弗拉曼柯舞最开始是吉普赛音乐和摩尔式节奏的混合，随着来自北非的移民传入西班牙。如今，弗拉曼柯舞双年节每两年举办一次，今年将于9月12日至10月5日在塞维利亚举办。

3、古巴哈瓦那的萨尔萨舞(Salsa)

20世纪中叶起源于Casinos Deportivo的舞厅，古巴的萨尔萨舞已经成为了古巴文化固有的一部分。该舞蹈以男女之间调情的作用、华丽的自发的移动，以及明显的黑人西班牙的节拍为特点，无论是欣赏还是亲自跳，都十分激动人心。

4、美国旧金山的肚皮舞(Bellydance)

虽然肚皮舞起源于中东，然而其主要的教学中心是在美国，也是在美国“肚皮舞”这个名字被命名。

5、巴西萨尔瓦多的卡泼卫勒舞(Capoeira)

卡泼卫勒舞是世界上最惊人的舞蹈之一，糅合了搏击、舞蹈和杂技的动作。据说该舞蹈源于奴隶的自卫，而自卫是被农场主禁止的，他们只好用舞蹈来伪装。

6、印度宝莱坞的舞蹈

有着极其华丽的服装、特效以及独特的魅力，舞蹈一直是宝莱坞**工业的核心。建立在传统印度舞的元素之上，宝莱坞舞蹈就像宝莱坞**一样，已经加入了西方的流行文化。

7、美国纽约的电臀舞(Twerking)

可以说现在电臀舞已经走向了世界。英国电臀舞大赛是于8月14日在伦敦开幕，但是如果你错过了这次盛宴，建议你去纽约。因为纽约是各种各样的街舞集中营，而且这里还创造了同一时间内跳电臀舞的人数 最高 的记录。

8、爱尔兰都柏林的Set舞和Ceili舞

爱尔兰的Céilí舞是由2至16个人跳的舞蹈，而set舞则是四对人站成一个正方形跳的舞。爱尔兰舞蹈的风格很僵硬，手臂交给别的人，只能靠脚来踏步子，据说这是从18世纪到19世纪早期流行在桌面上跳舞演变而来。

9、奥地利维也纳的交谊舞(Ballroom dance)

跳正式而优雅的交谊舞最好是在专门的地方，而维也纳就是这么个好地方。每年冬天，维也纳都会举办400多场舞会，迎接来自世界各地的近30万喜欢跳交谊舞的游客。

10、柬埔寨的仙女舞(Apsara dance)

在印度和佛教的神话中，飞天的仙女代表云和水，是女性精神的象征。仙女舞是高度程式化的古典Khmer舞中的一种，而Khmer舞发源于宫廷。如果你在柬埔寨，想要看看当地的传统舞蹈的表演，你最有可能看到的就是仙女舞。

Take The Lead

译名：情舞师生

导演：利兹·弗里德兰德Liz Friedlander

主演：安东尼奥·班德拉斯Antonio Banderas

罗伯·布朗Rob Brown

阿尔法·沃德Alfre Wood

丹特·巴斯科Dante Basco

类型：音乐/剧情

片长：108分钟

级别：PG-13(主旋律题材，粗口和暴力)

出品：新线**公司New Line Cinema

上映日期：2006年4月7日(美国)

皮埃尔·杜兰尼舞蹈俱乐部作为社会上知名的舞蹈学校，并不仅仅教授舞蹈，而且帮助，每一位学员挖掘舞蹈更深层次的精髓：兴奋、乐趣、浪漫、优美以及自信。”皮埃尔·杜兰尼舞蹈俱乐部主页上的宣传语深刻体现出舞蹈作为人生活中应起到的不可或缺的调剂之用。

经过多年的磨砺，皮埃尔·杜兰尼(安东尼奥·班德拉斯)已经成为纽约城内小有名气的舞蹈家。然而，对舞蹈以及对生活都无比热爱的皮埃尔却有着更大的理想--成立一所以自己名字命名的舞蹈俱乐部，教授更多的年轻人，当然也包括各个年龄层次的人学习舞蹈，在轻松优美的舞步中体会生活、体味人生。同时，通过这个舞蹈俱乐部还可以结交更多喜爱舞蹈的人士，以将自己深爱的这项事业发扬光大。

然而，要办一所舞蹈俱乐部可不是一件轻而易举的事情，除了拥有足够的资金之外，还要很多社会上的难关需要一一去攻克。于是，皮埃尔以时刻准备着的心情首先来到了一所纽约的公共学校，以实现自己对舞蹈的诺言。同时，还可以在如今已遭受众多现代“污秽”污染的年轻人当中传播一下清新的舞蹈之风。但是，皮埃尔美好的初衷却遭到了现实无情的践踏。因为，在纽约上公共学校的学生大多出身卑微，家庭及社会地位低下。尤其是其间众多的黑人学生所占据的大比例，使得公共学校中黑人文化浓重，更加通俗、大众的说唱、饶舌、街舞以及篮球等比比皆是。狂放不羁的学生们对皮埃尔教授他们的舞蹈毫不理会，甚至是辱骂抵触。另外，他们眼中的这位皮埃尔舞蹈老师的背景也着实令这些黑人学生有着或多或少的厌恶感觉。

俗话说，“日久见人心！”经过了一段时间的相处，以及几次师生间的“感情交流”，使得这些调皮的学生渐渐地理解了这位舞蹈老师的苦心。同时，学生们不羁的性格也在这位善解人意的老师那里找到了发泄之地。因此，皮埃尔·杜兰尼老师的舞蹈课自然成了校园里学生们最喜爱的课程。舞蹈，也成了孩子们日常生活中重要的组成部分之一。相反地，学生们可谓激情四溢的舞蹈天分也给了皮埃尔莫大的创作动力。在与学生们相处的舞蹈日子里，渐渐地，师生间共同开创出了一种全新的舞蹈形式……

世界芭蕾舞的门派分类和风格特点有哪些

　芭蕾舞是非常美的舞蹈，学习芭蕾舞的人也非常多。下面我为大家搜索整理了世界芭蕾舞的门派分类和风格特点有哪些，欢迎大家阅读。

　世界芭蕾舞的门派分类和风格特点

　芭蕾(Ballet)起源于欧洲文艺复兴时期的意大利，兴盛于法国，鼎盛于俄国，之后从俄国走向全世界。在500多年的发展过程当中，芭蕾先后经历了五大时期：早期芭蕾时期(启蒙主义时期)、浪漫芭蕾时期、古典芭蕾时期、现代芭蕾时期，最后是当代芭蕾时期。几百年来，芭蕾以他无穷的魅力、顽强的生命力活跃在世界舞坛。

　芭蕾在发展之初是没有脚尖技术的，在经历了文艺复兴、古典主义、启蒙运动、浪漫主义、现实主义等较长、复杂的发展阶段之后，知道19世纪20年代，矫健的精湛技艺才获得了重大的发展，而今天的芭蕾经过几百年的发展后形成了一套系统的、科学的、趋于完美的、世界上没有任何训练人体可以取代的教学体系，并在这个基础上形成了世界公认的六大芭蕾学派：意大利学派、法兰西学派、俄罗斯学派、丹麦学派、英国学派和美国学派，这六大学派都有共同的审美特征及外形特征，不过，它们又有各自不同的文化背景、教育思想、风格特点和训练细节，如，在风格上意大利学派简劲，法兰西学派妩媚，俄罗斯学派豪放，丹麦学派轻盈，英国学派细腻，美国学派现代。对于中国来讲“芭蕾”是舶来品，对中国芭蕾影响最深的是俄罗斯学派，从上个世纪80年代之后，世界其他国家和其他学派的芭蕾开始进入我国，为我国芭蕾的发展注入了新鲜的血液。

　芭蕾在经过了几百年历史的发展和考验后，一比人们公认为一门课科学的、系统的艺术瑰宝，作为舞蹈艺术的种类之一，在社会教育的活动中担负着两大职责：一是为国家培养舞蹈专业人才;二是在社会上进行广泛的审美教育。

　芭蕾基训课是舞蹈教学中的一门主课，它决定学生和演员的舞蹈基本技术素养。

　作为一门诞生于文艺复兴时期的西方高雅艺术，芭蕾保留着古希腊、古罗马那种对上天及日月的敬仰，追求独立的人格、向往自由、崇尚运动及健美的体格。西方芭蕾艺术的体态表现出的审美特征与东方舞蹈截然不同，它要求舞者修长的形体线条、要求腿脚的外开并要求动作中四肢有延伸的感觉，在舞蹈表演中不但有脚尖站立、腾空大跳、向上托举等高贵、典雅的舞姿，所有的动作力图摆脱地球的引力、极力向空间升腾等等，是芭蕾艺术呈现出自信、张扬、高贵与支配一切的强烈人文精神。芭蕾的轻盈飘逸、热情奔放的美学标准体现了西欧这种向上升腾、超越自己的艺术形态。

　在芭蕾的发源地——意大利，早期的芭蕾不同于建筑、美术这些传统的艺术，它更倾向于一种贵族的生活时尚，当时的芭蕾舞蹈演出也仅仅是各国君主炫耀自己的权利和财富的工具。

　意大利的芭蕾富丽、高雅、动作力度较强，它的特点是：

　1、舞姿优雅与和谐，动作过程简洁、干净、准确;

　2、技术娴熟、风格严谨;3、演员肌肉十分有力量;

　4、追求高难度的舞蹈技巧、动作与技巧速度快、线条清晰、棱角分明;

　5、小跳动作快速、灵巧，十分独特;

　6、旋转技术高超，并且花样独特、繁多。

　法国是宫廷古典主义芭蕾和浪漫主义芭蕾的起源和中心，芭蕾曾一度繁荣。1581年由路易十四王后亲自上演的《皇后喜剧芭蕾》是世界芭蕾史上第一部较为完整的芭蕾舞剧。并且，法国国王路易十四在执政期间成立了世界上第一个芭蕾舞蹈学校;制定了世界上第一套芭蕾奠基性的、规范教材并沿用至今，这套教材的历史作用为芭蕾这门学科的研究工作开辟了康庄道路。

　在法国，18世纪的欧洲启蒙运动对芭蕾的发展产生了重要的影响，启蒙运动时期，法国芭蕾充满着革新思想，反对把芭蕾视为仅供贵族消遣的娱乐方式，提倡芭蕾要反映现实，表现生活，要富有社会内容和教育意义，于是，“情节芭蕾”在法国产生。在法国政府的高度重视和充足的资金保障下，法国的芭蕾从文艺复兴开始到19世纪下半叶一直处于欧洲芭蕾的中心地位，19世纪末浪漫主义芭蕾衰落，法国的芭蕾艺术一蹶不振，芭蕾的`中心由法国转入俄罗斯。直至20世纪初佳吉列夫俄罗斯芭蕾舞团在巴黎的成功演出，才又使得法国各地的芭蕾演出活动开始复苏，有一次促进了法国芭蕾艺术的发展。

　法国的芭蕾气质高贵、强调动作的雅致，具有五大特点：

　1、舞姿华丽优雅、动作轻盈纤细;

　2、手形美丽柔和、技术高超潇洒;

　3、舞艺高超、擅长戏剧表演;

　4、以文雅、流畅、轻盈、细腻著称;

　5、讲究舞蹈艺术感、以妩媚闻名于世。

　尽管俄罗斯人不是芭蕾的原创者，但他们在极大程度上丰富了这一艺术形式，世界上很多国家都借鉴俄罗斯芭蕾的模式。俄罗斯的舞蹈文化特点主要表现在专制制度下对现实主义的追求、不屈不挠地俄罗斯精神。

　俄国的芭蕾注重戏剧性情节，舞蹈动作大气而刚毅，具有以下五大特点：

　1、发扬俄罗斯式的平稳、优美和动作自由、宽广的风格;

　2、作品充满了人道主义思想和深刻的内涵，对情感的表达极为真诚;

　3、戏剧性很强，富有强烈的艺术感染力，艺术风格热情、豪放;

　4、动作质朴、适度、柔和;

　5、演员技术全面、能力强，擅长各种大的跳跃和复杂急速的旋转。

　丹麦芭蕾有着悠久的历史，其风格的形成与丹麦独特的文化氛围、独特的欧陆地域风情、浪漫的安徒生童话等等有着密不可分的联系。丹麦芭蕾自1559年问世以来，在法国宫廷芭蕾的影响下，经历了几个朝代后，于费德列三世时期达到了顶峰。在丹麦，芭蕾艺术即受到群众的喜爱，又得到政府的有力赞助，从而使它成为了世界古典芭蕾的六大学派之一。

　丹麦的芭蕾注重动作的轻盈、演员脚底下的功夫极为细致而灵敏，具有四大特点：

　1、动作中十分注重身体的稳定和四肢的协调;

　2、完美灵活的脚下动作使男演员舞姿优雅、女演员动作轻盈;

　3、舞剧创作中将古典芭蕾、浪漫芭蕾和丹麦民间舞蹈相结合;

　4、在训练中十分注重对跳跃和击打技术的练习，其弹跳十分轻巧，创造了一种流畅而又轻巧的风格。

　芭蕾正式进入英国是20世纪二三十年代，当时正是俄罗斯芭蕾的黄金时期，在俄罗斯演员巴甫洛夫和佳吉列夫的影响下，英国人对芭蕾舞剧产生了浓厚的兴趣，建立了大型的舞蹈团体，并在上世纪60年代开始，英国芭蕾走向成熟并在国际上被普遍承认和广泛传播。站在这样一个高起点上，再加上英国具有的丰富的文化资源，特别是莎士比亚的喜剧以及别具特色的英国神话故事，为芭蕾在英国的发展提供了肥沃的土壤，并且当时有相当一批才华横溢、富有创造性的编导，以上诸多原因是英国芭蕾以惊人的速度发展壮大。

　英国的芭蕾精致、细密、动作流畅，其特点有以下几点：

　1、脚部动作灵活，手臂动作柔和;

　2、注重舞姿的线条和舞蹈技术的质量;

　3、动作非常优美、规范、细腻;

　4、女演员舞蹈艺术感觉非常好，男演员“直立”很好，旋转十分漂亮。在世界芭蕾舞界英国学派可以说是独具特色、演技高超、自成一派。

　由于法国大革命，一些著名的法国演员为了躲避战乱来到美国，从1820年之后，在美国的舞台上出现了足尖舞，自此，芭蕾舞开始在美国扎根。而美国公众真正认识芭蕾是从1912年巴甫洛娃访问纽约开始的，自20世纪30年代起，美国芭蕾舞进入了一个硕果累累的黄金时代，并逐渐成为芭蕾大国之一，形成那个了世界公认的美国芭蕾学派。

　美国的芭蕾起步较晚，是芭蕾的后起之秀，它富于创新、形式多样、动作敏捷、灵活、富有生气，其特点有以下五点：

　1、作品及动作具有独特的生命活力很清新爽快的风格;

　2、注重女演员的中心地位，女主角一般都经过精心挑选，体型很瘦、腿和脖子纤长，经过训练以后，可以完成快速的旋转和完美而刚劲有力的腿部动作;

　3、具有显著的“交响芭蕾”特色，舞剧创作中，编导巴兰钦以自身高深的音乐修养，融入了美国的乡土音乐，使美国芭蕾学派的舞剧具有显著的“交响芭蕾”特色;

　4、以“速度”和“稳定”著称;

　5、据有典型的现代风格。

　

扩展资料：

　芭蕾舞形式

　1、一种舞台舞蹈形式，即欧洲古典舞蹈，通称芭蕾舞。这是在欧洲各地民间舞蹈的基础上，经过几个世纪不断加工、丰富、发展而形成的，具有严格规范和结构形式的欧洲传统舞蹈艺术。19世纪以后，技术上的一个重要特征是女演员要穿特制的足尖鞋用脚趾尖端跳舞

　2、舞剧最初专指以欧洲古典舞蹈为主要表现手段，综合音乐、哑剧、舞台美术、文学于一体，用以表现一个故事或一段情节的戏剧艺术，称古典芭蕾（或古典舞剧）。20世纪出现了现代舞以后，以现代舞结合古典舞蹈技术为主要表现手段来表现故事内容或情节的称现代芭蕾。逐渐地，芭蕾一词也用来泛指用其他各种舞蹈为主要表现手段的舞剧作品，尽管在舞蹈风格、结构特征、表现手法等方面均不同于古典芭蕾或现代芭蕾。

　3、在现代编导创作的舞蹈作品中，有相当一部分没有故事内容，也没有情节，编导运用欧洲古典舞蹈或现代舞蹈，或使两者相结合，用以表现某种情绪、意境，或表现作者对某个音乐作品的理解等等，这些也称为芭蕾。

　芭蕾舞角色

　古典芭蕾舞剧有其特定的结构与形式，经由艺术总监、编舞、舞者、灯光音响、服装、布景……专业的剧场工作人员密切配合，才能完整的呈现在观众面前。

　如果对芭蕾舞舞台上的型式能有基本的认识，观赏芭蕾演出时必能获得极大的乐趣与共鸣。芭蕾舞剧演出主要由下列三种角色组成：

　1、主角：主角是故事核心人物，舞者需有一定水准以上的技巧与体力，最重要是要 有高超舞蹈素养及品格，才能诠释剧中的人物。古典芭蕾双人舞是整个舞剧重心，大都由男女主角担任，古典芭蕾舞剧双人舞结构 次序是男女主角双人的慢板，然后是男主角独舞，女主角独舞，最后才是终曲coda双人快板，主角艺术素养与技巧水准将于双人舞中呈现。

　2、独舞者：具有主角技巧，而能单独或三、四人演出者。

　3、群舞者：群舞者虽然舞步较简单，但复杂的画面变化，整场气氛烘拖更是扮演举足轻重的地位，每一位群舞者均非常重要，只要有一人乱了脚步，整体的画面将被影响。

　芭蕾舞标志

　用脚尖站立的芭蕾舞女演员。在观众看来，用脚尖跳舞轻松愉快。女演员脚上那粉红色的芭蕾舞鞋是那么优美高雅，让人想起这是一项崇高的艺术。但是，实际上，用脚尖跳舞十分困难。那些献身芭蕾舞艺术，探索其奥秘的人并不愿意把秘密公布于众。如果揭开芭蕾舞鞋的秘密，似乎芭蕾舞之谜也就不复存在。

　芭蕾舞鞋能够承受的巨大的荷重可以跟足球鞋承受的荷重相提并论，其关键在鞋尖。鞋尖不仅柔软，而且具有相当大的安全系数。即使跳起时鞋尖断裂，女演员保证不会残废。

　俄罗斯著名的“格里什科”公司生产的芭蕾舞鞋从非洲到墨西哥，在三十多个国家受到欢迎。

　芭蕾舞鞋鞋尖用生产紧身胸衣的面料，例如缎子缝制而成。“格里什科”的专家得出结论，芭蕾舞鞋最合适的颜色——桃皮色，既不刺激观众，又能安抚女演员本人，而不是通常许多国家的那样——粉红色。

　芭蕾舞鞋鞋尖的最大奥秘在于使女演员得以用脚尖跳舞的“鞋盒”。“鞋盒”藏在鞋尖里。“鞋盒”实际上是一种硬套，套住脚趾和一部分脚面。“鞋盒”不用木头、塑料、软木等材料，而由6层最普通的麻袋布或其它纺织品粘合而成。“格里什科”公司拥有胶粘剂的专门技术，让鞋尖既不太硬，又不太软，也不易折断。

　鞋尖手工缝制，然后连同“鞋盒”里面朝外同鞋的其余部分缝到一起。之后，鞋匠把鞋尖翻回来，用小锤把“鞋盒”弄平顺。当没有不平的地方后，让鞋在硬物上直立起来，看看能否保持　　平衡。最后，让舞鞋在摄氏50度的条件下晾干，存放在室温下。一双芭蕾舞鞋准备好了！一双芭蕾舞鞋的寿命短得令人遗憾：上场演出2-3次。“格里什科”舞鞋的记录是大剧院的独舞女演员娜杰日达·格拉乔跟基特里合作，在芭蕾舞剧《堂吉诃德》里跳了9场。

　为了适应不同高度的脚面，芭蕾舞鞋总共有3种型号：“瓦加诺瓦”、“埃利塔”、“富埃捷”。每种型号又分17种尺寸。此外，每种尺寸又有5种肥瘦情况。任何一个女演员可以从厚薄、大小、肥瘦不同的255种鞋中，挑选适合自己的理想的鞋。尽管如此，为了让鞋更适合自己的脚，每个女演员各有高招：一些人用小锤敲打鞋，另一些人用门挤压鞋，还有一些人用五花八门的东西垫进“鞋盒”里……

　俄罗斯芭蕾舞女明星叶卡捷琳娜·马克西莫瓦娅承认，在没有足够选择的年代里，每推出新剧目，她都要花费整整一天时间来让脚适应舞鞋。

　还有一件事没有提到，每个女演员通常亲自动手给舞鞋缝上小丝带。通向舞台的道路打通了！

　至于男演员，穿所谓的软鞋——在外行看来跟普通的布鞋差不多。其生产工艺跟女演员的当然无法相比，但也有自己的精致之处。软鞋分两种：整鞋底和分鞋底。分鞋底由两部分组成：鞋前部和脚后跟。正是鞋前部让男演员的脚穿在里面舒舒服服，自由自在。

　舞鞋的绑法也很有讲究：通常是把丝带先在腿上绑两圈再系蝴蝶结。由于表演时不可以绑丝带，所以演员们在上台之前，都要把鞋带绑得很紧。

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1，抒情性舞蹈：法国18世纪伟大的舞蹈编导家、理论家让乔治诺维尔在《舞蹈和音乐剧书信集》一书中认为：“人类的感情达到了语言不足以表达的程度，情节舞就会大大奏效……要描绘的感情越强烈，就越难用语言来表达它，作为人类感情顶峰的喊叫，也显得不够，于是喊叫就被动作（舞蹈）所取代。”中国古代《毛诗序》序中说：“情动于中而形于言，言之不足故嗟叹之，嗟叹之不足故歌咏之，歌咏之不足，不知手之舞之，不知手之舞之，足之蹈之也。”这一精辟的见解说明舞蹈是人类感情最集中、最激动而又无法抑止时产生的。诗人闻一多在《说舞》中写道：“舞是生命情调最直接、最实质、最强烈、最尖锐、最单纯而又最充足的表现”，非常深刻地概括和阐明了舞蹈的审美特征。《大饭店》是编舞、导演Tommy Tune代表作之一，在百老汇演出以后，虽然场面调度及视觉效果非常好，但戏文上的缺憾仍然严重影响了首演的票房。其中有一段精彩绝伦的抒情性查尔斯登舞的表演，使全美各地的观众对于这部作品大感好奇，最后竟破了千场卖座纪录。2，叙事性舞蹈：音乐剧舞蹈是以动作的舞化为出发点，进而用“肢体语言”叙述带有戏剧因素的故事。音乐剧舞蹈是舞蹈艺术中的一种体裁，它有别于其它舞蹈体裁的是它所具有的戏剧文学的内容；而有别于其它戏剧的则是它的艺术表现形式——音乐剧舞蹈是以舞蹈为其推进故事发展、刻画人物性格的表现手段。叙事性舞蹈基本上是传统的，中规中矩。一般出现在以扎实的剧本、动人的音乐和舞蹈的整合为特征的剧本音乐剧中。在这种类型的作品中，舞蹈、戏剧与音乐齐头并进，互相补充，不会出现舞蹈“独领风骚”的局面。剧本基本上已经限定了作品的主旨和主要场景，音乐也已经基本上确立了整部作品的情感基调，舞蹈只能在此基础上、在有限的空间内展开。这种类型的舞蹈主要侧重的是它的叙事功能，它与戏剧和音乐一起组成有机的、不可分割的整体。最早将这种类型的舞蹈引入音乐剧创作中来的当属德米尔。在《俄克拉荷马》中，她独创的那段女主人公劳瑞的“梦幻”芭蕾舞，与戏剧和音乐配合的严丝合缝，滴水不漏，成为通过舞蹈刻画人物，推动情节发展的典范。舞蹈通过劳瑞的梦境而展开，先是劳瑞与心目中的恋人——男主人公克莱的一段充满浪漫与温情的双人舞，表现了两人心心相印的爱慕之情。随着音乐由温馨转入紧张，丑陋奸诈的拉德上场，企图拆散这对甜蜜的恋人而独霸劳瑞。凶狠残暴的拉德、善良勇敢的克莱、温柔无助的劳瑞为观众献上了一段快板的三人舞，这个舞段将三个人不同的性格特征、剧中的主要戏剧矛盾和冲突以及女主人公的爱憎表现无遗，为后面剧情的展开做了完美的铺垫。紧接着，拉德在打到克莱后，对劳瑞紧追不舍，舞蹈又转入一段表现追逐与打斗的双人舞，这段舞蹈将拉德的邪恶和残暴形象地勾勒出来，更加深了观众对这个反面角色的憎恶。上述四个舞段与戏剧、音乐完美结合，舞蹈动作随音乐节奏和戏剧氛围的转换而变更，通过舞蹈所营造的“梦境”，不仅用较小的篇幅集中而生动地展现了剧中的主要的戏剧冲突，推动矛盾向前继续发展，还同戏剧和音乐一起，形象地刻画了几个主要人物形象的内心世界和性格特征，令人拍案叫绝！3，抒情和叙事相结合。这是指：音乐剧中的每一段舞蹈既担负着叙事任务，又能让观众欣赏到舞蹈艺术美。从具体音乐剧作品的客观实际来考察，我们就会发现，其实抒情和叙事并不是绝对互相排斥和对立的，它们往往是互相渗透的，只不过是时候不同、侧重各异而已。由于音乐剧舞蹈的艺术本身就要求抒情和叙事高度完美的结合，所以，不把叙事性舞蹈和抒情性舞蹈截然分开，尽量做到在音乐剧中出现的每一段舞蹈既起到叙述剧情、推进情节的作用，又充分发挥了舞蹈美的特点，使每一段舞蹈都具有欣赏价值，应该是充分发挥舞蹈表现手段特长的先决条件，只有符合这一原则的要求才能给音乐剧舞蹈提供翱翔的广阔天地。只有如此，才能使我们深入地细致地刻划人物的性格，表现人物的思想感情，使我们在音乐剧舞蹈中塑造出典型环境中的典型人物来。这种类型的舞蹈表现力极强，可以综合体现叙事、抒情、渲染等多种功能，强有力地推动着整部作品向前发展。