华中假日丽城 法国莫奈花园设计

如果有一所房子，生活在这里，就像在度假，你会喜欢它吗华中假日丽城，把家安在花园里。小区引用法国著名画家莫奈居所园林设计，让人文与空间完美结合，城市与自然极度和谐，勾勒极致的社区景观。科学规划，步移景异，人车分流，畅通无阻。生活在这里，享受一种艺术写意与高端品质相统一的惬意生活。 华中·假日丽城

项目简介：

华中假日丽城是华中倾力巨献的又一座“假日”大盘，项目位于保定市景秀区，乐凯北大街与创业路交叉口路西，属于保定景秀区核心居住区，各种生活资源唾手可得，为家人打造最便利的生活方式。假日丽城项目用后现代法国古典建筑设计手法，把“法兰西风情”与“现代人居”完美融合，展现欧洲建筑的尊贵、浪漫。用心雕琢的法式建筑，线条鲜明，凹凸有致，呈现一种独特的艺术魅力，为丽城的居民勾勒出一片温馨浪漫的乐土。

项目占地面积约300亩，共28栋楼，总建筑面积近80万平米，整个项目分为6个区，其中，A区9栋楼;B区8栋楼，C区6栋楼，其余三个区共5栋楼，与ABC三区隔路而建。社区内规划国际幼儿园及高端生活会所，配套设施齐全。

楼盘动态：

目前A区、B区少量房源在售，面积在135㎡； C区近期加推部分房源，87-140㎡两居三居 ，详情请咨询售楼处

售楼处电话：

400-818-0066转046198

莫奈，印象派画家。他是追逐太阳的使者，光是他作画的灵魂，被誉为“和光线赛跑的画家”他的画是用色彩和笔触凝固的时间和空间。他是始终如一地将创作热情倾注在印象派技法上。其他画家，印象派画家，都是短期的探索者。印象派的领袖和奠基者画家马奈，雷诺阿，在他们的绘画人生中。前旗和后期是从事印象派探索时期。中间十几年的时间里热情转向了古典主义。唯独有莫奈在86岁的漫长人生里，始终在，印象派的道路上，坚持探索。研究它的，光与色。所以被称作印象派之父。回过头我们想一想我前面讲的课，塞尚现代艺术之父。

1840年4月14日生于巴黎，是家中的长子，五岁时，全家移居法国北海岸，的，莫奈在这度过了美好的童年和少年时期。莫奈，性格是桀骜不驯，平时，上学的时候呢是不服管教贪玩，学习不好，只爱画画，

他15岁的时候呢就在这个文具，店的橱窗展出作品，卖给外地来的观光客，赚取生活费。

16岁那年他遇到了画家欧仁·布丹，带领他正式走上了艺术之路，并倡导鼓励他走到大自然中去创作，莫奈也将此创作理念用一生来守候。莫奈一生重复表达对布丹的感谢，他说，布丹是我永远的老师，没有布丹，就没有我莫奈。

莫奈生于1840年，他出生那年正是鸦片战争开始的那一面，而他去世的那一年中国还在军阀混战，莫奈的一生贯穿了整个中国近现代苦难史。

，莫奈作品展播需要5张

莫奈是印象派代表人物和创始人之一，莫奈一生遗留500件素描2000多幅油画及2700封信件足迹由巴黎大街到地中海，从法国到英国伦敦（普法战争时期到英国避难，期间努力学习英国著名画家透纳作品，启发了他的色彩创新），威尼斯，挪威，在各地旅行写生留下无数的作品。

法国，那时是新古典油画盛行，主流社会官方巴黎沙龙。多数人都出自皇家美术学院，喜欢安格尔的油画，莫奈呢，印象的，是这样的瞎画吗？他们作品被美展拒之门外

安格尔是法国新古典主子的旗手。正是在他的艺术影响下，将新古典主义推向了高峰，于稍后出现的浪漫主义相抗衡。

浪漫主义：法国杰出的浪漫主义画家有浪漫主义的狮子称号的画家德拉克罗瓦，代表作自由女神

看看陈丹青画比较一下：

法国乡村绘画的代表人物——是柯罗、库尔贝、米勒，库尔贝，主张艺术应以现实为依据，反对粉丝生活，他的名言是。我不会画天使因为我从来没有见过他们。

巴比松画派就是印象派前身，

画室四友，

莫奈在20岁左右到了巴黎，在这里他接受艺术教育，1962年入画室学习，并认识了雷诺阿、巴齐耶和西斯莱，他们被美术史称为“画室四友”。

印象派的由来。当时他们巴黎举办画展，展览名为无名艺术展览会。。后来，被称为，第一届印象派画展。参展画家30多人，参展作品165件，莫奈12件，这次展览引起了强烈的反响，批评家借用莫奈的作品印象日出，称这次展览为，印象主义展览会。这一讽刺挖苦的提法，却为印象画派命名。后来莫奈就听这么说，那么就用这个作为画派的名称。你是反抗。当时实际我们很难想象。他们是怎样帽子失败的威胁，着人们的嘲笑。用坚定的艺术信仰，破除阻碍与误解。当时有一个批评家怒斥疯狂，怪诞，反胃不堪入目。群众甚至像画布吐口水。

几张

，在美术史上有2次影响广泛的色彩革命，达芬奇于文艺复兴时，在光影形体方面取得了登峰造极的成就，其二是，专注于表现光色的印象主义运动。此类绘画对光和色彩的追求达到极致，以至于在某种程度上，将形体思维束缚将它们融化在光和色的交相辉映中，绘画由此产生了巨像转向抽象的可能性，因而印象主义通常被视为，现代绘画的开启点。

这幅画的是他的妻子卡美伊（撑阳伞的女人）光与影在这幅画里表现的甚至可以触摸呼吸到草的清香和阳光普照。仿佛白云刚刚在眼前飘过，白云衬托出逆光下经过他的妻子，没有摆拍的痕迹，是不经意瞬间留住的画面，远处的孩子在后一层空间里更好体现空间变化，一瞬即逝的景象，并不注重物体本身的轮廓他画光是话画中的主角。后面天空中有浮动浮云带着风慢慢掠过，女子脚下顺着微风倾斜的花草，可以闻到泥土和花草的清香，我们几乎可以感觉到，那微风吹动着浮云和浪花飞溅的海边，嗅到空气中的闲味。色彩清新，构图稳重，正三角构图。

撑阳伞女人

是莫奈让第二妻子女人做的模特，还是这样场景，但已经画不清这张脸了，在他心中卡美伊在他心里，可以想象他有多么怀念卡美伊，后来画过几张女人像，都没有刻画面部细节，都是模糊的。脸色苍白无力，直至晚年，他又让继女打扮成卡美伊的模样，绘制了那副他曾经最得意的肖像画。只是画中的姑娘再也没有容貌，或许他无法再画下最爱的女人的面容吧。

一生只为一个爱人画肖像

他们相识

曾经，一个初出茅庐，刚刚从漫画界改行摸到艺术殿堂门槛的小画家，急于找一位美丽的模特。这时他认识了一位名叫卡美伊的淑女，他对她一见钟情。姑娘成了他的模特。他总是让姑娘在烈日下变换不同姿势，以便他记录下不同的光影。

但是姑娘没有被吓跑，反而爱上了这个才华横溢的青年。两人很快相爱，并且结婚了。但青年此时只是不太出名的小画家，生活还依赖父亲接济。但是卡美伊无法获得莫奈父亲的认可，于是他们失去了生活来源，但即使生活艰难，他们却依旧相爱。

也许在卡美伊的心里，能够作为莫奈的模特，便是她一生的心愿。而莫奈也确实他的画笔，让卡美伊的生命得以永生。把他停留在永恒艺术中。莫奈用十年时间画了《红围巾，莫奈夫人画像》，献给他的爱人。他十分珍爱这幅作品，一直将它收藏在身边。画中，带着红围巾的卡美伊，从雪中门外匆匆经过，带着疲倦与怜爱的眼神，路过门前眼神中透出一丝淡淡哀愁。更加深了这种转瞬即逝的时间性。

这幅画中，莫奈大胆地使用白色，将色彩范围限制在画面的中心区域，真正做到了“惜色如金”。（现在也能看到当代有些画家也是采用这样手法，）同时，运用具有补色关系的红绿搭配，更突出了逆光中的暗红色头巾，而头巾更反衬出卡美伊略显疲倦的面容。这个时候卡美伊生下第2个儿子，身体日渐衰弱。他们相爱十年，结婚5年，终于获得世人认可。可是卡美伊却得了重病，身体衰弱。这一年，莫奈似乎已经意识到，妻子要离开自己了。他不再去追光逐影，将画笔对准了这个相恋十年的女人，她穿着和服的样子，看书和儿子一起时刻……

卡美伊弥留爱心签名

1879年莫奈面临生命一次重要的转折，与他生活在一起十数年、生了两个孩子的妻子卡美伊罹患重病。9月2日卡米尔临终弥留，莫奈守在床旁边，快速记录下妻子的面容，躺卧在病榻的卡美伊，交握着双手，闭着眼睛，脸上的光，逐渐消失，消失在一片快速逝去的暗影中。

《卡米尔弥留》

一生都在努力追寻光的画家，仿佛忽然领悟，原来光如此留不住，光在自己最爱的妻子身上一段一段消逝，一丝一丝消逝，莫奈再也留不住这一点点光的可能。他为妻子画的最后一幅画，是妻子垂死的模样。自此他再未给女人画过肖像。

音乐响起……

刚开始条件很不好，家里不同意她们在一起，他们生活的狼狈，但并没有因为感情的恩爱而改观。莫奈在给作家左拉的信中说：“家中无法生火，妻子又在病中，昨天我跑了一天，也未借到钱。”

1871年的秋天，莫奈和妻子在巴黎近郊的阿让特伊（Argenteuil）租下一座带画室的房子，房子紧邻着塞纳河岸边。在阿让特伊，莫奈度过了他一生中最幸福、也最具有创造力的一段时光。

1872年，由于杜兰·鲁埃朋友的帮助，莫奈的画作得以顺利出售，其家庭生活也因此能够得到保障。这一年的春天，莫奈以自家花园和阿让特伊附近的原野、河堤等为主题，完成了一系列的画作，他的妻子卡美伊和儿子杰·莫奈，成为莫奈绘画中最常出现的主题。此后的几年里（1872-1875年之间），莫奈反反复复，完成了一系列这一题材的作品

25岁草地上的午餐莫奈初识卡美伊，请他做模特，儿，策划的一幅巨型油画画面中，左侧第一个侧面身女性就是卡美伊模特来描绘的。本作虽然对人物有精确描绘，但真正出彩却是背景的树叶，它们在逆光下呈现出透明的绿色，由黄绿到深绿色彩层次极其丰富，莫奈解释说这画中每一片树叶对他来说都是模特的脸。13×18米

莫奈一生创作了无数作品，家喻户晓的就是那幅《日出·印象》，这幅画描写的是莫奈的故乡阿弗尔港清晨日出的景象。1872 年的一天，莫奈回到了故乡阿弗尔港，天不亮就扛着画具来到海边，在漫天的晨雾中，静静地等待日出一刻的来临。随着太阳缓缓地升起，水和雾在晨曦中变幻出丰富的色彩。眼前的景色让他激动、兴奋，但他并没有着急画，莫奈目不转睛地注视着、观察着，直到壮观的景象印满脑海，才迅速操起画笔，饱蘸色彩，挥洒下去。在这幅画上，我们能看到温暖的太阳穿出浓雾，在清冷的海面上洒下一片金辉，几只早出小船，荡漾在波光粼粼的海面，在逆光中留下浓重的剪影。这是一个永恒的瞬间，他预示着莫奈在艺术上的追求已趋成熟，就像这幅画的名字，印象派像初升的太阳，充满朝气与活力，虽然有晨雾重重阻隔，却焕发出更加迷人的色彩。　

《日出·印象》画面分析

1构图

整体是一条水平线分割了海天，水占二分之一多一点，太阳居三分之二位置，垂直线分布在左边，画面好低错落，他摒弃了透视法、物体远近，是一种追求纯感官的画法。

2 色调和色彩使用方式

《日出·印象》的黑白版本中太阳基本消失。太阳本身没有光，只是凭色彩的映衬，才制造出这样的效果。印象派绘画是以牛顿的彩虹色系原理作为色彩运用基础，先在调色盤调配颜色後再画在画布上，色彩的彩度与亮度会因此降低，于是画家利用光学原理以观者视网膜为调色盤如红与黄混合成橙色使颜色更加鲜艶符合印象派画家对色彩的光感捕捉强调。

同一色相的不同色调在幷置时会产生跳跃效果。

莫奈认为对自然的一切描绘都必须“在现场”完成，莫纳相信光线和空气的效果比题材、明确的造型重要。莫奈只遵循自己的敏感感觉来画画、印象主义不再在调色板上调和颜色，而是把颜色一点一点一道一道地涂在画布，造成闪烁的光影反射。

水面蓝、紫调白。饱和度最高的是和太阳和日出的倒影。

3 点线面的使用方式

太阳是点，天、水是总体的面，烟囱、工厂是线组成的。

4 笔触（四声）

使画面左上方有种曲面感，使天空、水面、工厂、烟雾被空气中画家主观的色彩联结成一个向内闭合交融循环的空间。

冷暖意义：

冷暖是身体感觉，延伸到心理，被我们讨论色彩加以引用，色彩的对比就是冷暖的对比，于明暗塑造形体相对立，我们普及一下色彩知识，黑和白明度变化就是素描关系，冷暖彩度变化是色彩明暗变化，冷暖也是色彩语言的根本，色彩表达是丰富多变的游戏。画面建立起应有的色彩光亮度，不是一个纯粹的加白得到的，如果冷暖色彩在画面中形成对比，粉气的问题就不会产生。固有色是灰面，光源色加固有色是亮面是暖光还是冷光，环境色。

印象派贡献：1色调，2光决定色，3色彩运动和补色，4色彩并置，5写生直接作为绘画创作手段，6即时的切入式构图。

干草堆

光与影完美结合。冷暖色调结合。我们色彩分析一下。进出是一片金**的田野，田野在阳光分出很多种颜色。金红，鹅黄，薇百，找到在官网下有很多很多的变化，草垛的尖顶，是一片金黄侧面是稍微有些鹅黄，鹅黄背面半紫半黄半明半暗。

系列持续创作了七年，“干草堆”系列持续创作了七年。此后莫奈的作品常常是在长时间对同一主题的重复观察。他最后持续最长时间的系列创作是“睡莲”。

睡莲系列

莫奈在那里打造了一个花园，此后便一直在那里作画。他亲自设计了这座花园，并称其为“一生中最完美的作品”，并在此生活了43年，直至去世。养花和作画是他一生中最重要的两件事，莫奈自己也说，“除了园艺和作画，我一无所长。

永 恒 的 光

1914年，被誉为“追光者”的莫奈，由于常年在紫外线中执着光彩的表现，导致其晚年时双眼近乎失明的状态。当他拿起颜料询问助手这是什么颜色后，再以助手的答案去做画时，你会觉得这时的莫奈和他所创作出的作品，已超越俗世中肉眼视角所涉及的位置。他通过对颜色的记忆和常年养成的绘画触觉创作出了他一生中最精彩的作品。

美是视觉看不见的。色彩消失但他心中光还在！在他86岁月里，

《睡莲》系列

莫奈最后期的许多作品，正是他白内障失明到恢复视力阶段创作的。在一团一团纠结的色块与流动的线条里，使人想像莫奈关闭视觉时依凭心灵创作的自由状态。

生命中瞬间的感悟，定格为永恒的经典

很多之后欣赏和音乐

说：艺术的生命在于创新但创新往往伴随着对以往艺术形式的质疑和否定，以及具有冒险性的超越。印象派也不例外他是自然模仿还是否定反叛？自然就要追求真实面貌描绘真实的一草一木，接近真实在此基础上印象画家因为在光的照耀下是没有绝对的颜色，随着时间的变化光源的变化每个物体面目貌都在不停的变化如何表现这种真实呢，这就需要选出，所要表达的时刻，捕捉到那一刻，独特的韵味和感受，将它固定下来艺术从追求外在真实，过渡到，在个人选择下的真实，为走向内在的真实提出了可能性。

小结：莫奈用他画作向世人证明了光和色是色彩的灵魂，莫奈似乎向世人证明好的艺术能够而且一定产生于光和眼睛的心灵直观感受，当画家独立自主的面对人，面对自然，体会自觉，主题与表现就自然而然地产生的。

结尾音乐播放

莫奈花园是法国著名画家莫奈的故居，分为水园和花园两部分，花园又名诺曼底园，位于房前，呈长方形，占地约一公顷，水园是一个人工湖，里面种满了睡莲。

拓展∶

花园设计理念∶莫奈依着花木自身来的生长形态来设计花园，不仅高低错落，而且极重视色彩的协调性，红色、棕色、橘黄、蓝色等色调的花丛错落其中，呈现出自然的视觉动感。莫奈还将他早年最重要的两个主题：水和花卉集合在一起，使天光水影构成了心目中最理想的“印象”。

莫奈，是印象派代表人物，擅长风景、景物的表现。色彩关系表现为主，不拘泥于形体的塑造。毕加索则是近现代艺术家，是立体主义的****。作品将表现具象的物体本身和表现抽象的结构形态综合起来，和传统绘画是有本质上的区别。

由于这种感情史可以激起艺术家的艺术创作设计灵感，写作出更有活力的著作。可是莫奈的创作和情感就较为情深专一，毕加索比较之下就变得较为沾花惹草，我们可以从她们的生平事迹和写作设计风格等领域来了解一下：

先而言说莫奈，莫奈是法国的印象派画家，较为知名的著作有《睡莲》、《日出·印象》等，莫奈一生就只有一个妻子，一个孩子，对比起毕加索的情感史，莫奈的感情史才算是大部分平常人历经的日常生活。本人觉得莫奈的著作呈现得也更温柔一些，更颇具感情力一些，好看一些。画如其人，专一清静。

再一起来看看毕加索，他是当代艺术的创办人，较为知名的著作有《斗牛士》、《格尔尼卡》等。毕加索可以算是一个生产量十分高的艺术家，一生著作总共有三万七千多份，因此毕加索说“我的每一幅画里都配有我的血，这便是我的画的含意。”他是一个用感情去滋润自身文艺创作的艺术家，他有几位老婆、相爱的人，有诸多小孩，也有句渣男至理名言也是源于他的口中：“对于我而言，女人是悬浮在幸福里的细颗粒物，只需挥舞一下扫把，他们就得飞出门口。”毕加索一生2次婚姻生活，恋人成千上万，常常出现鸡店。他的创作设计风格也是如此，色调独特，图案设计十分抽象化，技巧浮夸。

实际上画家的作品设计风格最能展示出她们的至情至性。从业艺术类的人一直感情比平常人充沛一些。无论是情深的莫奈或是万花丛中过的毕加索，这全是文学家自身的日常生活，都能给与她们写作的设计灵感驱动力，做为后代大家好好地喜欢她们的著作更关键。以上便是我对于此事的本人观点，楼主好人。

1789年的法国大革命，摧毁了封建政权，带来资本主义的发展，推动欧洲各国的民主改革。1792到1853年法国又经三次共和政权的更替，反应多变的政局，法国艺术思潮也发生激烈的变动，产生四次艺术史上重大的运动--古典主义、浪漫主义、写实主义和印象主义。

9世纪的时候，法国巴黎是欧洲油画的中心。这个时候的风格是以学院派的新古典主义为主导的，他们每年都要举办官方的展览，叫做“沙龙”，多数人都出自于皇家美术学院，他们有着深厚的素描基础，并且精通人体解剖，画风严谨、细腻。而在这个时候，还有着另外一大批充满着理想的年轻画家，他们来自于各个阶层，大多数都是自由人，很多人对学院派的教学方式及绘画风格有着不同的看法，认为古典主义千篇一律，缺乏个人风格，他们更崇尚现实主义，并提倡户外写生。由于大家有着共同的理想和观点，他们逐渐地聚集到巴黎郊外的一个名叫巴比松的小村庄，来描绘那里迷人的风光，他们被称为“巴比松”画派。“巴比松”村就是我们现在所说的“枫丹白露”。“巴比松画派”就是“印象派”的前身。

　　这些画家在长期的写生过程中发现，光线对色彩的影响很大：不同的天气，不同的季节，不同的时间，同样的景物会呈现不同的色彩和不同的色调，再加上物理光学，也被科学家发现了其中的规律，他们对空气中的色彩变化有了新的、科学的认识。比如说，同样是教堂，画家在不同的时间就描绘出不同的色彩效果，阳光灿烂的时候，物体被阳光照射的部分受光源影响，会偏光源的色调，而背光或投影也并不是灰色的，而是有丰富的色彩构成；再比如说，秋天的森林，一片金**，而笼罩在金**里的树干和石头展现的并不是它原有的固有色，而是偏紫色的，等等。画家们将这些色彩规律运用到绘画里，“色彩学”也就运应而生。

　　这些画家们只有极个别的被官方所接受，大部分画家的作品被拒之“沙龙”的门外，于是画家们就联手举办了“官方沙龙”落选作品展，逐渐的社会对他们的风格也有所认同。

齐帆齐微课

这是诺贝尔文学奖获得者美国著名作家海明威对巴黎的描述。所幸，我人生最美好的23-24岁就在巴黎读书实习。

如果巴黎是流动的盛宴，那么其中必不可少的一道菜肴，非它的博物馆莫属。

巴黎市有大大小小几十座公立私立的博物馆，可以让民众大饱眼福。

在法国留学的那3年半，我深切地感受到这个国度璀璨的艺术气息，它有着一年一度的博物馆之夜，不仅仅是在巴黎，也在其他大大小小的城市。

巴黎更是荟萃了整个法国博物馆最精华的那一批。结合自己的亲身经历，给大家安利以下三座博物馆。

艳压群芳的博物馆之首必然是卢浮宫，最富盛名， 是世界四大博物馆之首，世界第一馆 。非疫情期接待国内外游客近1000万人次。

卢浮宫地处巴黎市中心的塞纳河北岸(右岸)，占地面积198公顷，藏品40多万件，以丰富的古典绘画和雕刻而闻名于世。

它始于距今800多年的1204年，最开始只是法国王室的寝宫，居住过50多位的法国国王与王后，是法国古典主义时期最珍贵的建筑物之一。直到1793年，它才正式称为博物馆对外开放。

历经800年的不断修缮扩建维护，它才有了今日的万宝之宫的美誉。

去卢浮宫，必看它的四大镇馆之宝——《蒙娜丽莎的微笑》画作、胜利女神雕像、断臂的维纳斯雕像、汉谟拉比法典碑。

当我真正站在卢浮宫里看着这4大精品藏品，内心澎拜，细细思考，每幅作品都历尽千百年，历史的遗迹就这样被摆在眼前。它代表着过去的雄伟与瑰丽，曾经的历史足迹竟然是那么隽永深刻，人类的匠心杰作闪耀着强大的人文光芒。

卢浮宫最值得看的展馆还有绘画馆、雕塑馆、埃及馆、东方馆等。

另外入口处不能错过的就是华裔著名设计师贝聿铭所设计的玻璃金子塔，称为现代巴黎的象征。它的设计最大的功效在于良好的后勤保障，游客接待大厅、邮局、更衣室都含在其中，同时游客可以从此处直接去到自己想去的参观区，不用像过去七拐八绕。

它的藏品丰富值得我们一去再去，多遍领略这4万件艺术精品，我前后去了卢浮宫4次，每一次都有新的收获，常去常新。

2022年4月卢浮宫全新中文官网上线了，感兴趣的伙伴可以去一览究竟。

如果此生只能去一间国外的博物馆，那么卢浮宫必然是适合大部分人的第一选择。

提完卢浮宫，我们来聊一聊这间“欧洲最美的博物馆”的艺术宫殿——奥赛博物馆。

它就在巴黎塞纳河的左岸，与卢浮宫沿河对望。

让人想不到的是它居然是用废弃多年的奥赛火车站改造的，原本奥赛火车站是为1900年万国博览会会而修建的。废弃后，浪漫的法国人别出心裁把它改建博物馆。

当你身处其中，就会觉得如此开阔，因为身处狭长的长方形空间。改建后的博物馆长140米、宽40米、高32米，馆顶使用了35万平方米的玻璃天棚，博物馆实用面积57万多平方米。

它的开放时间不过30多年，直到1986年年底才建成对外开放。馆内主要陈列 1848 年至 1914 年间创作的西方艺术作品包括绘画、雕塑、装饰品、摄影作品、建筑设计图在内的精彩藏品。

如果来奥赛，这里最不能错过的作品就是梵高的作品《自画像》、《向日葵》和《阿尔的教堂》，高更的《沙滩上的两个女人》、莫奈的《蓝色睡莲》等。

如果说卢浮宫是博大浩瀚的，那么奥赛就是现代精致的。

卢浮宫以其展品的齐全，跨越5000多年的历史长河，大而全。奥赛收藏众多艺术顶级名家在19-20世纪不到100年的卓越作品，小而美。

截然不同的2种风格，想必都有征服观众的地方。

去过奥赛一次，我只为一睹天才画家们的旷世杰作，身处其中，最让我惊讶地莫过于100年前的火车站的空旷外型与精品艺术的融合，有一种重生之美。

与卢浮宫、奥赛博物馆并列为巴黎三大馆之一的就是蓬皮杜国家艺术和文化中心。

蓬皮杜，一个让外国人有些匪夷所思的名字，它是为纪念法国总统乔治·蓬皮杜。

而它的外型更让人匪夷所思，因为它工业化的钢管建筑就像一个炼油厂。

它也位于塞纳河的右岸，巴黎著名的拉丁区，在一众古典秀丽的建筑里显得格格不入。

在时任法国总统的乔治·蓬皮杜的倡议下，它于1977年正式建成，这是从49个国家的681个方案中选出的如此独树一帜的建筑风格。

建筑面积10万平方米，一共有南北长168米，宽60米，高42米，分为6层。大厦的支架由两排间距为48米的钢管柱构成，楼板可上下移动，楼梯及所有设备完全暴露。

这妥妥的就是一个由钢管组成的庞然大物，建成后褒贬不一，但包容的巴黎人最终还是接受了这个它，如今被称作现代巴黎的象征。

不同于前面2个博物馆有众多藏品，它扮演着市民公共服务中心的角色。它由工业设计中心、公共情报图书馆、现代艺术博物馆以及音乐与声乐研究中心4大部分组成。

免费的图书馆在非疫情期日接待1万人次，藏书30万卷，是法国最大的免费图书馆之一。

这个图书馆也是我在巴黎留学期间最常光临用来做功课的地方，记录着潜心学习的那片安静时光，更怀念那里常常举办的文学展，让我印象最为深刻的就是龚古尔文学奖获得者杜拉斯的展品集。

与国内图书馆一样，这里常常人满为患，同样也有抢座现象。

它的另一大特点就是在无机动车通行的门口空地上的街头艺术表演。不管是画地涂鸦、肢体艺术表演、街头魔术还是席地而坐的民众，都是一派随性自然，无拘无束的景象。

当烧脑学习了一天，走到这片空地上，复兴的法国街头艺术总让人轻松惬意，这或许就是法式浪漫的精髓所在。

蓬皮杜中心大厅的中心和6楼总会举办各种展览、讲座、演出，可供游客观赏驻足。

为什么要来蓬皮杜中心呢？

我觉得这是最适合当一天巴黎市民的地方。

以上就是我想与你说的巴黎三大博物馆，每一座都是亲身体验过的真实感受。

巴黎还有很多其他值得一看的博物馆如以莫奈的画著称的橘园美术馆、人类大工程的巴黎下水道博物馆、历史悠久的法国国家自然历史博物馆等等。

篇幅有限，这里无法一一展开来写。

巴黎博物馆的万千世界本就是一座宝藏，待有心人来开启。有太多的历史故事、文明足迹、艺术精华等着大众去挖掘，去品味，去瞻仰。

我们为什么要去博物馆呢？

因为那是历史的缩影见证，博古才能通今，以史为鉴方知兴替。

齐帆齐年度写作营第85篇打卡，2459字，命题作文，累计131592字。