如果你想学一门乐器，这篇文章有你需要知道的一切

导言

古语有云：丝不如竹，竹不如肉。

啥意思？就是黄瓜丝儿不如竹笋好吃，竹笋不如肉好吃——O(∩_∩)O哈哈~

开个玩笑，吃货们也许会这么理解，不过人家本来的意思跟吃没有任何关系。

“丝”是指弹拨类的弦乐器，比如扬琴、古筝等；“竹”是指吹奏类的管乐器，比如竹笛、唢呐等；“肉”是指人的发声器官，也就是歌喉。所以古人的意思是：丝弦弹拨的曲子不如竹木吹出的动听，而竹木吹出的曲子又比不上人的喉咙唱出的歌曲动人。

古人这种看法自有他的道理，不论是东方还是西方，最古老的音乐都是“声乐”，最古老的“乐器”也是人的喉咙，后来乐器被发明，也只是作为人声的伴奏。这从西方音乐中的一种曲式——奏鸣曲就可以一窥端倪：奏鸣曲最初特指只用乐器演奏的曲子，与声乐曲相对，而从其出现到发展成熟，也到了16世纪，人类文明已经有好几千年的历史，音乐的年龄也相差无多。

因此，我们的老祖宗认为人声是最好的音乐，而接近人声的乐器（比如竹笛，直接和嘴接触）次之，稍微远离喉咙的乐器（比如古筝，远到要用手弹了）则最差。

然而，音乐发展到今天，这种看法已然过时。虽然歌唱仍然是最普遍、最流行的音乐形式，但是乐器的种类无比丰富、音色变化无穷、音域极其宽广，其表现力远非人声所能比拟。

在数不清的各种乐器中，有三种乐器是最受欢迎的，它们是钢琴、小提琴和（古典）吉他。有意思的是，钢琴被称为“乐器之王”，小提琴被称为“乐器之后”，古典吉他被称为“乐器王子”，它们成了乐器界的“贵族吉祥三宝”——“我们三个就是吉祥如意的一家”。

当然，除了“吉祥三宝”，还有很多深受大众喜爱的乐器，比如萨克斯、二胡、古筝、琵琶、笛子、扬琴、手风琴、爵士鼓等等，它们奏法不同：有吹奏、弹奏、拉弓、拉风箱、打击、敲击、拨弦等等；音色各异：有的低沉、有的明亮、有的悠扬、有的激越、有的泉水叮咚、有的婉转连绵每种乐器都有其独特的音色特点，也有其代表曲目，譬如萨克斯演奏的《回家》、二胡演奏的《赛马》、古筝演奏的《渔舟唱晚》、笛子演奏的《小放牛》、手风琴演奏的《喀秋莎》

如果你听过这些旋律或者观赏过艺术家的演奏，一定会感叹：太帅了，要是我自己能演奏该多好！于是，你也许会萌生学习一门乐器的想法。今天这篇文章，就跟大家谈谈，如果你有这样的想法，接下来该怎么一步一步地将之付诸实践，最终也变成自己羡慕的“帅帅演奏家”！

为什么？

当你有了学乐器的想法，先不着急马上去学，要问问自己为什么要学乐器，也即是要搞清楚自己的动机和目标，这是非常重要的。

如果不清楚动机和目标，不仅是学乐器，干任何事情都容易半途而废。而学乐器是要投资的，不仅仅是金钱，还有大量的精力和时间，如果你不想让自己的付出打水漂，那么“为什么”这个问题，是要好好想想的。

先来说说动机。

我想，从强大性和持久性上来说，动机从低到高分为三个层次：

最低层次是为了满足别人的要求而学。这常见于被家长逼着学琴的小朋友。有些家长自己热爱音乐，想把下一代培养成钢琴家，不管儿女愿意不愿意，强迫其练琴，每天好几个小时，小孩子在威逼利诱下痛苦地熬时间，不但学不好，更有甚者谈琴色变，以后一旦自己做主，就跟音乐分道扬镳，本来是该享受的美好，成为了心理阴影。

也有一些小孩子一开始不喜欢练琴，但是随着学习的深入，就喜欢上了乐器和音乐，比如郎朗小时候就是这样。所以不可一概而论，要因材施教，灵活处理，家长的引导很重要，如果觉得孩子在学习一段时间后实在不喜欢，切不可硬逼，否则会影响孩子一辈子的心理健康。

中等层次是功利性的追求。有着这种动机的人很多，比如为了虚荣心的满足：我的朋友会乐器，我要也会，不然没面儿；为了攀比：别人家的孩子多才多艺，我的孩子也不能差；为了升学拿证：考了十级证书有利于升学，甚至找工作时填简历也是一笔亮色

这种动机能支撑着一个人学习到一定的水平，但却不能真正地把一门乐器作为一辈子的爱好。前些年有中考高考才艺加分，很多学琴的学生劲头很足，花上几年时间苦练，过了十级，上了心仪的学校，目的达到了，琴也撂下了，从此不碰。

最高层次是发自内心的热爱乐器和音乐本身。这其实就是很多人想学乐器的初心：觉得某个曲子用某件乐器演奏时是那么好听，演奏者是那么帅！如果你能一直保持这种初心，并且有决心和毅力克服困难——不论多难、多慢我都要演奏出好听的音乐，那么你必然会在音乐的道路上走得更远。

一般情况下，人会同时具备这三种动机，这是无可厚非的，只要是动机，就会带给我们学习的动力。然而重要的是，你要清楚这些动机哪些是主要的，哪些是次要的。郎朗弹琴也会为了满足别人，小时候满足父亲、成名了满足粉丝；也会为了功名利禄，办音乐会，拍广告，很大一部分原因是为了名利；而其核心动机是对音乐和钢琴的热爱，这是支撑着他走到今天的主因，父母亲友的满足、名誉金钱的获得等等只是附带着实现了而已。

再来说说目标。

动机是学习的动力来源，而目标，简单地说，就是你想学到什么程度。

有人会说：只要热爱，学就行了，学一辈子，学到什么程度算什么程度。

也有人会说：我又没学过，不了解，我也不知道我能学到什么程度。

关于第一种说法，我想告诉你，只有热爱是不够的，要有目标，否则容易散漫，进步缓慢，而且容易失去兴趣。心理学上有一个“目标设定理论”，大意是如果你要做一件事情，设定合理的目标和反馈（比如激励），更能让你长久坚持和取得好的绩效。举一个例子帮大家更清楚地理解目标的重要性：很多人都玩过电子游戏，电子游戏之所以抓人就是因为巧妙地设置了“目标反馈”机制，你一开始玩就有一个明确的目标——过第一关，干掉boss，达成这个目标马上给你一个反馈：拿到积分奖励，进入下一关就这样，你能一路兴味盎然地玩到最后一关，倘若没有每一关的boss（目标）和奖励（反馈），恐怕你玩一会就兴味索然了。

关于第二种说法，我想也是很多初学者的疑惑：我到底能学到什么水平？我学钢琴能弹到像郎朗那么好吗？

我想，每个人条件不同，学习以前应该根据自己的情况想好一个大致的目标。

如果是4、5岁的小朋友学乐器，是要培养个业余爱好，还是将来以此谋生，这个都说不好，也不一定在早期就要定好目标，家长可以和老师在孩子学习的过程中观察，如果孩子热爱、努力且有天赋，当然给予更好的培养，往音乐家的方向发展。小朋友学琴一般由专业老师指导，我在这里就不多说了，下面主要说说成人学琴。

成人学琴主要是业余爱好，也有少数走向专业道路的，但基本上就是组乐队，玩弹唱（弹电钢琴、民谣吉他、贝斯等），而成为演奏家（钢琴家、小提琴家、古典吉他演奏家等等）的几乎是没有的，这是因为一个专业演奏家所具备的音乐素养和乐器技术，非得十几年甚至几十年的熏陶训练不可，即使天赋再好，这些训练也少不了。所以，“半路出家”的小伙伴们，如果你想成为一个演奏家，还是多想想竹笋好吃还是黄瓜丝儿好吃，不然会越练越沮丧。

啊啊啊啊啊！难道我再怎么努力，也不能像郎朗那样在键盘上挥洒自如，像吕思清那样在弦乐上飘逸潇洒吗？

且别灰心，我想，大部分人最初喜欢的音乐应该不是《降E大调乐曲》，而是《天空之城》吧！而且，你觉得法兰西钢琴王子理查德克莱德曼潇洒不潇洒？

告诉你一个好消息：像大家耳熟能详的经典音乐——《天空之城》、《致爱丽丝》、《卡农》、《绿袖子》、《天鹅》、《克罗地亚狂想曲》、《风居住的街道》等以及理查德克莱德曼的很多经典作品——《梦中的婚礼》、《水边的阿狄丽娜》等，还有班得瑞、神秘园等这些乐团的轻音乐，还有好多好多非常好听的曲子，成人学琴，甚至自学，一两年之后都可以演奏！

也就是说，对于大部分人，最初那首让你动心的音乐，在你学习一两年之后就可以演奏了。我敢这么说，因为我就是其中之一。

而且，如果这么多好听的曲子还不能让你满足，那么你针对性地做一些练习，难度稍大一些的曲子，比如《加勒比海盗》、古典名曲《小夜曲》、《悲怆奏鸣曲》、《幻想即兴曲》等在五、六年后也可以演奏。

因此，如果你追求的是音乐的美而不是繁复的技术，那么半路出家的成人学琴完全可以做到。

怎么选？

这一部分说说（针对成年人学琴）怎么选择一门适合自己的乐器。

如果你已经有心仪的乐器，并且决定非它不可，那么可以跳过直接看下一部分。如果你还不知道想学哪一门乐器或者想了解一下各个乐器的入门难度以及投资大小，那这一部分正中你的下怀。

先谈谈“吉祥三宝”：

小提琴

成人学琴，慎选小提琴。

因为它的入门难度很大：首先，钢琴有键盘，吉他有品，只要你手指按在特定的一个范围，出来的音是固定的。小提琴不一样，它的音是连续的，没有绝对的音准，没有好的音感和长时间的练习，连音都拉不准，而音感是要从小培养的；其次，小提琴是旋律乐器，不像钢琴和吉他，它没法自己给自己伴奏，这在初学的趣味性上会降低一些；再次，小提琴的技巧太多，太过复杂，顿弓、跳弓、抛弓等等一大堆，每个技巧都需要投入大量时间练习，不把技巧练全基本没法拉太出彩的曲子，而即使是最基本的揉弦，也不容易拉好；最后，小提琴的演奏姿势是比较别扭的（对于没学过的人来说），成年人的手臂已经比较僵硬，很多人的手臂已经弯不过来了。

拉小提琴只有好听和难听两种状态，不存在“so so”。练好了声音优美悦耳，练不好声音艰涩刺耳。一般来说，三年之内拉不出好听的声音，而且整个练习的过程比较痛苦，不仅练习的内容很艰难，而且长时间没有进步会让你得不到很大的满足感和成就感。其实别说是半路出家，就算从小开始学也是极难的，两年基本无法摆脱难听，四年基本无法拉出好听的声音。这还是在每天保持至少一个小时专注练习的情况下。

所以除非你极端热爱小提琴，否则“知难而退”是明智的，这是一个投入产出比最低的乐器。但是真的学成了，满足感也是无与伦比。

如果看了上面的内容你依然决定“非小提琴不娶”，那么你是真爱，如果经济许可，第一把琴可以买2000-3000元的半手工琴，音色比较有保障。要是担心学不会又不至于浪费钱的，可以买把500左右的工厂琴，用来练习也是不错的。

钢琴

钢琴是我比较推荐的乐器。

钢琴演奏的名曲是很多的，而且如前文所述有很大一部分很简单，学个一两年就能弹奏。虽然也需要童子功，但弹钢琴没有音准和发音的问题，所以只要弹的不是太差，听起来也是不错的。

钢琴的难度体现在高阶水平上，如果你不满足于《天空之城》、《梦中的婚礼》这样的乐曲，想要弹好肖邦、莫扎特和浪漫主义的作品，这时候钢琴触键的轻重，踏板的细微处理就都很重要了，而你要想演奏《钟》这样的炫技作品，那么手指的灵活性，跑动的流畅性、跳跃的准确性，都有很高的要求，另外，光准确是不够的，为了使弹出来的旋律不机械，你还要有良好的乐感和对曲子的深刻理解。所有的这些，都不是一朝一夕能够达到的，很多从小学琴科班出身的人都未必能做好。

从这个角度说，钢琴未必比小提琴简单。

然而如前所述，成人学琴要定好自己的目标，培养爱好，增加生活情趣，陶冶情操是主要的，完全不必达到演奏家的水平。

虽说入门容易，初学者都需要经过一段时间的枯燥练习，能坚持下来也不容易，所以第一次购琴时不建议一步到位。

钢琴价格不便宜，稍微好一点的就得十多万甚至几十万，初学者建议选购1-2万的钢琴，完全够用。或者，如果嫌钢琴太笨重、价格还是略高，可以选择3000-4000元的电钢琴，作为练习用琴，也是完全可以的。

吉他

吉他也是我比较推荐的一款乐器。

吉他有很多种类：古典吉他、民谣吉他、电吉他、佛拉门戈吉他、夏威夷吉他等等。比较受欢迎的是古典吉他和民谣吉他。

古典吉他多用于独奏，民谣吉他多用于伴唱。

古典吉他学习的过程比较严格，要有正规的姿势、指法和各种技巧，严格性和专业性是古典吉他学习提高的特点；民谣吉他在学习中是比较自由的，只需要在伴奏类型和节奏上多下功夫。虽然都是吉他，但弹法和技巧还是有很大的不同，如果你先学了民谣吉他，再学古典吉他就需要耗费很长时间改正一些错误的指法和技巧，而且在速度上也需要重新正规地训练。因此最好选择一种持续练下去。

古典吉他难度更大一下，曲目也不是非常大众化，属于“硬核向”乐器，喜欢的人非常喜欢，当然，也有一些深受大众欢迎的名曲，比如《爱的罗曼史》。如果要学古典吉他，不建议自学，在入门时学会正确的弹奏姿势和技巧是很重要的。

民谣吉他就亲民多了，可以伴奏、也可以独奏，在姿势、手型、指法上也没有太过严格的要求，完全可以自学，而且入门容易，学上两三个月，就可以自弹自唱，很有成就感。

即便如此，学习的过程也会遇到坎儿。第一道坎儿是按弦手指会疼，指尖会磨出一层茧，很多童鞋就是受不了手指的疼痛而放弃；第二道坎儿是大横按和爬格子，大横按是个让初学者头疼的技巧，貌似很简单，可一时半会儿还真按不好，需要慢慢花时间练习，爬格子很枯燥，但不爬手指就没法灵活；第三道坎儿是和弦转换，不熟练的时候，手指老是慢半拍，很让人捉急。一旦你坚持度过这些困难，油然而生的自信就会支撑你学会更多的技巧，弹出更好的音乐。

初购古典吉他可以选择2000元左右的琴，质量、音色有保证，预算不够也可以选择400-500元的练习琴，一段时间后如果觉得自己真的热爱，再换一把好琴。民谣吉他可以买500元左右的练习琴，用来学习各种技巧、伴奏歌曲是完全可以的。再便宜的琴不建议选购，音色太差，按弦不易，都会影响学琴的兴趣。

其他乐器

管乐：

管乐对身体条件有一些要求，比方说长笛适合嘴唇比较薄的人。

管乐当中也就只有长笛的名曲是比较多的（如《小夜曲》、《圣母颂》等），但是跟弦乐还有钢琴比起来，还是太少了。管乐当中基本不要考虑双簧管、圆号和长号，因为这三个乐器比较难吹，而且名曲很少，有的都是大部头的协奏曲，或者是交响曲的选段。

单簧管，也就是黑管，是长笛之后比较推荐的，因为在爵士乐当中单簧管能运用到的机会还是很多的，没事跟朋友组个乐队还是可以玩玩的。

长笛和单簧管入门也不算难，一般练习两年，就能吹得还像一个样，而且体积小巧，携带方便。这两个乐器只要吹响，再对气息有一些控制，声音就不会太难听。技巧70%集中在气息上，不涉及到太多手指灵活度的问题。

竖琴：

竖琴是一款易学好听的乐器。它的音色本身就很好听，怎么弹都好听，近距离现场听竖琴的话，简直是天籁之音！而且有很多名曲都被改编成了竖琴作品，所以其实竖琴可以弹的作品是很多的。

但其缺点是比较贵，简单的练习琴（没有转调踏板的小琴）都要两万起。真正演奏用的大竖琴，最普通的都要二十万，所以这只能是在经济充裕的情况下才能考虑的选择。此外，和钢琴一样，竖琴携带不方便。

大提琴：

上文提到，小提琴不推荐主要是因为前期发音难听，像锯木头的声音。大提琴就完全没有这个问题，因为大提琴的声音非常低沉。从运弓上说，小提琴是平趟在肩膀上拉的，弓子的重力天然压在弦上面，手控制不好压力，多加一点点，声音就破了。大提琴就不是了，它是竖着拉的，弓子的重力不会天然加到弦上，而且大提琴的弦很粗，不怕你使劲儿。所以对于初学者来说，在发音和运弓上，大提琴非常友好。

其次，不像小提琴有那么多的技巧和弓法是演奏出彩所必须的，大提琴虽然也有各种技巧，但在大部分的曲子里是用不到的。大提琴的主要演奏技巧就是拉满弓，奏出一种深邃深情的声音。比方曾有一位音乐学院的学生，由于其右手有些缺陷，导致她无法做到跳弓、顿弓等技巧，但是这完全不影响她拉好大提琴。因为大提琴基本就是靠拉，其他技巧有木有无所谓。

再者，大提琴的音域比较低，并不是人耳敏感的音域，即使你音稍有不准，也不会太刺耳，一般人估计听不出来，这一点倒是适合耳朵不太灵敏的成年人。

另外，大提琴的名曲也不少，大都以深沉、抒情为主，旋律舒缓优美，非常浪漫。基本上学一年左右，很多曲子就能拉得像模像样了。

除了以上提到的，还有很多受欢迎的乐器，这里就不一一列举了，一样的原则，举一反三。

总结一下：选乐器最重要是看自己的喜好，在此基础上，考虑入门难易、价格、可演奏曲目量、投入产出比等因素。

怎么买？

明确了学习的动机和目的，选好一门乐器，下一步就是选购一款适合初学者的琴了。

接下来，我就以钢琴和吉他为例，说说买琴的注意事项。

钢琴体积较大，价格昂贵，并不适合大部分初学者购买。即便经济充裕，也不建议初次购琴就买太好的琴，除非你说我家房子太大，就愿意花100万买个三角钢琴摆在客厅做装饰，那请自便，这种情况不在这篇文章的讨论范围。

笔者母亲在教会就有这么个朋友，早年间是做生意的，经济条件好一些，他想让女儿小时候学钢琴，于是花好几十万买了一台三角钢琴，还请了刘诗昆的弟子做老师，投入巨大，可小女孩练了几个月，就一点兴趣没有了，每次去学琴就跟上刑场似的，硬拉硬拽，各种哭闹，只好作罢。后来改学唱歌了，几个月后也没了兴趣，又去学了跳舞，而钢琴从此就成了摆设。后来他生意不太景气，多方打听，想把钢琴卖掉

小孩子反复无常很正常，需要家长引导；成年人也不要高估自己的意志。

因此，成人学琴建议先购买一款3000-5000元左右的电钢琴。

至于为什么，可以看看我之前分享的一篇文章：

传送门： 关于（电）钢琴的选购

在这篇文章中，我详细地比较了电钢琴和钢琴各自的优缺点，我想对于初学者选购是有帮助的。

在3000-5000元的电钢琴中，有很多质量、口碑不错的品牌可以选择，比如：雅马哈、卡西欧、罗兰、KAWAI等等。这些品牌在网上都有详细的信息：型号、音色、外观等等，很容易搜到。

在这里跟大家简单说说雅马哈和卡西欧的区别。

在这个价位区间，推荐雅马哈p115和卡西欧px160。

这两个都是日本的品牌，雅马哈的名气可能更大一些，它还生产钢琴。外观上说，两者都很漂亮、典雅。音色上说，雅马哈电钢更加柔和，键噪较小；卡西欧音色稍微欠佳，键噪较大。触键感觉上说，雅马哈电钢偏软，与真钢差距较大；卡西欧触感更接近真钢。

所以，看重音色就选雅马哈，看重触感就选卡西欧。

千万不要买电子琴，虽然和电钢琴一字之差，但完全是两种乐器，因为电子琴没有力度感应，你轻轻按键和用力按键出来的音量是一样的，而且电子琴没有延音踏板，而用手指力度控制音量和用踏板控制延音，这几乎就是钢琴之所以称之为钢琴的全部（piano是pianoforte的简称，是意大利语，本意是“强弱”）。

此外，也不建议学电子琴，它就是个玩具，而且是小孩子的玩具。任何乐器都需要控制强弱来融入感情，管乐通过气息控制强弱、手风琴通过风箱控制强弱、小提琴通过拉弓的力度控制强弱等等，没了强弱，音乐的灵魂就失去一半。（如果有杠精非要说电子琴有音量控制旋钮啊，那你是不是还得长出第三只手在演奏时专门拧音量旋钮）

如果想学习吉他，那么初学者需要买一把大概500元左右的练习琴。再便宜，质量很难保证。购买时，要注意以下事项：

看外观：吉他颜色如果是深色的，或者在面板上画了很多图案，那么就要小心了，一般这样的吉他就是厂家在掩饰面板的瑕疵。好木材一半不会涂上深色的漆。选择一些可以看到木纹的吉他品质有保证。

看面板：吉他按照面板三个等级：合板，单板，全单板。合板琴是全琴用的都是复合板。单板琴一般是面板为实木板，背侧为合板；全单（板）琴是面板和背侧全都是实木板。全单琴音色最好，单板琴音色其次，合板琴音色最差。500元左右一般都是合板琴。

看弦距：查看弦与弦之间的距离是否均匀，弦与指板的距离是否合适，太高不好按，太低会打品有杂音。第1品弦与品柱的距离是2毫米左右。第12品为5-8毫米。（请自行百度什么是“品”）

看做工：看看做工是否精细，连接处有没有开胶，琴颈直不直，有没有明显的瑕疵等。

以上只是一些最基本的判断方法，新手买琴最好能有一个懂行的朋友做咨询，减少买到劣质琴的概率。

怎么学？

买好了乐器，就要正式开始学习了——这将是一段充满各种困难和挑战，但也不乏各种乐趣和成就感的旅程。

这一部分，主要以钢琴为例来谈，从心态、教材、指法、练习时间和内容安排等各方面详细说说。

心态

不学不知道，当你学了一段时间，就会体验到很多“滋味”。有涩有苦，有甜有乐，但是如果心态不好，就可能因为体验到的苦多于乐而放弃。

学乐器容易产生哪些不好的心态呢？

急于求成、好高骛远、妄自菲薄、骄傲自满等等。

这都是由于对自己、对乐器的学习规律以及对音乐本身不正确的认识造成的，如何克服这些不良心态？请阅读笔者之前的文章：

传送门： 那些适合新手演奏的好听钢琴曲 01

这篇文章对于怎么克服不良心态、怎样保持兴趣有详尽的说明。

教材

如果是小孩子跟老师学，那一般会从“大汤”、“小汤”开始，到“拜厄”、“车尔尼”、“哈农”等来打基础。

成人自学就没必要每本都练了，成年人理解力较好，可以只练《拜厄》和《车尔尼599》，中间夹杂着《哈农》用来练习手指灵活度。

至于具体怎么练，先学哪本再学哪本，什么样的手型是正确的手型，每首练习曲练到什么程度可以练下一首等等的问题，我在之前的文章中也分享过，可以点击下面的传送门阅读：

成人学琴流程简介（端午节快乐，高考加油！）

钢琴新手教学 拜厄01

钢琴新手教学 车尔尼599

钢琴新手教学 哈农01

（注：文中附教学视频）

练习方法

成年人都有自己的工作，只能用业余时间来练琴，有的人一天可以抽出两三个小时练习，有的人一天只能抽出半个小时练习，不论怎样，只要用正确的方法坚持，都会有不错的效果。

那么什么是正确的方法？换句话说，怎么最大化地利用有限的练琴时间，以起到事半功倍的效果？这就需要合理安排练习的内容，花多少时间学习练习曲，花多少时间学习自己喜爱的乐曲，是有讲究的。

关于这个话题，我也写文分享过，贴在下面：

怎样合理安排练琴时间

关于考级

成年人学琴可能没有多少人关心考级，如果是家长朋友可能会非常关注，孩子要不要考级，花大量的的精力准备考级有没有价值，关于这一点我自己也有些思考，仅供参考：

传送门： 考还是不考，这是个问题——关于钢琴考级

结语

学一门乐器，简单地说，就是培养一种爱好。

可是对于人的一生来说，却不简单，这种爱好增加了生命的能量，拓宽了生命的广度。

有一位哲学家说过：生活即是联系。

所以生活就是一个不断扩大和加强我们与周围的人、事、物的各种联系的过程。如果你的心里只有工作、赚钱，那么就其他事物而言——诗歌、散文、音乐、美术、体育、友谊、政治——你只是一个死人。而你每增加一种兴趣，就相当于获得了新的生命！

除此之外，学习一门乐器也是一个修炼心性的过程。

钢琴的前身叫“大键琴”，这是一种很难通过力度来改变音量强弱的乐器，鲜为人知。直到后来意大利人巴尔托洛奥．克里斯托夫里发明了琴槌击弦后弹回的装置，才诞生了可以控制强弱的钢琴，取名为pianoforte，意思就是“强弱”，从此，钢琴大受欢迎，成为了“乐器之王”。可见，“强弱”对于一件乐器来说是多么重要。

练琴的过程，就是通过成千上万次地反复敲击琴键，去感受手指的“轻重”如何影响音响的强弱，从而形成肌肉记忆，能够做到随心所欲不逾矩——轻的时候恰到好处，重的时候恰如其分。

“知轻重”，对于一个演奏家来说，是毕生追求的精湛技艺；对于我们来说，也是穷其一生追求的人生境界

从“薛谭学讴”说起 古籍《列子汤问》内有一段“薛谭学讴”，原文仅有五十一个字。古文历来讲究简洁，力求言简意赅，不似我们今天风行的假大空文风。 今将原文抄录如下：薛谭学讴于秦青，未穷秦青之技，自谓尽之，遂辞归。秦青弗止。饯于郊衢，抚节悲歌，声振林木,响遏行云。薛谭乃谢求反，终生不敢言归。 我试将这段古文译成我们习惯使用的白话文。译前，先将原文内的几个生涩古字释说一下：“讴”，即唱歌；“弗”，不；“饯”，为送别举办饯行；“郊衢”，城市郊外的大道；“抚”，古时与“拊”字通用，作表示拍击、拍打之意用的动词；“节”，古时的打击乐器；“反”，古时与返通用。这段古文说的是发生在两千五六百年以前战国时期的故事。秦国有一个叫薛谭的青年歌手，为提高唱歌本领，投在秦国歌唱家秦青的门下学习声乐艺术。薛谭还没有学尽秦青的技艺，就盲目自认已经全部学到，踌躇满志的要去独闯江湖，于是向秦青提出要求结束学习，要告别老师回自己家去。面对自满的学生，秦青没有批评，没有制止，不仅同意了薛谭的请求，还郑重举办了结业仪式，秦青亲自出城送别，又在郊外的大道设宴为薛谭饯行。眼看薛谭就要离去，不知何日能再聚，想起薛谭学艺以来的岁月时光里，师生进行传承艺术，相互融洽相互尊重，秦青胸中泛出不舍之情难以自禁，秦青取出随身携带着的叫“节”的打击乐器，拍拍打打的敲了起来，又紧随这敲打出来的节奏，纵情引吭高歌，他把自己对离别的伤感倾泄在歌声里。但见，秦青激昂的歌声，把大道附近树林里的大树震荡得枝摇叶晃；秦青高亢的歌声，直插九霄云天，正在天空飘行的白云遭受强大有力的歌声阻挡，只得被迫停止了游动。薛谭第一次亲身目睹了自己的老师歌唱本领如此高强，技艺如此绝伦，发自肺腑钦敬，薛谭幡然醒悟，明白自己肤浅的学业与老师已经登临的艺术高境差距之遥有如地对天。薛谭当即向老师认错，恳求老师准允他重返师门继续学习。秦青谅恕了薛谭，师生皆是欢喜，从此以后，薛谭安心学艺，永远不敢再说自己要毕业要回家的话。 世人观察事物，判断是非，因为要受视角、思维定式、人生经历、身处环境、身居地位等诸多要素的影响或束约，获取的印象，作出的结论，就相互出入很大，于是人们各执己见，各述己论，莫衷一是。读书也同此理。人们同读一本书，各有各自的解读方法，各有各自的读后联想。我现在谈谈我读“薛谭学讴”，一文的感想。 在我读过的有限的书籍中，《列子汤问》篇中的“薛谭学讴”，是我看见的最古老的记述声乐教育的文字。此文告诉我们，我国在两千五百年以前就已经出现了职业声乐教师，因为《列子》一书是战国时期问世的著作。只可惜《列子》著作不是正宗史书，又叹惜中国的正宗史书是不记载中国的科教文发展史的，使我们的那些善令大人物宠爱的学者们，不能手执《列子》一书去尽施捕风捉影的看家本事来番大扬国威。 “薛谭学讴”全文没有叙述秦青进行声乐教育的具体细节，没有介绍薛谭声乐学习的内容，甚至连薛谭在发生了要“辞归”究竟已经向秦青学艺有多久也不交待，我以为与正题“学讴”有偏离之嫌。《列子》篇中另有一段叙述纪昌学箭的文字，纪昌的老师飞卫的训练法，纪昌艰苦学练射术的实况，文章介绍得很详细。我猜，这恐怕是因为作者对声乐教学较陌生，对射术训练很熟悉的原因。 “薛谭学讴”全文的重心是刻画人物秦青和薛谭，颂扬秦青的“视徒如子”和薛谭的“知错则改”的好品质。秦青对待学生，宽容大度、仁爱和善，作者用最简洁、洗练的词字成功塑造出教师秦青的高大形象。但是，秦青的人格再高大，却可惜是古非今。无论我们把眼能睁多大，也很难在今天的哪所学校里能轻松寻觅到秦青的那可尊可敬的身影，那种正把馋眼死盯着学生们钱袋的道貌岸然的教师，反是张眼便可看见。我略知某些大学府里的龌龊事，还耳闻目睹某些个音乐学院里的幕后情，但我须受中国的文化界、教育界尤其音乐界的“只许歌德”钢铁法则的制约，只能闭嘴。“一日遭蛇咬，十年怕井绳，”，以免再遭口诛，惧畏再有人又要怒斥我这个三十多年前身陷大牢被无产阶级革命战士击落了全部牙齿的人，是满嘴狗牙。 其实，薛谭很可爱。薛谭不仅有“知错则改”的大丈夫品质，有对真善美尤其声乐艺术的执著追求的好德性，还有头脑清晰、眼光锐利的艺术鉴别力。在混沌世界，尤其在铜臭熏天的年度，学生寻明师难；明师寻好学生更难。学生寻明师，其难难在必须长着一对锐眼。中国人病痛多，否则电视广告就不会有那么多的药物广告。国人之眼疾，比如“红眼病”、“势利眼”,比比皆是。治疗眼疾的药，电视却从无广而告之的，可见此等眼病是无药可治的癌症。“势利眼”者便要“一叶蔽目，不见泰山”，何有拜会明师的缘分？薛谭听见秦青激亢放歌，当即识辨出这是最高级的声乐艺术，出于对艺术的真爱，所以断然决定认错，争取返回秦青门下去努力学习真正的艺术。可惜，有太多太多的中国青年没有艺术的鉴别力，浑浑噩噩地叫惯施烟雾的煤体轻易牵着鼻子乖乖的走，否则，哪来的“追星族”？何来如此之多的人痴目迷恋“十二乐坊”？什么是“艺术鉴别力”？这是一个三言两语不能说清的大学术题。我常对我的学生说，能“观文辨人”者有望叩开圣洁的文学大门；可 “听音识人”者方可步入高雅的音乐之堂。这其实说及的也只是“鉴别力”的大海之一滴而已。明师寻觅“好学生”所必须具备的生理条件（比如，色盲不得学美术，耳背不得学音乐，骨骼欠佳不得学舞蹈），俯拾皆是，精神好（执着追求艺术又刻苦学习）的学生也不难找，明师要寻人格、品德好的学生，无疑大海捞针。为什么会这样？我不说，硬要说，我又要犯矛头直指社会对特保“儿皇帝”放纵的揭短罪过，又要如鲁迅笔下的九斤老太去唠叨：“如今世道，一代不如一代”。 “薛谭学讴”的全文华彩句是“声振林木，响遏行云”八个字。这八个字浪漫又夸张，字字都有万钧力，可称是光烁千古的绝句。这个绝句，经受了两千多年的后人们不断袭用。这八个字内涵深广，包括了声音的力度、音量、音质（坚实度）、播送力（即是今天的音乐界常常空谈却无人去实办的什么“穿透力”）、声乐的共鸣发声等等音乐学问内容。要说清楚声音的力度、音质、播送力、声乐共鸣等问题，谈何容易？这里面的每个问题，都是一个大学术问题，恐怕不是一大厚本专业论述的著作就能解决。我不是音乐专家，当然也无力释说。我对这些学术也只能知道一点点皮毛而已。可惜，今天的音乐学院，连皮毛也不给学生们讲述。五年前，我正在向学生讲述笛子的音质，音乐学院一个笛子研究生问我，什么叫音质？我说，音质，就是音的质量。研究生说，音哪来质量？我说，从物理学角度说，世上任何物体都存在有质量，比如说，优质钢与普遍钢，它们就存在质量的差异，分子结构也不相同。又比如，杉木与檀木，不仅分子式不同，坚实度就更有差异了。物理学说物体的震动产生了声音，声音是一种物理现象，声音当然也就有质量的问题产生。比如，你用力把白铁皮做的簸箕往地下摔，摔出的声音很大，楼外人听不到，因为击打白铁皮发出的声音，音质不好；你不小心把案板上放着的菜刀绊落在地，跌出的音量不大，楼外人却听到了，因为菜刀是高碳钢，质材好，震动出的声音的音质就会好。这正是乐器制造为什么存在着选材的原因。声乐的共鸣，现在音乐学院已不是很注重的了，这不仅是因为受到“流行音乐”的冲击，还因为要服从市场的需要。我们的娱乐市场，不欢迎正宗的歌唱家。上海有一位杰出的歌唱家叫胡小平，上海青年观看演出时喝倒彩，下三滥的“歌星”来了，上海青年欢欣若狂，多贵的门票也掏钱买。迫于如此冷酷的现实，歌唱家胡小平只好叛国投敌去了美国求生存，在那里，胡小平得到了礼遇。正宗的声乐教师门，垂头丧气，心灰意懒。有位人不很正经的只收女弟子的声乐教授，却“创”出了“新路”来，自诩什么“中西”结合了，不须搞共鸣、不要搞科学发声，只要搞媚俗，风光快活了二十几年，名利场上能闪光、能诱人的金钱、名誉、地位、权力等物项，他一人全都捞到了。歌手声乐的“青春”常在，帕瓦罗蒂年近七十仍声如宏钟。这位大教授调教出来的女弟子们，憋着嗓子娇声唱，唱歌的青春与女性的荷尔蒙分泌同生同灭，四十岁一过，嗓音便哑了，哑巴吃了黄莲。如今在台上唱歌的人，绝多人是哼、喊、吼，极少有人是唱歌的。当世歌者，何止数十万之众，唯有意大利的帕瓦罗蒂配称“声振林木，响遏行云”。歌星们其实声如蚊虫哀鸣，于是只好把扩音器贴在牙齿边，再作些扭腰摆臀晃头摇脑挤眉弄眼的煽情体态表演，喉里挤出嗲声怪气的哼哼声，去迷惑音盲、文盲们无知的心。如果停电，或者禁止使用扩音器，我敢说没一个歌星还有胆子去上台招摇，因为他（她）们没有一点真功夫。旧时中国的戏剧，很讲究训练声音的播送力。旧戏剧演员每天清晨必定要去“吊嗓子”。吊什么？吊的是发声法，吊音质，吊播送力。旧时的戏院都没有扩音设备，进戏院看戏的观众都不遵守观摩规矩，观众可以随便进出戏院，可以边看戏边嗑瓜子边聊天，演出在如此艰难的条件下进行，台上的演员必须要让剧场内所有的观众听清自己的唱腔，必须要叫坐前排的听众不觉噪耳，坐最后的听众能入耳清晰。旧时，身具这等声乐功夫的人到处都有；今天，戏剧界有真功夫的就难寻了。声乐界，也如我上述的戏剧界。四十五年前，我入学中央音乐学院（附中）。学校唯有一个礼堂，那是除了开大会，看**之外，是专供音乐演出和学生毕业的结业考试场地。这个大礼堂，没有扩音设备。不设置扩音器，大概是为了考核学生演奏、演唱的音质和播送力。那时，学校的老师们对学生都要严厉进行音质和播送力的训练。“疾风识劲草，烈火炼真金”，为了应付毕业考试，学生们个个都能努力锻炼自己的音质和播送力。如今，中国还有哪所音乐学院在训练这些功夫？我十六岁进入附中，当年已是古稀高龄的北昆大师叶仰曦老夫子给我授艺三年。叶老常对我讲述清代的戏剧对声乐和器乐进行训练的程序。比如，清宫笛师每天清晨练吹长音（主要是高音）。我校当年吹笛三十多学生，只一个简广易遵师嘱去练吹长音，所以简广易的气功和唇功有真功夫。我毕业去内蒙做了笛子教师，就用叶老的法子去整治学生。我的学生中只有一个李镇肯吃这个亏愿尝这个苦，所以，李镇的气功和唇功之功力深，如简广易一样的世难寻觅。我不知芸芸众笛有谁敢与李镇去比试吹笛的音质和播送力。 “薛谭学讴”读完细想，忽然猜出这个中一个隐情来，那就是秦青从事声乐教学，从来不给学生做教学示范。学生薛谭之所以发生骄傲自大要“辞归”，与老师不示范有直接的因果关系。 没有渊厚的知识，要做“君子动口不动手”的不示范的教师，谈何易。这样的音乐教育家，我曾见识过两位。一位是我于四十五年前在中央音乐学院见到的二胡教授兰玉松，一位就是我的师父刘森。兰教授训练学生很严厉。他有一张威严如法官的脸，能叫当年的调皮又淘气的少年张强望而生畏；他有犀利如剖刀的言辞，使憨厚迟笨的学生王国潼茅塞顿开；他博览中西音乐，让刘长福心悦诚服放下黑管抱紧二胡去潜心苦练。“强将手下无弱兵”，历经兰教授调教出来的学生，个个都已成为中国二胡的高手。经我细心观察，兰教授教导学生演奏二胡挥弓运指的心法，与钢琴国师刘诗昆从莫斯科柴科夫斯基音乐学院学来的钢琴运指心法同出一辙，那就是 “紧张”二字。中国的笛子倡导“放松”的人又多又大有名声，对我的言论很反感，我还是闭嘴知趣为好。 我师刘森，给我和简广易上笛课，是只动嘴不示范的。师父对西洋音乐和声乐艺术的知识很渊博，思路宽广，思维活跃，口齿伶俐，语言幽默，擅长为学生驱云拨雾、指点迷津。我受教两年，受益终生。我们常听师父吹笛，但那不是师父特为我们作教学示范，我们常常尾随广播民乐团观看演出和进入广播民乐团排演室观看排练，在这两个场地我们能聆听师父的如歌妙笛。师父教我们吹奏刘森笛曲，从来没有亲手示范，只曾有一两次为我们播放他的笛曲录音让我们听，绝多上课时是教导我们唱好乐曲，对我们如何吹奏却要求很松，从不要求我们做学舌鹦鹉，常鼓励我们启动思想机器去勇闯新道。我师刘森身具笛子的两门功夫“吹笛”和“说笛”，简广易学得的“吹笛”功夫比我要深，“说笛”功夫我学得比简广易要好。我后来去内蒙做笛子教师，曾经大展“说笛”功夫，受到内蒙许多人赞扬，其实我的“说笛”功夫与我师刘森始终有很大的差距。 我的“薛谭学讴”读后感就说到这里，但愿我这样东扯西拉的胡言乱语，对真愿学习音乐的青年能有启发帮助。

1、路德维希·凡·贝多芬

路德维希·凡·贝多芬 （Ludwig van Beethoven， 1770年12月16日生于德国波恩，1827年3月26日逝世，享年57岁），德国杰出的音乐家，维也纳古典乐派代表人物之一，世界音乐史上最伟大的作曲家之一。贝多芬的作品对世界音乐的发展有着非常深远的影响，因此被尊称为“乐圣”和“交响乐之王”。

2、弗里德里克·肖邦

弗里德里克·弗朗索瓦·肖邦（FFChopin，1810年—1849年），19世纪波兰作曲家、钢琴家。1810年，肖邦出生于波兰；1817年开始创作；1818年登台演出；1822年至1829年在华沙国家音乐高等学校学习作曲和音乐理论。肖邦是历史上最具影响力和最受欢迎的钢琴作曲家之一，是波兰音乐史上最重要的人物之一，欧洲19世纪浪漫主义音乐的代表人物。他的作品以波兰民间歌舞为基础，同时又深受巴赫影响，多以钢琴曲为主，被誉为“浪漫主义钢琴诗人”。

3、阿图尔·鲁宾斯坦

阿图尔·鲁宾斯坦（波兰语：Artur Rubinstein/英语：Arthur Rubinstein，1887年1月28日—1982年12月20日），美籍波兰裔犹太人，著名钢琴演奏家。1887年1月28日生于波兰罗兹，1982年12月20日卒于日内瓦。5岁登台演奏。后到柏林，经J约阿希姆推荐，从KH巴尔特学钢琴，从R卡恩和M布鲁赫学理论。11岁在柏林由约阿奇姆指挥演奏WA莫扎特的钢琴协奏曲。后到俄国、波兰等地旅行演奏，获得热烈赞誉。

4、弗拉基米尔·霍洛维茨

弗拉基米尔·霍洛维茨（Vladimir Horowitz，1903年10月1日－1989年11月5日），世界最负盛名的钢琴家之一，美籍俄罗斯人。很早就显露音乐天才，先后师从俄罗斯和德国的演奏大师，集俄罗斯学派与德国学派之大成。1924年到柏林、巴黎举行旅行演出，获很大成功。1928年赴美，与托马斯·比彻姆爵士指挥的纽约爱乐合作，在布什戈尔茨钢琴上演奏出柴科夫斯基钢琴协奏曲，一举成名。之后定居美国。曾停止演奏达十二年之久，1965年，在卡内基大厅举行重返舞台的独奏音乐会，轰动世界乐坛。

5、弗朗茨·李斯特

弗朗茨·李斯特（Franz Liszt，1811年10月22日—1886年7月31日），出生于匈牙利雷汀，匈牙利著名作曲家、钢琴家、指挥家，伟大的浪漫主义大师，是浪漫主义前期最杰出的代表人物之一。弗朗茨·李斯特生于匈牙利雷汀，六岁起学钢琴，先后是多位钢琴名家的弟子。十六岁定居巴黎。李斯特将钢琴的技巧发展到了无与伦比的程度，极大地丰富了钢琴的表现力，在钢琴上创造了管弦乐的效果，他还首创了背谱演奏法，他也因在钢琴及以上的巨大贡献而获得了“钢琴之王”的美称。

6、斯维亚托斯拉夫·杰奥里索维奇·里赫特

斯维亚托斯拉夫·特奥菲洛维奇·里赫特，1915年3月20日出生于日托米尔，钢琴演奏家。他被公认为是20世纪最伟大的钢琴大师之一，以极广的演奏范围，举重若轻的技术以及富有诗意的分句闻名，他的演奏曲目如同百科百书一样广，不管是视谱或背谱演出，都能弹出杰出且深刻的音符，令人赞赏的演奏技巧，与对各个作品深邃且独特的了解，使得他在录音或是现场音乐会上的每次演出都称得上是传奇。

7、阿尔弗雷德·布伦德尔

阿尔弗雷德·布伦德尔（Alfred Brendel），生于1931年1月5日，奥地利钢琴家。布伦德尔的演奏有时候会被形容为在解析音乐，对此他表示作为钢琴家的首要任务是尊重作曲家的意愿，而不是表现自己或加入自己的见解。他说：“我对作曲家负责，对作品更要负责”。他举了他的老师艾德温·菲舍尔、阿尔弗雷德·科尔托(AlfredCortot)、威廉·肯普夫(WilhelmKempff)，和指挥布鲁诺·瓦尔特(BrunoWalter)、威廉·富特文格勒(WilhelmFurtwngler)等人作为具有感染力的代表。

8、弗拉基米尔·阿什肯纳齐

弗拉基米尔·阿什肯纳齐（Vladimir Ashkenazy），生于1937年7月6日，英籍前苏联钢琴演奏家。弗拉基米尔·阿什肯纳齐自幼在莫斯科中心音乐学校学习，后入莫斯科音乐学院。1954年获肖邦国际钢琴比赛二等奖，1956年在布鲁塞尔伊丽莎白女皇国际钢琴比赛中获金质奖章。1962年曾并列莫斯科柴可夫斯基国际钢琴比赛第一名。

9、马尔塔·阿格里齐

马尔塔·阿格里齐（Martha Argerich），1941年6月5日出生于阿根廷布宜诺斯艾利斯，深孚众望的阿根廷女钢琴家。曾从多位名师学琴，1957在布索尼和日内瓦钢琴比赛会上获奖，1965年在第七届肖邦钢琴比赛中获一等奖，声誉日高。她的演奏技巧卓越，热情奔放，以速度见长，拥有很多男钢琴家都难以企及的速度以及技巧，弹奏肖邦二十四首《前奏曲》和拉威尔《G大调钢琴协奏曲》都十分出色。

10、鲁道夫·塞尔金

鲁道夫·塞尔金（Rudolf Serkin，1903年3月28日—1991年5月8日），犹太人，奥地利钢琴家。塞尔金演奏发音清晰明亮，线条层次分明，浑厚细致，光彩夺目。他演奏的深刻性可算是20世纪中叶钢琴家中的佼佼者。其子彼得·塞尔金亦为知名钢琴家。塞尔金双亲都是俄国人，父亲原是个男低音，后因家计改行。

二、中国钢琴家

1、郎朗

1999年，17岁的郎朗顶替身体不适的钢琴家安德烈·瓦兹登台，一举成名。郎朗在中国钢琴演奏家-朗朗 芝加哥拉文尼亚音乐节明星演奏会上，戏剧性的紧急代替身体不适的安德鲁·瓦兹与芝加哥交响乐团合作演奏柴科夫斯基《第一钢琴协奏曲》，由著名指挥大师埃森巴赫指挥。开场前，著名小提琴家斯特恩对观众介绍郎朗说:"你们将从这位年轻的中国男孩身上听到世界上最美妙的声音"。果然，当最后一个音符演奏完毕，听众全体起立欢呼，如雷般的掌声经久不息。

这场成功的临时替代演出，被美国三大报纸之一的《芝加哥论坛报》极度赞赏，赞扬"郎朗是世界上最伟大、最令人激动的钢琴天才"。令人惊奇、难以置信的是当晚郎朗在拉威亚的独奏厅为音乐家们又一次演奏巴赫的《哥德堡变奏曲》。此曲他已两年多未弹，然而他却非常熟练地用1小时10分钟背谱完成。《芝加哥日报》称这是"音乐史上的奇迹"。从此，郎朗与世界上所有的一流乐团陆续签约，开始了他的音乐演奏生涯。

2、李云迪

2000年，18岁的李云迪将空缺了15年的肖邦国际钢琴比赛金奖纳入囊中，轰动世界乐坛。他是首位登上美国财经权威报章《华尔街日报》及有日本「时代杂志」之称的《AERA》封面故事的中国钢琴家;他是首位被杜莎夫人蜡像馆挑选为名人蜡像的中国钢琴家;他是首位与世界最大的古典音乐公司DG唱片公司签约的中国钢琴家;他是首位与柏林爱乐乐团发行现场录音的中国钢琴家，更是首位获得波兰"荣耀艺术"文化勋章的中国人，第一本肖邦护照的持有者。

古典乐评界称赞他的演奏独树一帜，优雅高贵又极富诗意，堪称当代最浪漫最诗意的国际钢琴大师，被欧洲媒体誉为"钢琴王子"、"中国的肖邦"。在西方，人们已将他的名字和波利尼、阿格里奇、齐默尔曼等当代钢琴大师联系在一起，被称为"浪漫派钢琴大师的接班人"，波士顿交响乐团终身指挥小泽征尔称李云迪是"人琴合一"。

3、刘诗昆

中国最著名钢琴家，办有刘诗昆钢琴中心，多次获得李斯特奖。

扩展资料

职业钢琴家往往是从很小的时候开始训练的。很多著名作曲家，如莫扎特、贝多芬、肖邦、拉赫玛尼诺夫 李斯特都是非常优秀的钢琴家。钢琴是作曲的一项基本训练。

钢琴是乐器之王，因此，钢琴家比其它乐器的演奏家有更多的机会举行个人音乐会表演。在一流的演奏家里面，无疑，钢琴家是最多的。

某个钢琴家往往擅长演奏某位作曲家的作品或者是某一地域作曲家的作品。比如，鲁宾斯坦就擅长演奏肖邦的作品，而布伦德尔就擅长德奥作曲家的钢琴作品。

　　当代世界十大钢琴家

　　1阿图尔·鲁宾斯坦（Artur Rubinstein）

　　阿图尔·鲁宾斯坦 （Artur Rubinstein，1887－1983）,美籍波兰钢琴演奏家。自幼学琴，十二岁即在柏林举行音乐会，由著名指挥家约钦协奏，后在汉堡、德累斯顿等地经常登台，十四岁到华沙演出，深受波兰著名钢琴家帕德列夫斯基赏识。1905年到巴黎和伦敦举行独奏音乐会，1906年赴美举行四十多场音乐会，轰动一时，极获成功，跃入优秀钢琴家之前列。

　　鲁宾斯坦生来赋有灵敏的十只手指，读谱能力之强也是超群的。他的演奏充满炽热的情感和充沛的精力，流利洒脱而又布局严谨，有时又细腻而富于诗意。其演奏细腻而富于诗意，流利洒脱而又布局严谨。曲目极为广泛，尤以演奏肖邦和勃拉姆斯的作品见长，弹奏法国和西班牙作家作品也有其妙处。

　　2弗拉基米尔·霍洛维茨（Vladimir Horowitz）

　　弗拉基米尔·霍洛维茨 （Vladimir Horowitz，1904－1989），美国最负盛名的钢琴家之一，美籍俄罗斯人。很早就显露音乐天才，先后师从俄罗斯和德国的演奏大师，集俄罗斯学派与德国学派之大成。1924年到柏林、巴黎举行旅行演出，获很大成功。1928年赴美，一举成名。之后定居美国。曾停止演奏达十二年之久，1960年，在卡内基大厅举行重返舞台的独奏音乐会，轰动世界乐坛。

　　霍洛维茨的演奏技巧辉煌而潇洒，音乐更趋向深刻完美，表现手段更丰富。有的乐评家认为，他的钢琴音色如同七种基本颜色，可以调出各种不同的色调，从而表达各式各样的思想感情。另外，他的演奏能充分地表现出乐曲的内容，但又不是盲目地尊重原作。最难能可贵的是，他很像一位熟练的编辑，能把乐曲作者的“错别字、漏字”等失误加以订正，使作品达到完美无缺。他的演奏曲目相当广泛，尤以弹奏肖邦、斯卡拉蒂以及舒曼、李斯特、斯克里亚宾等名家的作品见长。

　　3斯维亚托斯拉夫·杰奥里索维奇·里赫特（Sviatoslav Teorisovich Richter）

　　斯维亚托斯拉夫·杰奥里索维奇·里希特 （Sviatoslav Teorisovich Richter，1915－），前苏联钢琴家。自幼随父学习钢琴，少时即显露出优异的钢琴即兴作曲才能。1933年起，在奥德萨歌舞剧院任音乐指导，1934年首次公开演出，1937年进入莫斯科音乐学院深造，1945年获全苏演奏家比赛一等奖。四十年代常在苏联各地巡回演出，五十年代后又曾前往欧美各国表演。1961年获前苏联人民艺术家称号。他还是法国斯特拉斯堡大学的名誉博士。

　　里希特的演奏以技巧纯熟、构思深刻、富于鲜明的戏剧性表现力著称。他演奏曲目非常广泛，从古典派到浪漫派和印象派乃至现代派，几乎无所不能。他最突出的特点是其手指的坚韧性，像前苏联著名作曲家普罗科菲耶夫的许多作品中那尖锐的连续强音，只有里希特的双手才能够演奏出作者所要求的那种宏大气势。他从不沉溺于乐曲，而是通过自己的透彻分析，完美、细腻地表现音乐，对于乐谱中极其细微的音符，他都能维妙维肖的加以表现。

　　4阿尔弗雷德·布伦德尔（Alfred Brendel）

　　阿尔弗雷德·布伦德尔（Alfred Brendel），1931年1月5日生于奥地利的维森堡，1949年在意大利波尔萨诺获布索尼大赛奖，从此开始演出生涯。上世纪50年代为Vox公司录制大量唱片，声誉鹊起。他的唱片屡屡获奖，是古典音乐专辑中销量最大的。1978年，Philips公司因发行他的唱片满百万张而授予金唱片奖。他在世界各大都市演奏全套贝多芬奏鸣曲。此外，他还是一位学识渊博的著述家，不仅写文章，还出版了两本书《音乐的思考与再思考》（Music Thoughts and After-Thoughts，1976）和《音乐响起》（Music Sounded Out，1990）。

　　5弗拉基米尔·阿什肯纳齐（Vladimir Ashkenazy）

　　弗拉基米尔·阿什肯纳齐（Vladimir Ashkenazy，1937－），英籍前苏联钢琴演奏家。1937年7月6日出生于前苏联的高尔基城，阿什肯纳齐自幼在莫斯科中心音乐学校学习，后入莫斯科音乐学院。1954年获肖邦国际钢琴比赛二等奖，1956年在布鲁塞尔伊丽莎白女皇国际钢琴比赛中获金质奖章。1962年曾并列莫斯科柴科夫斯基国际钢琴比赛第一名。次年定居冰岛，现住英国。1989年他被聘为柏林广播交响乐团（后改名为柏林德意志交响乐团）的首席指挥，他也是伦敦皇家爱乐乐团的音乐总监，和他们演奏以萧斯塔科维奇和柴科夫斯基为主的俄国音乐；他也是克里夫兰管弦乐团的客席指挥；也指挥阿姆斯特丹皇家大会堂管弦乐团。可与美国最负盛名的钢琴家之一霍洛维兹（1904－1989）媲美。录制唱片之多在同代钢琴家中也是少见的。

　　6马尔塔·阿格里齐（Martha Argerich）

　　马尔塔·阿格里齐（Martha Argerich，1941－），深孚众望的阿根廷女钢琴家。曾从多位名师学琴，1957年在布索尼和日内瓦钢琴比赛会上获奖，1965年在第七届肖邦钢琴比赛中获一等奖，声誉日高。

　　她的演奏技巧卓越，热情奔放，弹奏肖邦二十四首《前奏曲》和拉威尔《G大调钢琴协奏曲》都十分出色。

　　7鲁道夫·塞尔金（Rudolf Serkin ）

　　俄罗斯钢琴家，1903年生于捷克。九岁即在维也纳从名师开始学钢琴，12岁初登舞台演出。1920年在柏林同小提琴家普修合作演出，从此两人一直精诚合作了几十年。1936年，塞尔金在纽约和当代著名指挥家托斯卡尼尼合作演出，一举成功，闻名世界。他的演奏从不追求表面上的华丽，而是以真挚来打动听众。他往往无拘无束地晃着头、踏着脚，边念叨边进行演奏，始终扣人心弦。

　　8阿尔图劳·贝内得蒂·米凯兰杰利（Arturo Benedetti Michelangeli）

　　意大利钢琴家，生于1920年。早年就学于布雷西亚和米兰音乐学院。1939年，他在日内瓦国际音乐比赛中获奖，从此名声大震，活跃于国内。二战之后，他在欧洲各地旅行演出，引起轰动。1972年，他移居瑞士，成为国际上瞩目的钢琴大师。他的演奏具有一丝不苟的求全精神。他得体而适度地控制分寸，把每一个音都赋予充分的表情和生命；他在创造出美好音乐的瞬间，把人们带进了虚幻而美妙的境地。与其说米凯兰杰利是为了做一个忠实的演奏家，以便更好地再现作曲家的创作意图才苟求于钢琴，倒不如说他自身就是一位成功的创造家，因为他具有独自的美学观点。

　　9弗里德里希·古尔达（Friendrich Gulda）

　　奥地利钢琴家，1930年出生于维也纳。7岁学琴，12岁入维也纳音乐学院就读研究生。1946年获日内瓦国际音乐比赛首奖。1978年在维也纳举行了三次演奏会，并录制了唱片。他的演奏既珍视维也纳古典音乐的传统，又富于时代精神，表现出独有的创造性。他既着力于让现代人完全理解古典音乐，又反对因循守旧的演奏方式，因而尝试着对现代爵士乐的演奏。

　　10毛里齐奥·波利尼（Maurizio Pollini）

　　意大利钢琴家，1942年出生。早年在威尔第音乐学院从名师学习钢琴，并兼学作曲。1960年获国际肖邦钢琴作品比赛大奖。1971年以后在欧洲旅行演出，颇获成功。他的演奏风格干净利落、健康明快，没有一点忧伤的影子，给人以力量的感染，他弹出了生活的赞歌，是一位热爱生活的钢琴家。当他演奏普罗科菲耶夫、斯特拉文斯基的一些节奏性很强的乐曲时，其准确无误、独出心裁的技巧，实在令人折

　　中国钢琴家

　　孔祥东

　　当今国际乐坛最优秀、最活跃的中国钢琴家。已有40多个国家和地区的观众亲身感受过他那激情洋溢的演奏，被西方媒体盛赞为“一个世纪只能出一到两个，真正能激动人心的天才钢琴家”和“一代天之骄子”。

　　郎朗

　　世界最年轻的钢琴大师。1999年，17岁的郎朗顶替身体不适的钢琴家安德烈·瓦兹登台，一举成名。

　　李云迪

　　2000年，18岁的李云迪将空缺了14年的肖邦国际钢琴比赛金奖纳入囊中，轰动乐坛。

　　刘诗昆

　　中国最著名钢琴家，办有刘诗昆钢琴中心，多次获得李斯特奖。

　　殷承宗

　　中国优秀的钢琴家，钢琴协奏曲《黄河》主要改编创作者、首演者，创作出钢琴伴唱《红灯记》而红遍全国。是在卡内基音乐厅演出场次最多的华人钢琴家。

　　周广仁

　　中央音乐学院教授、著名钢琴家，中国第一位在国际比赛中获奖的钢琴家，中央音乐学院终身教授，当今中国在国际乐坛中最具影响和权威的钢琴演奏家、教育家，中国20世纪最杰出女性之一，被誉为

　　20世纪中国器乐演奏艺术是沿着两条轨道向前发展的。一条是传统民族乐器在新的时代

条件下，为适应现代听众的审美需求，在继承民族优秀传统的基础上不断改革和创新，获得

前所未有的发展和进步。另一条是从20世纪初叶开始，随着中国社会现代化的进程和西方音

乐的传入，各类西方乐器及其演奏以及与之相关的诸种新的音乐表演形式相继传入中国，并

且逐渐发展和兴盛起来。这两条轨道是并行不悖地同步向前发展的，并且在发展过程中相互

影响和借鉴，有所交融，不断产生出一些新的器乐表演种类和形式。

　　（一）中国民族乐器的改革与演奏艺术的新发展

　　现代中国民族乐器表演的新发展，首先表现在对一些传统的民族乐器所进行的一系列改

革，这些改革扩大了乐器的音域和音量，增加了新的演奏手法，加强了乐器的表现性能。同

时一些作曲家和演奏家又不断地为这些改革后的民族乐器创作一些新的作品，从而大大改变

了传统民族乐器演奏的面貌。

　　二胡是现代中国民族乐器获得新生与巨大发展的典型。胡琴（其中包括二胡）本来是民

间乐器，种类繁多，主要用于各种戏曲与说唱的伴奏。20世纪对胡琴的改革与发展起到推动

作用的是两位杰出的民族音乐家：阿炳与刘天华（1985—1932）。中国建立以来，产生了许

多深受群众欢迎的优秀二胡作品，它们的表现题材丰富，体裁与形式多样，演奏技巧也得到

了空前的丰富和发展。例如：《江河水》（黄海怀移植）、《秦腔主题变奏曲》（鲁日融编

曲）、《山村变了样》（曾加庆曲）、《豫北叙事曲》（刘文金曲）、《三门峡畅想曲》（

刘文金曲）、《赛马》（黄海怀曲、沈和群改编）等。20世纪70年代以来还出现了一批大型

的二胡协奏曲作品，如《长城随想》（刘文金曲）等。20世纪中国现代二胡演奏家，继阿炳

、刘天华之后，老一辈主要有蒋风之、陆修棠、张锐等人。现今活跃于舞台的著名二胡演奏

家有王国潼、闵惠芬，青年演奏家有姜建华、姜古美、宋飞、于红梅、严洁敏、王莉莉等。

此外，胡琴类的还有高胡演奏家刘天一、余其伟等，板胡演奏家刘明源、张长城等。

　　琵琶是弹拨乐器中发展较快、影响较大的一种。近代琵琶艺术流派纷呈。主要有以曹安

和（1905—）为代表的江苏无锡派与崇明派，以林石城（1922—）为代表的上海浦东派，以

程午嘉（1902—）、杨大钧（1913—1987）为代表的浙江平湖派，以李廷松（1906—1976）

、孙裕德（1904—1981）、卫仲乐（1908—）为代表的上海汪昱庭派等，对继承和宏扬传统

琵琶表演艺术起了重要作用。新中国建立后，琵琶艺术又有了长足的进步。在琵琶的形制上

进行了一些重大改革。例如：增加了琵琶的品位，由过去的四项十品发展为六项二十五品，

大大扩展了琵琶的音域，并且根据十二平均律的要求安排半音品位，更便于演奏调性变化丰

富的现代作品；用钢丝弦和钢绳尼龙弦代替过去的丝弦，使得琵琶的音色更加明亮和坚实；

用人工指甲（假指甲）代替拨子和真指甲进行弹奏，使得琵琶的演奏更加方便灵活等。与此

同时，出现了一批优秀的改编和创作琵琶曲。改编乐曲如《唱支山歌给党听》（践耳曲，吴

俊生改编）、《英雄们战胜了大渡河》（时乐蒙曲、刘德海改编），创作乐曲有《彝族舞曲

》（王惠然曲）、《狼牙山五壮士》（吕绍恩曲），琵琶协奏曲《草原英雄**妹》（吴祖

强、王燕樵、刘德海曲）等。与此同时，琵琶作为音乐院校表演教学的重要专业，它的教学

也取得了很大成绩，培养出了一大批优秀的琵琶表演专业人才。他们中的佼佼者首推刘德海

（1937—）。此外，还有著名琵琶演奏家王范地、夏仁根、汤良兴、李光祖以及优秀的青年

琵琶演奏家吴玉霞、杨静、刘桂莲、张强等。

　　筝是中国最古老的传统乐器之一，它的历史可以追溯到先秦时期。近代筝主要用于说唱

伴奏与民间器乐合奏，它的发展流派纷呈，有代表性的筝曲主要分布在河南、山东、江浙、

闽南、广东梅县和潮汕等地。山东筝曲主要由山东琴曲和山东琴书唱腔曲牌以及民间小调组

成，又分大板曲和小板曲两种。主要代表人物有赵玉斋等人。河南筝曲基本是在河南豫剧与

河南大调曲子板头曲的基础上发展起来的，一般分为小曲和板头曲两部分。主要代表人物有

遂平的曹正，南阳的曹东扶，许昌的任志清等。武林（杭州古称）筝曲流行于江浙地区，主

要以丝竹曲、板头曲、弦索套曲以及民间乐曲、民歌小调为其主要内容。主要代表人物是王

巽之。客家筝曲是广东客家语系地区流传的民间器乐曲，又名汉乐筝曲，有大调、串调、小

调三大类，是从客家音乐发展出来的。主要代表人物有罗九香等人。潮州筝曲是广东潮州语

系地区流传的民间器乐曲，主要流传于潮州、汕头地区。潮汕地区的筝曲是潮州弦诗乐中重

要的组成部分，历史悠久，手法自成一格，在海内外有很大影响。主要代表人物有郭鹰等人

。新中国建立后，筝的改革取得了很大的成就。将原有丝弦改为钢丝弦或尼龙缠弦。由十三

弦、十五弦十六弦发展为十九弦、二十一弦、二十五弦与二十六弦。改革后的筝，音域扩大

，音量增强，便于转调，丰富了筝的艺术表现力，不仅用于重奏、伴奏、合奏，而且还经常

用于独奏。在筝曲的创作与改编方面，继三十年代娄树华编创的《渔舟唱晚》和四十年代曹

东扶编创的《闹元宵》之后，半个多世纪以来又有许多优秀作品出现。如：《庆丰收》（赵

玉斋曲）、《战台风》（王昌元曲）、《幸福渠》（任志清曲）、《东海渔歌》（张燕曲）

等。活跃于音乐舞台的著名筝演奏家有曹东扶、曹正、赵玉斋以及中、青年演奏家范上娥、

项斯华、王昌元、张燕、李萌、焦金海、袁莎等。

　　扬琴，属击弦乐器，在现代得到较大发展。

　　古琴，原称琴、七弦琴，因历史悠久，唐宋以来逐渐被称为古琴。新中国建立以来，古

琴音乐作为重要的音乐遗产得到保护和抢救，散落于民间的各种传谱得到搜集、整理和出版

。老一代琴家管平湖、吴景略、查阜西、张子谦、夏一峰、姚丙炎等打谱、演奏了一批优秀

的传统琴曲，如《流水》、《广陵散》、《幽兰》、《梅花三弄》、《潇湘水云》等，为继

承和发扬古琴文化做出重要贡献。新中国培养的优秀古琴演奏家有李祥庭、龚一、吴文光等

，他们在继承优秀传统的基础上，在演奏曲目和技法上又有所创新，为古琴在新的时代条件

下的生存与发展做出贡献。

　　除去上述，其它民族弦乐器在表演艺术上有重大突破的还有：王惠然的柳琴演奏艺术，

其代表曲目为《春到沂河》；冯少先的月琴演奏艺术，其代表曲目为《松花江渔歌》；王乙

的三弦演奏艺术，其代表曲目为《大浪淘沙》等。

　　民族管乐器在现代也得到了长足的发展。笛、唢呐是其中流传较广、影响较大的两种。

此外，笙、管等也有较大发展。

　　现代中国民族器乐的成就还突出地表现在各种形式的重奏与合奏的发展和创造方面。中

国传统的器乐合奏形式多种多样，极为丰富。特别是新中国建立以来，我国民族器乐演奏家

、指挥家和作曲家们，在传统的民族器乐合奏的基础上，同时又广泛学习和借鉴西方的重奏

与管弦乐合奏艺术形式，创造性地进行各种民族乐器的重奏与合奏乐队的组合。以彭修文为

指挥与艺术指导的中国广播民族乐团，是中国现代大型民族管弦乐团建设的代表。它一方面

广泛吸收和容纳各类民族乐器，另一方面则参考西洋管弦乐队的编成，并根据建设现代民族

管弦乐团的要求，对许多乐器进行了改革与重新组合，增加了低音乐器，使民族管弦乐队的

声部得到平衡，表现力得到提高。著名的民族管弦乐队还有：秦鹏章、阎惠昌指挥的中央民

族乐团管弦乐队，张式业、王惠然指挥的济南部队前卫歌舞团管弦乐队，瞿春泉、马圣龙指

挥的上海民族乐团管弦乐队等。与此同时，各种类型的民族重奏艺术得到迅速发展。如中国

音乐学院与中央民族乐团的女子弹拨乐组，中央音乐学院的卿梅静月女子室内乐重奏组，上

海音乐学院的丝弦乐五重奏组，上海乐团的江南丝竹乐队，广州乐团的广东音乐乐队等。

　　（二）西洋乐器独奏、重奏与合奏艺术在中国的兴起和发展

　　西洋乐器开始传入中国，从时间上可以上溯至17世纪初的明末清初时期①，但是西洋乐

器真正应用于中国普通的音乐教育，并在民众中发生影响，还是从20世纪初叶才开始的。最

早是随着学堂乐歌的传入，在一些中小学里开始出现风琴和少量的钢琴，以及军乐队和鼓乐

队。稍后还有小提琴、手风琴等西洋乐器的传入。至20世纪20—40年代，中国师范音乐教育

，特别是专业音乐教育的建立与发展，聘请了一些来华的外国音乐家担任教授，还有少量中

国音乐留学生归国，于是钢琴、小提琴、大提琴以及小号、长笛等西洋乐器的专业开始建立

，培养出我国最早的一批西洋乐器演奏家。新中国建立以来，各种西洋乐器的专业教育体制

逐渐完备，教育水平不断提高，并且开设了一些新的专业，在西洋乐器的各个领域里都涌现

出一些演奏家和教育家。

　　钢琴，被称作西洋乐器之王。经过几百年的乐器的重奏与合奏乐队的组合。以彭修文为

指挥与艺术指导的中国广播民族乐团，是中国现代大型民族管弦乐团建设的代表。它一方面

的努力，培养出大批专业钢琴专业人才，水平不断提高，同时在钢琴的普及方面也取得了举

世瞩目的成就，目前已有数十万的琴童在学习钢琴。我国老一辈钢琴家，如李翠贞（1910—

1966）、易开基（1912—）、范继森（1917—1967）、吴乐懿（1919—）、李嘉禄（1919—

1982）、朱工一（1922—1986）、周广仁（1928—）等，在发展中国的专业钢琴教育，培养

年轻的钢琴家方面做出重大贡献。新中国建立后，通过选派留学生和提高国内专业音乐教学

水平两条途径，我国钢琴水平有了飞速的发展，许多钢琴家在国际高水平的钢琴比赛中接连

获奖。新中国培养的第一代杰出钢琴家可以举出：李民强（1936—）、顾圣婴（1937—

1967）、刘诗昆（1939—）、殷承宗（1941—）、石叔诚（1946—）等人。改革开放以来，

随着国际交流的频繁，我国钢琴教育水平的提高，涌现出一大批优秀的青年钢琴演奏家，他

们不仅为国内广大音乐听众所喜爱，而且蜚声国际乐坛。他们中的佼佼者有：孔祥东、许忠

、李坚、朗朗、李云迪、陈萨等。与此同时，中国钢琴作品的创作也取得了相当丰硕的成果

，自20世纪30年代的《牧童短笛》（贺绿汀作曲）开始，陆续有《快乐的节日》（丁善德作

曲）、《北京万华集》（江文也作曲）、《花鼓》（瞿维作曲）、《庙会》（蒋祖馨作曲）

、《陕北民歌四首》（王建中作曲）、《火把节之夜》（廖胜京作曲）、《夕阳箫鼓》（黎

英海改编）、《前奏曲四首》（储望华作曲）等优秀作品问世。钢琴协奏曲则有：《山林》

（刘敦南作曲）、《黄河》（殷承宗编曲）等。

　　小提琴是西洋乐器中表现力极强，运用极广的乐器，也是很早传入中国，并为中国广大

听众喜爱的乐器。我国老一代小提琴家中，声名最著的有马思聪以及陈又新等人。新中国建

立后，我国小提琴教育水平有了显著提高，同时也有一些人出国深造，涌现出一大批杰出的

青年小提琴家。他们中的佼佼者有：盛中国、胡坤、吕思清、薛伟等。在小提琴教学方面取

得突出成就的则有林耀基等人。与此同时，中国小提琴作品的创作也获得了丰硕的成果。著

名作品可以举出：《绥远组曲》、《西藏音诗》（马思聪作曲）、《新疆之春》（马耀中、

李中汉作曲）、《新春乐》（茅沅作曲）、《苗岭的早晨》（陈钢编曲）、《阳光照耀着塔

什库尔干》（陈钢作曲）等。小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》（何占豪、陈钢作曲）是小

提琴创作民族化的经典之作，自20世纪60年代问世以来，受到中国广大音乐听众的热烈欢迎

，久演不衰，并且产生了广泛的国际影响。

　　在其它西洋管弦乐器的演奏和教学方面，经过几代人的努力，有了不同程度的发展。特

别是新中国建立以来，在西洋管弦乐队的建设和发展上取得了引人瞩目的成就。在20世纪上

半叶，我国只有在1936年建立的上海管弦乐团算得上是一个较为完整的管弦乐团，然而其成

员绝大多数为外籍音乐家。自50年代开始，上海交响乐团、北京中央乐团以及广播交响乐团

、**乐团等管弦乐团相继成立，一些大城市如广州、沈阳、天津等地也成立起交响乐团，

我国交响乐事业得到很大发展，演奏曲目不断扩大，特别在演奏西方古典乐派、浪漫乐派和

民族乐派的交响乐方面积累了一些经验。中国作曲家在交响乐创作方面也取得重大成就。其

中影响较大的有马思聪的《森林之歌》、丁善德的《长征》交响曲、朱践耳的《第一交响曲

》、陈培勋的《第二交响曲》（“清明祭”）等。

　　指挥是中国现代音乐表演艺术中取得突出成绩的领域之一。自20世纪20年代初叶由萧友

梅担任指挥的北京大学音乐传习所乐队建立以来，随着我国管弦乐与合唱音乐的发展，指挥

艺术的重要作用逐渐为国人所认识。特别是新中国建立以来，我国指挥艺术得到很大发展，

涌现了一大批专业的指挥人才，管弦乐、合唱和歌剧等领域的指挥艺术取得显著的成就。老

一辈的指挥家为开创我国的指挥艺术，培养年轻的指挥人才方面做出了重大贡献。他们中有

：杨嘉仁（1912—1966）、黎国荃（1914—1966）、马革顺（1914—）、黄贻钧（1915—）

、李德伦（1917—2001）、黄飞立（1917—）、严良堃（1924—）、郑小瑛（1929—）、杨

鸿年（1934—）、陈燮阳（1939—）等。更为令人可喜的是，随着改革开放的进程，近些年

来我国一些青年指挥家在国际音乐舞台上崭露头角，取得了举世瞩目的成就。他们中的佼佼

者有：汤沐海、陈佐煌、胡咏言等。