家居装饰油画选择四大技巧

现在人越来越看重家居布置装饰，在装饰品上油画是很多人选择的物品，油画很有文化艺术气质，进行家居装饰是再合适不过的，下面我们去看看家居装饰油画选择技巧有哪些：

家居装饰油画选择技巧：

家居装饰油画选择技巧：1、与装修风格统一

家居装饰油画选择要与房间的整体装修风格统一，如果家居装修风格是简约现代的，挂着古典风格的油画会觉得很别扭，同样欧式古典风格的装修挂着现代抽象的油画也会显得不伦不类。

家居装饰油画选择技巧：2、与房间色调成对比

油画的色彩要与房间的主色调成对比，这样油画才能在室内起画龙点睛的作用，色调明艳的房间可以选择色彩浓烈的油画，清新淡雅的房间则适合选择油彩柔和的油画，另外需要注意的就是优化的颜色要与家具保持一致。

家居装饰油画选择技巧：3、与房间功能统一

油画的选择需要与房间的功能统一，如果这是客厅你放着一幅水果油画会感觉很奇怪，所以如果追求温馨浪漫和优雅舒适，可以选择一些风景、花卉等题材的暖色系有画，餐厅等则适合水果，餐具等与吃有关的油画作品，儿童房则可以选择一些卡通风格的油画等等。

家居装饰油画选择技巧：4、油画风格要统一

统一居室内的悬挂的油画在风格上要保持一致，不要在同一空间内放着现实主义、抽象主义等风格不一的油画作品，会让人显得眼花缭乱。

现在家居装修越来越注重装饰，但装饰品的选择不能盲目，就好像油画的选择一样，好的油画作品可以打造一个充满文化艺术氛围的家居，如果选择时不注意反而是布置的比较凌乱的不伦不类了。

对于看惯了写实油画尤其是古典写实油画的我来说，对印象派油画包括后印象派油画总是很难找到感觉，尽管印象派油画在构图和色彩运用上颇有独到之处，但那种亦虚亦实朦朦胧胧的画面感确乎很难调动起我的情绪。但是，雷诺阿是一个例外。在众多的印象派画家中，我唯独喜欢的就是雷诺阿的画作。

雷诺阿（1841一1919），法国十九世纪后期至二十世纪初印象派绘画大师。以陶瓷绘画技工出身的雷诺阿有着超凡的绘画天赋，特别是对人物画的画感极强。雷诺阿最早学习的是古典主义写实油画，由此打下了坚实的素描和造型功底。十九世纪下半叶，随着照相技术的应用，写实类油画不再盛行。与莫奈马奈交情甚厚正值年轻的雷诺阿开始致力于印象主义油画的创作。

同是印象派画家，与莫奈马奈德加们不同的是，雷诺阿的印象画作没有那么“朦胧”，似乎是介于“写实”与“印象”之间，给人一种清新亮丽相对真切直观的感觉。这可能与雷诺阿早年学习古典写实油画深受其影响有关。这也使他的画作受到更多人的欢迎，当其他一些印象派画家为画作找不到买主或卖不到好价钱犯愁时，雷诺阿已经是一画难求。

在十九世纪的法国画家群里，雷诺阿以“乐天派”著称。他总是笑对生活，用画笔描绘生活中美好的景象。雷诺阿说，生活中丑陋的东西已经够多了，艺术为什么不多表现生活中的美呢！

人物画是雷诺阿最擅长的，无论是个体人物肖像画，还是群体人物画，还是人体油画，在雷诺阿笔下，都是阳光俊朗健康丰腴充满活力的。从《船上的午宴》、《红磨坊的舞会》到《浴女》系列等等，我们从雷诺阿的画中总能感受到一种或热烈或快乐或温馨或浪漫的气息。

雷诺阿的人物画中有许多青春女性形象，其中不少是体态丰腴的女性形象，但却是非常的美，丝毫没有因为丰腴而影响人物的美感，反倒看上去更加丰姿绰约，优雅雍容，温婉灵动，妩媚动人。很多喜欢雷诺阿油画的人，竟因此改变了自己的审美观，从原来的只以为苗条才是美到后来认为丰腴也很美。这应该也是雷诺阿油画的艺术魅力吧。

夏日拥有最明媚的阳光，也有明艳的色彩。想要不辜负夏天，碎花裙不能缺席。这个夏天，穿一件油画般的“油画裙”，将夏日的阳光与浪漫，穿在身上。

油画裙其实也是碎花裙的一种。与相比普通的碎花裙相比，油画裙的色彩更加丰富，衔接更加自然，也就是说边界更加柔和，仿佛晕染过一般，给人如油画般的质感。穿上之后，不仅心情愉悦，气质也跟着提升了。

碎花原本是浪漫的，但也有可能穿出乡村气息。油画裙也同样面临着这样的问题。甚至因为更绚烂的色彩组合，油画裙的穿搭更难。话不多说，就跟着我一起走进油画裙的世界吧

Part1：色彩

⑴底色保持干净

油画裙最重要的特征就是色彩丰富，多数都是超过3种的。大面积上身必然容易翻车。想要保持质感，穿出好气质，保持干净的底色是必要的。

深色的底色更成熟妩媚，但也容易显得老气与成熟。浅色则体现的是温柔细腻，既避免老气与杂乱，也符合油画的质感。温柔的淡**、清新的淡蓝色，都是极不错的选择。

⑵饱和度很关键

饱和度越高越显黑，也越显土。更何况油画裙的碎花又多又杂，且相对密集，面积也大。低饱和度的碎花搭配晕染的边界，朦胧感更甚，更有油画的意境。并且也很适合亚洲人。

底色与花色的平衡

还需要底色与花色达到平衡，才能最大程度地展现油画裙的美感，从而穿出时髦感。底色与花色相辅相成，同时太深或太亮都不可，明暗结合才是最优解。

换言之，当底色足够清淡时，可以搭配相对明亮鲜艳的碎花色彩。

相同色系+不同色阶的组合也是一种好选择，既保证了色彩的协调性，又一下子丰富了层次，高级感就是这么简单。

Part2：版型

⑴适当露肤

碎花单品的另一个烦恼就是容易产生膨胀感，也就是会显胖。通过保持适当的露肤面积来消减膨胀感，是穿油画裙显瘦的关键。尤其是锁骨和脚踝，作为全身最有骨感的两个部位，要尽量保持露出。

①大领口

V领、小方领、心形领等领型都可以完整地露出锁骨，从而修饰肩颈线条。较大的领口可以给予胸前肌肤更多的呼吸空间，修饰胸部，自然在视觉上不会显得那么丰满了。

②开叉设计

开叉裙的设计在保持清爽透气的前提下更好地修饰腿部线条，让小个子也可以穿长裙。并且，随着步伐时漏时不漏的腿部肌肤，也为整体造型增添了一层朦胧的性感。

⑵打造腰线

正因为碎花的易膨胀感，更需要有腰线的加持，保证有纤细的腰身，才不会显胖。

桔梗裙 。高收腰+大裙摆的桔梗裙，遮肉于无形，一秒凹出两米大长腿。

茶歇裙 。茶歇裙也自带高腰设计，同时还有V领这一特征，显瘦显高同时都能拥有。

挤奶裙 。以大领口的方领、心形领为主，搭配宫廷袖的挤奶裙，相比前两者更性感。同样讲究收腰设计，显高显瘦的同时还可以勾勒身材曲线，性感却不俗气。

不管哪种裙型，最重要的还是保持露肤和腰线设计。一件油画裙中所包含的设计也不止一种，高收腰、大领口、开叉等，都可以融为一体，显瘦的效果更佳。

Part3：面料

⑴面料挺阔有质感

挺阔有质感的面料会让印花更立体有型，更大程度地展现油画般的质感。

雪纺 。雪纺面料轻盈透气垂感强，犹如顺滑的画布，可以很好地展现印花。

丝质面料 。丝质面料自带高级感，顺滑有光泽的面料让印花的色彩和形状可以最真实地保留下来。

⑵油画半裙

穿着面积较小、远离脸部的印花半裙在选择和搭配有更多的可能，实穿指数更高。

用纯色上装来中和油画半裙丰富的用色：

•基础色上装 。基础色作为百搭色，可以有效过渡复杂的油画半裙。白色干净清爽又能提亮，最适合夏天。

•同色系上装 。选取油画半裙中任一色彩作为上装颜色，与下装形成颜色上的呼应，保证色彩的和谐，增加细节感，高级又时髦。

•其他彩色上装 。加入其他的彩色也并非不可以，但前提是油画半裙的色彩都要尽量干净。可以选择底色为基础色的油画裙，减少色彩的复杂性。

除了油画半裙，油画连衣裙也能搭配其他内搭或外搭进行叠穿，但都要遵循简繁结合原则（搭配纯色单品）。

度假风

绚烂多姿的油画裙是度假风的好搭档。尤其是大朵的花卉，吸睛又不会太夸张，最适合度假时穿。用色上也可以尽量地鲜艳，更符合度假时愉悦的氛围。

法式风

油画质感般的印花搭配复古的方领、泡泡袖，充满了法式的浪漫风情。选择微蓬的泡泡袖来遮挡手臂拜拜肉或增加肩宽即可，一定要避开夸张的公主袖。长度则控制在肘部左右，清凉透气又巧妙遮肉。

性感风

吊带油画裙因为有了油画印花的加持，在原有的性感基础上又增添了文艺的氛围感，是很高级的性感，一点儿也不会显得色情。

胸大的女人可以选择木耳边或者褶皱的设计，利用褶皱来减少视觉上的丰满程度，性感得更高级。绑带设计或宽肩带也可以更好地修饰肩颈线条，适合肩宽儿。

田园风

小朵的印花相对清新秀气，搭配干净的配色，清新田园风的feel一下子就出来了。

划重点：色彩的饱和度一定要低。

还可以选择接近自然色的蓝色系、绿色系来体现田园风穿搭。

甜美风

法式翻领或娃娃领的细节融入，自动减少了印花可能带来的老气感，充满青春甜美气息。当然，能够搭配清新的花色就更好了，可以更大程度地体现甜美的感觉。

没有裙子的夏天是不完整的。夏天的浪漫就从一条“油画裙”开始吧。

婚纱照可以说婚礼之前的重头戏了，和心爱的他穿着美丽的婚纱一起拍摄浪漫唯 美的 婚纱照，把最幸福的时刻永远定格，肯定是一件非常幸福的事情。接下来我就给大家欣赏几张 油画风格婚纱照 以及介绍下六种流行的婚纱照风格，一起来看看吧！

油画风格婚纱照欣赏1：

油画风格婚纱照欣赏2：

油画风格婚纱照欣赏3：

欣赏完油画类型婚纱照后，我们再看看六种流行的婚纱照风格介绍：

1、叙事情节风

故事情节婚纱照可以说是对传统婚纱摄影模式的延伸和拓展了，通常故事情节风类似于片子特写镜头的风格，有很强的纪念意义，把婚纱照片连贯起来，就像讲出一段美丽的爱情故事，一个故事，一张张个性的婚纱照，呈现出新人有苦有甜的恋爱故事。

2、另类个性风

现在80后的新人都比较追求标新立异，千人一面的传统婚纱照以及无法新人的需求了，所以复古的黑框眼镜、俏皮的帆布鞋、可爱的毛绒布偶以及带有艺术气息的梯架，都可以让婚纱照的画面中的每个元素都充满了个性气息。

3、传统中国风

现在中国风已经刮遍了全世界，作为一个中国人，中式风格的婚纱照当然是我们的首选，一袭红妆再加上凤冠霞帔，不仅可以勾勒出浓浓的中国式新娘气息，也让整张照片显得格外的喜庆又别具韵味。

4、简约时尚风

现在越来越多的年轻人喜欢时尚简约的风格，而且这种风格也符合当下年轻人的审美需求，可以让新人更好的展现自我个性的一面，将最完美的一刻定格，而且这种简单素雅而又不失精致的时尚装扮，可以新娘、新郎的神态和动作都更加突出。

5、夫妻反串风

顾名思义就是让新郎和新娘互换角色，从而拍摄出新颖、搞笑风格的婚纱照，在此类的婚纱照中，新娘会穿上西装画上小胡子，而新郎则会披上婚纱扮娇羞，让整个婚纱照的画面因此显得格外活泼自由。

6、韩式唯美风

韩式摄影风格可以让婚纱照更加贴近我们的真实生活，而且韩式婚纱照的风格如同清新淡雅的风，让人身心放松，生活化的场景、温馨的氛围以及幸福感的流露都是韩式婚纱照风格的主要特点。

我总结：以上就是我分享的关于 油画风格婚纱照 欣赏以及六种流行的婚纱照风格介绍的全部内容了。婚纱照还有很多 其他 的风格，所以在拍摄婚纱照之前最好先确定自己想要拍哪种类型的，这样在选择的时候也比较有方向。

油画的流派分为两大类:

1、是以客观的再现为主的创造性作品

2、是以主观表现为主的创造性作品

以客观的再现为主的创造性作品:

1、文艺复兴后出现的巴洛克、洛克克、古典主义、学院主义、浪漫主义、现实主义、写实主义、照相写实主义、印象主义都是以再现自然为基础，表现画家不同的思想与目的。　巴洛克派——巴洛克流行于17世纪至18世纪。

2、“巴洛克”一词原意有不整齐、扭动、怪诞的意思。推崇运动的扭曲，形体的丰腴与量感，其艺术语言强烈、夸张、动、浮华，这是巴洛克派绘画的特点，其代表人物为鲁本斯。

3、“洛克克”原意是指贝壳的形状，其艺术风格为繁琐、精巧、纤细、甜腻、流行于18世纪，其代表画家有华多和弗朗索·布欧等。

4、古典主义是以尊重古希腊、罗马的审美原则，构图上对称、均衡，气势上庄严、辉煌、崇高向上，技法精湛，刻画深入。这也是学院主义的奉行的原则。正如学院派奠基者法契诺所讲“美是所有艺术品的最高目标。

它是事物的一种客观性质，由秩序、和谐、比例、规矩所组成”。其代表作家有拉斐尔、安格尔等等。

5、浪漫主义起源于法国19世纪初期，其代表作是籍里柯的《梅杜萨之筏》，在此作品中的构图、光线、色彩、动态、表情都表现了艺术家丰富的想象力，它打破了古典主义的构图中的水平与垂直，光线的柔和与均匀，使画面产生了一种激情。这也是浪漫主义绘画的重要元素，注重感情的宣泄与表达。

6、现实主义绘画指19世纪中叶，以米勒为首的画家主张用忠实于对象的手法去表现正常的视觉形象，反映生活的本质。其代表作有米勒的《拾穗》等。

7、写实主义就如它的创始人库尔贝在1885年所讲的：“象我所见到的那样，如实地表现我这个时代的风俗，思想和它的面貌。一句话，创造艺术就是我的目的。”

8、照相写实主义是对生活以一种照片式的形式搬上画面，如克洛斯的《约翰像》。它绘制作品要先拍成照片或幻灯片，再把它以比真人大十倍的比例精细地放大到布上，更细腻、更逼真地表现出对象的细节，如脸上的每一丝肌理和每根汗毛等。

9、印象主义是19世纪的画家们走出了自己的画室，去探索自然界中光与色的瞬间变化，打破了传统观念上固有色的概念，如树是兰绿色、阴影是黑色，它把周围的环境色对固有色的影响进行了客观的绘制。其代表画家有莫奈、修拉、塞尚、雷诺阿等。

以主观表现为主的创造性作品:

1、后印象主义画家强调表现自我感受，注重色彩的对比和事物的内在结构，其代表画家有凡高、高更等。这个画派对现代西方绘画产生了深远的影响。

2、野兽派以夸张的造型、强烈的色彩、粗犷的线条表达内在激情，马蒂斯是这一画派的创始人。

3、立体主义画派，画面的视点已不再是一个方位，而是对事物进行全方位的表现，使物体还原成几何形体。其创始人是西班牙画家毕加索和法国画家布拉克。

4、未来主义画家以抽象的形式，运用色彩、线条表现运动速度、力量及其组合与分隔。

抽象主义——抽象主义是依靠线条、块、面、色彩，进行无具象的抽象进行组合，其代表画家为荷兰画家蒙德尔安。

5、达达主义对后来的超现实主义、活动雕刻、波普艺术直到后现代主义都有一定影响。

6、超现实主义画派受柏格森的直觉主义及弗洛伊德的潜意识学说的影响，主张表现人的潜意识和梦幻。代表画家有西班牙画家达利、米罗。

扩展资料：

油画材料：

1、炭条。炭精棒与木炭条都适于在画布或木板上画素描。木炭条的性能更好，因为它的印痕较轻，更容易擦掉，用起来较为灵活。炭精棒能留下很重的线条，使轮廓线较为明确。

2、炭笔。线条较细，更适于画细部。有人不主张用铅笔，认为铅印会从油画色层底下泛上来。

3、色粉笔与蜡笔。在画布上使用不易过多，要避免使用白色或浅色。在这种素描中过多使用色粉笔或蜡笔会使底子不稳定。

4、水彩与丙烯色。极薄的水彩不会对油画色的覆盖产生任何影响。若要厚涂，就用丙烯色。

5、水墨。使用中国书画用水墨，是很有趣的事。墨线既可以用油画色覆盖，也可以保留，它不会轻易被松节油洗掉。

6、复写纸。可将纸上的素描稿复印到画布上。在起素描稿阶段，发胶、胶液等固定液是不可缺少的。对于易脱落或泛色的材料有必要喷上一层固定液。另外，各种橡皮、抹布等也是必备品。

油画养护：

油画作品在保存过程中难免会发黄变暗，这是由于表层光油被氧化的结果。至今还没有一种不会被氧化的光油，清除掉旧光油层重新上光是恢复作品原貌的唯一办法。常用的清洗溶剂有：

1、松节油。对旧油画作用弱，而对新色层作用强，尤其用热水加温后使用效果更佳。

2、精制汽油和苯（甲苯、二甲苯）。对树脂的溶解力比松节油强。

3、乙醇（无水酒精）和甲醇（木醇）。是树脂的强力溶剂。

4、丙酮和氯仿。能迅速溶解树脂和油层。美术用品商店出售的清洗剂一般是几种溶剂混合而成，强溶剂不能单独使用。

现代油画多采用树脂光油，用松节油就能清洗掉。国内老一辈油画家多使用油质上光油，需要松节油和无水酒精混合使用。而丙酮只有在清洗古代作品时作为添加剂使用。

5、双氧水。有许多名贵的白色颜料的物质是铅盐，在空气含有微量的硫化氢气体，当硫化氢遇到铅离子时，会发生化学反应，生辰接近黑色的固体硫化铅，使油画变暗，而双氧水可以将硫化铅氧化为白色的硫酸铅。

参考资料来源:-油画

籍里科生于法国里昂，幼年随全家迁往巴黎。他从少年时代开始就随古典主义画家学画，常去卢浮宫临摹古代名作，并到意大利研究文艺复兴大师的作品。因笔下的人体结构严谨，富有雕塑感，他曾被誉为“法国的米开朗琪罗”。使籍里科名留青史的是他取材自一起海难灾祸的油画《梅杜萨之筏》。

自由引导人民法国德拉克罗瓦本画取材于1830年法国的“七月革命”事件。1830年7月26日，国王查理十世取消议会，巴黎市民纷纷起义。当月27—29日为推翻波旁王朝，市民与保皇党展开了战斗，并占领了王宫，在历史上称为“光荣的3天”。在这次战斗中，一位名叫克拉拉·莱辛的姑娘首先在街垒上举起了象征法兰西共和制的三色旗，少年阿莱尔把这面旗帜插到巴黎圣母院旁的一座桥头时，中弹倒下。画家德拉克洛瓦目击了这一悲壮激烈的景象，继而义愤填膺，决心为之画一幅画作为永久的纪念。 画上展示的巷战场面，是画家在上百幅“七月革命”街垒战的草图的基础上定稿的画面。图中那位在硝烟中一手高擎三色旗，一手提枪，奋勇当先，正在召唤群众前进的青年姑娘，既是起义参加者的真实写照，又是自由女神的象征。她旁边的少年鼓手正挥动着手枪，急速地向前奔跑。另一边头戴高帽的大学生正意志坚定地注视着前方。他身后有两个工人挥舞着尖刀，表情刚毅，显示出愤怒的神色。在他们后面还有许多起义群众。前景右侧有两名政府军的士兵倒毙在地上，左侧躺着一位为自由而献身的起义者。一名受了重伤的青年工人正抬头仰望自由女神的三色旗，期待着自由的来临。他的上衣、露出来的一角衬衣和腰带正好是三色旗的颜色。如果仔细观赏，还可以隐约看到北塔楼上飘扬的一面共和国旗帜。

这幅画气势磅礴，画面结构紧凑，色调丰富炽热，用笔奔放，有着强烈的感染力。1831年5月1日在巴黎展出时，引起轰动。德国诗人海涅为此画写了赞美诗。在这以后，这幅画还有一些有趣的经历。

1831年，这幅画被法国政府收购，在卢森堡宫展出了数月。后因时局变化，还给了画家本人。

17年后，1848年法国爆发了“二月革命”，法国人民要求把此画重新在卢森堡宫展览。同年6月，巴黎工人起义，此画又被政府摘下，理由是具有煽动性。直到1874年才被送入卢浮宫。

德拉克罗瓦只要拿起画笔，他的浪漫主义激情就像火山一样迸发出来，发出巨大的叫啸。他画画就像狮子吞食猎物一样，一气呵成，所以人们把他叫做“浪漫主义的狮子”。

在表达感情的深度与力量方面，除去伦勃朗外，没有人能与他相比；在表达运动的激烈和气势方面，除鲁本斯外，很少人能达到他那样动人心弦的程度；在把抽象的冥想和寓意的东西变成艺术形象上，除米开朗琪罗外，没有人具有他那样的才能。

德拉克罗瓦是法国人民的骄傲，他的大部分作品被保存在巴黎卢浮宫博物馆，卢浮宫专为保存他的作品辟出好几间展室。代表作有《希阿岛的屠杀》、《自由***民》、《但丁之舟》等。

干草车英国康斯坦布尔

康斯坦布尔，英国画家。1776年6月11日生于萨福克，1837年3月31日卒于伦敦。曾受业于皇家学院，深受风景画家J法林顿和JT干草车康斯坦布尔史密斯的影响。1805年制作祭坛画《基督赐福幼儿》。

成名作《干草车》轰动美术界，获当年巴黎沙龙金奖。这是一幅画面上充满阳光、充满温暖和生活气息的风景画，给青年画家很大影响。他的许多表现田园风光、描绘普通劳动人民生活的作品，摆脱了构图和色彩上的因袭规矩，摒弃了传统的棕色调子。他创造的用调色刀把未经调配的色块平铺在画布上，使湿润的画面产生无穷的闪烁着亮光的点子，被后人称之为“康斯坦布尔的雪白”。

代表作《山谷田庄》（藏于维多利亚博物馆）、《麦田》（藏于伦敦国家画廊）、《布赖顿海滩》等，表现了他对光色的大胆探索，激起了人们对大自然的热爱，预示着印象主义画家对光、色的追求。

后人为纪念他，把巴黎圣马克大街一家餐厅的一个房间命名为“康斯坦布尔沙龙”，四周悬挂着他的作品，以供人参观。

拾穗者法国米勒

《拾穗者》描写了一个农村中最普通的情景：秋天，金**的田野看上去一望无际，麦收后的土地上，有3个农妇正弯着身子十分细心地拾取遗落的麦穗，以补充家中的食物。她们身后那堆得像小山似的麦垛，似乎和她们毫不相关。我们虽然看不清这3个农妇的相貌及脸部的表情，但米勒却将她们的身姿描绘得具有古典雕刻一般庄重的美。3个农妇的动作，略有角度的不同，又有动作连环的美，好像是一个农妇拾穗动作的分解图。扎红色头巾的农妇正快速地拾着，另一只手握着麦穗的袋子里那一大束，看得出她已经捡了一会了，袋子里小有收获；扎蓝头巾的妇女已经被不断重复的一上一下弯腰动作累坏了，她显得疲惫不堪，将左手撑在腰后，来支撑身体的力量；画中右边的妇女，侧脸半弯着腰，手里捏着一束麦子，正仔细巡视已经拾过一遍的麦地，看是否有漏捡的麦穗。农妇们就是如此往复地劳动着，为了全家的温饱，怀着对每粒粮食的感情，耐心而不辞辛苦地拾着麦穗。

画面上，米勒使用了迷人的暖**调，红、蓝两块头巾那种沉稳的浓郁色彩也融化在**中，整个画面安静而又庄重，牧歌式地传达了米勒对农民艰难生活的深刻同情和对农村生活的特别挚爱。

米勒一生热衷于农民题材。1849年巴黎流行黑热病，他携家迁居到巴黎郊区枫丹白露附近的巴比松村，这时他已35岁。在巴比松村他结识了科罗、卢梭、特罗容等画家。在这个穷困闭塞的乡村，他一住就是27年之久。米勒对大自然和农村生活有一种特殊的深厚感情，他早起晚归，上午在田间劳动，下午就在不大通光的小屋子里作画。他的生活异常困苦，但这并没有减弱他对艺术的酷爱和追求，他常常由于没钱买颜料而自己制造木炭条画素描。他爱生活、爱劳动、爱农民，他曾说过：“无论如何，农民这个题材对于我是最合适的。”

蒙特芳丹的回忆法柯罗蒙特芳丹的回忆柯罗生于巴黎卢浮宫与杜叶丽公园附近，在近80年的生涯里，留下达3000幅作品，是一位多产的艺术家。其中，风景画占大部分。“在我的生活中，只有一个梦寐以求的目的，这就是画风景。”他说，以寄于自然的坚强感情和不屈服于任何打击的忍耐力来追求自然，如果没有这样的准备，最好不要从事画家这个职业。他终生热爱自然，主张走向大自然。

柯罗一生过着独身生活，艺术占据了他整个心田。而他在画坛的成名和荣耀，是靠着每年参展巴黎的秋季沙龙所获得的。在19世纪的法国绘画史上，新古典主义、浪漫主义、写实主义和印象主义相继争辉，柯罗漫长的一生经历了所有的这些美术运动，但他均非开创这些流派的先锋人物。他受古典美术教育，曾是忠实的古典主义者。他热衷浪漫主义的自然观念，对自然的崇拜，使他成为诚挚的写实主义者。因此，批评家认为柯罗的最大成就，就在于他汇合了19世纪所有的主流，而为当时刚刚兴起的印象主义开辟了道路这一幅《孟特芳丹的回忆》，是柯罗晚期最成熟，也是最具代表性的风景杰作之一。

孟特芳丹位于巴黎以北桑利斯附近，柯罗当年曾涉足那里，感受过那一片花园景色的美。这幅画就是艺术家对这一美景的回忆。

画面展开在湖边森林的一角，晨雾初散，清新的林地与湖面的水气构成一种温暖湿润的大自然感觉。右侧一棵巨树占去画面约3/5，对面一棵小枯树与它相呼应，加强了画面的平衡感。树枝朝着一个方向倾斜，显得和谐而富有节奏。两树的中间显现平静如镜的湖面。和煦的阳光从树叶间散落到草地上，点醒了四处绽开的红色小花。一个穿红裙的妇女面朝着左侧的那棵小树，仰着头举起双手采摘着树干上的草蕈。

在整幅画上，这3个人物显得生意盎然。画家虽把他们都处理在一边，但却疏密有致。柯罗画风景，常常喜欢在前景画上几棵柔弱斜倚的树枝，来加重画面的抒情性。如这幅画中左侧的那棵小树，也属这种情况。你看那小树歪扭的姿势，显然是由于微风的长期吹拂所造成。它倾斜的枝干更显出婀娜多姿的舞蹈美，给整幅画平添了无限诗意。妇女的红裙与头巾是全景的最强音。细细品味此画，观者几乎可以听到细枝与树叶的瑟瑟声。

这种大自然的情趣绝不是梦幻却胜似梦幻。画家完全用暖色铺染画面，整个色调显得细声细语，没有激情，只有和谐。如果没有画家对自然美的强烈感受，是难以给人们留下这么多难忘的印象的。这是一幅理想的风景画，也是一幅真实的抒情画。热爱自然是画风景的首要条件。

柯罗十分热爱大自然，他曾说：艺术就是爱，当你画风景时，要先找到形，然后找到色，使色度之间很好地联系起来，这就叫做色彩。这也就是现实。但这一切要服从于你的感情。这简短的几句话，也许正是柯罗的风景画的全部秘密所在。柯罗一生还未体验过渴求订件或拼命赶制的心情。他的后半生没有卖过一件作品。一旦下雨，他就安心等待天晴之后再去写生。他喜欢明朗的晴天。在他看来，写生之作只是为在画室里创作所作的素材准备。这说明，柯罗的风景画之魅力，不是由于他面对写生，而是他从生活中提炼出他所发现的美。

有没有有意境的古风？

古风,凄美,意境,沉静,清新,自然,回眸一笑百媚生,优雅到极致了简直。

[水彩画中运用光营造意境浅析]星空枫叶水彩画教程

意境是中国传统美学思想的重要范畴,绘画是通过塑造直观的具体的艺术形象构成意境,为了克服造型艺术由于瞬间性和静态感而带来的局限,画家往往通过富有启导性和象征性的艺术语言和表现手法显示时间的流程和空间的拓展。水彩画是光色的艺术,且色是光的衍生,在水彩画中应该更好地利用光,在绘画平面上创造自然、绚丽变幻的效果。扩展水彩画技法表现领域,丰富画面的表现效果,增强水彩画的艺术表现力,营造意境空间。在绘画中依据画面的需要,有意识地选择与组合光,通过对这种语言的有效运用从而达到营造意境的目的。

一、设计不同的光源色营造意境

同一物体遇到不同光源将呈现不同的色彩,不同光源的物体必然受其影响而出现不同的色彩,光源色是统一画面色调的重要因素。色调往往给人以鲜明的第一印象,起着关键性作用。色调在情调的渲染和情感的表达方面能够迅速地触及人们的心灵,使人受到感染。

色调的冷暖表达不同的意蕴,画家常会选择不同的色温来作为光线色彩,不同色温的光源色笼罩下的物体也就会呈现出不同的色调,从而使人感觉到不同的情调,如透纳的画是优美的、浪漫的,他一生所致力、追求的是光、雾、蒸汽、太阳、火光、水和反光这些东西在他的画面上统统交织成甜蜜、美好和幸福的肉身与痛苦深刻的灵魂,运动着组成团块和升腾着的焰火,呈现出近乎抽象画的韵律感。明亮的**常常是他描绘光的主色调,如《1834年10月16日国会大厦火灾》,透纳选用橙**为光源色,通过其特殊的技法创造出了一个发光体,与天空的淡蓝形成了对比,使欣赏者能强烈地感觉到那熊熊的大火把河面和天空都照亮了。整个画面是绚丽、热烈的。

大自然中光的情态可以说是多姿多彩,随着时辰和季节的转换,光确定了万物的造型色温和气氛。为使景物沐浴在恰当的光线中,必须懂得如何用光创造出特有的情调,并将其传达给观众。光源色的选择是确定画面气氛的重要一环,笔者认为光源色不一定是本色或发光体的效果的准确记录,而是作者根据画面的需要和所要表达的情绪设计好光源色(即确定主色调),这样才能使作品引起观众的共鸣。

二、设计不同强度的光营造意境

按照审美感知选择性的原理,在美的创造特别是艺术美的创造中,将主体的感知稳定地引向对象,使无意注意转化成为有意注意,使无关的感知尽可能被抑制下去,与特定对象有关的感知高度兴奋起来,在大脑皮层的相应区域的优势兴奋中心,从而获得充分的感受。**之所以有特写镜头,绘画雕塑之所以有突出部分,舞台之所以采用追光,都是为了调动观众的注意力,引导观众进行选择。

不同强度的光能产生不同强度的对比,通过对比和阴影变化来渲染空间的环境氛围,加强画面的空间感。当空间中光线幽暗或空间处于阴影当中时,处于其中的人会感到空间收缩、紧张和压抑,反之,当空间中光线较强时,处于其中的人会感到舒畅、开敞和放松。如果介入空间的光线是点状和线状的话,那么光影的变化、交织将不仅能够赋予空间层次感,也会使空间变得丰富、活跃甚至具有神秘感。在水彩画中明暗、光影的各种组合就能表现出物与物的距离,人与物的距离。通常人们认为离眼睛越近,其明度越高,背景的东西总是很昏暗的,其实相反,前景既是最暗的也是最亮的。也就是说,光影的强烈对比才把轮廓显示得更分明。反之,背景的光影对比则消失了许多,以至整体消失在明亮的灰色里。强烈的光影对比勾勒出物体的轮廓,这就是“实”,色彩对比减弱,明暗反差较小,这就形成了“虚”,通过虚实的对比营造画面的意境氛围。

明暗虚实对比是艺术创作中常用的手段,通过对视觉心理学的研究,已证实亮部比暗部、饱和色比中性色、暖色块比冷色块更容易吸引人们的目光。在创作中,画家常运用光影对画面进行经营设置,来渲染画面的氛围,使欣赏者产生遐想。光影大师伦勃朗最擅长用强烈的明暗对比方法来渲染画面氛围。如《夜巡》,在画中他运用了聚光的效果突出刻画了两位在说话的军官,其余的人都被安排在中景和后景。把精美的细节和模糊不清的整体有机地结合在一起。画面中形成了强烈的明暗对比,给观众强烈醒目又和谐统一的印象,非常具有戏剧性,构成诗意般的动人境界。水彩画是光的艺术,通过光的运用使画面产生虚实对比,通过对比来营造意境。如透纳的《红色的瑞吉》,表现的是大自然的湖光山色。作者巧妙地运用对比手法,尤其是画面中山与水的交界部分,采用了随意自如的用笔,色彩微妙,远景的天空和云彩处理得灵逸洒脱,大面积的红紫色远山含蓄、朦胧。整个画面大实大虚、大明大暗、大冷大暖,有着朦胧、和谐、梦幻的层次变化。如《格里松山的雪崩》是一幅惊险的画面,雪崩从天而降,势不可挡。画面中心明亮的雪崩与前景被折断了的大树根浓重的暗部形成了强烈的对比,显得鲜明突出,更增加了险境气氛。画家用急速的笔触使崩塌下来的雪块产生动态感,表现了大自然运动的生命和壮丽。又如《夕照》,夕阳投射在江面上的一道光影与前景浓重的桌椅形成一种强烈的视觉对比,让人联想到江畔的黄昏,抒情而惬意。就像诗词里描写的美景一样:“一道残阳铺水中,半江瑟瑟半江红”,传达出无尽的意境美。强烈的光影给人以明快强烈的感觉,而柔和的弱对比则给人以朦胧神秘感。这样的例子还有很多,这都是画家在客观的基础上充分运用了对比的方法对自然的表现。作品的艺术内容决定一定的形式,光影对比强弱的选择应该根据具体内容来确定,对于黄土高原雄壮巍峨的阳刚之美,以实为主的强烈对比画法就比较贴切,而面对江南水乡雨雾的那种朦胧、轻灵秀美时,以虚为主的弱对比则更适合。对光影的设计安排使形式与内容达到了完美统一。

三、设计不同方向的光营造意境

光具有线性特征,方向属性突出。依据画面物象受光方向,一般可以分为顺光、逆光、侧光、顶光、底光、散射光等。顺光,从画面前方入射的光,一般有突出物象或加强纵深的作用;侧光,是从画面侧面入射的光,物象影调明显,若很好地利用侧光光影构建画面,能较理想地表现物象的质感、体积,丰富画面层次,增强空间深度;逆光,从画面后方入射的光,往往置物象大部于阴暗中,同时能较明确清晰地勾勒出物象的线条轮廓;顶光,从画面上方入射的光,物象之投影在下;底光,从画面下方入射的光;散射光是一种较柔和的光,无明确方向性。光源的方向在显现一件物体的外轮廓和形状方面至为重要。改变光源的角度通常会使一件平平常常的东西充满魅力。

在绘画中用光的方向影响着画面的构图和气氛的营造。比如表现日出和日落,有许多画家喜欢用逆光,这样的方式可以使画面产生纵向的景深感。如克劳德·洛兰的作品《港》,帆船优美的线条与古典的建筑在日落余辉下投下长长的影子,与水面的反光相互辉映,呈现出完美的动人画面。侧光使人物或物体的体积感更强,更具有立体效果。如伦勃朗常用强烈的侧顶光来塑造人物,运用侧光在脸部形成的明暗对比来刻画人物的表情与特征。

不同方向的照明可以使阴影的特征不同,阴影对画面氛围的营造极为重要。改变光源的位置或增减光源的强度即刻会对画面的气氛产生极大影响。如胡一川的《开镣》这幅大型油画,人物造型朴素而概括,色彩单纯而热烈,构图严谨而完整,人物的组合关系层次分明。特别是画面洋溢着一种喜悦的气氛,地面上的光源是这幅作品的一大特点。前景左边的解放军战士,手提马灯,从下而上地照亮了地板与人物,特别是画面的中央下方,突出了一个巨大而冰冷的铁镣,它被画家安排在画面的这个位置,是想揭露反动势力的阴冷和残酷。翻身解放本来是一件喜悦和值得庆贺的事情,但狱中革命者的遭遇和所受到的磨难又使人产生悲戚和沉重的感觉。画家所用的光,非常恰当地解决了这个问题。局部的光亮投射在中心人物身上,使画面中暖色调暗示着自由和解放的到来,左侧背景的高墙则渲染了监狱中的恐怖与黑暗。

就水彩画而言,现代意义上的构图是指构组画面的各视觉元素在一定材质平面上的位置性状。如光落实在画面上时的上下、左右、大小、圆缺、侧正、轻重、亮暗等及其由此衍生出的疏、密、呼应、均衡等形式状态。水彩画对光线的研究基本上是沿着油画研究色彩的道路进行的,即从明暗法到冷暖法,不同方向的光源使画面产生的投影不同,明暗的分布就会不一样,画面的冷暖比例也就不同,那么画面就会形成不同的氛围,或浓重或明亮。如怀斯的作品《女朋友》中光线透过窗户斜照在画中人物的身上,窗棂的影子在人物身上形成有趣的投影,浓重的暗部与处于强光下的人体形成强烈的对比,使画面的人物处于视觉中心,非常具有冲击力。笔者认为这是画家苦心经营的结果,通过对光与影的有序组织,画面的意境得以展现出来。

水彩语言的个性特征是形成作品信息容量的重要因素,也是水彩作品产生艺术魅力和艺术活力的重要原因。水彩是光色艺术,我们可以看到那些优秀的水彩大师对光的运用都有其独到之处,如透纳的绚烂,所以他的画充满动感;怀斯的理智,所以他的画充满了宁静与忧郁。光作为色的媒介,在绘画中准确地运用光,对光进行有意识的设计,作画过程中的随意性就会减少。光具有象征的意义,如生命、光明、理想等等;光可以表现时间:昼、夜、晨、昏。通过对光的设计运用融入作者的理想与观念,可以有效地增强作品的外延。那么融入了作者真挚感情的作品,自然会传达其意境。在水彩画中,光是通过色彩来体现的,对光的设计即是对色彩的选择与搭配。既然说是设计,那么就不是对物象的被动描摹,而是有作者的主观意识的体现。在对光的设计中,作者要考虑光色与光的投射方式、光与影的对比关系、光与影的比例及构图关系,这是对作者观念的全面阐释,这样的作品才有生命力。从对纯自然的光的描绘到具有一定指向性的光的设计,探索光作为一种绘画语言的更强的表现力。正因为如此,选择通过探讨光的设计,改变画面的构成形式以充分表达对意境的追求。在水彩画中对光的设计运用就是为了最大限度地展现时空境象而采取的表现手法,这些手法一方面使画家在意境构成上获得了充分的主动权,打破了特定时空中客观物象的局限,另一方面也给欣赏者提供了广阔的艺术想象的天地,使作品中有限的空间和形象蕴含着无限的大千世界和丰富的思想内涵。

达·芬奇说过:“请看亮光,并思量它的美吧!眨眨眼睛再看它,你就会见到本来并不在那里的东西,而原来在那里的,已不知去向。”光就像魔术师一样创造出意想不到的境界,影子则让这境界出神入化,当尝试着用不同的光影效果去表现同一个主题的时候,会有许多收获,会更深刻领悟到光影在绘画中的分量。

参考文献:

[1]克里斯托夫·欣克水彩画里的色与光[M]董冀平,译,中国青年出版社,1999

[2]艺术概论/中国艺术教育大系[M]文化艺术出版社,2006

[3]李广元色彩艺术学[M]黑龙江美术出版社,2000

[4]保尔·杰克逊水彩画技法光感的表现[M]丁伟,译江苏美术出版社,2002

[5]何政广世界名画家全集:透纳·英国水彩画大师[M]河北教育出版社,2001

作者单位:广东嘉应学院美术学院

(责任编辑:鞠向玲)

日本画水彩的画家有哪些（风格非常清新，很有意境）

椋本夏夜(一向以画风清新唯美著称,其作品都有着典型的21世纪“新式唯美”风格)

伊东杂音(色彩以艳丽见长,却有着一种华丽的透明感充斥其间。描绘的插画线条柔和且色彩鲜明,再加上绘画的少女的动作和装饰物等非常可爱而受到欢迎。)

山本启二(简单而洗练的面部线条,明快而纯净的水彩用色,轻盈而跃动的人物姿态,令人觉得将要融化般的气氛宛如童话世界。)

原田雄一(擅长不加墨线的色块型构图,有着恣意挥洒的写意感。令人有着无法割舍的亲近感。)

西又葵(人物饱满充实,细看她的画作,虽无特别惊艳之处,却有着令人沉醉其间的平凡魅力。)

七濑葵(七濑葵的彩画却是非常出众,使她在美少女形象的创作方面能够独树一帜:华丽唯美又充满梦幻的画作备受推崇。)

椎名优(擅长CG作画,富有透明感和幻想元素的唯美画风为读者和商业界称道。)

新居装修完工后，大多数的装修业主都会选择用装饰画来装点家居，但是对于装饰画的选择和搭配都不太专业，根据一些业内专家的意见，选购装饰画的首要原则是要与家居的整体装修风格相一致。今天小编就给大家说说不同房间的装饰画搭配技巧。

不同房间的装饰画如何搭配

一、客厅

宜挂：大尺寸风景油画或多联无框装饰油画。

色调：鲜亮、活泼。

气氛：热闹，温暖，繁荣，富贵，和谐，大气。

1、现代简约风格客厅：抽象、现代、流行元素，可以选择灰、偏艺术感的装饰画和油画。

2、乡村田园风格客厅：古朴粗拙，意境悠远、山水风景、村庄等。

3、地中海风格客厅：鲜亮，大气的风景油画或装饰画。

4、中式古典风格客厅：怀旧国画、人物油画等。

5、豪华风格客厅：时尚抽象、有强烈视觉冲击的、显主人的内涵品位、高调摄影作品，或者是一些还未出名的画家的原创油画作品。也可以选灰、偏艺术感的装饰画或油画。

注意：多列油画：调节“墙壁空旷”常适合。还可是：九鱼图、三羊图、百鸟朝凤、百骏图、柔和的风景油画、颜容亲切的神像及名人油画像。

忌：颜色太深或者黑色过多的、日落西沉的、瀑布之类的、主人运气糟；红色太多的，会令家人易脾气暴躁、猛兽图画及消极、死气沉沉的。

卫生间装饰画

二、卧室（可以稍大幅或多联的画）：

舒适安逸的、温馨浪漫的抽象油画、人体油画或装饰画、暖色调的风景类主题油画和装饰画，古典或古典偏印象的、舒畅、开朗、轻松、亲切的美的意境。总之要挂暖色调的油画。

三、餐厅

色调：柔和清新，干净整洁，色彩淡雅的小幅油画和装饰画。

风格：奢华显贵、轻松明快、淡雅柔和、清爽怡人、使人胃口大开的。

宜挂：古典静物油画，如水果拼盘、花卉器皿、红酒；写实风景油画：碧海蓝天、青山绿水。古典偏印象风景油画、古典风景装饰画；风景、古典风景、花卉油画。花园地中海油画、美丽海影、动物、人物、抽象的油画和装饰画。

忌：不宜是红色和太浓的油画和装饰画。

四、厨房

实际上没有餐厅讲究、细致，所挂油画和装饰画内容应是蔬菜、水果、水产品等做饭菜的原料等。

五、书房

令人奋发进取、产生灵感的，使心境宁静的、意境优美的、显主人品质与志向的，中性色调偏冷色调的油画和装饰画，易使人安静、理智。

六、走廊

放置一些街景、城市风光油画和装饰画、抽象油画、人物油画、流行元素、芭蕾舞、运动、军事、宗教、建筑。

七、卫生间

健康、文明、干净整洁、淡雅、令人心境舒畅的油画和装饰画。

八、玄关

意境优美、山清水秀的风景油画、色彩淡雅、缤纷、中性偏暖的，以健康长寿、福运、财运、官运等为主题的油画或装饰画。