BossaNova jazz
巴萨诺瓦的字面意思是「新节奏」，原来是一种拉丁音乐，听起来轻松柔和,巴萨诺瓦
慵懒甜美、浪漫性感。与传统南美及拉丁音乐不同的是，巴萨诺瓦不像森巴或伦巴（Rumba）那样节奏强烈，除拥有南美音乐的热情外，还带有一份慵懒和轻松的感觉。
爵士包括以下几类：
蓝调(Blues) 蓝调音乐的产生是为了抒发演唱者的个人情感，顾名思义，这种音乐听起来十分忧郁(Blue)。这种以歌曲直接陈述内心想法的表现方式，与当时白人社会的音乐截然不同。蓝调音乐最重要的作曲家即是W C Handy，这位1873年出生于美国亚拉巴马州的“蓝调之父”，创作了许多知名的蓝调音乐，例如：St Louis Blues、Yellow Dog Blues、Aunt Hagars' Blues、The Memphis Blues、Beale Street Blues等等。
繁音拍子(Ragtime) 是一种采用黑人旋律，依切分音法(Syncopation)循环主题与变形乐句等法则，结合而成的早期爵士乐，盛行於第一次世界大战前後。其发源与圣路易斯与纽奥尔良，而後美国的南方和中西部开始流行，它影响了纽奥尔良传统爵士乐的独奏与即兴演奏风格。繁音拍子後来发展成结合流行音乐、进行曲、华尔滋与其他流行舞蹈的型式，因此繁音拍子的歌曲、乐器管弦乐队编制的曲目陆续出现，它不但在黑人乐手与乐迷间流行，也被美国白人中产阶级所接受。
新奥尔良传统爵士乐(New Orleans Traditional Jazz) 这种乐风的组成元素，就如同美国是一个民族文化大融炉那般复杂、多元化，它包括：蓝调、舞曲、进行曲、流行歌曲、赞美诗与碎乐句(Rags)等音乐元素，以对位法(Countpoint)与繁音拍子的切分音法等主体性音乐创作为动力元素，结合大量独奏、即兴装饰性演奏与改写旋律核心为要件所展现出来的音乐体系。纽奥尔良传统爵士乐队以小型团体为主，演奏主旋律的乐器是：短号、黑笛、萨克斯风与伸缩喇叭；伴奏乐器则有：大号、班卓琴、贝斯(常以拨奏为主)、小提琴、鼓和钢琴。它们经常多部同时进行对位吹奏，制造出一种热闹、欢乐气氛。
ODJB (The Original Dixieland Jazz Band) 这是历史上第一个在1917年灌录爵士乐唱片的白人五重奏乐团，它的五位原始成员全部出生在纽奥尔良：Nick LaRocca(***、短号)、Larry Shield(竖笛)、Eddie Edwards(伸缩喇叭)、Tony Sbarbarl(鼓)和Henry Rags(钢琴)。ODJB在芝加哥逐渐窜起後转到纽约发展，并在当地造成轰动。但是缺乏创造力、只迎合大众口味的乐风，很快的遭到新一辈天才爵士乐手们的挑战，并于20年代中期解散，走进爵士乐的历史。
狄西兰爵士乐(Dixieland) 这是1917-1923年间，在新奥尔良与芝加哥等地的爵士好手发展出来的早期爵士乐风，它也是纽奥尔良传统爵士乐的一个分支。Dixieland的英文原意是军队露营之地“Dixie's Land”，因此可想而知它与进行曲等音乐有关。这种风格的取材大都来自蓝调、进行曲，与当时的流行音乐，甚至某乐曲的某一小乐段，都可以拿来加以延伸、推展，这便是即兴演奏的滥觞。有的爵士乐历史学者将“白人”乐手演奏的“New Orleans Traditional Jazz”称为狄西兰爵士乐；而黑人演奏的“NewOrleans Traditional Jazz”则称为纽奥尔良传统爵士乐。
大乐团(Big Band) 大乐团时代大约是起源于20年代中後期，以艾灵顿公爵( DukeEllington)、贝西伯爵(Count Basie)、班尼固德曼(Benny Goodman)等人为主的爵士乐风格，它不只兴盛於30年代中期的摇摆乐时期，40年代中期的咆哮乐、50年代的酷派爵士乐及改良咆哮乐、60年代的自由爵士乐、70年代的爵士／摇滚融合乐，乃至80年代的新咆哮乐中，都找得到它的踪迹。大乐团的编制一般在10人以上，涵盖3支以上的小喇叭、2支以上的伸缩喇叭、4支以上的萨克斯风及贝斯、吉他、鼓和钢琴等伴奏乐器，透过这个大型组织，演奏各种爵士乐风的曲目。
摇摆乐(Swing) 最早起源于1930年前后，在1935-1946年间达到巅峰，其中最能代表这个乐风的则是「摇摆乐之王」班尼固德曼所领军的六重奏(Benny GoodmanSextet)。20年代中後期，爵士大乐队在美国各主要都市的夜总会、舞厅等场所大受欢迎，许多年轻乐迷都被吸引到此地玩乐，因此需要更多适合跳舞的音乐，来满足蜂拥而至的年轻人与中产阶级。摇摆乐後来随着艾灵顿公爵大乐团的脚步，演变成为歌舞表演的伴奏乐队和演奏会音乐(如：艾灵顿公爵每年定期在卡内基音乐厅演出)；摇摆乐因适合於跳舞，每小节有四拍，因此又被称为「四拍子爵士乐」。
咆哮乐(Bebop or Bop) 以字面上看，咆哮乐是一种吵杂喧闹的爵士乐，它的英文原名Bebop、Bop或Rebop在40年代初期萌芽时都有人使用，Rebop可能源自拉丁美洲一些乐队吹奏的曲目“Arriba”(哭叫的)，但现在已无人使用了。咆哮乐是一种反叛性的爵士乐，它不只承袭纽奥尔良爵士乐与摇摆乐的传统音乐元素，并在创作概念上创新、突破和革命。它最重要的特质是在于强调高度变化、富层次感的节奏部，同时，咆哮乐手也发明新的和声，以更自由宽广的空间，发挥音乐上的潜力与创造力。咆哮乐的的代表人物是Charlie Parker、Dizzy Gillespie、Thelonious Monk等人，早期以小型爵士乐团为主流，後来也有大乐团的演出。
酷派爵士乐(Cool Jazz) 一般而言指1949-1950年间，由小喇叭手迈尔士戴维斯(Miles Davis)所领导的九重奏为Capitol唱片公司灌录的专辑《Birth of the Cool》所代表的乐风，它的诞生使主流爵士乐风，从咆哮乐风的“热”，转向另一个反方向酷派乐风的“冷”，这是一种180度大逆转的历史性发展。酷派爵士乐代表一种内敛自省的情感，它是一种轻柔、清凉与抒情的含蓄情愫；它的音色不如一般铜管器那样亮丽夺目，取而代之的是柔和优美。若说咆哮乐是代表热情奔放，那么酷派爵士乐就是内敛自省。
简而言之，酷派爵士乐是对咆哮乐的反抗与检讨，同时也唤醒美国西岸一些白人乐手的自觉运动，形成一股新兴的爵士乐潮流-西岸酷派爵士乐(West Coast Cool Jazz)。而酷派爵士最著名的作品，即是迈尔士戴维斯五重奏的“KIND OF BLUE”。改良咆哮乐(Hard Bop) 50年代中期，当很多人对平淡无力、让人昏昏欲睡的酷派爵士乐感到疲倦时，一度曾经失势，并趁机卷土重来的爵士势力改良咆哮乐正式诞生。改良咆哮乐是一种激烈紧张、困难演奏的爵士乐风格，它的代表性乐手和团体是：鼓手亚特布莱基(Art Blakey)领导的五重奏“爵士信差”(The Jazz Messengers)和MaxRoach的“Clifford Brown”五重奏。也有人把“Hard Bop”译成“硬式咆哮”。改良咆哮乐有较和谐的音调、较明确易懂的旋律、较少的即兴独奏，并且加入大量的蓝调、教堂圣乐和声，尤其更强调鼓的节奏脉动。50年代後期，改良咆哮乐发展成二个支派：与灵魂、福音音乐结合的“灵魂爵士乐”(Soul-Jazz)；而结合节奏蓝调、摇摆乐、灵魂音乐的一派，则成为“放克爵士乐”(Funk)。
自由爵士乐(Free Jazz) 此乐风是以创始人Ornette Coleman在1960年灌录的专辑《Free Jazz》为名，同期的代表人物包括Cecil Taylor和Albert Ayler等人，後期的倡导人则是约翰柯川(John Coltrane)。自由爵士乐是舍弃在它之前的爵士乐和弦结构，重新建立自己一套松散、自由的集体即兴演奏方式的音乐型态。它不照本宣科，不重覆叠句和变化不定的进行速度，如此展现出的音乐风格常夹杂着人声的哭号、小喇叭或萨克斯风的乐器悲鸣。自由爵士乐的诞生有其政治上与种族上的背景因素，因为它曾是黑人争取人权与自觉运动的战歌，因此与60年代初期黑人民权运动息息相关。
摇滚爵士乐与融合爵士乐(Jazz-Rock & Fusion) 60年代中期，摇滚乐天王“批头四”受到乐迷的热烈欢迎，并逐渐侵蚀爵士乐的江山。在无法抵挡这股强大的新音乐潮流，并挽救日渐走入死胡同的爵士音乐，迈尔士戴维斯(Miles Davis)就以加入摇滚乐作为策略，推出2张结合摇滚乐节奏、电子乐器和爵士乐的成功专辑《In A SilentWay》、《Bitches Brew》，为爵士乐开启一个色彩缤纷的崭新大门，透过这扇大门，所有的音乐素材都能被融合在一起。随着Miles Davis所代表的摇滚爵士乐风开启之後，随之而起的就是所谓的“融合乐”(Fusion)，直到80年代所有有关此类型风格的爵士乐，被称为摇滚融合爵士乐(Jazz-Rock-Fusion)。
新咆哮乐与后现代咆哮乐(Neo-Bop & Post-Modern Bop) 80年代，除了融合爵士乐与一息尚存的自由爵士乐之外，爵士音乐的发展，似乎已到了强弩之末的地步，欲振乏力的爵士乐已经失去它原有的焦点与重心。面对一个每一种音乐型态都被先辈们探涉过的局面，让80年代的爵士乐手们只能重新回到过去，从经典爵士乐中找寻新的题材和创造灵感。在这一波风潮中，以小喇叭手温顿马沙利斯(Wynton Marsalis)为首的回规传统热潮中：一个以咆哮乐风为基调，有纽奥尔良爵士乐、摇摆乐与灵魂乐色彩，高度强调演奏技巧与典雅旋律的所谓“新古典主义”或“新咆哮乐”被制造出来。新古典主义是80年代爵士乐的主流风格，但还有新的爵士乐风会成为90年代的爵士乐风格，或许就是“后现代咆哮乐”(Post-Modern Bop)，这就有待事实去验证了。
波萨诺瓦（Bossa Nova）：提到波萨诺瓦，又要将爵士发展的里程又提前到“摇摆大乐队”时代，“摇摆大乐队”受到经济萧条而难以生存，实际上成为了“摇摆小乐队”。“摇摆小乐队”结合了诸如加力索（calypso）、曼波（mambo）、索沙（salsa）、恰恰（cha-cha-cha）等拉丁音乐音乐元素催生了“拉丁爵士”。波萨诺瓦改变了“拉丁爵士”中巴西风格的强烈节奏，用轻快自若的节奏与演唱引人入胜。波萨诺瓦的含义中，bossa为才华特殊的含义，nova为葡萄牙语，意为无拘无束。波萨诺瓦可以解释为无拘无束有创意的爵士乐。
融合爵士（Fusion）：60年代末，全球掀起摇滚浪潮，年轻人都痴迷摇滚乐，摇滚开始侵蚀爵士乐的领域。Miles Davis在其爵士越中加入了摇滚乐，产生了“融合爵士”。由于融合爵士同时吸收了爵士与摇滚的概念，所以也称做“爵士摇滚”（Jazz rock）。融合爵士早期有2中形态，一种以歌唱为主，器乐部分以管乐来即兴演奏，另一种是以纯乐器作为演奏单位，加入爵士曲风。
方克（Funk）：一种结合现代爵士乐与早期黑人音乐形式，如福音音乐、蓝调等乐风。
后波谱（Post-modern Bop）：80年代爵士乐的发展又一次开始衰退，爵士乐手开始重新回到过去来吸收创作灵感和找寻创作题材。在此种回归风潮下，Wynton Marsalis创造出以比波谱为基调，有新奥尔良爵士、摇摆乐、灵魂乐色彩，高度强调演奏技巧与典雅演奏旋律的乐风，这类风格被定义为“后波谱”。后波谱可以说是比波谱与自由爵士的再度流行。
酸爵士（Acid Jazz）：酸爵士于80年代诞生于英国伦敦舞厅，是一种动感而流畅的音乐，形成的主要目的就是将爵士乐与商业结合，以打开爵士乐市场，让更多的人喜欢爵士乐。酸爵士柔合了60年代到70年代的方克爵士、嘻哈乐、安魂音乐，内容有点迷幻，有点hip-hop。
现代爵士（Modern Jazz）：多半是用来形容40年代初期至60年代中期的爵士乐风格，但不包括自由爵士在内。
灵歌是美国流行音乐的一个分支，起源于底特律的黑人音乐，曾同时占据流行音乐和节奏与布鲁斯音乐两个排行榜的统治地位。
1963 年末期至1965 年早期，它竟然将节奏与布鲁斯音乐挤出《公告牌》杂志排行榜长达 14 个月之久。对于白人与黑人来讲，这也是绝无仅有的时期，因为他们都在争相购买同一种风格的唱片。从 1969 年 8 月 23 日开始直至灵歌的没落，灵歌排行榜一度成为黑人音乐排行榜的代名词。
Ray·Charles 是第一位灵歌艺人。他在节奏与布鲁斯音乐中，大量吸收了黑人福音音乐的激情和唱法，特别是被称做“花唱”的发声法。他用一种近乎神圣的方式去演唱那些世俗的歌曲，在某些人眼里，这简直是大逆不道。
以Little·Richard 为代表的黑人摇滚歌星则更为狂热地为同一目标进行着探索。这种不为人所知，包含大量黑人音乐要素的音乐风格的新颖独特，令白人青少年兴奋不已。
Sam·Cooke 首开先河，脱离福音音乐流派（他是Soul Stirrers 的主唱，拥有大批歌迷）。他的一首《You Send Me》（1957 年榜首歌曲）尽现“花唱”之精华，标志着灵歌时代的开始，但是他接下来的一些歌曲大失水准，令听众大失所望。
King唱片公司的James·Brown 风格独特，1958 年挤入流行音乐排行榜。
1960 年，Jim Stewart 在孟菲斯创建了Satellite 唱片公司，着重培养当地的歌手。同年，他推出了由Rufus·Thomas 和他的女儿Carla录制的一系列上榜歌曲。当然，他们最大的成功还得算培养了 Otis Redding。 因为西海岸已经出现了一家Satellite 唱片公司，他们不得不更名为 Stax 唱片公司。不久，他们相继与 Atlantic 公司和 Fame 公司达成销售协议，Jerry Wexler 负责给 Atlantic 的艺人到南部录制唱片的联系工作。由于当地的一支节奏与布鲁斯乐队Royal Spades 以及随后Booker T and the MGs 和 Memphis Horns 乐队的加入，Stax 拥有了自己的室内乐团。年轻的制作人 Chips Moman 不久就开始建立自己的录音棚。Isaac Hayes 和 David Porter 也为 Sam & Dave 写了大量的作品。举止古怪而充满幻想的 Tom Stafford 召集了 Rick Hall、Billy Sherill 等几个年轻的制作人以及键盘手 Spooner Oldham、歌手Dan Penn（他唱过的黑人歌曲比 Elvis Presley 多得多）、作曲家 Donnie Fritts 等人创建了Fame 唱片公司。他们的第一批上榜歌曲都是 Arthur Alexander 的作品。
这些在黑人艺人中间掀起了Soul Music创作的热潮，除了上面提到的人以外，Aretha·Franklin、Wilson·Pickett、Joe·Tex、Percy·Sledge、Ben·E King、William·Bell 和 Solomon·Burke 等人分别在一些白人业余爱好者经营的小工作室中录制唱片。他们的做法得到了地处南方、头脑敏捷、朝气蓬勃的年轻音乐家的支持，他们不惜一切，在一条充满艰难的道路上跋涉。
当时，这些艺人还没有条件随时在一起进行研讨，但是早期的音乐合成竟在这种情况下产生了（虽是偶然发生，但它却是千真万确）。它牵动了整整一代人的心。
众所周知，灵歌的黄金时代随着1968年4月4日Martin·Luther·King 的遇刺身亡而悄然结束。其后，全美国的黑人无可指责地展开了系列的报复活动，因为职员的人身安全不能得以保证，Stax公司不得不暂时停业。
在 1968 年召开的全国广播电视时事评论员联合大会上，Wexler 被模拟绞死，还有些人遭到了毒打，据说许多人还为此不得不开始携带枪支。事实上，尽管黑人在进军流行乐坛的过程中取得了完全的胜利，但是黑人艺人和商人（除了芝加哥的Berry Gordy 以外）无法保持他们已取得的成功，而被迫求助于白人的企业（直至 80 年代，这种情况没有什么改观。如果你不是什么大人物，大的公司是不会搭理你的）。
灵歌的黄金时代也标志着多年来现实存在的种族隔离的结束，同一时期，人权运动也开始蓬勃发展。当然，美国人民还需要20 年、30 年或者更长的时间去消除长达300多年来种族压迫带来的深重的影响。在Stax和Fame 投身这场音乐变革的艺人也各展身手，进行着各种各样的探索。但是，一些经典的音乐流派仍在兢兢业业地创作，他们的作品依然在听众的心里占有很高的地位。
有这样一条理论，节奏与布鲁斯音乐是“教条型”的，而灵歌Motown 流行音乐是“反教条”的。白人音乐将此两种音乐形式合二为一，Righteous Brothers 演唱组就成功地悟出了灵歌的真谛，人们将他们这种独特的音乐风格称为“蓝眼灵歌”。
Steve Winwood 在 1987 年度取得的格莱美奖是灵歌时代的又一成果。“北部灵歌”这个名词指英国北部的白人流行音乐从伟大的黑人音乐中汲取了大量营养，而不是从伦敦电视节目中那些枯燥乏味、装腔作势的表演中得到了什么，连英国俱乐部舞厅里的音乐也受到了灵歌的极大的影响。
出身于教会的Al Green 成为整个70 年代最伟大的艺人之一。“甜蜜的灵歌”指类似 Peabo Bryson 的黑人浪漫歌手。Al Jarreau 的唱片像 80 年代出版的其它一些唱片一样，曾一度滞销，但他那充满深情的歌声打动了成千上万的听众。
80 年代中期，从事广告、影视、唱片行业的人年龄在 30～40 岁之间。他们清楚经典的灵歌是如何的伟大。Atlantic 公司利用了原来的录音，重新出版了 7 张双张唱片。
只要不是草率行事，灵歌就是优美动听的标志。
民歌(宋祖英), 美声(戴玉强),摇滚(崔健),民谣(李健),
R&B(陶吉吉),说唱(罗百吉),舞曲(郑秀文),蓝调(吉杰)
爵士, hip-hop, 没有代表,因为很多人都有唱过,也没有特别突出的
“节奏布鲁斯”(R&B)在20世纪40年代中期出现的时候,它甚至还没有名字。但这个词才一出现，它就迅速广泛地传播开去。时至今日，R&B已经成了黑人流行音乐的代名词，尽管它更多的是作为一种区别于说唱乐(Rap)、灵魂乐(Soul)、都市歌(Urban)的音乐种类被特殊的听众和唱片界人士提及。早期的摇滚乐
就是以R&B为基础的，它是由受流行音乐影响的“乡村和西部音乐”延展而来。R&B不仅仅是在布鲁斯和摇滚乐之间的一种重要的过渡音乐，它还是布鲁斯和灵魂乐之间最重要的音乐分支。
当然，布鲁斯无疑是R&B的一个重要组成部分，但爵士乐元素也同等重要。最早的R&B艺术家就是来自“大乐队”(Big-Band)和“摇摆爵士”(Swing-Jazz)领域。在“二战”前，爵士乐远比今日风行，那时它是一种为跳舞而演奏的音乐，但是在乐队中通常会有歌手。“二战”期间，许多重要的爵士乐艺术家开始发展“上乘爵士”(Be Bop)和“酷爵士”(Cool Jazz)，这种跳舞元素更少的爵士乐。然而受战时的经济、军事等因素的影响和约束，“大乐队”开始逐渐减少。但听众们，尤其是那些在大城市中迅速增加的非裔美国社区的听众，他们仍然希望听到可以跳舞的音乐。于是音乐家们为了适应听众，就做出音量更大、使用更多的电声乐器，并且以“回复”(Riff)为主的“布吉音乐”(Boogie)。
最初开始流行的R&B风格通常是指“跳跃布鲁斯”(Jump Blues)。它不仅吸收了爵士乐里的摇摆节奏和以号为主的编配方式，而且吸收了布鲁斯里普遍使用的回复段与和声结构。这种风格最重要的先驱也许要算卡布·卡洛维(Cab Calloway)。在“跳跃布鲁斯”中，歌手的声音更加刺耳，节奏更快，乐器的演奏也不一样——钢琴的弹奏力度更大，萨克司的声音更加长而尖锐。
最重要和最具流行性的“跳跃布鲁斯”明星是路易斯·乔丹(Louis Jordan)，他的唱片在黑人听众和白人听众里取得了同样的成功。而且他还深深地影响了查克·贝里(Chuck Berry)。许多早期的“跳跃布鲁斯”表演者都是来自洛杉矶，因为那里在“大萧条”和“二战”期间形成了庞大的黑人社区。40年代末期，更多的城市开始有了自己的“跳跃布鲁斯”明星。洛杉矶的独立唱片公司“专业”(Specialty)和“阿拉丁”(Aladdin)通过出版“跳跃布鲁斯”唱片，不仅填补了大唱片公司在这个领域的空白，而且使自己获得了成功。乔·里金斯(Joe Liggins)、泰尼·布雷德绍(Tiny Bradshaw)、阿莫斯·米尔博恩(Amos Milburn)、卡米利·霍华德(Camille Howard)，这些如今大部分已被完全忘却的艺术家，当时都在“跳跃布鲁斯”方面获得了巨大的成功，并成为他们时代最风光的黑人音乐家。
“跳跃布鲁斯”后来转变为几种不同的风格。那些被称作“大嗓门们”(Shouters)的演唱者在“大乐队”拘谨的演唱方式里加入了更具活力的“福音音乐”(Gospel music)和“灵魂乐”(Soul)。“胖子”乔·特纳(Big Joe Turner)是在堪萨斯的一支爵士乐队开始他的艺术家生涯的。他是R&B和“爵士乐”的双重传奇人物，他不但轻松地由“爵士乐”转向R&B，甚至还创作了一些早期的经典摇滚乐歌曲。另外，维诺尼·哈里斯(Wynonie Harris)、罗伊·布朗(Roy Brown)、罗伊·弥尔顿(Roy Milton)、纳皮·布朗(Nappy Brown)也是40年代末到50年代初“大嗓门们”里的重要音乐家，尽管他们没有特纳那么有名。
50年代开始的时候，“种族”(Race)音乐曾被《告示牌》(Billboard)杂志的杰瑞·维克斯勒(Jerry Wexler)用来重新命名R&B。作为“大西洋”唱片公司的A&R，杰瑞把“跳跃布鲁斯”推广到了流行音乐听众和青少年当中。早期的“大西洋”唱片公司的明星们[鲁斯·布朗(Ruth Brown)、莱文·贝克(LaVern Baker)、“漂流者”(Drifters)、查克·威利斯(Chuck Willis)]的唱片维持了这种对“跳跃布鲁斯”的偏爱，但他们的节奏、回复段、歌词都开始接近后来的摇滚乐。事实上，贝克和威利斯还曾依靠一些受年轻听众喜爱的歌曲在早期的摇滚乐领域取得了不同程度的成功。50年代初期到中期，摇滚乐开始崭露头角。一些和R&B有着明显区别的音乐类型大显身手，它们依靠自身的力量对流行音乐文化发挥着不同的巨大影响。比如“街头布鲁斯”(Doo Wop)乐队、“电声布鲁斯”、“新奥尔良R&B”等。这些音乐在摇滚史上延续的影响力甚至超过了更早、更有爵士味的R&B。
相当数量的艺术家在50年代里不仅存活了下来，而且通过出版R&B唱片获得了成功和认可。艾克·特纳(Ike Turner)、艾弗利·乔·亨特(Ivory Joe Hunter)、菲·亚当斯(Faye Adams)、维诺那·卡尔(Wynona Carr)、“胖妈妈”桑顿(Big Mama Thornton)、“胖子”梅百利(Big Maybelle)，这些人都不是纯粹的布鲁斯艺术家，但他们的音乐也不是摇滚乐。而布鲁斯歌手鲍比·“蓝色”·布兰德(Bobby "Blue" Bland)、小帕克尔(Junior Parker)、小弥尔顿(Little Milton)虽然把“电声布鲁斯”和“灵魂乐”结合在一起，但他们也不能被称作纯粹的摇滚乐歌手。偶然有象强尼·奥蒂斯(Johnny Otis)、“嚎叫的”杰伊·霍金斯(Screamin'Jay Hawkins)、韦博特·哈里森(Wilbert Harrison)这样的歌手能在摇滚乐听众群赢得承认，也是通过他们最通俗易懂的歌曲。哈里森的《堪萨斯城》(Kansas City)就是一首广为流传的“跳跃布鲁斯”歌曲。
一些50年代的歌手开始使R&B比以前更加大众化——加入明显的“福音音乐”和教堂音乐元素。时至今日，我们依然可以记起那些伟大的名字：雷·查尔斯(Ray Charles)、詹姆斯·布朗(James Brown)、杰克·威尔森(Jackie Wilson)、小威利·约翰(Little Willie John)、强尼·艾斯(Johnny Ace)、杰西·贝尔文(Jessie Belvin)，以及克莱德·麦克菲特(Clyde McPhatter)。作为“灵魂乐”的教父们，这些人中有的后来在60年代成为了“灵魂乐”的超级巨星，比如查尔斯和布朗；而另一些则由于时代的变迁和不能解决的个人问题从此退出了音乐舞台，比如麦克菲特和约翰。
对于R&B来说，如今被赋予的纪念性意义和迟到的喝彩声并不能改变当初它所面临的窘境——早期的R&B唱片很难被全部的新听众所接受。而40年代和50年代的R&B歌手及唱片公司更多的是将注意力放在娱乐性方面，并不是致力于推广多元化的艺术作品。因此在R&B的全盛时期，人们听到的歌曲都是由相似的和声、进行模式以及编曲构成。不过，尽管R&B从诞生之初至今已经改变了许多，但它依然保留了摇滚乐、灵魂乐和说唱乐中极其重要的部分，并且在音乐的背后发挥着作用。
客官，听我细细道来
就从CLASSIC开始吧
CLASSIC，中文译做古典，通俗来说就是从巴洛克时期到浪漫派时期的音乐，当然本人觉得德彪西的印象派音乐也属于古典范畴内，主要的特点是“理性”，四声部的和声，调性明确，如果仔细听巴洛克时代的音乐你会发现，它是正方型的，循规蹈矩的，代表人物是巴赫，主要表现方法有 奏鸣曲、交响曲、协奏曲、前奏曲与变奏曲，给人感觉是严肃和华丽，到了浪漫派时期，开始打破一些规则，带入了更强烈的个人主观感情，也就是稍微感性了一点，但还是要遵守古典乐理的规则，代表人物是肖邦，才科夫斯基，也出现了新的表现方法，比如夜曲，即兴曲，叙事曲，谐谑曲，幻想曲等，巴洛克到浪漫派之间，出现一个起了非常大促进作用的乐派，就是维也纳古典乐派，代表人物就是我们熟知的海顿，莫扎特，贝多芬
BLUES和JAZZ
先说BLUES，BLUES的特点在于它的和弦进行，111144115415的12小节和弦进行是BLUES最常用的，它也有它独特的音阶，BLUES音阶，用BLUES音阶在固定的12小节里即兴演奏或演唱是BLUES最大的特点，不过对于没有学过乐理的人来说，讲音阶也可能不知道是什么东西，可以去听B B KING， BUDDY GUY等现在依然在世的BLUES大师的作品去感受一下，但是BLUES绝对不是大多数国人所理解的所谓的“忧伤的乐曲”，以及国人给大多数国内外歌手冠名“BLUES女王”“JAZZ女伶”也大多不是唱BLUES或JAZZ的
JAZZ，欣赏JAZZ需要具备一定的音乐素养，所以一般的暴发户装13的听JAZZ是不可能听懂的，早期的JAZZ直接来源于古典音乐，之后受到了BLUES的影响，所以有人认为JAZZ起源于BLUES，其实是受BLUES影响太大了才会那么认为，到了BEBOP出现后才奠定了狭义JAZZ的基础特色，一般狭义JAZZ的特点：和声多用7和弦，或9 11 13等延伸和弦，旋律线并不是非常线性的，因为它要突出和弦的色彩，一个7和弦里可能有很多的音阶符合这个和弦的色彩，应此这些音阶对于这首曲子的主和弦（通俗来说就是这首曲子的主要的调调）来说肯定不是太和谐的（这也是相对于古典音乐调性分明来说的 ），这样听者就会产生一种错觉的离调（走调)，实际上它却是没有走调的，感觉就像是一首曲子里每段都是其他调的曲子一样，但如果听不出来和弦的级数，和在此和弦即兴的音阶对于主和弦或当前和弦的关系和其他的意义的话，欣赏JAZZ就会大打折扣，应此听JAZZ是需要一定的音乐素养的，此外，JAZZ最重要的也是即兴演奏和即兴演唱
国人比较熟悉的JAZZ曲子莫过于FLY ME TO THE MOON了吧，去听听看，可不要听那些流行歌手的翻唱版哦，找个JAZZ乐队的版本你就能体会到JAZZ的味道了
所谓R&B，其实国人把它和RAP混淆了，RAP就是说唱，这个不用解释了吧，具体我也不是很懂，类似周杰伦早期那种吧，啊对了，介绍你听IN3，这个是纯粹的地下说唱
但是R&B我就有研究了，50年代，R&B和 ROCK AND ROLL其实就是同一种东西，就是节奏加强了的BLUES，所以R&B 的意思是节奏BLUES，也就是很老的摇滚，猫王那种，而绝对不是现在所谓什么R&B天王某某某唱的前面一段RAP，后面一段流行歌曲
ROCK
ROCK就是60年代以后的摇滚，相对于ROCK AND ROLL（R&B）来说元素更丰富，从而它成为了一个广泛的名称，PUNK ，METEL ，HARD ROCK，POP ROCK等风格都可以叫做ROCK，所以风格特点太多，不好一一说明，有兴趣可以看看摇滚的分类
HIP HOP准确来说是一种文化，它包含了RAP，街舞等等街头文化而不只是一种音乐风格，宽大的衣服，鸭舌帽，头巾等等都是HIP HOP的文化
FUNK
准确来讲早先FUNK仅仅指的是一种节奏，一种切分音和附点很多的节奏，我所听到的最早使大量使用这种节奏的艺术家是JIMI HENDRIX，比如他的“紫雾”，又如SRV的MERRY HAD A LITTLE LAMB（不要奇怪，很多人都把这首儿歌改成BLUES来唱）到后来所有使用这种节奏的音乐都可以叫做FUNK，比如JAZZ FUNK ,BLUES FUNK 等等，对于这种“新”风格（也许我听的东西太老了吧）还真是没怎么听过，也不怎么喜欢，所以不知道这方面的代表人物
LADYGAGA怎么说呢，她属于电子舞曲，而且还是商业的电子舞曲，我不喜欢这种冷冰冰的由电脑作出来的，犹如“朔料”一样的娱乐音乐，所以不好评论
对于音乐的风格还有很多很多，但是个人却认为给音乐分类是很扯淡的一件事，因为你只要去欣赏它的艺术性就好啦，为什么要分那么多的类呢？硬要分的话，全世界的音乐不过3种，古典音乐，JAZZ音乐（任何非古典和世界音乐范畴的音乐都属于广义的JAZZ乐）和世界音乐（民族）
以上
音乐的种类有民歌、迪斯科、巴西音乐、摇滚乐、爵士音乐。
1、民歌
民歌(folk)原本是指每个民族的传统歌曲，每个民族的先民都有他们自原始 /古代已有的歌曲，这些歌绝大部分都不知道谁是作者，而以口头传播，一传十十传百，一代传一代的传下去至今。
不过今天我们所说的民歌 (folk)，大都是指流行曲年代的民歌 (folk)，所指的是主要以木吉它为伴奏乐器，以自然坦率方式歌唱，唱出大家纯朴生活感受的那种歌曲。
2、迪斯科
discotheque的简称，原意为唱片舞会，起先是指黑人在夜总会按录音跳舞的音乐，70年代实际上成了对任何时新的舞蹈音乐的统称。与摇滚相比，它的特点是强劲的、不分轻重的、像节拍器一样作响的4/4拍子，歌词和曲调简单。
3、巴西音乐
BOSSA NOVA是种带 JAZZ味道的巴西音乐， 1950年代作曲家 ANTONIO CARLOS JOBIM将巴西音乐节奏与美国西岸 COOL JAZZ混合而成，柔和、舒服、轻松、懒洋洋、浪漫乃特色。
4、摇滚乐
类似“朋克”但极具重量的音乐，主唱低鸣深沉的狂吼咆哮、电吉他超麻辣的音色再加上极快速的反复节拍及密集鼓点，构成一种几无旋律的重金属乐风，乐曲的长度都很短，从两秒钟到三分钟不等。
5、爵士音乐
一种起源于非洲的音乐形式 从根源布鲁斯、拉格泰姆(Ragtime)，经过新奥尔良爵士乐到Dixieland爵士乐、摇摆乐、主流爵士、比波普、现代爵士到自由爵士及电子爵士 19世纪期间音乐是美国南部种植园黑人奴隶们表达自我生活和情感的重要手段。
--音乐类型
啥叫黑人英语，黑人文化才对。
近代美国黑人文化对美国主流文化的影响
19世纪二三十年代，随着经济和社会的飞跃，随之到来的是享乐主义的爆棚。全国上下灯红酒绿歌舞升平享乐主义盛行，挥霍无度，这一切被美国著名小说家斯哥特费茨杰拉德写进自己的小说里，并将这个时代命名为“爵士时代”。而斯哥特费茨杰拉德无疑是这个时代最著名的作家，《了不起的盖茨比>>是他的著名作品，书中他将奢华却空虚的“爵士时代”刻画的入木三分：“20世纪二十年代的繁华，是怎样的胃口都消化不了，怎样的野心都不嫌过分的。”
为这样一个社会伴奏的正是爵士乐。爵士乐的诞生是黑人民歌和欧洲白音乐传统融合的结果。布鲁斯、黑人打击乐、基督教唱诗班、白人管弦乐，谁都没有想到这一切交织到一起竟然成为享乐主义最好的背景音乐。之后，爵士乐成为音乐匠人们取之不尽的宝藏，Bing Crosby等白人歌手在自己的演唱中掺入爵士元素之后还成就了一番事业。爵士乐的老爸布鲁斯在早年同样风靡美国酒吧。在各地的酒吧中，爵士乐刺激着饮酒与狂欢，人们戴上神奇而疯狂、怪诞又戏谑的面具，在醉生梦死中寻欢作乐。爵士乐这一由美国黑人创作的音乐形式，已成为那个时代美国的象征。然而，“爵士时代”在三十年代中期的经济危机中嘎然而止。新的音乐，艺术形式代替了爵士乐，美国主流文化又一次转移。但是，爵士乐作为音乐国度里一个了不起的人物，是不可能被人们遗忘的。
新奥尔良是爵士乐诞生之地，在城市创建250周年（1968）年纪念上，由爵士明星演员组成的强大阵容欢聚一堂，庆祝第一届新奥尔良爵士乐与传统文化节（New Orleans Jazz&Heritage Festival）,几年后，“爵士音乐节”一直持续到四月底五月初的两周，除了爵士乐外还增加了多种音乐形式，如今，音乐特色经一步丰富起来，表演风格从大型爵士乐队到黑人舞曲，非常丰富多彩，爵士音乐节已经成为了全世界爵士乐迷无比向往和朝拜的节日。
现如今，在美国以及全世界，爵士乐被广泛的传唱着，各大音乐颁奖礼上不会少了爵士音乐家的一份子；各类爵士主题酒吧彻夜生辉；二十一世界的爵士乐生机昂然。
“布鲁斯”的不朽传奇 论起辈份，布鲁斯当属爵士乐的父亲，但他的影响力在爵士乐大行其道的年代被掩盖了起来，随着三十年代爵士乐的暂退舞台，布鲁斯也被雪藏起来。六十年代的欧洲出现了颠覆传统的摇滚乐，这股学生为主力军的风潮也迅速吹到了美国。其后，八十年代，摇滚乐以破竹之势冲击了全世界。新的黑人歌手们不得不去调整和适应，试图在摇滚乐和传统布鲁斯中给自己一个新的定位。通过编曲，演唱技巧等各种各样的尝试过后，其中一个结果，就是催生了现在正走红世界的R&B——节奏布鲁斯。布鲁斯音乐获得了新生。
2003年，美国人民把这一年“布鲁斯音乐年”，从2月7日开始，他们正式将包括关于布鲁斯音乐历史的文献文物的展览会，由众多布鲁斯大师带头的音乐巡演，以及关于布鲁斯音乐的**展映。
HIP-HOP文化的全盛
HIP-HOP文化无疑是美国黑人在二十世纪末期带给美国以及全世界青少年的一份礼物。HIP-HOP是源自黑人的流行文化，是由MC,DJ,涂鸦和街舞的文化综合体，从音乐到服饰，再到人的言行举止，如今它的影响力早已冲出美国，遍及全球。如今的HIP-HOP融合了各类音乐遍布了世界各地的排行榜，电台，网络，无论你是否有兴趣，你的生活都难以避开它的存在。从HIP-HOP诞生的背景来看，它无疑是美国黑人在这个白人为中心的世界寻求自我价值的产物。
上世纪七十年代，资本家以重建市区内商业区和观光区为由，得到政府支持和联邦基金的辅助来为自己赚钱，使原本就因种族和性别造成的贫富差距的更大。而HIPHOP这种来自黑人贫民阶级的文化，其实正是中下阶级人们生活的缩写。他们无视表演空间的限制，具有天生的节奏动感，任何场合都是可以展现音乐天赋的舞台。因此HIPHOP含有丰富的街头内容，看似随意的创作中，融入了来自四周的鲜活反应，呈现的是结合服装造型、生活风格、甚至个人价值观的文化组合，与矫情及虚伪的中产小资文化相较，来自平民阶层的HIPHOP文化显得真实多了，因此更能贴近普通人群的心。正是由于HIP-HOP文化产生与特定的背景之下，它对美国本土文化的冲击力也是巨大的。他同60年代的摇滚一样，从80年代开始一步步同朋克携手充当着美国主流文化。那些贫民出身的美国白人年轻人深受影响，HIP-HOP界里的白人巨星阿姆便是一个很好的例子。
——说唱乐
作为HIP-HOP文化首当其冲的说唱音乐，其蕴涵的精神是各方面诸如自尊自助以及自我改善的追求，是美国黑人历史上的重要文化表现。而且不管物质上还是精神上黑人流行音乐都改变了美国黑人的地位，那些黑人说唱明星过着所有白人中产阶级都会羡慕的奢华生活，甚至成为各种族年轻人的崇拜偶像。说唱月更是激起了商业浪潮。低迷的唱片市场上，只要50Cent或者Eminem这样的说唱巨星发片，立即可以妙手回春。在全美各大音乐排行榜单上，每周最佳单曲或专集有至少三分之一是由黑人音乐家演绎的，这相对于美国白人和黑人的比重来衡量，美国黑人音乐的影响力是惊人的。
——涂鸦
那个年代，豪华轿车在画廊外喘息，而这些画廊常位于肮脏的街区，象征了金钱和下层阶级相结合的浪漫色彩。艾滋病、对史上的厌倦、房地产投机，以及急速发展的SOHO交织在一起。艺术评论家克莱门特格林堡说“它与纽约喧嚣放肆的风格相对应，是一种乱涂乱花，色彩丰满，节奏断裂，笔触，刀痕，指印或污渍的大杂烩。”
霹雳舞与街头篮球的竞赛场也需要DJ现场伴奏与涂鸦装饰，“所有这一切都是黑人生存，聚合的需要。”被誉为嘻哈音乐教父的Afrika Bambaataa说“这些东西存在的目的不是破坏，而是黑人为了使自己变得积极，从生活中寻找意义。”布鲁克林与纽约布朗克斯取得HIP-HOP因音乐与涂鸦的流行并行交融，街头涂鸦的警句和俚语中寻找歌词灵感，在街舞的节奏中挥霍青春。
狂野风格的画作几乎和工间舞、说唱乐这一黑人的舞蹈和音乐同时出现。他们共同构成了一个HIPHOP亚文化圈。正如涂鸦艺术家用自己的“标志”席卷所有地铁列车一样，说唱音乐人将便携式音响开到震耳欲聋的音量，戴上街头、公园，游乐园。如同涂鸦的画一样，说唱乐也是一种热情洋溢的、类型化的自我吹嘘的方式，歌手的名字也像咒语般反复叨念着。
1973年，涂鸦艺术第一次得以展出，作品是从地铁上的“涂鸦”画案转化到画布上的东西。到70年代后期，涂鸦绘画成为纽约下东城美术馆里的“常客”，越来越多的涂鸦艺术家集结地也建立起来，有些画廊开始专门展示涂鸦艺术家的作品，涂鸦艺术从“地下”开始转向“地上”。到1980年代前半期，离开街头的涂鸦绘画已成为纽约画派最流行的一种绘画风格，也成为了的当时艺术界的一道亮丽风景线。纽约东村所强调的朋克精神与涂鸦的精神内涵相符，东村因此成为涂鸦艺术家聚居的大本营。
——“RAP”大众诗歌
在繁华城市暗面，边缘少年在街头游荡，暴力，梦想，贫穷，毒品，堕落，枪声……规矩少年成长为又破破坏力的成人，街道成为犯罪的摇篮，非法诱惑的温床，贫民区苦难的钥匙。门窗破旧，油漆破烂，冰冷如铁，他们必须跳舞御寒。穷人黑人街区，RAP，是音响背景下，非印刷的节奏性口语。RAP是大众的诗歌。《60分钟》做过这样一个报道，介绍旧金山一少年问题中心用RAP风格的诗歌比赛，以感化和改造物质，精神双重苦闷的少年们。诗歌赛会上的句子，简单，口语，个人话，不复杂，当然，也无精雕和“深刻”。而在够段数的诗歌那里，比如在纽约东村，十年工夫盛行起一种“NUYORICAN”，诗人们大吼自己的作品，握着麦克风，吼着，随着情绪晃着肢体。词类的比赛可以在**“八英里”中看到。1999年四月举行的“全美诗歌月”盛会留下一个让人深思的问题：未来新世纪给语言什么东西。
黑人**的崛起
20世纪30年代，黑人角色开始摆脱单一的反面脸谱，出现了一些忠仆角色。在这之前，黑人在**中都是扮演反面角色。到了60年代， 美国民权运动兴起，反映社会题材的**逐渐增多。种族问题开始被**人注意到，并一再被搬上银幕。20世纪80年代，黑人演员和白人演员担当最佳的拍档。 好莱坞英雄大片横行的时期，阿诺德·施瓦辛格等一批白人超级动作明星应运而生。美国**人为了补救**中的种族主义倾向，便让白人和黑人动作演员配戏。这方面的先驱是1982年的《48小时》，在片中白人演员尼克·诺尔特和黑人演员艾迪·墨菲有着相得益彰的合作。之后这种“黑白配”几乎成了动作片的标准范式，在后来的《纽约大劫案》、《黑衣人》等片，我们都看到了有“黑”与“白”动作明星的组合。20世纪末，时代风向再次发生变化，美国人变得更注重打斗过程中所展现的高科技视觉效果。于是，一批有色人种演员进入了超级动作明星行列。打头阵的是艾迪·墨菲，他的走红很大程度上是因为和白人明星配戏，但后来的黑人明星就完全可以独立出阵了。威尔·史密斯、塞缪尔·杰克逊等黑人演员先后步入超级动作明星的行列。 2002年奥斯卡得奖名单让好莱坞黑人明星扬眉吐气，丹泽尔·华盛顿成为第二个黑人影帝，哈莉·贝瑞更成为奥斯卡有史以来第一个黑人影后。可以说，这时，黑人明星已能够在好莱坞撑起半边天。
此时的美国，种族歧视引起的暴力冲突每天都在发生，黑人明星的花边新闻俯拾皆是。文化冲击在这么一个被称之为“大熔炉”的国家表现到了极致。美国黑人文化在那片遍地黄金的土地上蔓延，扩散，总有一天将冲破种族的束缚，开启新的一扇通往光明的天窗。
布鲁斯 ：
我们知道，布鲁斯即蓝调,在英文中是苦、忧郁的意思。虽然爵士乐包括黑人音乐、英国歌曲、法国舞蹈音乐等等，但布鲁斯是爵士乐的主要成分．布鲁斯产生的时间比爵士乐早，可能是综合了19世纪后半期黑人们演唱的田间号子。宗教歌曲<灵歌>和诉说的民谣演变而来的。布鲁斯的音乐特点，主要在于大调音阶上降第音和降第七级音，有时也降第五级音。这些降半音的音符有小调性的特征，而且唱到这些音时常常带有滑音。颤音，听起来哀声怨语，悲恸凄楚，感情十分丰富，所以也有人将布鲁斯译为“怨歌。当然，布鲁斯歌曲也有一些欢乐、愉悦的作品。布鲁斯的速度舒缓，节拍常为四二拍、四四拍，旋律多含切分节奏。布鲁斯的演唱风格很自由，同生活中的语言情绪结合很紧，假声、呻吟、哭泣、嘟囔都可以用来渲染烘托气氛。布鲁斯这种底层社会的气质，给以后早期爵士乐带来了同劳动人民生活、同黑人民间音乐紧密相连的特色
Grunge
Grunge ——是美国俗语，意指“难看难闻，肮脏丑陋的东西”。 Grunge是“重金属的一种”，但又与“重金属”有所不同，它实际上是发展了70年代的朋克摇滚中诚实、直接、原始与传统对抗的特色。音乐来源与70年代“性手枪”的朋克与“黑色安息日”等的“重金属”。80年代中后期的后朋克噪音音乐也影响了这种音乐。冷漠、怪异、狂躁但又让人感觉耳目一新。山羊胡、圆摆衫、花格衬衣，赤裸上身是这种音乐人的形象表现。
代表人物有：“珍珠酱乐队”、“绿河乐队”、“Nirvana乐队”等。
通俗音乐
通俗音乐（Popular Music）——把专业音乐创作的伤口称为“严肃音乐”，把不表现重大体裁和思想内容的作品称为轻音乐，习惯上人们把通俗易懂、情调轻松的音乐，例如小斯特劳斯的那些圆舞曲等归属这个名词之下，以后，爵士乐、摇滚乐团、轻歌剧情、迪斯科等层出不穷的群众性的歌舞形式愈来愈多，而这些音乐虽然带有自娱的色彩，但有时亦有针贬时事，抨击现实的作品，原先的轻音乐的概念很难把这些都涵盖进去，有一些媒介把这些都为流行音乐，但这样就混淆了深受群众热爱的古典与这些音乐的界线，。现在，理论家们一般都用通俗音乐一词概括这些音乐现象
民谣摇滚
民谣摇滚（Folk Rock）——与其他各种类型的摇滚乐最大的不同点是：民谣摇滚有 一个诞生纪念日，那是1965年的夏天，鲍布狄在纽保特民谣节的表演中，首次放弃了空心吉他，而以电吉他代替伴奏，他是被台下的观众虚下台去的，因为对于只欣赏纯净的民歌的观众来说，电吉他是太大逆不道了。想要用定义来解说民谣摇滚是很困难的，因为它并没有什么固定的节拍或形态。他们多半把他们唱出的歌，看成一种工具，用来检验人生百态。他们在歌曲中，诉说自己的经验，表达自己的感情，描绘自己的感情，歌词中内容转换，而曲子则大都较为柔缓。
**原声带
**原声带（Soundtrack）——**原声带就是将一部**或一部电视剧的主题曲（歌），主要的插曲或配乐录于一起，然后由唱片公司制成Caart,Dnb,CD或DAT/DCC发行。外国早年**已有**原声带，当时称作Caunation。现时的**越来越注重音乐与映像紧密联系所产生的可观性，可以预料，这种趋势将会持续下去。一部优秀的**，如果有动听的乐曲配上，的确令人回味无穷；反过来，一曲优美的**配乐也能令**增色添彩，促进**的销路。
前卫摇滚
前卫摇滚（Progressire Rock）——前卫摇滚可称之曰“走在时代前面的音乐”。前卫摇滚顾名思义代表着前卫革新的意思，它的目的是希望替其时的流行音乐开出一条新道路，让流行音乐更严肃更具文学性、艺术性。根据美国流行摇滚辞典的定义，“凡是摇滚乐园运用各种不同的乐器，主要是电子合成乐器，造出大量的音色泻染，以期获得新的声音与感受，都可以称之为前卫摇滚”。基本上，强调各种电子乐器与设备的运用，才是前卫摇滚的精神。前卫摇滚水仅在歌词和思想层面上倾向文学及艺术性，专业具有完整的要领性。
重金属摇滚
重金属摇滚颇近似硬摇滚,二者界限十分细微,彼此都以巨大的音量打击的节奏和迫人的音感见长。量、打击的节奏和迫人的音感见长。硬摇滚的历史更悠久一些，它直接源于“节奏 与蓝调，它常用刺耳的声音，唱出快节奏的旋律。对于早期的硬摇滚歌迷来说60年代后期电子乐器的加入，才使其延伸成为重金属摇滚。重金属摇滚歌曲织体结构不受任何清规戒律的束缚。为了追求剧烈刺激效果，采用了电子合成器，音响强烈、火爆，键盘乐器、女声部与弦乐组的音色显得格外突出。演奏者不采用纯净、明亮的音质，而热心于追求那极端剧烈地刺激性的效果。演技要求很高，特别是演奏独奏华彩乐段的乐手，更需具备超群的技艺。这些打破或减弱了硬摇滚的艺术情趣，冲淡了歌词的意义和节奏的韵律。
硬摇滚
硬摇滚（Hard Rock）——硬摇滚与重金属摇滚之间界限极微，彼此都以巨大的音量、打击的节奏与迫人的音感为主。不过，从年代来说，硬摇滚比重金属更早一些产生，它直接源自蓝调与节奏。用刺耳的声音，唱出快节奏的歌曲来，这种摇滚乐，都是硬摇滚。对早期的硬摇滚的歌迷来说，60年代后期电子乐器装置的加入，使硬摇滚延伸成为重金属，不过是破坏或减弱了这类音乐的艺术性，也冲淡了词句的意义和节奏的韵律。
交响乐
交响乐——指由几个乐章，至少其一须为奏鸣曲式者构成一体的大型乐曲。为避免混淆，亦多译作交响曲。交响曲的本质是非标题的。几个乐章合起，方能表现一个完整的乐意。然面乐意，并不是故事。交响乐第一乐章多以活泼快板奏鸣曲式，擅长发现适度戏剧性内容；第二乐章则为慢板，或以变奏曲式，或以节略展开部之奏鸣曲式等，以示抒情性；第三乐章复三部曲式。
电子音乐
电子音乐——英文名是TECHML，即电子合成音乐，与其说是高科技的产物，不如说是时代的产物，与过去的摇滚乐有所不同，它更提倡青年人的参与精神，每一个电子音乐的追随者都坚信只有TECHML近乎一百分贝的震撼，才能使人获得心跳每分钟一百三十下的刺激与享受。它要求并不是用耳朵去听，而是要用全身心去感觉。电子音乐的宗旨是爱、和平、团结，这倒与联合国宪章有着异曲同工之妙，对于电子音乐的崇拜者来说，他们推崇的是少说话多思索的人生态度，追求人性中的真善美，并试图以一种博爱精神和世界大同的家庭观念来消除竞争社会中人与人之间的隔阂与冷漠。
摇滚乐
摇滚乐（Pock music）——20世纪50年代兴起于美国的一种通俗音乐。由美国西部的乡村歌手在演唱中吸取黑人音乐的因素而逐渐形成。其中美国宗教歌曲，西部乡村音乐，黑人音乐中的节奏成份和布鲁斯音调等常融成一体。早期的摇滚乐多用吉他、钢琴、鼓、萨克斯管等乐器伴奏，音调奋亢喧闹，乐句简单而不断重复，节奏富有强烈的动力感，歌词内容多为学校生活、爱情等。60年代起转向反抗社会的主题
爵士乐
爵士乐（Jass Music）——1870年美国南北战争之后，黑人取得了一定的社会权利，这使得他们有可能把非洲那富有感染力的旋律和复杂节奏的音乐以及即兴的演唱和欧洲的乐制结合起来。其最早的产物是在正常拍子上进行的高度装饰性旋律的田野号子和自由化旋律的灵歌。这二者都基于五声音阶的民歌又合成新的形式——日后成为形成爵士乐的重要因素之一——布鲁斯。黑人音乐的流行，使白人都有兴趣以所谓“墨面表演”的方式模仿他们的音乐。在新奥尔良还出现了由小号、长号、大号以及黑管和鼓组成的大街乐队，他们又把这一切与黑人的复杂节奏的舞步结合起来，逐渐形成了爵士乐。
狂想曲
狂想曲（Rhapsady）——在希腊文里，Rhapsady是指职业的史诗吟育者，尤其是指那些言词不达意铺张的热狂诗人，这一词亦指史诗中情绪较为自由奔放的朗诵部分。19世纪末，作曲家把这一用在一些具有史诗性、英雄性或具有爱国激情的器乐作品上。李斯特的20首匈牙利狂想曲的乐称，用于那些发扬本民族英雄气概的器乐曲上。
叙事曲
叙事曲（Ballade）——在拉丁文里，Ballade一词原意为舞蹈，但到了14世纪，无论是法文、德文还是英文都转义为“叙事诗”或“叙事歌曲”了，或许早期阶段的叙事歌曲确是有舞蹈表演相随的以致于最后演化为成一个表示叙事舞蹈的词汇：“芭蕾”。肖邦首先采用了这种为游吟歌手所喜爱的诗体作为自己作品的标题，暗示了作品的叙事性质：可能肖邦的灵感确实为某个才所激发，但作曲家希望听众从更其概括的高度理解他的作品，而不致使欣赏趣味为这某个具体的一个故事情节所囿。此后，弗兰克、李斯特通讯布拉姆斯都曾用过叙事曲的标题，为自己作品命名，逐使叙事曲成为音乐会节目单上常见的一种体裁样式
奏鸣曲
奏鸣曲——西洋乐曲体裁。16、17世纪时泛指各种器乐曲。17世纪后，则指类似组曲的器乐合奏套曲。多斯卡拉蒂的古钢琴奏鸣曲为单乐章作品，大多采用古奏鸣曲式。自海顿、莫扎特以后，奏鸣曲系指由三四个乐章组成的器乐独奏套曲（如钢琴奏鸣曲），或一件独奏乐器与钢琴合奏的器乐曲（如小提琴奏鸣曲、长笛奏鸣曲等）。
协奏曲
协奏曲——原指16世纪意大利的一种有乐器伴奏的合唱曲，以别于无伴奏合唱。17世纪后半期起，指由几件或一件独奏乐器与一小型弦乐队互相竞奏器乐套曲。用几件乐器者又称“大协奏曲”，用一件乐器者又称“独奏协奏曲”。近代协奏曲为一件独奏乐器与管弦乐队协同演出的大型乐曲，其形式与结构为莫扎特所确立，通常包括三个乐章。
牧歌
牧歌，或田圆曲（Pastorale）——在英语中，Pastorale一词既有“双牧”又有“农耕”的意思，甚至还有“牧师”的意思，但按照我国音乐界的习惯，译为田园曲，而把牧歌作为另一种合唱曲的铎名了。相传在古代的意大利，有牧羊人在圣诞节早上吹笛进城的传统，加为是他们照料了基督的降生，甚至可以进一步地说，基督本身就是个好牧人。这种乐曲是用笛子演奏的，带有摇篮曲的某些特征，使人们想起种种关于圣婴的故事，低音则是风笛式的长音，这使得乐曲显得安祥而宁谧。这种牧歌渐渐变为带有戏剧内容的一种剧院式的演出形式，它既有诗剧表演，又有音乐的穿插，或许我们又可译作牧歌剧了。19世纪初，浪漫主义兴起，对大自然的崇尚成为愤世嫉俗的一种表示，牧歌的形式又屡屡出现在作曲家们的笔下。
幻想曲
幻想曲（Fantasia）——这是文艺复兴什孚出现的一种器乐曲，按当时的理论家的解释：“它的结构与方式之自由，超乎一般的乐曲”。16世纪时，它更发展为多种多样的形式，从最即兴的演奏记录直到最严格的复调织体，都有可能被称为幻想曲。从某一部歌或什么现成作品为基本素材，进行加工创作的乐曲，亦常被称为幻想曲，比起集锦曲来，或许前者的创作成份更多些，而后者往往只是一些片断的简单联奏而已。
咏叹调
咏叹调又叫“咏唱”。原意是抒情独唱曲。最初是意大利和歌剧、清唱剧中常以歌谣体裁出现的独唱曲，通常篇幅较大，且富于戏剧性，集中体现剧中某一人物形象或心理上的刻划。常为复三段曲式或变奏曲式、回旋曲式。由于其旋律性强，表现力丰富，可在音乐会上单独演唱。
诙谐曲
诙谐曲又称谐谑曲。一种三拍子的器乐曲。其主要特点是节奏活跃，速度较快，常出现突发的强弱对比。常在交响曲等套曲中作为第三乐章出现，以取代宫廷风格的小步舞曲。十九世纪后，出现钢琴诙谐曲。其篇幅、结构、段落更为庞大而对比强烈，其中著名的有肖邦的四首钢琴诙谐曲等。
浪漫曲
浪漫曲是一种无固定形式的抒情短歌或短乐曲。十八世纪后半叶在法国民间、十九世纪中叶在俄国广泛流行。其歌曲的特点为：曲调表情细致，与歌词紧密结合，伴奏亦较丰富；器乐曲旋律富于歌唱性，常由小提琴及管弦乐队演奏
小夜曲
一种黄昏或夜间在室外独唱或独奏的歌曲或器乐曲。渊源于欧洲中世纪骑士文学的一种爱情歌曲。其音乐情绪缠委婉，常为青年人徘徊于恋人窗前时所用，流行于西班、意大利等国。通常用吉他或曼陀林伴奏，如舒柏特的歌曲《小夜曲》等。另外还有一种供乐队合奏的小夜曲，其曲调轻快活泼，始于十八世纪末，常为上流社会达官司显贵餐宴时助兴而用，如莫扎特的《D大调哈夫纳小夜曲》等。
序曲
原指歌剧、清唱剧等作品的开场音乐。十七、十八世纪的歌剧序曲分：法国、意大利序曲类。前者为复调风格，分为慢板、快板、慢板三个乐章，中段为赋格形式，末段较短；后者为主调风格，快慢顺序与前者相反，分为快板、慢板、快板三个乐章。十九世纪以来，作曲家常采用这种体裁写成独立器乐曲，其结构大多为奏鸣曲式，并有标题。著名的序曲有莫扎特的《费加罗的婚礼序曲》、韦伯的《自由射手序曲》、贝多芬的《费德里奥序曲》、罗西尼的《威廉·退尔序曲》、柴可夫斯基的《1812年序曲》驻《罗密欧与朱丽叶幻想序曲等。
交响诗
一种单乐章管弦乐曲，又称音诗，属于标题音乐范畴。由作曲家李斯特首创这一体裁。形式上不拘一格，并根据奏鸣曲式的原则自由发挥，常以诗歌、戏剧绘画及历史事迹等为题材，广泛运用主题变形的手法，塑造出表现特定标题内容的艺术形象。另有交响音画、交响童话、交响传厅等体裁，均相似。著名的交响诗有李斯特的《前奏曲》、《塔索》，德彪西的《牧神午后》、《海》，斯美塔那的《我的祖国》等；我国的交响诗有辛沪光的《嘎达梅林》和施咏康的《黄鹤的故事》等。
组曲
若干短曲连为一体的管弦乐曲或钢琴曲。其中各曲具有相对的独立性。组曲有古典、近代之分。古典组曲又称“舞乐组曲”，兴起于十七与十八世纪之间，是采用同一调子的各种舞曲连接而成，但在速度、节投井下石等方面互相形成对比，如巴赫的古钢琴组曲。近代组曲又称“情节组曲”，兴起于十九世纪，从歌剧、舞剧、戏剧音乐或**音乐中选取若干乐曲辑成，有的根据特定标题内容或民族音乐素材写成，如挪威作曲家格里格的《培尔·金特组曲》、里姆斯基-柯萨科夫的交响组曲《舍赫拉舍达》、德沃夏克的《捷克组曲》等。
进行曲
一种用步伐节奏写成的乐曲。原是舞曲的一种，多用在群众出场、退场的时候。十七世纪起，渐渐转入音乐艺术的领域。当时的进行曲形式，多为二部曲式；现代进行曲常以三段式出现，中段较抒情，以取得对比，用偶数拍子，节奏明确，结构整齐。群众歌曲常用进行曲体裁，如冼星海的《救国军歌》等。
探戈
探戈起源于非洲西部。十九世纪后叶成为流行于阿根廷及其他拉美国家的双人舞蹈，用之于社交舞会。其音乐特点为：中速，2/4或4/4拍子，旋律与伴奏常形成交错节奏，与哈巴涅拉相似。以切分音为其特色，后传入欧洲发展成“大陆探戈”。
波尔卡
捷克的一种民间舞蹈。以男女对舞为主。基本动作由两个踏步和一个跳踏步组成。于十九世纪中叶风行全欧。大致分为急速、徐缓和玛祖卡节奏等三种类型。一般为二拍子，三部曲式，节奏活泼。捷克作曲家斯美塔那最先用之于歌剧和器乐创作中，如歌剧《被出卖的新娘》中的波尔卡。
玛祖卡
波兰民间的一种男女双人集体舞。运作有滑步、成对旋转、女人围绕男子作轻快跑步等。起源于波罗的海沿岸马祖尔人聚居的马索维亚一带。十八世纪起，流行于欧洲各地。其音乐特点为：中速，三拍子，重音变化较多，以落在第二或第三拍上者常见，情绪活泼热烈。作曲家肖邦曾将此体裁加以发展，写了许多著名钢琴独奏曲。
小步舞曲
原为法国土风舞，一种三拍子的舞曲。约1650年传入宫廷，逐步变成速度徐缓、风格典雅的舞曲，流行于贵族社会。十七、十八世纪常用于古钢琴组曲和管弦乐套曲中，作为一个乐章（常为第三乐章），也可作为单独的器乐曲。其结构为三段式曲体，中段常用三个声部写成，故称“三声部中段”，沿习至今。
圆舞曲
起源于奥地利北部的一种民间三拍子舞蹈，分快、慢步两种。舞时两人成对旋转，十七、十八世纪流行于维也纳宫廷后，速度渐快，并始用于城市社交舞会。十九世纪起风行于欧洲各国。现在通行的圆舞曲，大多是维也纳式的圆舞曲，速度为小快板，其特点为节奏明确，旋律流畅；伴奏中每小节常用一个和弦。，每一拍重音较突出，著名的圆舞曲有约翰·施特劳斯的《蓝色多瑙河》、《维也纳森林的故事》等。
回旋曲式
起源于欧洲民间的轮舞曲，十八世纪初叶法国古钢琴曲多用之。以一再反复的基本主题与若干各不相同的“插段”交替出现为原则。其图式为：A（基本主题）+B（第一插段）+A+C（第二插段）+A…。这种曲式适宜于表现活跃欢腾的情景，奏鸣曲、交响曲等大型乐曲的末乐章常用之，以热烈的气氛结束音乐。在歌曲中也有回旋曲式性质的作品，如冼星海的《到敌人后方去》等。
变奏曲式
先奏出一自成段落的主题，然后以一系列的主题变形（即变奏），使主题通过多次不同的变奏而得到多方面的发挥。其图式为：主题——变奏1——变奏2——变奏3……少则三五次，多则数十次。变奏之主题，大都较优美动人。常有用变奏曲式写成的独立乐曲，也有用于奏鸣曲等大型乐曲中（通常用于慢乐章）的，如贝多芬的《热情奏鸣曲》。
一直思考的问题是
我们应当以怎样的姿态审视音乐
如果
Rock&Roll是激进与力量
Pop是温暖
Classic是内敛与绽放
Jazz是苦难与抗争
如果
音乐是生命的历练
那么
我们愿意以尽可能客观的目光
去触摸音乐
放弃所有刻薄的言语
回到最初的宽容
什么是 R&B？
R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般译作“节奏怨曲”或“节奏布鲁斯”。 广义上， R&B可视为“黑人的流行音乐”，它源於黑人的 Blues音乐，是现今西行流行乐和摇滚乐的基础， Billboard杂志曾介定 R&B为，所有黑人音乐除了 Jazz和 Blues之外，都可列作 R&B，可见 R&B的范围是多么的广泛。 近年黑人音乐圈大为盛行的 Hip Hop和 Rap都源於 R&B，并且同时保存着不少 R&B成分。
什么是HOUSE？
HOUSE是於八十年代沿自 DISCO发展出来的跳舞音乐。 这是芝加哥的DJ玩出的音乐， 他们将德国电子乐团Kraftwerk的一张唱片和电子鼓(Drum Machine)规律的节奏 及黑人蓝调歌声混音在一,House就产生啦~ 一般翻译为"浩室"舞曲,为电子舞曲最基本的型式,4/4拍的节奏, 一拍一个鼓声,配上简单的旋律,常有高亢的女声歌唱 DISCO流行后，一些DJ将它改变，有心将DISCO变得较为不商业化， BASS和鼓变得更深沈， 很多时变成了纯音乐作品，即使有歌唱部分也多数是由跳舞女歌手唱的简短句子，往往没有明确歌词。 渐渐的，有人加入了LATIN(拉丁)、 REGGAE(瑞格源在西印度群岛)、 RAP(说唱)或 JAZZ(爵士)等元素， 至八十年代后期， HOUSE冲出地下范围，成为芝加哥、纽约及伦敦流行榜的宠儿。
为什么会叫"House"呢就是说只要你有简单的录音设备,在家里都做得出这种音乐~House也是电子乐中 最容易被大家所接受的
Cher唱的Believe 就是个好例子而M-People可说是House代表团体House舞曲在1986年开始流行后,可说是取代了Disco音乐
House可分为：
Acid House 也就是融合了TB-303的Acid声的House乐
Deep House 有着相当浓厚的灵魂唱腔,又叫作Garage,蛮流行化的 像Real Mecoy, M-People, La Bouche都是Garage团体
Hard House 简单来说,就是节奏较重,较猛的House
Progressive House 这类House没啥灵魂唱腔,反而比较注重旋律和乐曲编排有一 点像"演奏类"的House乐 像SASH!的专辑It's My Life便是很好的Progressive House专辑
Epic House 就是"史诗"House Epic House有着优美,流畅的旋律和磅礴的气势, 很少会有vocal在里面(几乎是没有!) BT的音乐就是很棒的Epic House,而他也被称作"Epic House天皇" 其实连Rock也有"Epic Rock"
Trible House 想像一下:带有非洲原始风貌或是印地安人的鼓奏的House是啥样 这就是Trible House~ 这种House除了有一般House稳定的节奏外,在每拍之间,会加入一些带有原始风貌,零碎的鼓点 蛮有趣的~ 不过,House的范围太广了,大家也不用硬要把一首曲子分类这些只是告诉大家,House很多种"而已。
到了九十年代， HOUSE已减少了那前卫、潮流色彩，但仍是很受欢迎的音乐。
什么是Britpop？
Britpop虽有个“ Pop"字，但其实是 Rock的一种，源於九十年代英伦，中文可译为“英式摇滚”，这是英伦乐坛对美国 Grunge潮的一个回应，主要是以乐队形式出现。不过， Britpop风格其实十分广泛，如 Oasis是结他摇滚乐队， Blur则 Pop很多，而Pulp则接近 Glam Rook及跳舞风格，不过他们都被列作 Britpop。
英国 Britpop代表人物： Oasis 、Blur 、Suede 、Pulp 、Radiohead
什么是 Trip-Hop？
Trip-Hop是英伦/欧洲跳舞音乐的一种，它的名字来源是“ Trip＋ Hip-Hop＝ Trip-Hop”，因为它发源自英国的Bristol，因此最早时称作“Bristol Hip-Hop”。由于把把Hip-Hop（其实很多音乐都是架构在Hip-Hop上的……不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人， 他们多半是用Hip-Hop音乐来跳的。）节奏变慢（有时很慢很慢）加入一些迷幻的味道，如很阴沉，肥厚的Bass，轻微但迷幻的合成音效，或是些唱片的取样，有时可能连唱片的杂音都会被“故意”取样进去。所谓“ Trip”，指迷幻，氤氲的药物旅程，所以， Trip-Hop是种慢板的迷幻的、有 Jazz感觉的、迷糊的、带点 Hip-Hop节奏的 Break beat音乐。它虽然隶属跳舞音乐类，但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音乐所有的明确节拍特色相去很远。
外国 Trip-Hop代表人物： Trip-Hop中公认的铁三角ortishead、 Tricky、 Massive Attack 、Mandalay Moloko 、Coldcut
什么是 Gangsta Rap？
Gangsta Rap是 Rap的一种，以 Rap的内容多与都市罪案有关，充满暴力、色欲感受，这是反映现实的一种音乐路向。 Gangsta Rap於八十年代末期在美国兴起，音乐Rap中的强悍尖锐派，在美国大受欢迎，唱片销路甚高。而不少 Gangsta Rap乐手本身真正“参与”现实中各式罪案，部分更因而入狱甚至死亡，可说是真正反映现实兼令人触目惊心的乐种。
Gangsta Rap化表组合： Ice-T、 Ice Cube、 Dr Dre、 Snoop Doggy Dogg、 2 Pac、 Geto Boys
什么是 Synth Pop？
Synth Pop中的“ Synth”，即 Synthesizer，顾名思义， Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮制出来的流行乐”，当然除 Synthesizers外还会用上其他电子乐器如电脑及鼓机等等。 Synth Pop於八十年代初期开始流行，至八十年代中开始沉寂，当年在香港也曾掀起过一阵热潮。Synth Pop的特点是科技感强，有时会颇冰冷，歌曲多是“三分钟流行曲”（3-minutes Pop），很多时 Synth Pop乐手会作入时打扮。
Synth Pop代表组合： Depeche Mode、 Human League、 Duran Duran、 OMD、 Gary Numan
什么是 ORCHESTRA ？
ORCHESTRA就是管弦乐团，它分成四部分： 1弦乐，包括小提琴、大提琴等， 2铜管乐 3木管乐和 4敲击乐四组。弦乐组每种乐器有多人演奏（竖琴除外），四组演奏者由一人统筹兼领导，他就是乐团的指挥。ORCHESTRA於17世纪出现，到18世纪因海顿和莫扎特的作品而清楚地建立模式。19世纪加入了些新乐器，乐团人数加大。 ORCHESTRA是西方古典/正统音乐的正宗。西方流行/摇滚乐也经常运用 ORCHESTRA的部分或全部团员协助演出。
什么是 CHAMBER POP？
CHAMBER POP是指典雅、高贵、精致的一种流行乐，它有一定的古典音乐感觉。 CHAMBER MUSIC一词来自古典音乐，中文叫“室内乐”，是种小组弦乐演奏曲式，气氛高雅。CHAMBER POP於九十年代兴起，是对当时的 LO-FI及 GRUNGE的一种反应，强调优美的旋律、精致的配乐、乾净的录音，每每多用弦乐、管乐制造巴洛克时代的音乐感觉。外国代表乐队有 THE DIVINE COMEDY， RIALTO， ERIC MATTHEWS及 BALLE & SEBASTIAN等，香港则有黄耀明、部分的彭羚、部分的 MULTIPLEX等等。
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