哥特服装的特点

受建筑风格的影响，哥特服装风格主要体现为高高的冠戴、尖头的鞋、衣襟下端呈尖形和锯齿等锐角的感觉。而织物或服装表现出来的富于光泽和鲜明的色调是与哥特式教堂内彩色玻璃的效果一脉相通的。真正的哥特时尚体现为：

1 黑色的东西，或其它暗色，如海军蓝、深红；

2 可以透（龙或渔网状面料），但不露；

3 银饰；

4 苍白的皮肤。体现维多利亚时代关于“苍白的皮肤是贵族的标志”这一审美，也可能是反对沙滩文化里“太阳 晒出的古铜色才是美的”健康理论。

5 黑发、漂白过的极浅的金发、红发或紫发。

6 黑白化妆。白色粉底，黑唇膏，黑眼影，细眉。

7 自我束缚的装饰和恋物癖的服装。皮革、PVC、橡胶、乳胶都是必不可少的面料。中世纪的束腰也极为常见。

8 领带或或紧紧系在脖子上的丝绒绳。

9 T形十字章（古埃及关于永恒生命的标志）、太阳神之眼、五角星、十字架(基督的象征)的饰品以及刺青；

10 歌剧风格的披肩、斗篷和长手套。

11 锁链和铁钉。

12 身体穿孔。一般情况下舌头是首选部位，其次是鼻子，最后是私人部位和乳头。

扩展资料

哥特服装的历史背景和缘由

哥特风格关于“ Gothic”这个词的出处，最早来源于欧洲早期的一个叫做西哥特的部族，这个以破坏和掠夺为乐的部族以无知和缺少艺术品位而著称。

中世纪的欧洲，一种以尖顶大教堂为最显著特色的建筑风格大行其道，产生了那一时期所谓的“哥特式”建筑风格。 在英国的维多利亚时期，以 EdgarAllanPoe、 Mary Shelly和 Bram Stoker等为代表的一批作家创作的恐怖小说也被称为“哥特”风格。

至此，哥特风格中的恐怖颓废已经被补充得几近完美。 特别重视外表的浮雕效果和线条。女装上装紧身合体，下半身的裙子宽大、上轻下重，形成一种圆锥状造型，具有极强的装饰性。

中世纪，裙长是一种等级的标记，只有高贵的太太们才允许后摆拖地，并有权把它染成绿色。服装上的分割线、装饰线多采用纵向的、垂直的线条。 

在20世纪的最后几年中，“ Gothic”这个词在时装报刊上出现的频率越来越高。 现代时装中流行的哥特式艺术是一种浪漫型的艺术。所以，哥特式时装可视为当下正流行的新浪漫主义时装的一个分支。

-哥特服饰

手绘中的透视方法介绍

　由于手绘技巧和方法的自由和随意的特点，在丰富表现语言方面具有其他表现手段无法比拟的优势，艺术生动的技巧在设计师灵巧的手笔之间流泻并贯穿于表现的始。下面是我分享的手绘中的透视方法介绍，一起来看一下吧。

　 1、纵透视。

　在平面上把离视者远的物体画在离视者近的物体上面。中国古代构图法中称高远法，即近低远高。在人类早期的绘画艺术中经常可以看到，最 典型的是埃及墓室壁画的构图，远景作为一条横带完全置于近景横带之上。在儿童画中我们也很容易看到,所有物体都放置在一个平面上，物体没有近大远小的区 别，只是通过物体的高低位置来体现透视感。现代很多画家也经常使用这种方法，描绘出的世界往往带给我们特别的感受。

　 2、斜透视。

　离视者远的物体，沿斜轴线向上延伸。在清明上河图中，我们明显可以看到这样的表现手法。这里不同于焦点透视中的斜透视。

　 3、重叠法，又叫遮挡法。

　前景物体在后景物体之上，利用前面的物体部分遮挡后面的物体来表现空间感。在儿童画中，小朋友们往往采用混合式的绘画空 间来表现他们对世界的认知，而主要的空间表现方式就是"左右上下关系"和"部分遮挡关系"。同时遮挡法也让在有限的`画面内表现更多内容成为可能。

　 4、近大远小法。

　将远的物体画得比近处的同等物体小。这也是现代线性透视学的重要理论基础。

　 5、近缩法。

　在同一个物体上，为了防止由于近部正常透视太大,而遮挡远部的表现,为此有意缩小近部，以求得完整的画面效果。在佛寺中常见把大佛塑造得往上逐渐膨大，实际上就是近缩法的运用，使人在其下仰视时避免过度的近大远小变化并得到完整的视觉印象。

　 6、空气透视法。

　由于空气的阻隔，空气中稀薄的杂质造成物体距离越远，看上去形象越模糊，所谓"远人无目，远水无波"，部分原因就在于此。同时存 在着另外一种色彩现象,由于空气中孕含水气,在一定距离之外物体偏蓝,距离越远偏蓝的倾向越明显,这也可归于色彩透视法。晚期哥特式风格的祭坛画，常用这 种方法造成画面的真实性。

　 7、色彩透视法。

　因为空气阻隔，同样颜色的物体距离近则色彩鲜明，距离远则色彩灰淡。

　 8 、环形透视。

　环形透视的特点是不固定视点，视点在围绕对象作环形运动，因而能把对象的各个侧面及背面作全方位的展示，这种环形透视在传统民间美术中是最为常 见的。

　 9 、透明透视。

　透明透视是所描绘的对象内外重叠或前后重叠，互不遮挡。例如，透过虎、牛的肚皮可以看到腹内的小仔。透过房屋的墙面可以看到屋内的景象等。这一 表现手法最长见于民间美术。民间美术之所以能突破透视规律的局限，在于民间美术抛开了自然对象的实体真实，即立体的、占有一定空间的真实，而是以全部感性 与理性的认识来综合表现对象，观看得真实已让位于观念的真实，客体形象的真实已让位于心象的真实。墙背面或动物腹内的事物虽然在一个视点看不到，但它是存 在地。儿童画中同样会经常看到这一只关注表现内心感受的空间表现方法。

　 10、散点透视。

　绘中透视不同于焦点透视只描绘一只眼固 定一个方向所见的景物，它的焦点不是一个而是多个。视点的组织方式并无焦点，而是有一群与画面同样宽的分散的视点群。画面与视点群之间，是无数与画面垂直 的平行视线，形成画面的每个部分都是平视的效果。若从一点看全幅，则不符合透视法，但是观众移动着看去欣赏画面时，每个局部都似生活景象，这种透视法的画 面，有利于充分表现人物及局部。由于画面的视点不是集中，而是分散到与画面等大面积，成为无数分散的视点，故名。散点透视有纵向升降展开的画法，中国画论 称为高远法;有横向高低展开的画法,称为平远法;还有远近距离展开的画法，称为深远法。

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很多人知道林徽因的名字是因为她的绯闻，或者是她那首著名的《你是人间的四月天》，但她真正为之奋斗一生的是建筑学，她亲自进行各项古建筑测量工作，拼尽全力保护古建筑。

二战中，美军轰炸日本奈良前，邀请林徽因在奈良的地图上标出了著名古建筑的位置，以免文化古迹被炮火毁于一旦。后来，北京市副市长吴晗主持大规模拆除北京的古建筑，林徽因与丈夫梁思成想尽办法劝说他放弃拆除计划，几经劝说未果，又气又急的林徽因指着吴晗的鼻子骂了他一顿。林徽因当时肺病未愈，嗓音嘶哑，这巨大的情绪起伏使她的病情加剧恶化，年仅51岁就离开了人世。

林徽因与建筑的故事远不止此，人类与建筑的故事也远不止此。

原始人在学会修房子前只能在洞穴栖身，后来人们为了躲避风雨、保护家人和财产，建造起了一座座房屋。随着文明的发展，学校、医院等功能性房屋相继出现，城市随之形成。据说，最早的城市可以追溯到公元前8000年。

人类与建筑密不可分的关系，让每一座建筑都承载着许许多多的故事。 曾获得过普利策奖的帕特里克·狄龙注意到了这些故事，作为历史学家，他用笔记述了建筑的前世今生；作为建筑师，他分析了建筑的变革和延续的历程。

同样爱好建筑的斯蒂芬·比斯蒂，用不同的方式记录了建筑的故事。作为享誉国际的剖面图大师，他为一座座建筑画就了一幅幅等比例肖像画。比斯蒂不喜欢用尺子，每一幅图都是他一笔一笔纯手绘的。

他们二人用图文结合的方式写就了《建筑的故事》，从埃及金字塔起到英国草砖房止，展现了横跨3000年的人类与建筑的历史，并选取了16座传世建筑，细细讲述建筑背后的故事。16张全彩宽幅剖面图带我们近距离触摸建筑的细节，感受建筑的温度。

接下来，我就带你从故事中窥探建筑的历史变革和延续。

浮萍随波逐流是因为根基不稳，大树却因根系发达而安如泰山。远古时期的人们从一开始就知道，稳定是房子的重要前提。不说别的，单是屋顶就耗费了人们不少精力。

一开始，人们用木梁做顶，鉴于木头的抗压力不够，房屋只能建得狭窄黑暗。为了解决这个问题，木匠们发明了木桁架，它的可以将房屋的跨度变大，倾斜的屋顶也有利于排出雨水。如果房屋过于宽阔，木桁架的支撑力就会下降，于是人们选用各种各样的柱子支撑着屋顶，将压力通过柱子转移到地上。翻开《建筑的故事》，雅典的帕特农神庙就是用这种方式保持稳定的，远远看去，神庙更像是柱子的森林。

后来，罗马人发明了砖石建造的拱券，这种稳定性更好架构能撑起跨度更大的房屋空间，门窗的开口也能相应变大，宽敞明亮的房屋提升了居住幸福感。混凝土的出现更增加了拱券的支撑力，工程师们大胆地将拱券转一圈，形成一个半球形的穹顶，房子变得更大了。但是穹顶的压力会将垂直于地面的墙壁向外推，导致房屋倒塌。所以，工程师们会围绕穹顶建造一层层的半穹顶和拱券，将压力转移到地面上。位于土耳其的圣索菲亚大教堂就是穹顶、半穹顶和拱券共同打造的建筑。

直到钢筋出现前，建筑的稳定性靠的都是屋顶间的压力传导，或者由柱子支撑。钢筋出现后，它与混凝土制成的梁兼具抗压性和延展性，让建筑的设计有了更多可能性，人们既可以建造世界第一高楼，也可以修建鸟巢。

在交通不发达的古时候，人们盖房子只能就地取材，有什么用什么。左赛尔金字塔是用笨重的石头搭建的，冰被生活在北极的爱斯基摩人建成了冰屋，中国的古建筑都是木结构。

渐渐的，人们发现石头加热后可以变成石灰，它与沙子混合成砂浆黏合性很强，再加入一些碎石块得到的混凝土结实得不得了，如果把混凝土装进模具里，能使它变成任何形状。后来，人们掌握了制作砖块和玻璃的技术。这些新材料的出现，让人们建起了罗马的斗兽场、巴黎圣母院和泰姬陵。后来问世的钢筋让混凝土如虎添翼，绝大多数现代房屋都会用到它。

人们对建筑材料的不断探索，带来建筑革新的同时，破坏了地球的环境。位于英国的草砖房为人们指引了建筑材料的未来之路——就地取材建设环保型房屋，减少对地球的伤害。

建筑师萨拉·威格尔斯沃思和杰里米·蒂尔设计的草砖房南北通透，便于采光。保温层是用旧报纸、秸秆捆、被子做的。堆起来的沙袋成为了隔音墙，把碎石头装进钢丝笼做成地基，旧铁轨枕木切割开就是窗框。除此以外，他们的屋顶上长满了花花草草。虽然地处城市，但却身处森林。

帕特里克·狄龙和斯蒂芬·比斯蒂在《建筑的故事》里选取这16座建筑是有原因的，它们分别是不同风格的开山之作，或集大成之作。

左赛尔金字塔可以说是 石造建筑 的鼻祖了，它大约建于公元前2650年。为了保持稳定，金字塔分为内外两层，建在被称为“马斯塔巴”的三层梯形石台上。

希腊风格 采用梁柱结构，帕特农神庙正面有8根柱子，两侧各有17根柱子，其内部也靠柱子支撑。

希腊人修建的神庙让整个地中海的人为之赞叹，人们纷纷建起了希腊风格的建筑。当罗马帝国日渐强大，他们的所到之处便建起了 罗马风格建筑 ，他们用拱券建造的框架结构，让建筑外观和内景有了更大的设计空间，圣索菲亚大教堂内的穹顶和马赛克装饰，使它的内景远胜外观。

生活在法国巴黎北部的絮热是一名修道院院长，他在重建圣德尼大教堂时，极具创意地将圆拱拉得长长的，变成更加稳定的尖拱，开启了 哥特式建筑 的浪潮。莫里斯主教在修建巴黎圣母院时就仿造了圣德尼大教堂的风格，它的尖拱轻盈，像要飞升天际，光影在彩绘的玻璃窗上流淌。

哥特式建筑的富丽繁杂让人产生了审美疲劳，于是人们开始想念古典建筑（古希腊和古罗马式建筑）。文艺复兴时期，人们尝试再现古罗马建筑，但是能够作为参照的古罗马建筑大多化为了废墟，所以人们重新“发明”了古典建筑，也就是 文艺复兴建筑 。这种风格的建筑注重建筑比例，多以对称为主，整体简洁朴素。建筑师安德烈亚·帕拉第奥为神父保罗·阿尔梅里克设计的圆厅别墅就是其中代表。远在印度的泰姬陵也完美展现了对称美。

文艺复兴建筑引领了一段时间潮流后，人们的口味又变了，他们重新爱上了华丽的建筑，壁画、雕刻充斥其间，极尽奢华的 巴洛克式建筑 应运而生。沃勒维孔特城堡和梅尔克修道院，都竭尽所能地重新定义华丽的概念。

洛可可式建筑 由巴洛克式发展而来，它生动阐释了一句话——没有最华丽，只有更华丽。俄国沙皇彼得大帝就在沼泽上建了一座华丽的城市——圣彼得堡。

看腻了富丽堂皇的建筑，人们觉得“还是古典好啊，简单耐看”，所以 新古典主义建筑 拔地而起，他们模仿古典建筑，但又没有统一的式样。同属于新古典主义的美国白宫、英国威斯敏斯特宫、德国新天鹅堡长得都不一样，英国的水晶宫除了式样独特之外，它还开启了建筑新时代。

现代建筑更重视建筑的功能性，外观也应随着功能而变化。 比如包豪斯学校是一所设计学校，它的校舍结合需要分为工作坊、教室和宿舍三部分。

后来发展起来的美国建筑、国际主义风格，都是在现代建筑的基础上诞生的。 克莱斯勒大厦、悉尼歌剧院、蓬皮杜中心和草砖房，早已跳出了建筑式样的局限，探索着建筑更多的可能性。

最后再来说一下 独立于所有西方风格之外的中国传统建筑 ，其巍峨、雄浑和大气的特点在紫禁城身上一一彰显。

纵观3000年来的建筑风格，简单和华丽你方唱罢我登场，十分切合天下大势——分久必合，合久必分。

建筑与人之间的关系的重要转折点是工业革命。工业革命之前，建造建筑是一场人定胜天的博弈。

巴黎圣母院历时180多年才修建完成。圣彼得堡的建设更是倾尽了全国之力——石匠不够，彼得大帝严令全国不得在其他地方修建建筑，石匠们不得不离开家乡，前往圣彼得堡参与建设。战俘们被安排去挖掘沟渠，罪犯们也被用来排干沼泽。彼得大帝甚至征收胡须税，用这些钱来建造圣彼得堡。

多年后，工业革命带来了新的生产方式，流水线作业加快了生产速度，降低了产品价格，按下了时代的快进键。

英国对水晶宫最初的设想是在博览会后立即拆除，将其占用的海德公园恢复原状。然而，最终敲定设计方案的时，展览会开幕时间已经迫在眉睫。面积相当于紫禁城建筑面积一半的水晶宫，仅用了9个月的时间就建设完成了，这在以前是想都不敢想的。而且它的造价也非常便宜，当时花费的8万英镑相当于现在650万英镑。2018年英国财政支出总额为8420亿英镑，650万英镑可谓九牛一毛。

以前，建筑的修建者非富即贵。而现在，工业革命让普通人也可以享受建筑的设计之美，人们不必耗费毕生积蓄、花掉半生光阴就能建好房子。可以说，建筑的历史就是从贵族化到大众化的过程。

《建筑的故事》中有句话写得好，“每一栋建筑，都有一个值得细说的故事。”把这些故事串起来，可以连结成一张人类与建筑纵横发展的脉络图，作为了解世界的一个全新视点，它生动的说明了人从哪里来，要到哪里去。

艺术之巅|为什么英国的建筑这么好看？！

建筑,这是最高的艺术,它达到了柏拉图式的崇高、数学的规律、哲学的思想、由动情的协调产生的和谐之感。这才是建筑的目的。

——勒_柯布西耶

“音乐是流动的建筑,建筑是凝固的音乐”

这句话及其形象地道出了音乐和建筑之间内在、外在的联系,共通的美学信息,以及极其深刻的艺术内涵。

作为拥有500年历史的英伦建筑来说,这一点无疑更为恰当。

从旧时撒克逊式建筑、到近代都铎式建筑;从独特的哥特式建筑,到厚重的红砖建筑;在时间长河中,英伦建筑就是一部足以窥视历史演绎的史册,记载着盛世风云、时间旅记。

聊到英国,你可能知道这些知名建筑

大英博物馆

圣保罗大教堂

白金汉宫

国会大厦及大本钟

西敏寺

那么,除开熟知的知名建筑,你还了解哪些绝美的英国建筑

这些华丽精致的建筑设计下,隐藏着怎样的艺术匠心

“英伦建筑,是建筑界的贵族”

英伦风格建筑具有含蓄、自然、优雅、高贵的特点。作为建筑风格中一个重要分支,百年来,这些保留着的艺术建筑凝结着英国建筑的精华,富丽堂皇而又不缺乏文化和艺术品位。

作者特雷弗_约克,是英国专职作家以及建筑文化研究者,曾出版过一系列建筑历史的文化书籍,包括《British

ArchitecturalStyles》、《Georgian

&RegencyHousesExplained》、《The

EnglishVillageExplained》等。

近期他推出了“艺术之巅的世界古典建筑”系列丛书,尤其从历史和艺术的角度剖析了英国建筑的极致美感。以教堂建筑艺术、维多利亚哥特式建筑艺术、英式乡村建筑艺术等六大方面为研究对象撰写了六本风格各异,内容独具特色的书。

那么,现在就带你开展一场美轮美奂的英国艺术建筑之旅吧~

教堂建筑艺术

英国的教堂,根源可以追溯到中世纪的就远远超过1万座,其中许多甚至可以往前追溯更长的时间。

即使在一个建材贫瘠的地区,你也可能偶遇一座精美的岩石教堂。这种变化是英国教堂具有非凡吸引中的一个方面,没有哪一座教堂和另一座相同。

而且,在这些令人眼花缭乱的各色教堂背后,还有各种风格的物品和装饰物,它们都可以归于某个时期。快来开启您的时光穿越之旅吧,看看您下次经过或者参观一座教堂的时候都能认出些什么。

英式乡村建筑艺术

依偎在起伏的群山之间,或是浓荫郁郁的小路上,英国乡村是一首永恒的田园牧歌,远离现代世界的喧哗。作者对村庄的喜爱源于年幼时的涂涂画画。

写旅行书时,作者才不得已去研究它们,却惊讶地发现,它们的过去远比你看到的传统画面要生机盎然、有趣得多。

特雷弗希望这本书能开启读者对英国村庄的喜爱之情,并在你拜访村庄时能提供帮助,或在你追寻自己村庄历史时提供指导。

Art_eco建筑艺术

ArtDeco演变自十九世纪末的ArtNouveau(新艺术)运动,Art

Nouveau是当时的欧美(主要是欧洲)中产阶级追求的一种艺术风格,它的主要特点是感性的自然界的优美线条,称为有机线条。

ArtDeco风格在商用建筑、**院和商店上表现得最为明显,它颇具现代感的样式非常适合一些公司的形象。早期的ArtDeco风格建筑的房顶外形上常有些阶梯状的起伏。白色的外墙通常装饰着亮釉瓷砖,大门雄浑厚重,还有程式化的埃及或古典主义风格的细部。

到了20世纪30年代,外墙的装饰性则没有那么强了,而换上了流线型的曲线和角铁材质窗户。最著名的建筑范例是伦敦西区A40西部大道上的胡佛大楼,它展示了爵士风格和流线型现代流派建筑风格所具有精美的特征。

除了以上讲述建筑外立面艺术,特雷弗_约克还撰写了《维多利亚哥特式建筑艺术》、《英式室内装饰艺术》与《工艺美术建筑艺术》。

《维多利亚哥特式建筑艺术》,对维多利亚哥特式风格的起源背景进行了介绍,包括有代表性的建筑师以及设计作品;《英式室内装饰艺术》介绍了英国室内设计风格走过的各个阶段的历史;《工艺美术建筑艺术》介绍了工艺美术风格产生的时代背景,以及著名的建筑师和他们的作品。用非常生动的插画以及照片,来形象阐述工艺美术风格的作品与其他风格作品的不同。

“艺术之巅的世界古典建筑”系列六本图书,行文描写准确而优雅,其中配图多来自作者亲自手绘和拍摄,并收录了大量建筑作品,非常细致精美,如果你喜爱艺术或是建筑设计千万不要错过噢~

推荐阅读

《英式乡村建筑艺术》

内容简介:

英国乡村的小镇或村庄有不少具有历史意义或建筑价值的建筑,这些建筑体现了当地的乡土文化和乡土特征。本书的作者用大量的精细手绘图以及实景照片来展示英国乡村建设的发展轨迹,探讨了英国乡村的形成,从罗马定居点的开始到现在社区的作用,他用非常精确的信息描述了各个时期乡村的物理面貌。特别介绍了一些具有历史文化价值的建筑,其中有一个单独的章节探讨乡村建筑的历史发展,并用图表的形式来展现。本书可以为乡村规划师以及建筑师提供参考,也可以为广大旅行者提供借鉴。

作者简介:

特雷弗_约克,专职作家以及建筑文化研究者,曾出版过一系列建筑历史的文化书籍,包括《BritishArchitecturalStyles》《Georgian&RegencyHousesExplained》《TheEnglishVillageExplained》等。

《艺术之巅的世界古典建筑:英式室内装饰艺术》

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《艺术之巅的世界古典建筑:英式室内装饰艺术》一书介绍了英国室内设计风格走过的各个阶段的历史。第一章介绍都铎王朝时期及詹姆士时代的室内设计风格;第二章介绍王政复辟时期和安妮女王时代室内风格;第三章介绍乔治王朝早期风格;第四章介绍乔治王朝中期风格;第五章介绍摄政时期风格;第六章介绍维多利亚时期早期风格;第七章介绍维多利亚时期后期及爱德华时代风格;第八章两次世界大战期间和战后风格。书中收录了大量精美、细致的插图,详细解析各个阶段、不同风格的特点,为室内设计师提供具有价值的参考。

作者简介:

特雷弗_约克,专职作家以及建筑文化研究者,曾出版过一系列建筑历史的文化书籍,包括《BritishArchitecturalStyles》《Georgian&RegencyHousesExplained》《TheEnglishVillageExplained》等。

《维多利亚哥特式建筑艺术》

内容简介:

哥特式风格是一个强有力的充满个性化的风格术语。本书对维多利亚哥特式风格的起源背景进行了介绍。包括有代表性的建筑师以及设计作品。第一章对哥特式风格进行了定义,对这种风格的发展历程进行了介绍。第二章介绍优秀的哥特式风格的设计作品以及优秀的建筑师。第三章介绍大量的模仿顶尖设计师的住宅以及流线型半独立式住宅。第四章介绍了哥特式艺术风格的细部特点,包括门、窗以及装饰。第五章介绍了哥特式艺术风格的室内设计,包括房间的装饰、配饰的特点等。

作者简介:

特雷弗_约克,专职作家以及建筑文化研究者,曾出版过一系列建筑历史的文化书籍,包括《BritishArchitecturalStyles》《Georgian&RegencyHousesExplained》《TheEnglishVillageExplained》等。

《工艺美术建筑艺术》

内容简介:

本书系统介绍了工艺美术风格产生的时代背景,以及著名的建筑师和他们的作品。用非常生动的插画以及照片,来形象阐述工艺美术风格的作品与其他风格作品的不同。第一章定义了工艺美术风格的基本准则,工艺美术运动对当代及以后文化的影响;第二章介绍了工艺美术运动时期的代表性建筑师以及他们的作品;第三章介绍在工艺美术运动影响下涌现出的大量的建筑设计作品;第四章介绍了工艺美术风格的细部特点,包括门、窗以及装饰。第五章介绍了工艺美术风格的室内设计,包括房间的装饰、配饰的特点等。

作者简介:

特雷弗_约克,专职作家以及建筑文化研究者,曾出版过一系列建筑历史的文化书籍,包括《BritishArchitecturalStyles》《Georgian&RegencyHousesExplained》《TheEnglishVillageExplained》等。

《艺术之巅的世界古典建筑:

ArtDeco建筑艺术》

内容简介:

《艺术之巅的世界古典建筑:ArtDeco建筑艺术》一书对装饰艺术的起源背景、装饰艺术风格的著名建筑师、著名设计作品及这种风格房屋的独特功能进行了详细的介绍。《ArtDeco建筑艺术》使用了大量的实景照片及手绘作品。第一章讲述ArtDeco风格,解释这种风格的发展历程及对当代以及以后文化发展的影响。第二章介绍优秀的ArtDeco风格建筑以及优秀的建筑师。第三章介绍了大量的ArtDeco风格住宅,包括模仿顶尖设计师的住宅及流线形半独立式住宅。第四章介绍了ArtDeco风格建筑细部特点,包括门、窗及其他装饰。第五章介绍了ArtDeco风格室内布置,包括房间的装饰、配饰的特点等。

作者简介:

特雷弗_约克,专职作家以及建筑文化研究者,曾出版过一系列建筑历史的文化书籍,包括《British

ArchitecturalStyles》《Georgian&RegencyHousesExplained》《TheEnglishVillageExplained》等。

插画有哪些常见的画面风格

一、时尚风格插画

无论是日系还是欧美向,普遍都不会选择特别艳丽的色彩,多是以比较清新淡雅,尤其是自然界和日常生活中常见的色彩为主。因为这类颜色比较具有耐看性,即便是盯着看也不会产生审美疲劳。我们在此类画作的处理上也需要注意这一点

二、幽默风格插画

比较常见的是采用夸张的手法造型,这一点在欧美风格中非常常见。色彩的选择上也是比较夸张化,让人一眼看过去就忍俊不禁——

当然日系二次元风格中,也有很多很优秀的搞笑幽默风格插画,一般会走比较偏可爱而Q版的人物,尤其是胖乎乎的脸部和圆圆的眼睛是其标志性特征——

三、唯美主义风格插画

宁静而又平和就是这种画面的主旋律,对于习惯了激烈对抗的大场面的同学来说,偶尔看一些此类作品,你会感觉整个身心都平静下来一般

在色彩方面,一般说来都是以偏中性和冷的主色调最为常见,出现的人物一般不会有太过张力的动作,有的时候为了渲染寂静的气氛甚至舍弃人物当然,为了避免画面过于沉闷,偶尔也会加一些动态效果的元素打破画面

画面中的雨就是这种“静中有动”的感觉——

远处的流星,并不太显眼,也增加了画面的可看性——

四、写实主义插画

应该是最常见的风格了吧是什么样,就画什么样,把那些最需要表达的东西表达清楚,还用多说么

五、Q版风格插画

对于Q版,大家真的是再熟悉不过的吧商品包装,页面设计,游戏人物无论是二次元,还是欧美向,各种大头娃娃一般的造型永远都不会过时。那或者憨态可掬,或者天真无邪的表情,真的是能让人都要融化了一般——

六、机械科技插画

沉重的钢铁和齿轮,纹丝不动的建筑,以及有设计感的内切割这些都是机械与科技风格中的常客。和我们所接触到的小清新不一样的是,机械科技没有那么多花里胡哨的色彩,一般三四个颜色足矣。有些甚至黑与白两种就解决问题

像这种设计师,干脆利落的用近乎只有黑白两色解决问题。但是效果却令人惊叹——

色彩也并不丰富,但是那种庄严浩大的气势,至少是非常成功的表达出来了——

日系里也有很多这种画师,与**姐搭配形成一种“反差萌”,近期有玩过《少女前线》都应该对这位画师不陌生吧

七、装饰主义风插画

多是以装饰性的内容为主,比较注重对线条的处理,在色彩的搭配上比较灵活,既有偏淡雅的

也有这种比较醒目的—

八、影像合成风插画

我们在前阵子的教程中,曾经给大家说过,很多商业向的项目,一般都是一个月的时间,如此短的时间,是不可能给你很长时间对一些细枝末节的地方进行精细刻画。这个时候,贴素材就是一种非常有效果的方法,我们也有种说法叫“半P半画”。

在很多概念设计中,这种方法也是常客,特别是有的时候,设计师为了确定某个地方加树或者是建筑之类的是不是合适,但是直接画的话太消耗时间,这个时候直接从照片上截取就可以了

除了概念设计师以外,现在有很多二次元画师也会采用这种方法,比如下列这张**姐插画——

建筑插画会用到什么元素？

建筑插画通常会使用以下元素:

1城市街道,包括路面、路标、交通信号灯、停车场等。

2建筑物,如住宅大厦、办公楼、学校教学楼、医院大楼等。

3树木和其他园艺装饰,如小径、座位凳子或者雕塑。

4天气情况,如太阳光的明亮或是乌云密布的天气。

5装饰性的人物形象或动物形象。

英格兰中部城市利兹郊外10英里处，有一座号称约克郡最为著名的皇家乡间庄园——黑尔伍德（意为“野兔林”）庄园。它为当今英国女王伊丽莎白二世的堂兄所有，过去235年都属于拉塞尔斯家族。庄园因其著名设计装饰及收藏的世界各地的宝贝而成为英格兰“宝屋”之一。在琳琅满目的各类珍宝中，来自中国150年前的精美手绘墙纸显得格外出众。

1988年，在黑尔伍德庄园边角木匠屋的阁楼上，人们发现了大约20张卷起的手绘中国墙纸。庄园请来的英国墙纸专家阿利森·麦克德莫克在研究后发现，这些墙纸展开后是一幅完整的中国生活画面。

墙纸由桑树皮制作的纸浆制成，绘画展现了18世纪中国产业的画面，特别是瓷器和丝绸制作以及水稻和茶叶种植。有五卷墙纸都描画了南方农民从耕地、灌溉到收获的水稻种植过程；丝绸部分有采桑叶、养蚕、缫丝、纺织等各种细节；陶瓷主题中可以看到水牛踩制陶土、工人运送陶泥、砖窑烧制、瓷器包装、运送等众多环节；关于茶叶，制箱、炒茶、包装、运送，也尽在其中。

墙纸上的绘画反映了中国以各种家庭作坊为单位的民间产业——辛勤的农民在诗情画意的风景中劳作，全然一派小农经济的怡然生活画卷。

“你一眼就能确定这是中国墙纸，因为墙纸上使用的海蓝和洋红等难以置信的丰富色彩我们在英国从未见过，也没有接触过。”阿利森是英国从事古代墙纸保护的专家之一，她说，中国墙纸上的装饰性绘画是早期的墙纸样板，质量相当高。多数墙纸因保存完好，仍是最初的样子，而同期许多墙纸都因年代久远被重复上色。她认为，这些墙纸“可能是目前世界上存留最为精美的中国墙纸范本”。

18世纪欧洲流行“中国风”据黑尔伍德庄园艺术品负责人梅利莎·加利莫尔介绍，墙纸的历史可以追溯到18世纪60年代，很可能是埃德温·拉塞尔斯委托为他新建的黑尔伍德庄园订购的装饰，也有可能是埃德温的哥哥在东印度群岛时得到的，或者是埃德温的弟弟亨利在担任东印度公司船长期间获得。

18世纪欧洲上流社会曾一度流行中国艺术风格的家具、纺织品、陶瓷等花样设计和装饰。当时的家具商托马斯·奇彭代尔从1767年开始为黑尔伍德庄园提供家具和装饰。他的大儿子也继续为拉塞尔斯家族工作，直到19世纪初。奇彭代尔在他1745年的家具目录中列出三种装饰风格——中国式、哥特式和现代式（指过分修饰的洛可可式）。奇彭代尔在当时以能为客户找到地道中国物件而出名，他用埃德温给他的漆器屏风制成漆器抽屉柜和写字台，并在其中融合了中国风格与他自己的新古典设计风格。他还自己制作了一套日本风格的绿色家具放在东卧室中，与中国墙纸搭配。

据悉，18世纪时庄园内有至少三间屋子装饰有中国墙纸。其中最重要的是印花布卧室及隔壁的化妆室。直到1795年的存货清单上还明确写着卧室中仍有中国墙纸。到了1842年卧室还被称作印花棉布卧室，但已无法确定墙纸是否还在原处。19世纪中期，由于中国墙纸与摄政统治时期和早期维多利亚风格不合，很有可能被人从墙上裁下，用亚麻作保护卷起存放，留作将来之用。

1785年，英国进口约1828万米中国墙纸庄园艺术品负责人加利莫尔在专门介绍庄园内中国墙纸的小册子中写道：“在伦敦销售的最早一批中国墙纸是在17世纪晚期。墙纸一般论‘张’计算，每张有不同的画面，在房间墙上挂起后能构成连续完整的图案。多数墙纸都是手绘，但偶尔也会使用印制轮廓。”

中国人自己不使用这类墙纸，而用印制的丝绸板作装饰。手绘墙纸的出现是应欧洲商人的要求还是中国人自己的尝试目前已不得而知。通常中国人为确保交易成功或纪念成交而将墙纸作为礼物送给欧洲商人。据估计，到1785年时英国进口了200多万码（约1828万米）的中国墙纸。与欧洲墙纸相比，中国墙纸十分独特因而也非常昂贵。奇彭代尔为罗兰·温提供的墙纸每张价格为15先令（英国1971年以前的货币单位，为一英镑的二十分之一），当时罗兰·温认为很贵。

由于墙纸上绘画的内容通常并不迎合欧洲人口味，因而在很多方面都充满异国情调。而从科学角度看，描绘的鸟和植物都十分准确。

负责黑尔伍德庄园内中国墙纸保护的阿利森回忆说，每张墙纸宽约150厘米，高3米，是质地轻薄的竹纸。，一间屋子使用的中国花鸟墙纸价格约在15万~25万英镑（一英镑约合15美元）之间，但像黑尔伍德庄园中的中国人物生活图景墙纸应该更为昂贵。她对记者说：“这些墙纸都是从中国海运到欧洲，当时十分流行，只有贵族才能承受得起进口墙纸的昂贵价格。”

18世纪时，英国、法国、意大利、荷兰等国都进口中国墙纸，美国也从18世纪末期开始进口，中国墙纸的流行一直持续到19世纪，但从质量来看，18世纪的最为精美。黑尔伍德的中国墙纸非常特别，细节精美，绘有生活场景。阿利森在意大利、美国、法国见过贴有中国生活画面的墙纸，约有十个房间。绘有花鸟图案的墙纸较多，约有四五十个房间。

与黑尔伍德庄园发现的中国墙纸类似的墙纸，英国只在其他两个地方有，一个是英国西南部德文郡的Saltram，还有一个是英格兰东部诺福克的Blicking大厅。美国特拉华州温特瑟博物馆也有类似墙纸展出。

用现代技术复原墙纸中国墙纸搁在边角屋内150多年并留存下来已实属不易，而保留如此完好更是令人吃惊。2007年10月黑尔伍德庄园一停止对外开放，工作人员就开始将东卧室墙上清理干净准备迎接中国墙纸。阿利森等经过史料研究和科学调查，尽可能按照历史真实准确复原卧室内的中国墙纸。除了墙纸，卧室内还复原了地毯、奇彭代尔式漆器抽屉小柜、镜子和四柱卧床。根据1795年存货清单上的描述，床上还配有新的印花布和丝织品。

生产现状

手绘丝绸墙纸只限国内才有生产企业，生产手绘丝绸墙纸的技术和人员在国外还是空白，所有世界各地的真丝手绘均要有国内出口。

手绘墙纸，国内大多生产的是工笔绘画风格，工笔绘画是传统绘画最工整富丽的一个画风，用时间较多技术难度中等，而中国最有代表性的写意绘画风格，却很少有厂家生产，主要是这类风格技术要求很高没有数十年磨砺的画师，根本无法完成，即使勉强能绘制也是画面毫无精神，更无欣赏价值。

哥特(Gothic)这个特定的词汇原先的意思是西欧的日耳曼部族。在18世纪到19世纪的建筑文化与书写层面，所谓“哥特复兴”（Gothic Revival）将中古世纪的阴暗情调从历史脉络的墓穴中挖掘出来。

哥特人的来源:

[编辑本段]

哥特人是日耳曼的部落，从公元第一世纪开始，罗马人就已经知道他们居住在多瑙河的边界地区。当匈奴人从中亚往西边迁移时，哥特人因为受到压力而从该地区撒离。他们向西迁徙到欧洲，并越过多瑙河以逃离迎面而来的游牧部落。自罗马衰落之后，中古早期的哥特人就与其他蛮族争夺西罗马帝国留下来的土地。

我们唯一知道的是哥特人来自波罗的海的葛兰岛，当他们南渡至中欧时分裂为两个群体。西哥特人在公元第二世纪时，定居于今天的罗马尼亚；东哥特人继续往东迁移到黑海的西北岸。在376年，西哥特人在匈奴人的压迫下，从今天的罗马尼亚南渡多瑙河。合计男子与妇孺的人数约有六万人。他们打败来自君士坦丁堡的罗马军队，一度定居在多瑙河南岸，然后向意大利挺进。409年时，西哥特人在国王阿拉烈的领导下劫掠罗马城，然后往北迁徙到高卢。罗马人只好让出西南部的高卢，其势力最后扩展到今天的整个西班牙。

东哥特人在匈奴人的统治下撒离，跟随同族人(西哥特人)曾走过的路线，于第五纪后期进入意大利。这项入侵行动乃受到东罗马帝国的耸恿，因为东罗马帝国想藉此消耗这些族群的力量，然后以总督的身份去统治意大利。在狄奥多里克(今天瑞士和巴尔干地区的国王)的指使下，哥特人在488年进入意大利，并在493年完全征服她。

狄奥多里克在526年死后，王国并没有维持多久。拜占庭以争取王位继承为藉口于536年派出由贝利沙鲁斯将军指挥的军队到意大利。拜占庭希望重夺意大利，并恢复古罗马帝国在西方的领土。战争一直持续，加上瘟疫和饥荒，乡间地区遭到严重破坏。在552年，东哥特人终于在意大利战败。在公元第六世纪的后期，当意大利被新来的蛮族伦巴底人入侵后，东哥特人就被消灭，幸免于难者崩散为小群体。

西哥特人在西班牙的王国就维持得比较久。在公元第五世纪后期，法兰克的克洛维把西哥特人从法国本土驱赶到庇里牛斯山以外的地区。随着克洛维去世，其王国也出现分裂，使西哥特人暂时得以喘息。711年，新的威胁来自南方。回教的军队从北非渡海而来，仅用了四年的时间就把最后一个哥特王国消灭。

哥特人是史上首批能够劫掠罗马城的武力，光凭这点便令后世难忘；而古代世界的秩序也因而开始在欧洲瓦解。他们很欣赏罗马城并企图加以维护，让许多罗马文化得以留存下来。例如，现代的意大利、西班牙、葡萄牙和罗马尼亚的语言都是起源自拉丁语，然后受到这些地区的居民影响而形成这些国家的语言，情况与日耳曼语在英格兰流传下来类似

巴洛克(Baroque)一词本义是指一种形状不规则的珍珠，在当时具有贬义，当时人们认为它的华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低，但现在，人们已经公认，巴洛克是欧洲一种伟大的艺术风格。

古典主义者认为巴洛克是一种堕落瓦解的艺术，只是到了后来，才对巴洛克艺术有了一个较为公正的评价。巴洛克艺术产生于16世纪下半期，它的盛期是17世纪，进入18世纪，除北欧和中欧地区外，它逐渐衰落。巴洛文艺术最早产生于意大利，它无疑与反宗教改革有关，罗马是当时教会势力的中心，所以它在罗马兴起就不足为奇了，可以说，巴洛克艺术虽不是宗教发明的，但它是为教会服务，被宗教利用的，教会是它最强有力的支柱。概括地讲巴洛克艺术有如下的一些特点：首先是它有豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；二是它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力三是它极力强调、运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂；四是它很关注作品的空间感和立体感；五是它的综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段，例如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合，此外，巴洛克艺术也吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象；六是它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位；七是大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向，如在一些天顶画中，人的形象变得微不足道，如同是一些花纹。当然，一些积极的巴洛克艺术大师不在此例，如鲁本斯、贝尼尼的作品和生活仍然保持有密切的联系。

巴洛克一词的起源，有两种说法影响很大。意大利B克罗齐等人认为源出于Baroco，原本是逻辑学中三段论式的一个专门术语；另一说认为源出于葡萄牙语baroco或西班牙语barrueco，意为各种外形不规则的珍珠，引申为“不合常规”。17世纪末叶以前最初将巴洛克运用于艺术批评，泛指各种不合常规、稀奇古怪，也就是离经叛道的事物。18世纪用作贬义，一般指称违背自然规律和古典艺术标准的情况。一直到19世纪中叶都是用于贬义而非艺术风格的名称。1888年H韦尔夫林发表《文艺复兴运动与巴洛克》一书，对巴洛克风格作了系统论述，从此确定了巴洛克作为一种艺术风格的概念。20世纪西方学者对巴洛克作了更为深入的研究，赋予它不同的意义，但当做一种艺术风格理解仍是主流。

　　最初哥特是做为德国古民族的一支的称谓而被世人所记住的，他们曾经打败并入侵过罗马帝国，并最终使其分裂崩溃。而15世纪在意大利掀起的文艺复兴运动中的艺术家们将古希腊古罗马文明结束至文艺复兴运动开始这其中由基督教会势力统治的漫长岁月称之为“黑暗的中世纪”（Dark Middle Age），并将这段时期中所产生的艺术形式统统归为哥特艺术。自然，从当时那些文艺复兴艺术家们的本意看来，哥特这个词最初绝不是什么赞扬或崇敬(因为意大利人记恨哥特族毁掉了他们的罗马帝国)。它意味着粗野、不开化。事实上，从现代角度来看，中世纪艺术并不象当初他们所形容的那样一无是处。相反，很多相当有造诣的作品保留了下来并影响着后世。例如哥特式建筑、雕刻、玻璃器皿、灯式、装饰画等等。在这些哥特艺术当中，宗教题材扮演着极其重要的角色。

　　18世纪末19世纪初欧洲开始的浪漫主义文化运动使得哥特和中世纪再一次被当时的文化界所关注，浪漫主义崇尚个性解放，情感，自由。是对西方近代唯理主义、物质主义思潮的一次反动。是人性对工业文明的反抗。具有反传统和非理性色彩，其中审“丑”第一次做为美学概念出现在大众面前。他们用各种手段创造着自己的艺术，其中宗教、超自然、中世纪题材频频出现，而哥特做为一种形而上的醒目、黑暗、奇异符号被浪漫主义艺术赋予了新的内涵。其中颓废派作家Byron（拜伦）、Shelley（雪莱）、Baudelaire和 Verlaine对人类的阴暗面都非常感兴趣。性困扰则成为了浪漫主义文学所关注的另一个重要主题，背德的欲望和罪孽，付之行动后的苦恼与喜悦每每被作者和读者玩味不休。在视觉艺术领域，诸多浪漫派画家（如Caspar David Friedrich）非常偏爱哥特题材，那些荒芜、萧瑟、黑暗的景象被浮现于画布当中。建筑领域新哥特风格的教堂再一次成为了时尚。在这些艺术领域艺术作品中，哥特小说应该被着重介绍给大家。此类通俗小说在18世纪相当时髦，书中描绘了大量荒诞不经的奇谈怪论和黑暗历险故事，融合恐怖、神秘、情色元素。艾伦坡的“乌鸦” Bram Stoker的“吸血伯爵Dracula”，玛莉雪莱的“佛兰肯斯坦”都是其中的名著，特别是Stoker开创的吸血鬼文化可谓历久不衰，在当今时代都能吸引到无数的追随者和爱好者。例如创作出“夜访吸血鬼”等新哥特小说的当代作家安妮 莱斯。这些作品大大超出了当时社会所能容忍的限度，因此被官方文化界所不齿。

　　英国文艺复兴时期的戏剧创导了后来的歌特小说。这时期的英国戏剧深受古罗马剧作家塞内加（Lucius Annaeus Seneca）的影响，充满复仇、阴谋、暴力和凶杀，甚至还有鬼魂出没，因此情节惊险刺激。特别是莎士比亚的剧作和詹姆斯一世时期的悲剧（Jacobean Tragedies），对哥特小说的出现与发展更是产生了巨大影响。

　　浪漫主义：离阴暗恐怖只有一步之遥

　　在1800年左右的浪漫主义运动中（ROMANTIC MOVEMENT），中世纪文化逐渐极其相关事物在某些人眼中逐渐成为一种时尚。浪漫主义成为这场文 化运动的中心。浪漫主义者希望跳出历史的限定，有些人希望回到中世纪时代，有些人从宗教或神秘注意中寻求理想，还有写人试图从自然中 得到答案。他们用自己不同的方式来达到自己的目标。在整个浪漫主义运动中歌特开始被认为和黑暗，奇异，鬼魅等相关连，浪漫主义和歌特 作家象Byron, Shelley, Baudelaire还有 Verlaine沉迷于对人类阴暗面的表现。歌特情绪在视觉艺术上也有明显的体现，画家象Caspar David Friedrich 对黑暗和荒凉的展现。而在建筑上新歌特式逐渐成为时尚。这一时期许多歌特式小说家不断涌现，不仅歌特文学是对人类自身黑色 阴暗面的展示，也是对当时社会正统思维模式的一种挑战，是一种恐怖，神秘色彩的混合体。歌特小说中比较典型的角色是吸血鬼，例如玛利雪 莱的Frankenstein,布来恩斯托克的Dracula,还有Edgar Allan 诗集中的描写斯托克笔下对吸血鬼化身的描述同以往比较走入了对立的角度(当 代作家Anne Rice 的Interview with the Vampire和Poppy Z Brite的Lost Souls等作品也是斯托克式的延续)

　　中世纪的艺术曾被认为是一种怪诞的艺术，是外国人和蛮族人的产物。后来人们试图用这个定义表示与哥特人毫无关系的、十七世纪中叶兴起源于法国的艺术。

　　到了18世纪后期，哥特一词又成了一种新的小说体裁的名称。这种小说通常以古堡、废墟或者荒野为背景，故事往往发生在过去，特别是中世纪；故事情节恐怖刺激，充斥着凶杀、暴力、复仇、强奸、**，甚至常有鬼怪精灵或其它超自然现象出现；小说气氛阴森、神秘、恐怖，充满悬念。作为一种小说体裁，哥特小说产生于1764年。那一年，贺拉斯•瓦尔浦尔（Horace Wapole）出版了著名小说《奥特朗托城堡》（The Castle of Otranto）。小说出人意料地成功，不到4个月就出第二版，在这一版上，瓦尔浦尔为书名加上副标题“一个哥特故事”（A Gothic Story）。这种小说因此而被命名为哥特小说。

　　二百多年来，在英美，不仅通俗作家热中于哥特作品的创作，而且许多第一流的诗人和作家，比如英国的司各脱、柯勒律治、拜伦、雪莱、济慈、狄更斯、勃朗蒂姐妹、康纳德、福斯特、戈尔丁和美国的布朗、华盛顿•尔文、爱伦•坡、霍桑、马克•吐温、詹姆斯、福克纳、奥康纳、莫里森等人都要么直接创作过脍炙人口的哥特故事，要么把哥特小说的手法大量运用于创作之中，使哥特小说从通俗小说这一文学领域的“边缘地位”得以进入文学的中心和文学发展的主流，从而在英美文学中逐渐形成了十分突出的哥特传统。

　　在18世纪到19世纪的建筑文化与书写层面，所谓的「歌特复兴」（gothic revival），将中古世纪的阴暗情调从历史脉络的墓窖挖掘出来。同时，从18世纪末以来的一些文本，因为共同的基调与文体被归类于「歌特小说」例如华尔普（Walpole）的<奥蓝托城堡> （The Castle of Otranto）、安拉得克里孚（Ann Radcliff）的《奥多芙的神秘》（The Mysteries of Udolpho）、路易斯（Lewis）的《僧侣》（The Monk），当然还有玛丽雪莱的《科学怪人》。

　　这些作品戮力於处理残酷的激情与超自然的恐怖主题，而小说的背景通常建构于荒凉的古堡或者幽深的修道院，主角（通常是稚嫩的少女/男）身陷於无以摆脱的魔性爱欲，和（通常是阳性的）施虐者展开一段以死亡为终结的际遇在这些小说，个中包含的情欲/性别（sexual/gender）关系，古怪地纠缠於神圣与魔鬼的角力；极度的情色高潮来自於破灭（也就是仪式的「完成」）的那一刻。

　　象徵父权的宗教系统与企图越的的黑暗（阴性）力量，在某种不可明说的层面，其实隐讳而酷异地分享著「爱欲交配死亡」的快感模式。在当代的恐怖小说阵营，如安莱丝（Anne Rice）的《吸血鬼纪事》（The Vampire Chronicles）就流露出男同性恋情欲与父性机制的复杂互动。

　　以上大部分资料摘自暗夜妖娆http://wwwdunkelnachtcom/bid/indexhtm

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　　以下仅为个人看法：在基督教统治的欧洲，哥特显然是被当做了异教徒的产物，受到其的镇压，导致哥特族的四处流亡，流离漂泊的命运（尤其他们攻占了罗马，教廷所在地），而在这种流离失所中所透出的绝望的悲哀美感更是哥特的动人之处。其实或许就像《达芬奇密码》中说的那样，现在的《圣经》是罗马信仰异教的君士坦丁大帝为了巩固自己的政权和统治，将异教与基督教混合而编写的，他将耶稣神化，禁止并烧毁关于耶稣为人和他与抹大拉的玛利亚婚姻以及玛利亚王室血统的福音，从而创立了新的基督教。而阅读被禁止福音的却尊重历史真实的教徒就成了所谓的异教。当时的罗马天主教会毁坏一切异教及其文化，贬低女性可生育的神圣能力，贬低这美丽的文化，贬低女神，利用耶稣的伟大来迷惑教徒。其实哥特中也有很多与古老宗教文化的相似之处。例如，哥特族喜欢五芒星，也就是五角星，它的比例自动符合黄金分割率，代表金星，代表女人性爱和没得女神维纳斯，在基督教产生以前是有关自然崇拜和女神崇拜的符号，而现在却被误解为恶魔的符号，都是君士坦丁创造的基督教打压异教的结果。还有对女性，女神的赞美，在很多哥特美术作品，音乐中都可以看出，例如MV中仙音，暗潮中的女主唱形象的塑造。很多哥特中运用的五瓣玫瑰也是赞美女性的特质得象征。还有上面哥特小说中提到的灵与肉交融的神圣婚礼“神婚”仪式，古人认为男人只有与女人肉体上的结合，才能成就精神上的完善，并因此获得认知感知神性，性的仪式被认为是男人与女人借以感知上帝存在的行为。

　　这些都让我们觉得可能哥特和其他早期古老宗教一样神秘神圣。说这些是想说明哥特文化随着基督教与异教混合流传下来，并深入宗教，就像欧洲各大教堂，所以你用心体会都不难发现。

　　个人认为现在的恐怖**都或多或少加入哥特元素，与宗教，黑暗有关，例如这些我看过的《剪刀手爱德华》《理发师陶德》《夜访吸血鬼》《吸血鬼女王》《黑夜传说》《寂静岭》《德古拉》《范海辛》《指环王》《加勒比海盗》（海妖）《哈利波特》（伏地魔），前面几部大多都和吸血鬼有关，因为吸血鬼与哥特族有着太多的相似之处，面色苍白，黑衣，讨厌阳光，喜欢黑暗，躺棺材里睡觉，邪恶妖娆血腥的美，高贵优雅不可一世。后面的大多是现代大片，其中的哥特元素都被用在反面人物身上，毕竟一般人还是喜欢正义和常人所能接受的美。

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　　下面的资料出自百度哥特小说吧http://tiebabaiducom/fkz=440178575

　　早在1921年，一位名叫克里斯滕森的瑞典人就拍出了一部名为《历代的巫术》的影片。众所周知，当时的**刚刚诞生不久，还处在幼稚期，完整的有故事情节的影片还是凤毛麟角，**特技也是简单粗糙，所以克里斯滕森采用了纪录片的形式，为我们在银幕上复现了一些有关“巫术”的影像资料。说是纪录片，但其中的镜头基本上是摆拍的，以我们今天的眼光来看，倒更像是一部专题片。但不管怎么说，这是哥特文化第一次融入到**艺术的表达领域里，异教、死亡、巫术等阴暗面元素第一次成为了**的表现主题，从这个意义上说，这是一部不折不扣的哥特**。由于影片的主题过于超前，《历代的巫术》遭禁映达数十年之久，到二战以后才被解禁。值得玩味的是，历史上的哥特民族可能也正是来自于瑞典所在的斯堪地纳维亚地区，相隔千年之后，也正是在这片土地上诞生了人类第一部哥特**。

　　不过第一部有影响的哥特**却是来自德国，在《历代的巫术》诞生一年之后，德国导演茂瑙拍摄了**《吸血鬼诺斯费拉杜》，自此，大名鼎鼎的吸血鬼正式出现在了大银幕上。事实上，影片中的主人公正是那位爱尔兰作家斯托克笔下的臭名昭著的德古拉伯爵，只是为了避免版权纠纷，茂瑙才给它改了个名字，不过此举并没有起到预期的效果，影片上映后，版权方面就一直麻烦不断，直到现在也没有一个尘埃落定的说法。不过，影片本身确实是非常成功，甫一上映就立刻引起了轰动，茂瑙也凭借此片奠定了自己大师级导演的地位。《吸血鬼诺斯费拉杜》也成为了人类**史上第一部里程碑式的哥特**。值得一提的是，当时的德国影坛，正是表现主义**处于统治地位的阶段，而除了《吸血鬼诺斯费拉杜》以外，另一部表现主义**《泥人哥连》，也是一部很出色的哥特**。只不过由于《吸血鬼诺斯费拉杜》的光芒过于耀眼，以致于《泥人哥连》几乎都被人遗忘了。

　　《吸血鬼诺斯费拉杜》的巨大影响力很快波及到了大洋彼岸，此时正处于上升时期的好莱坞对有票房号召力的题材自然是来者不拒，1931年，美国导演勃朗宁便依照斯托克的原著小说原原本本的将吸血鬼德库拉伯爵的故事搬上了大银幕，这便是影片《吸血狂魔》。该片是世界上第一部有声哥特**，上映后同样是好评如潮，取得了意想不到的巨大成功。尤其是本片的主演贝拉·卢戈西，他所刻画的吸血鬼形象是如此的深入人心，以致于在他死后多年，还有人坚信他本人就是一个真正的吸血鬼。

　　方兴未艾的哥特**浪潮很快被二次世界大战的到来所打破，现实世界中的恐怖显然比银幕上的恐怖来得要可怕得多，在战争年代，人们在**里需要的是心灵的慰藉、灵魂的抚慰，而不再是宣扬死亡、痛苦的哥特**。

　　二战以后，随着经济、社会的复苏，**产业也逐渐回暖，而哥特**也再一次被纳入到了**创作的轨道上。1958年，在德库拉小说诞生的地方——英国，这位大名鼎鼎的吸血鬼伯爵又一次出现在了大银幕上，这便是特雷西·菲舍尔所拍摄的影片《德古拉的噩梦》。该片塑造了一个崭新的吸血鬼形象，从这部影片开始，吸血鬼开始拥有又长又尖的獠牙，只要一张开嘴就会露出来。而主演克里斯托弗·李出色的表演更是出神入化：他五十来岁、高大英俊、两鬓花白、举止威严，神情兼具贵族的优雅和兽性，成为后来者模仿的样板。可以说，《德库拉的噩梦》奠定了至今为止哥特**中吸血鬼形象的标准模式。

　　1959年，法国导演乔治斯·弗郎吉所拍摄的《无颜之眼》成为第一部没有吸血鬼形象的经典哥特**。这部采用了黑白影像的**，摄影术运用精湛、画面效果精致、情节离奇恐怖，让人过目难忘。特别是影片的诗意氛围，赋予了哥特**另一种全新的气质，极大的丰富了哥特**的表现手法。不过总的来说，从战后一直到80年代，哥特**还处于发展期，势头较弱，数量也不多，有影响的作品更是凤毛麟角。除了上面所提及的那几部以外，就得算1979年赫尔佐格所翻拍的他的前辈茂瑙的那部成名作了。赫尔佐格号称“德国四大导演”之一，辅之以克劳斯·金斯基的出色演绎，赫尔佐格版的《吸血鬼诺斯费拉杜》在50年后取得了不亚于茂瑙版的成功。

　　在整个80年代，值得一提的哥特**得算1983年好莱坞出品的《欲望》。这部由托尼·斯科特导演、凯瑟琳·德纳芙和苏珊·萨兰登主演的影片同样以吸血鬼为题材，但在这部影片中，吸血鬼角色不再是男性的专利，而是把女性吸血鬼作为了主角。当然在此前的影片中，也出现过女性吸血鬼，但都没有什么太大的影响。而这部影片则彻底突破了吸血鬼的既有形象，为我们塑造了一个优雅、迷人而又危险的女性吸血鬼的标准形象，也成为后来者模仿的标版，在此后的影片中所出现的女性吸血鬼角色，大多离不开《欲望》中所塑造的那个模式。

　　直到上个世纪90年代，哥特**才真正迎来了发展的黄金时期。在这个时期，哥特**不仅在欧美，更在全世界掀起了一浪接一浪的高潮。1990年，一个名叫蒂姆·波顿的导演找到了一个名叫强尼·戴普的演员，联袂为我们贡献了一部名为《剪刀手爱德华》的影片——自此，哥特**复兴的大幕在好莱坞被彻底掀开了。作为一部当代里程碑式的哥特**，《剪刀手爱德华》的意义是怎么评价也不为过的。这部影片没有吸血鬼，没有巫术，也没有宗教背景，但同样编织出了一个黑色的、讲述孤独、死亡和痛苦的精彩的哥特画卷……天才的蒂姆·波顿把古老的哥特文化和当下的时代背景天衣无缝的融合在了一起，给哥特题材注入了全新的生命力，从而在根本上拓展了哥特**的题材范围。蒂姆·波顿也借此逐渐成为当代最伟大的哥特**大师，他和强尼·戴普这一对黄金搭档也配合得天衣无缝。1999年的《断头谷》就是二人再次合作的结晶，这一次波顿开始出人意料的直接以巫术为题材，为我们描述出世纪末一曲凄婉、仇怨、令人回味无穷的哥特哀歌。

　　《剪刀手爱德华》的成功坚定了好莱坞制片人们投资哥特**的决心。1992年，大名鼎鼎的德库拉伯爵终于再一次粉墨登场了。这一回，掌镜的是好莱坞“教父”级导演科波拉。科波拉网罗了一大批好莱坞明星，大手笔的给我们讲述了一个横亘数世纪的爱情故事，这就是**《惊情四百年》。《惊情四百年》以好莱坞的方法彻底重构了德库拉伯爵的故事，从而给流传了几百年的德库拉传说赋予了全新的意义。影片大气恢弘，特技眼花缭乱，加上好莱坞的宣传攻势，很快席卷了全球的**市场。

　　90年代初的哥特**浪潮并不仅止于此，越来越多的**人都开始对哥特题材感兴趣。1994年，爱尔兰导演尼尔·乔丹振臂一呼，好莱坞三大帅哥便齐集麾下，为我们集体奉献了另一部堪称史诗的伟大哥特**——《夜访吸血鬼》。对一般影迷来说，《夜访吸血鬼》最大的看点恐怕在于汤姆·克鲁斯、布拉德·皮特和安东尼奥·班德拉斯的联袂演出了，但影片本身并不逊色，绝对可以称得上是吸血鬼题材的集大成者了。影片的时间跨度达数百年之久，而且地域也横跨欧美两大洲，向我们全景式的展现了一个与人类社会并存的吸血鬼世界，并别出心裁的以吸血鬼的视角描述出了它们自己的心路历程。《夜访吸血鬼》是如此的成功，以致于我们甚至可以断言，吸血鬼的故事就此可以画上一个句号了，在此后20、30年乃至更长的时间里，也不会有超过他们的同类型**了。

　　在吸血鬼**大获成功的同时，另一部名为《乌鸦》的**闯入了哥特影迷们的视野。相对于好莱坞主流大制作而言, 《乌鸦》显得更独力、更 另 类、也更cult一些。

　　时光进入21世纪，哥特**已在全世界遍地开花。一向以艺术气息浓厚著称的法国人也没有放过哥特**的创作。2001年，一部名为《狼族盟约》的法国**让全世界的哥特影迷都惊喜不已。该片以法国乡间关于吃人巨兽的真实传说为蓝本，糅合了悬疑、巫术、惊悚、异域等多重色彩，精致而又细腻的在银幕上为我们还原了一个以哥特文化为背景的引人入胜的精彩故事。两年之后的2003年，法国人则给哥特影迷们带来了更大的惊喜。这一年，法国人制作出了一部出色的3D动画片《盖娜》。《盖娜》是世界上第一部有广泛影响力的哥特动画长片，全片既吸收了好莱坞常用的科幻元素，又保留了法国人对哥特文化的理解。特别是影片中邪恶外星生命体的形象，妖魅、高贵、危险、黑暗，符合哥特文化中一贯的典型形象的特征。在该片中，邪恶的外星生命以植物汁液为食，强迫人们冒着生命危险为其采集，实际上这里的植物汁液正应对着传统哥特文化中的人类鲜血。此外，外星人的统治是通过巫师、祭祀对人们的精神控制来实现的，可以理解为是该片的创作者依托科幻背景对宗教内容的一次全新演绎，反映了创作者们对宗教传统的独特反思，而这种反思，正是承袭了哥特文化中的异教传统。

　　时至今日，史诗性的哥特**浪潮已经过去，但哥特**的题材越来越广泛，同时，哥特**也开始向传统的类型片靠拢，逐渐融合了其它传统类型片的特点，使得观众们接受起来更加容易。2003年的美国影片《吸血鬼女王》就是个中代表。这是一部以经典吸血鬼题材为主题的**，但在这部影片中，融合进了街头文化、黑人文化的特色，吸血鬼也摆脱了以往白人男性贵族的身份设置，而是以黑人女性的面貌示人。全片节奏明快，音乐强劲，可以说，这是一个黑人街头版的吸血鬼故事。此外，2003年的《黑夜传说》和2004年的《范·海辛》则反映了哥特**的最新发展趋势。这两部影片都结合了好莱坞惯用的动作片特点，极尽动作、打斗之能事，如果去掉其中的哥特背景，则是不折不扣的动作片。而且，两部影片都以哥特文化中最经典的两大传统形象——吸血鬼和人狼为主角，在银幕上让二者大打出手。《黑夜传说》讲述了人狼和吸血鬼相爱的哥特版的罗密欧与朱丽叶的故事，《范·海辛》则以传统的德库拉故事为母题，把其中的吸血鬼克星范·海辛博士直接变成了人狼，倒也别有一番趣味。