复古浪漫夏日治愈田园风油画影单？

复古浪漫

夏日治愈田园风油画影单

复古唯美|少女心|法式浪漫

贩卖夏日的美好，治愈田园风影单来啦~

还没有计划出游的集美可以先看看**，治愈一下炎炎夏日烦躁的心情哦！

1爱是永恒

每一帧都唯美的可以当壁纸。

主要描述了十九世纪末，正当青春年华的女主范伦婷爱上了朱勒斯，两人决定组建美好的家庭生活，却遇上了世界大战的爆发 女主经历了人生的起起伏伏，悲欢离合，生离死别，从年轻少女、**到年迈的寡妇三个角色，最后去世。

2日出时让悲伤终结

如诗似画的氛围使得影片显得非常唯美。

讲述的也是一段古老套路的情感：老师带着年幼的女儿生活，却无法终止对亡妻的思念；学生拜师学艺并与其师女儿产生了爱情。

3秘密花园

在那座花园里有个美丽的故事mary带着天使般眼神找到花园，在悲伤的哭泣中找回了爱；科林冲破了从阴暗的房间来到花园，终于走进了魂牵梦绕的花园，在蹒跚和摸索中找到了勇气；狄肯带着温顺的小鸟寻找花园，在精心培育浇灌下播种出一园锦簇。

4贝拉的奇幻花园

植物和人生一样,在等待着可以绽放的地方。

女主开始有点自闭，从小满脑袋奇幻想法,立志成为童书作家。和邻居争执被房东逼迁，得到邻居的厨师帮助，以照料花园为条件，过程中收获友情爱情。

5薄荷苏打水

讲一个12岁女孩跟她那15岁姐姐在1963年秋天开始发生的故事。这一年，姐妹俩刚刚跟父亲从海边避暑回来，跟已经离婚的母亲在巴黎共同生活。开学之后，姐姐面对她的第一次真正恋爱，跟年长的男人也有了亲吻的经历，友情也因为价值观的矛盾而生变。

6爱在午夜降临前

三部曲。两位主人公或行走在静谧的村落，或悠然坐在露台和餐桌前，不断的讨论着文学、爱情、生活、两性等话题。然而与前两部不同的是，随着他们终于走到一起，爱情的浪漫也开始被生活的日常琐碎和彼此相处的实用性取代，吵架拌嘴也随之而来。

7托斯卡纳艳阳下

治愈疗伤系**，很暖心，浪漫又纯真。

既是一个美国女作家在意大利落脚、疗伤、重获新生的故事，又是一个致敬费里尼的故事。

罗塞蒂，是西方美术史，拉斐尔前派油画流派的创始人，拉斐尔前派的关键美术家。拉斐尔前派油画流派，是西方美术史上，19新世纪诞生于美国的一个油画流派。假如说，文艺复兴时期油画流派的写作，其文化艺术基石是古希腊文化宗教信仰神话传说。19新世纪诞生于法国的的浪漫派油画流派，写作的文化艺术基石是选自中世纪的经典传奇故事，从但丁，沙士比亚，拜伦的文艺作品中创作灵感。

而拉斐尔前派的大画家们，写作一样选自圣经故事，文学名著，表述一种朴实，复古，代表唯美意境的美术绘画情调，抵制现代化资产阶级设备的制造和热闹的生活危机，倡导返回弗朗切斯以前，欧洲中世纪传统式的风格，乔托朴实，清爽的绘画风格弗朗切斯美术家，梦洁家纺文学类，喜欢用画笔工具表述文学故事，戏剧表演。美术家罗塞蒂也是如此，罗塞蒂自小备受大家族深厚的史学气氛的塑造，因此罗塞蒂的美术作品，都以感伤的神话传说和文学著作为设计灵感写作。

罗塞蒂的代表作《帕尔塞弗涅》，别名《命运女神》，一样选自希腊神话故事，可是，罗塞蒂要以老婆为女模特，塑造了希腊神话中的冥后，帕尔塞弗涅的品牌形象。罗塞蒂，因为备受文学类的陶冶，其雄厚的文学功底造就了他界面的诗情画意，烂漫，幻想的气氛，罗塞蒂是一位想象美术家，可是要以写实性技巧，主要表现代表，诗情画意，幻想的造型艺术气氛。如《帕尔塞弗涅》中的冥后帕尔塞弗涅，被邪神劫去阴曹地府，正迟疑吃石榴，可是厚重的结果是始终不可以回到世间。

画中帕尔塞弗涅手上的番石榴，代表婚缘，背后的光辉代表外部真情对她的诱惑，仿佛是性感女郎在黑暗和光明挣脱的分歧，这幅画具有深厚的宗教信仰神秘感，又颇具浪漫的诗情画意和想象。罗塞蒂画笔工具下的女性形象，早已成为了美术家单一化的艺术表现手法，成为了美术家非常容易辨识的与众不同，原创设计的风格特征。假如说，中国美术史上，很多美术家全是通才美术家，集诗，书，画一体的通才美术家。罗塞蒂都是一位西方美术史上上的通才美术家，山水诗歌熟练的通才美术家，同时也是一位痴情的美术家，它用画笔工具，表达自己对老婆炙热的情意。

希阿岛的屠杀

1822年，土耳其人占领了属于希腊版图的希阿岛，并且血洗掠夺了这个小岛。据说被杀平民有二万三千人，被卖为奴隶的有四万七千人。侵略者的暴行激怒了全欧洲的进步人士，也深深地激怒了画家德拉克洛瓦，他怀着巨大的同情，以鲜明有力的构思、动人心魄的形象和雄劲奔放的构图揭露了土耳其人的残暴罪行。在《希阿岛的屠杀》这幅画里，画家充满了人性和同情，极其生动地塑造了几组独立而又有联系的人物。在画面右下方横躺着奄奄一息的**，胸怀袒露，不懂人事的婴儿正伏在胸前寻找活命的母乳。画家选择这一令人揪心的情节向侵略者发出最强烈的抗议；画面左边描绘了一组手无寸铁的男女老少，已经失去反抗的能力，濒临绝望，束手待毙；前景坐着一位老妇人，抬首仰望苍天，向上帝发出求助和控诉，有人认为这个形象就是画家当时的精神形象；画家特别在前景右上方画一个骄横残暴的土耳其士兵，勒马驻脚、以胜利者的姿态得意地看着被他们蹂躏过的土地，在他的马背后还拖曳着被缚的裸体少女，那是豺狼的猎物。画家为了加强残暴的气氛和悲剧的色彩，大胆借用了英国画家康斯太勃尔画中的光色，使画面色彩产生恐怖的真实感，透现了印象主义的晨光，有人说这幅画中的色彩打开了印象主义的天窗。这是一幅画家用生命激情、用愤怒与同情、用狂放的笔触和强烈的色彩塑造出来的人间悲剧场面。这幅史无前例的画震动了法国画坛，连他有浪漫主义倾向的老师格罗看了都大吃一惊，脱口而出：“这不是希阿岛的屠杀，而是绘画的屠杀。”就这幅画的艺术处理来看，画家把全部注意力放在色彩的力度上，他采用豪放的大笔触，通过明暗对比与人物的动态，将画面分为前后两个大层次，这使评论家戈蒂埃感慨陈词：“强烈的色彩，画笔的愤怒，他使得古典主义者如此不满与激动，以致他们的假发都发抖了，而年轻的画家却感到非常满意。”土耳其人残酷地镇压希腊人民的反抗，激怒了当时欧洲的一切进步的文艺家。贝多芬谱写了《雅典的毁灭》；柏辽兹写了《希腊革命大合唱》；英国大诗人拜仑直接参战，牺牲在米索隆基。1827年德拉克洛瓦毅然用象征的手法创作了《米索隆基废墟上的希腊》，再次声援希腊人民。

《河岸》希施金

希施金的俄罗斯风景油画，被称为森林的歌手，这幅河岸确远离了树林，来到河边。作者以细腻简单的绘画出河与岸的真实再现，岸边的土崖用了刮刀来处理，看似整齐而不齐，蜿蜒的河边小径走过几个行人，画面越发的深远广阔，淡淡的河水打过阵阵涟漪，增加了画面的动感。

这幅画中简洁明了，欢快辽阔，几个线条就勾勒出一副美丽的画面，可见希施金的过硬绘画功底。

《林间漫步》希施金作品

这幅作品是风景油画中比较浪漫的风景画，两对男女相拥而漫步在树林中，随身的小狗也若即若离的跟从着。

光在这幅画中表现的淋漓尽致，光温柔的洒落在林中男女的身上，透过树林洒落在林中，明暗对比恰到好处，光影效果表现到了极致，有着身临其境的感觉。

《第一场雪》创作年代:1875年

松林还是那片松林，只是覆盖了薄薄的一层小雪。初冬的树林还有些泛黄的叶子，第一场雪就悄然来临了，天空也失去了几分色彩，近景小溪还没有冻冰，热情的融化了第一场雪，小溪中树干的倒影依稀可见，使画面略感凉意。

这幅作品描绘了俄罗斯北方第一场雪的松树林，显示出松树雄伟，挺拔的性格。

作者以写实，细腻的手法描绘出第一场雪的到来

     我就是一个学画画的，我个人觉得个性与作品没有必要的联系，影响作品质量的有三点，一是有一双可以发现美的眼睛，二是纯熟的技技艺，三是大胆的思考。我个人觉得这三点才是影响绘画作品的关键所在，有的人看起来每天像没睡醒一样，胡子不刮脸不洗，但是画出来的少女却非常的美，那种青春与阳光叠在一起的即视感，与自己的个性其实并没有多大的关系。

     我有一个同学就是这样的，他穿着干净的衣服画不了画，必须穿上一个长年累月颜料涂满全身的背带裤才可以作画。他说画画并不是画自己的个性，而是在画一种感觉，他问我，你知道小学暑假午睡醒来的感觉吗？你肯定知道，但是让你画你就画不出来，这就要思考了，有着回忆与延展在其中，并不是你穿的光鲜亮丽，个性鲜明就可以的。

     他说完以后我想想也是，好多绘画大师从小都是自闭症，也许并不是自闭症，只是他们不想与人说话吧！为什么呢，因为他们在思考，他们在想着用什么样的方式，表现出午睡醒来后的那种感觉。并不是画一张床一抹阳光就可以的，那样的画不灵，他得有灵魂与风骨，画家的个性与浪漫其实不在画家身上，而在画家的作品里。

     我的老师也是这样的，他是一个不修边幅的人，他整个学期都穿着他的那个破背心，春天时在背心外面加个外套，夏天时脱掉外套只穿背心。整个人看过去与食堂扫地的大爷差不了多少，但你可知道，他是中美有名的油画老师。你看他的人的确平平无奇，甚至不爱多看一眼，但如果你看到他的作品，你就会知道这个人是怎样的。

     我觉得他们之所以不装饰自己的原因，就是把大量的精力与时间放在了思考上，就像我那位同学说的，给你一个东西，也许你可以完完整整的画出来。但如果给你一种感觉呢！你怎么画。哭完以后把委屈释放出去的那种感觉又该怎么画。

      他讲的其实挺让人难以理解的，他画过一些让人看不懂的画，他说他画的是一种感觉，就是直观感受。我看他画过一个小女孩站在田野里的男埂上数电线杆上的燕子，他说这是家乡的感觉。

1、色彩的情感表现色彩的情感表现色彩的情感表现色彩的情感表现 在一幅画中，最能体现画家情感的是色彩的变化。如果说画家的情感表现是一幅作品的灵魂，那么色彩就是绘画手法中的灵魂。画家的绘画创作目的就是用作品来表达自我的情感，那么只有通过对事物的色彩研究、总结、归纳，才能完成这一创作目的。 在画面中，体现的往往是高兴的或悲剧的。爱德华·蒙克的作品体现的就是浓重的悲味，在他的作品中给人的感受往往是压抑的、悲惨的，在画面中有一种类似被抽干血肉的干尸或骷髅的感觉，他们像幽灵一样在画面上晃动。而他通过使用纯度较高的亮色与暗色的混合使用强化了这种感觉，使作品带有鲜明的个人情感。 在色彩情感表现的世界里，最具有代表性的就是毕加索，他的一生是可以用颜色总结的：忧郁的蓝色时期、快乐的玫瑰时期。在孤独无助的蓝色时期中，其所创作的作品中最具代表的是《人生》，以浓郁的蓝色调表示贫老与孤独的苦难；而在玫瑰时期的作品，画面人物表情虽依然冷漠，却已注重对和谐美感与细微人性的关注。整体除了色彩的丰富性外，又已从先前蓝色时期那种无望的深渊中抽离。摒弃先前贫病交迫的悲哀、缺乏生命力的象征，取而代之的，是对生活充满了兴趣、关注及信心。 所以我们在表现中，就要利用色彩的冷与暖、厚与薄、亮与暗寻找色彩的象征性和表现性，使其描绘的对象具有象征意义，让它们产生精神上的含义。

2、线条的情感表现线条的情感表现线条的情感表现线条的情感表现 线条的情感表现是多样性的，曲线表示优美，直线表示刚强。而在油画创作的世界里，线条的作用也是多样的，对于写实油画而言，线条服务于造型，更多的是一种辅助的效果，而对于表现性油画创作中，线条则是情感的抒发，在画面中也更加的具有独立性、生动性。 在创作中线条的应用中，概括来说，可分为两种：一是线条情感的艺术表现，二是线条情感的自然表现。两者是有着本质区别的:第一，线条情感的艺术表现是为了更好地服务画面效果，不会毫无顾忌地使用线条，在使用线条的时候更加具有目的性。而线条情感的自然表现则是更加随心所欲一些，他表现的是画家创作过程中的心理反应，也许当时线条的应用只是一丝丝的灵感，而恰是这一丝丝的灵感，创作出一个遐想的空间。第二，线条情感的艺术表现是丰富的、细腻的、繁琐的，也许会有一些共性的东西。而线条情感的自然表现则是单调的、狂野的、简洁的，拥有更多的是作画者的个性展现。而在创作过程中，只有把艺术表现与自然表现更好地融入在一起，才能创作出拥有自我真实情感的作品。 奥地利表现主义画家席勒，他的作品受蒙克、克里姆特等人画风的影响，注重线条的表现是席勒作品不同于其他艺术家作品最明显的标记。席勒的绘画作品充满灰暗、焦虑、扭曲、痛苦、让人感受到席勤的生命始终笼罩着死亡的阴影，极具艺术表现力的艺术语言和充满震撼力量的线条，使得艺术家的内心真实情感和对人生的感悟跃然纸上。他的作品《死神与少女》、《自画像》、《干洗房》等以扭曲的人物造型、神秘的自然风景表达对人类生存、对生与死的思考，运用颤栗紧张的线条和夸张变化的色彩加强感情的力量，致使画面笼罩着一种痛苦、憔悴、紧张和性压抑的气氛，体现出强烈的表现主义精神。

3、创作内容的创作内容的创作内容的创作内容的情情情情感表现感表现感表现感表现 如果说色彩是画面的灵魂、线条是画面的骨骼，那么创作内容就是画面的血液，时刻流淌在画面的每一个角落。只有选择正确的、合适的内容去表达，才能够在创作中表现出自己的真实情感，心甘情愿地为创作去付出、去思考。 在创作内容的选择上，往往有两种误区：一是“题材决定论”就是认为在创作题材的选择上，只有表现重大题材的艺术创作才具有崇高的艺术价值；表现平凡题材的艺术作品只能具有平凡的艺术价值。这是不正确的，它否定了油画创作的表现性和多样性。达·芬奇认为艺术可以表现任何题材。他说，宇宙中存在的一切，不论是可能存在、实际存在还是在想象中存在的，都能出现在艺术家的“心里”,“然后移到他的手上”，称为艺术作品的题材。其次，题材不能决定作品艺术价值。18世纪的英法艺术家认为，“历史画”是高贵的，“肖像画”、“静物画”、“风景画”是低贱的，这是不对的。19世纪德国画家马克斯·李卜曼有句名言：“画得好的白菜头比画得坏的圣母头更有价值。”艺术作品的价值，不完全取决于画什么，而是看画家的综合素质和在创作中所投入的真实情感。 二是“题材无差别论”，认为题材仅仅是艺术家表达思想感情的媒介，对艺术作品是无关紧要的。克莱夫·贝尔说，艺术作品的题材，如“叙述性绘画”，具有“历史方面价值的画像”，乃至连环画中所讲的动人故事都是非艺术因素，“不仅不能唤起审美感情，反而会影响它和干扰它”。这种观点是错误的，题材在艺术创作中不具有破坏干扰作用，也不是无关紧要的，题材在一定程度上制约着艺术作品的价值，只有符合时代背景下的艺术创作，才能更容易地唤起自身的情感，将之描绘在画布上。董希文的《开国大典》、达维特的《马拉之死》等题材都是一定程度上体现了作品的价值。 总之，创作内容在艺术创作中的作用是很重要的，它是构成艺术作品必不可少的内容之一，也是表现画家情感的基础，只有拥有好的创作内容，才能呼唤起画家对创作的兴趣和激情。

摘自赵君超、马信中《浅谈油画创作中的情感表现》，希望对你有用。