西方芭蕾舞蹈史

芭蕾是法语Ballet的音译，来源于古拉丁语Ballo，最初的意思为“跳跃”，但专指跳舞，意思是在晚会里表演舞蹈或当众表演舞蹈，并不具有剧场演出的意思。狭义上的芭蕾是指古典芭蕾，专指15世纪出现的，历经300年发展而成，有严格的审美标准与技术规范的古典舞种。广义上的芭蕾，历史上曾泛指所有的舞蹈，既包括欧洲特有的古典舞蹈，又包括多种多样的表演性舞蹈，如歌舞剧中的舞蹈场面、话剧的插舞以及歌舞朗诵结合在一起的情节舞蹈等。

有了正确意义上的芭蕾概念，我们就可以从时间上分析芭蕾这种舞蹈形式的产生过程。任何一种新生事物的产生除具有其历史背景、地理背景和文化背景外，还要有一些关键性的人物对其起到重大的激发和推进作用，芭蕾也不例外。

芭蕾舞产生于15世纪文艺复兴时期的意大利，这种艺术形式诞生于此时是有着深刻历史原因的。文艺复兴时期，在人文主义思潮的影响下，人们开始重视人体本身的价值和作用，社会经济迅速发展，为人们在衣食丰足之余开始追求自身的价值和艺术的和谐美感创造了条件。而科学与文化的普及，使人们从蒙昧中挣脱出来，开始追求至真至美的艺术体验。在社会上层，王公贵族竞相把艺术作为炫耀自己权势的工具，希图借助艺术来扩大政治影响，因此不惜巨资来攀比竞争。文化艺术在这一时期得到了空前发展，在古朴的民间舞蹈基础上，一种新兴的、带有固定风格和基础技巧的艺术形式——早期宫廷芭蕾诞生了。历史上第一部大型芭蕾舞剧《王后喜剧芭蕾》上演于1581年，这是第一部较为完整的芭蕾舞剧，是为了法国王后路易丝·玛格丽特与姚幼斯公爵的婚礼而准备的。该剧衣饰奢华，演出阵容庞大，演出长达5个多小时，可以说是芭蕾艺术的开山之作。该剧作者系意大利音乐家、舞蹈家博洛耶，他所创作的舞剧，并非为了表达故事或情节，而仅仅是为宫廷服务，为表现皇宫贵族的权势、气派和尊贵身份而服务。如在皇后洁白的长裙上缀饰一颗闪亮的宝石，足以表明皇宫贵族的奢华程度。这可视为芭蕾的滥觞。

任何一种艺术形式，在产生之后都要进一步完善与发展，这样才能拥有顽强的生命力，才能永葆艺术青春。在时间的洪流中，只有不断结合新的时代特色，艺术才能起到“高台教化”的作用，芭蕾也是如此。

产生于文艺复兴时期的欧洲芭蕾，17世纪末逐渐没落，因为其存在的物质基础——欧洲封建主义日渐败落，作为上层建筑艺术形式的芭蕾舞自然也开始颓败。到了18世纪，因为工业化生产而崛起的英国新兴资产阶级逐渐迈上历史舞台，于是芭蕾艺术复兴了，并在18世纪后半叶作为一门独立的艺术形式而存在。芭蕾艺术发展至今基本可以用三个阶段来划分：古典主义芭蕾时期、浪漫主义芭蕾时期、现当代芭蕾时期。

古典芭蕾舞

古典芭蕾是以古希腊、古罗马民间的家族式舞蹈为基础而萌发的，具有自然纯朴的表演风格，而野外露天起舞则是其最明显的特征。

19世纪后半叶，古典芭蕾舞艺术在俄罗斯达到了鼎盛时期，取代法国成为世界芭蕾的中心。鼎盛时期，俄罗斯有以《睡美人》（1890）、《胡桃夹子》（1892）和《天鹅湖》（1895）三大舞剧为代表的一大批经典剧目，音乐作者均为俄罗斯乐坛不朽大师柴可夫斯基。被誉为“古典芭蕾之父”的法国芭蕾大师马里斯·佩蒂帕从法国移居俄罗斯，对俄罗斯芭蕾艺术的发展可谓功不可没。他先后创作了54部完整的芭蕾舞剧，复排了17部传统芭蕾舞剧。除以上三部惊世之作外，他还排有《唐·吉珂德》《舞娘》等剧目。此外，佩蒂帕还创立了双人舞和性格舞两大舞蹈形式。

俄罗斯的古典主义芭蕾，以其日渐强大的政治经济为背景，一改法国贵族的娇贵习气，雄浑刚劲，力量逼人，更添加了俄罗斯人的个性特征，一度代表了世界芭蕾的顶级水平。如果说浪漫主义芭蕾以柔美见长，那么古典主义芭蕾则是以力量和剧情取胜。

浪漫芭蕾舞

19世纪初期，舞剧多以描绘仙女及超自然灵体为主导方式，后来演变为突显各种灵体的专门艺术，这一阶段产生的舞剧情节浪漫，亦幻亦真，因此这一阶段被称为浪漫主义阶段。

巴黎作为芭蕾的活动中心，先后出现了以《仙女》（1832）、《吉赛尔》（1841）和《葛蓓莉娅》（1870）为代表的一大批传世经典。这个时期芭蕾在舞剧题材上创造的童话取向，在审美观念上奠定的“轻盈飘逸”感觉，在动作上确定的“垂直挺拔”姿态，对以后的芭蕾创作、训练、表演与欣赏，都有着重大而深远的影响。上演于1832年的经典芭蕾舞剧《仙女》，女主角塔里奥妮开创性地使用特制舞鞋，并使用脚尖跳舞，成为传世典范。此时的芭蕾，早已从宫廷转至民间，上演于各大剧场，优秀的女演员更是层出不穷。裙子日渐短小、姿态日渐轻盈等逐渐成为浪漫芭蕾的标志。浪漫主义芭蕾艺术堪称芭蕾发展史中最重要的阶段。

现当代芭蕾

到了20世纪中期，芭蕾舞传统模式和技巧逐渐被打破，动作日趋多元化，舞剧也脱离了剧情的限制，成为情感表达的工具，这种糅合了多种现当代元素的舞蹈形式被称为现代芭蕾。

芭蕾自15世纪发端，先后走过了朴素的席间芭蕾、华美的象征主义芭蕾（浪漫主义芭蕾）、庄重的古典芭蕾、新鲜而充满活力的现当代芭蕾这些历程。然而，这种线形递进式的发展，并不是每一阶段都彻底停滞死亡才发展到下一阶段，而是一个历史阶段逐渐覆盖、逐渐替代下一个历史阶段，循序渐进地进步。

芭蕾形态则籍此逐步演进、升级而日臻完善。20世纪芭蕾的发展进入多元化时代，出现了风格多样而互动、流派争妍且融通的态势，用图标表现则呈伞型焦点辐射状。现代探索型新作魅力四射，19世纪经典舞剧依旧风光，交响芭蕾与戏剧芭蕾并行不悖，长篇巨著和精致小品相映成趣，各民族文化的注入使得芭蕾愈加异彩纷呈。

芭蕾艺术不断地发展，一次次衰败又一次次兴盛，经过历代艺术家结合时代特色对其进行改革，至今依然具有顽强的生命力，这说明芭蕾长时期以来建立的科学、完整的训练体系确有其独到之处。同时，芭蕾的改革也说明了其具有广阔的包容性和吸纳能力。包括芭蕾在内的任何一种艺术形式，在生存为第一要务的指引下，必须不断发展、创新、适应新时期的需要，适应受众的感官需要，在进一步提升自己的同时，起到引导艺术欣赏品位的作用。只有这样，芭蕾才可以长盛不衰。可以设想，芭蕾今后的发展，必然要进一步吸收时代精神和接受文化滋养，也只有如此，芭蕾这一艺术形式才能恒久地发挥其艺术魅力。建议你看一本书 芭蕾的审美取向与价值 我的回答还满意么

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舞剧《朱鹮》：撕裂轻盈之美的现实疼痛

2015年03月26日15:17 | 来源：新民晚报

原标题：舞剧《朱鹮》：撕裂轻盈之美的现实疼痛

　　舞剧《朱鹮》以国际珍稀保护鸟朱鹮为题材，表现人类在近代社会现代化和城市化的进程中，与自然、与环境、与各种生灵相伴相生休戚与共的同命关系。初看这个介绍，不禁心生疑窦，如此复杂、沉重的话题如何用以唯美著称的舞剧呈现呢？日前在上海大剧院观赏完由上海歌舞团原创的舞剧《朱鹮》后，不得不为之叹服。

　　《朱鹮》分为上下篇，上篇展现了农耕时代，淳朴的村民与优雅的朱鹮和谐相处的美丽图景。女舞者们穿着红色的舞鞋，前短后长、白色为主间以橘红色的“羽衣”，形象地展现了朱鹮亭亭玉立的造型，而当舞者们舞动起来时，带有古典芭蕾、中国民族民间舞的韵律、美感的独特舞姿，栩栩如生地呈现了朱鹮的矜持、高贵，尤其是头部的轻点、转动等微妙动作酷似鸟儿。鹮仙与樵夫的双人舞深情而浪漫，其中，樵夫模拟鹮仙舞姿的细节，让人莞尔，樵夫从开始的笨拙模仿到后来的舞姿灵动再到最后与鹮仙合二为一地和谐共舞，体现了人类与朱鹮之间的圆融一体、情意相通，这种不同生灵间的真挚情感已远远超越了世俗爱情的境界。

　　而这些空灵的景象在舞剧的下篇，忽然消失得无影无踪，舞台的背景变换成了荒芜的废墟，幽暗的灯光下，一群舞者穿着灰色的服装跳着现代舞，他们神情黯淡，动作机械，甚至曲起双臂掩住口鼻，让观众立刻联想到自身所处的糟糕的环境，恶劣的空气。极具现代化的气息，压抑阴郁的氛围，恍惚间，让人有种错觉，仿佛穿越到了另一部舞剧，但一片飘浮在空中的、被一个个路人急速抛掉的羽毛又让人牵挂起朱鹮，此时再次出现的鹮仙，“羽衣”的前胸处已由粉橘色变成了灰黑色，原本优雅、轻盈的舞姿变得焦虑、沉重，她与青年的双人舞依然缠绵，却饱含了忧伤，一同感受着环境之虞下的生命之痛。

　　从上篇到下篇，直接从远古切换到近现代，两个极端对立的舞台效果间的对抗极大地增强了戏剧张力，更让人有一种被撕裂的痛感。刚入下篇，观众脑中还意犹未尽地回味着“吉祥之鸟”列队行来的款款舞姿，眼前呈现的却是生存环境遭到破坏后朱鹮们的死亡群像，生命被扼杀的惨烈，不由唤起了正承受着破坏环境的恶果的人们的现实疼痛。下篇后半段中，朱鹮成为博物馆内的标本，学生们到此观摩，这一部分的场景叙事稍显突兀，却也体现了编导将视角直接切入现实的用心。舞剧最后，朱鹮又重生了，也意喻到了今天曾濒临灭绝的朱鹮又出现物种复苏的吉兆，此时台上再现的美也显得更为珍贵。如果舞剧《朱鹮》止步于上篇的美轮美奂，那么只能达到让人赏心悦目的审美浅层，幸而有了下篇美被撕裂的现实呈现，引发人们切肤的疼痛，才能激起深层的反思。

　　简约、质朴的舞美设计，大写意的舞蹈语汇，铺排中强烈的视觉冲击，舞剧以特有的艺术魅力凸显了一个深邃的主题：为了曾经的失去，呼唤永久的珍惜。同时，也正因为有了沉重的立意、丰富的文学内涵，才使得朱鹮们的轻盈之美有了更为深刻的内在支撑。

都好。

单人在比赛时，可以展现自己，自己愿意想做什么动作就做什么动作，即使忘了动作，裁判员也不知道，并且，单人跳不用拘束自己。而双人跳，可以练出两人的默契，感觉上也很浪漫，同时也会练出两人之间的推拉力。