什么是巴洛克风格

问题一：巴洛克风格是什么意思啊？ “巴洛”是一种风格术语，指自17世纪初直至18世纪上半叶流行于欧洲的主要艺术风格。该词来源于葡萄牙语barroco，意思是一种不规则的珍珠。文艺复兴时期的人文主义作家用这个词来批评那些不按古典规范制作的艺术作品。

巴洛克建筑是17～18世纪在意大利文艺复兴建筑基础上发展起来的一种建筑和装饰风格。其特点是外形自由，追求动态，喜好富丽的装饰和雕刻、强烈的色彩，常用穿插的曲面和椭圆形空间。

参考资料：

zhidaobaidu/question/254923503

问题二：什么是巴洛克风格 baikebaidu/view/19875

看看吧

问题三：巴洛克风格是什么 巴洛克风格服装特点 巴洛克（Baroque）一词来源于葡萄牙语“Barocco”，意指形态不够圆或不完美的珍珠，最初是建筑领域的术语，后逐渐用于艺术和音乐领域。在艺术领域方面，巴洛克风格的特征是精致细腻和繁复华丽的，整体风格呈现奢华和追求极致的艺术感受。

SUNSHINE（阳光时尚）服饰则在本季的新品设计中将巴洛克风格的设计思想充分融入，在凸显服装品位的同时，根据不同产品的特点，SUNSHINE服饰将本季的产品设计分为三个系列：重返60年代、乡村绅士和英国乡村风格。

一、重返60年代系列

SUNSHINE阳光服饰在这个系列里，以商务休闲为主，代表款式以欧美60年代的男影星、政要的穿着为设计元素，SUNSHINE设计师将浓重的怀旧和复古情绪融入到设计中，主打色为灰色，辅助色则为蓝色、黑色。

阳光时尚服装2011秋冬重返60年代系列的色彩组合颇具功力，设计师将各种不同深浅的灰色混搭，将不同深浅灰色的纱线，通过各种不同的组合来突现面料的肌理或是针织花型。SUNSHINE设计师还将蓝色与灰色搭配，以羊毛呢料为主要面料，款式以双排扣，无肩垫单西为主。

阳光时尚服饰灰色同深蓝色的搭配的新品则以单西装为主，风格以时尚修身为主。黑色同灰色的搭配，其中主要以花纱的形式出现，品以休闲舒适为主，毛衫中以花灰、花纱为主。

SUNSHINE服饰2011秋冬重返60年代的配饰则包括更具绅士感觉的毛呢礼帽、英国绅士风格的正装皮鞋。

二、乡村绅士系列

SUNSHINE2011秋冬乡村绅士系列设计主旋律是波西米亚风格，呈现一种优雅随意的贵族气息，用繁复的细节传达贵族气质。这个系列服装新品风格都很细腻，用很多看似没有关联的小细节来随意的搭配，最终传达出高贵的时尚风情。

SUNSHINE服饰乡村绅士系列的色彩搭配以紫色和酒红色为主。

紫色搭配则以紫色同灰色的搭配最有特色，以深紫为主色，稍微浅一些的深紫主要在搭配上使用。整体服装的风格以商务休闲为主。酒红色同浅灰同深蓝的搭配非常抢眼，小配件的设计也是以酒红色为主，酒红色同灰色的搭配风格则更加适合商务人士。

SUNSHINE2011秋冬乡村绅士系列的配件设计注重细节的体现，波西米亚风格的大丝巾，以及运用带有巴洛克风格的图案花型的面料。

三、英国乡村风格

SUNSHINE服饰2011秋冬英国乡村系列以商务休闲为主，强调随性的生活方式，以舒适的打扮、优雅周末着装风格为主。颜色上以大地相关的颜色为主要颜色，设计师选用咖啡色和米色为主色系，以深军绿为烘托色。英国乡村元素中绿、黄绿为主苏格兰格子出现较多，装饰上会搭配皮扣子或皮配件等。

阳光服饰本季英国乡村风格中绿色同驼色的搭配也很有看点，绿色为主色，在驼色的衬托中展示别样的风情。在绿色和驼色的组合中，迷彩风格的设计适当的加入，但服装的风格不是粗狂，设计师自如的设计使整体风格呈现更精致和更尊贵的气质。

问题四：什么是巴洛克风格 “巴洛克”是一种风格术语，指自17世纪初直至18世纪上半叶流行于欧洲的主要艺术风格。该词来源于葡萄牙语barroco，意思是一种不规则的珍珠。文艺复兴时期的人文主义作家用这个词来批评那些不按古典规范制作的艺术作品。

巴洛克建筑是17～18世纪在意大利文艺复兴建筑基础上发展起来的一种建筑和装饰风格。其特点是外形自由，追求动态，喜好富丽的装饰和雕刻、强烈的色彩，常用穿插的曲面和椭圆形空间。

问题五：什么是巴洛克风格 巴罗克风格

巴罗克艺术的开始首先是以意大利的罗马为中心，继而传向西班牙、德国、澳洲、法国和英国。巴罗克艺术虽然起源于意大利，但巴罗克风格的盛行是在1620年间，由佛兰德斯的安特卫普首先拉开序幕。在法国路易十四时期，巴罗克家具最负盛名，跃居欧洲各国的领先地位，成为巴罗克风格的经典范例。其他如英国的雅各宾式、威廉玛丽式及美国早期殖民地式的家具亦较具影响。

巴罗克风格中常见的雕饰图案有不规则的珍珠壳、美人鱼、半人鱼、海神、海马、花环、涡卷纹等/在法国，巴罗克风格的桌类家具还常常运用人体雕像来桌面的支撑腿，或桌面下的横托装饰。巴罗克家具在表面的装饰上，除了精致的雕刻外，金箔贴面、描金添彩涂漆及薄木拼花装饰亦很盛行。

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另外还有

古代埃及

埃及是世界上最早的文明古国之一，位于非洲东北部尼罗河的下游。丰富的物产以及温暖而肥沃的土地，使得古埃及人民早在公元前2650年就建造了宏伟的宫殿、庙宇和堪称奇迹的“金字塔”。

埃及人相信人死后可以在另一个世界继续“过活”，就象植物在冬季死去，来年可以再生一样，所以埃及的祭司们相信，只要把他们的统治者，威力永无穷的法老王的遗体保存起来，他们就可以在墓室内和墓室外继续“生活”。就产生了著名的“木乃伊”以及装饰华丽的棺匣和墓室--牢固的金字塔。

出于对死后复生的信念，古埃及的王公贵族们把坟墓看作是永久的“住宅”，必须布置得与死者生前情景一样，放上必备的家具、食品、饮料、兵器、首饰及化妆品。不过，家具在这个环境，它是为统治者的等级观念而设计的，尤其是椅子，被看作宫廷权威的象征，这其中较具代表性，是从18王朝法老图坦卡蒙（公元前1361-前1352）陵墓中发掘出的一把御用的金椅。椅背上的贴金浮雕，表现了国王生前的生活情景。王后正在为国王涂圣油。背面的人物服饰用彩色陶片和宝石镶成。其他的家具如现存最早的椅子是从第四王朝赫特菲尔斯陵墓中出土的黄金扶手椅和黄金床等。他们同当时的建筑一样，都具有安定庄重、威严华贵的特征。在形象上，多将家具的腿雕刻成牛蹄、马脚和狮爪状；材料上，用芦苇编织小桌子和装饰台，用皮革、灯芯草和亚麻绳做叠凳、椅和床的蒙面料。装饰手法多为豪华的金银、象牙及宝石镶嵌和丰富的纹样彩绘与雕刻。

两河流域

古巴比伦和亚述的家具创作灵感多来源于自然形态的特征。有一块描述森那凯里布（公元前704-681年）大帝进攻敌城堡的浮雕中所表现的椅子，用松塔圆台装饰椅子腿，将征战的俘虏作为支撑椅子的框和横木，还有高高的踏板以及异常高的坐面等。通过椅子中人物的形象描绘，炫耀东方统治者权威的特征。

另一块表现阿瑟巴尼帕尔（公元前668--631）国王和王后进餐的石刻中，真实的描写了古代亚述式家具的式样。国王随心所欲地半卧在床上与一旁端左的王后正在一边进餐一边交谈。

古代希腊

从公元前7世纪至公元前8世纪，古希腊的文明达到了极盛时期。公元前5世纪左右，古希腊式的住宅内出现了客厅、卧室、起居室的划分。一般家庭中也有椅子、桌子、床和箱子等实用性家具，可惜古希腊家具的遗物很少。现今我们只能从建筑石刻和瓷瓶画上来了解当时的辉煌成就。

克里奈躺椅是好客的希腊人的常用家具之一，从出土的花瓶图案上可清楚的见到躺椅的下面放有小桌，需用时可拉出，上面放食物和饮料。克里斯莫斯椅则是古希腊时期最原始的一种妇人用椅。靠背采用了适合人体背部曲线的设计和向外弯曲的洋刀状椅腿，优美的造型和合理的功能结构造型，充分体现了古希腊人在座具设计上的聪明才智。

古罗马

罗马人在共>>

问题六：什么是巴洛克艺术 巴洛克风格特点 意大利的巴洛克艺术，首先表现在建筑与建筑装饰上。这种艺术的特点是色彩华丽、讲究形式美。在16世纪20年代，佛罗伦萨与罗马是它的中心。至17世纪，学院派艺术奠基于波伦亚，他们坚持古代文艺复兴时期的艺术传统，并把这种传统视作不可逾越的典范。这一派的代表人物是该学院的奠基者路道维柯・卡拉齐（1555－1619）、阿哥斯提诺・卡拉齐（1557－1602）与安尼巴尔・卡拉齐（1560－1609）三兄弟。可是他们的绘画风格虽称反对巴洛克的过事矫饰，事实上却又想吸收巴洛克的装饰风格。只不过是使古典的理想美与当代巴洛克的官能 相结合，因而取得了教廷与官方的赏识。波伦亚学院派的艺术家们在罗马、波伦亚、威尼斯、巴马等地接受了大量 装饰宫殿与教堂的绘画任务。留下了许多光彩的夺目作品。这些壁画有宏大的构图。天顶画有透视的幻觉，而且他们往往把雕塑、绘画、建筑三者混合在一起，造成强烈的装饰效果。这种巴洛克装饰画，不能不说是一种引人入胜的美术新发展。这一幅天顶画《伊洛纳底乌斯的荣光》就是此种风格的杰作之一。 这幅天顶画的作者是意大利后期巴洛克画大师安德列・德尔・波佐（1642－1709）。波佐是特利安人，曾在米兰受艺术教育，早年崇拜卡拉齐兄弟创始的学院风格，后来渐渐从巴洛克画风中学会以夸张空间来表现宗教情节的手法，使壁画增强了它的空间魅力。1665年，他加入耶稣教团，被派赴各地从事新教堂壁画创作。大约从1702年起，他在维也纳从事了很长一段时间的创作。所以，他在意大利除了与卡拉齐兄弟的学生们一起先后所作的那些巨幅壁画与天顶画外，别无更多的影响，这一幅天顶画是他的代表作。 波佐善于处理复杂的虚构透视，把人物形象置于更大的空间。这种画如没有熟练的透视缩短法技巧，是很难展现其效果的。他先后为罗马圣依克纳蒂教堂的圆形屋顶、半圆形壁龛以及长廊制作了几幅壁画。这一幅天顶画在罗马桑蒂涅亚乔教堂内，是呈长方形的一间客厅顶部。 这幅天顶画上有数百个人物，都是《圣经》传说中的形象：历代主教、天使、圣徒、马利亚、耶稣与上帝等。但大多以裸体、半裸体来展现。高空的最中心处是伊洛纳底乌斯背负十字架升入天国的景象。左侧站在高空云端里的是基督形象。所有形象呈飞翔姿态。周围云气缭绕，衣披的彩色缤纷，使整个天顶显得豁然开阔。当你仰视此画时，会觉得此间大厅是敞顶似的，给人以神秘与不可思议的心理感受。甚至连观者自己似乎也随之飘浮升腾起来。这正是巴洛克装饰艺术的感染力量。当你惊叹不已时，教会的最终目的也就达到了。 波佐的艺术成就不仅是这些壁画。1693年，他还著述了一部研究建筑绘画的书，题为《画家和建筑师的透视学》

问题七：巴洛克风格和洛可可风格的主要区别是什么 巴洛克风格于17世纪盛行欧洲，强调线形流动的变化，色彩华丽。它在形式上以浪漫主义为基础，装修材料常用大理石、多彩的织物、精美的地毯，精致的法国壁挂，整个风格豪华、富丽，充满强烈的动感效果。

洛可可风格，其爱用轻快纤细的曲线装饰，效果典雅、亲切，欧洲的皇宫贵族都偏爱这个风格。（洛可可是在巴洛克之后,比巴洛克线条更轻快更纤细,多运用贝壳的曲线。）

――凡尔赛宫里头的钟室内部装饰即为一处著名的洛可可式建筑

巴洛克风格的主要特色是强调力度、变化和动感，强调建筑绘画与雕塑以及室内环境等的综合性，突出夸张、浪漫、 和非理性、幻觉、幻想的特点。打破均衡，平面多变，强调层次和深度。使用各色大理石、宝石、青铜、金等装饰华丽、壮观，突破了文艺复兴古典主义的一些程式、原则。

洛可可风格的总体特征是轻盈、华丽、精致、细腻。室内装饰造型高耸纤细，不对称，频繁地使用形态方向多变的如“C”“S”或涡券形曲线、弧线，并常用大镜面作装饰，大量运用花环、花束、弓箭及贝壳图案纹样。善用金色和象牙白，色彩明快、柔和、清淡却豪华富丽。室内装修造型优雅，制作工艺、结构、线条具有婉转、柔和等特点，以创造轻松、明朗、亲切的空间环境。

洛可可式建筑风格它以欧洲封建贵族文化的衰败为背景，表现了没落贵族阶层颓丧、浮华的审美理想和思想情绪。他们受不了古典主义的严肃理性和巴洛克的喧嚣放肆，追求华美和闲适。洛可可一词由法语ro-caille（贝壳工艺）演化而来，原意为建筑装饰中一种贝壳形图案。1699年建筑师、装饰艺术家马尔列在金氏府邸的装饰设计中大量采用这种曲线形的贝壳纹样，由此而得名。

洛可可风格最初出现于建筑的室内装饰，以后扩展到绘画、雕刻、工艺品、音乐和文学领域。

洛可可建筑风格的特点是：贝壳和巴洛克风格的趣味性的结合为主轴，以室内应用明快的色彩和纤巧的装饰，家具也非常精致而偏于繁琐，不像巴洛克风格那样色彩强烈，装饰浓艳。德国南部和奥地利洛可可建筑的内部空间显得非常复杂。

洛可可装饰的特点是：细腻柔媚，常常采用不对称手法，喜欢用弧线和 S形线，尤其爱用贝壳、旋涡、山石作为装饰题材，卷草舒花，缠绵盘曲，连成一体。天花和墙面有时以弧面相连，转角处布置壁画。

为了模仿自然形态，室内建筑部件也往往做成不对称形状，变化万千，但有时流于矫揉造作。室内墙面粉刷，爱用嫩绿、粉红、玫瑰红等鲜艳的浅色调，线脚大多用金色。室内护壁板有时用木板，有时作成精致的框格，框内四周有一圈花边，中间常衬以浅色东方织锦。

问题八：什么是巴洛克风格，巴洛克风格特点，巴洛克装修 巴洛克风格作为一种风格，在绘画风格上却一直是备受争议的问题。因为巴洛克的原意有不整齐、扭曲、怪诞的意思。巴洛克风格在它的艺术精神和手法上，都与繁盛时期的文艺复兴时期艺术有明显的区别，它是在封建天主教复辟后，随着贵族统治的巩固而发展起来的。・儿童房装修效果图大全2012・儿童房飘窗设计・儿童房手绘墙画・儿童房样板间巴洛克风格特点有哪些………………………………………………………………………………… 巴洛克风格特点一：豪华。它既有宗教特色又有享乐主义的色彩；特点二：它是一种 艺术，非常强调艺术家的丰富想象力；特点三：极力强调运动，运动与变化是巴洛克艺术的灵魂；同时巴洛克风格还具有关注作品的空间感和立体感、强调艺术形式的综合手段、浓重的宗教色彩、远离生活和时代的倾向、优雅与浪漫等特点。巴洛克风格特点之家具特点………………………………………………………………………………… 前面已经谈了巴洛克风格艺术的特点，接下来，给大家分享一下这种风格的家具有哪些特点呢？巴洛克风格家具特点：雄伟、带有夸张的、厚重的古典形式，雅致优美重于舒适，虽然用了垫子，采用直线和一些圆弧形曲线相结合和矩形、对称结构的特征；既有雕刻和镶嵌细工，又有镀金或部分镀金或银、镶嵌、涂漆、绘画。结语：巴洛克风格特点就分享到这里了，总之，巴洛克风格是一种追求繁复夸饰、富丽堂皇、气势宏大、富于动感的艺术境界的风格，展现给大家的是一种优雅、华贵的感觉，就像巴洛克风格家具一样，看上去大气十足，雍容华贵。

 第一集

美索不达米亚和古埃及的艺术

美索不达米亚：希腊语意义为两条河之间的土地（底格里斯河和幼发拉底河），一个区域

 埃及人痴迷于死亡和来世 

 脸是侧面的，眼睛是正面的， 身体是正面的，腿和脚是侧面的

第二集：古希腊与古罗马艺术

几何风格时期

对人物的描绘开始更加真实，加头发，加细节

经典的黑绘风格、红绘风格

古典时期

女神雅典娜神庙

古典时期的雕塑在变得更加真实的同时也变得更加理想化，寻找在数学意义上最完美、美丽的人体身材比例

真实身体大约65-7头身，但是8头身则会更加有感染力，现在的漫画家们也会采用这个理想比例来画超级英雄。

 古典时期结束，进入希腊化时期

希腊的雕塑家创造雕塑，添加更多情感和动作

 罗马时代，罗马时代接受了希腊文化

罗马时代的建筑风格：穹顶、拱门，罗马时代的风格传遍了整个欧洲

第三集：中世纪与拜占庭时期艺术

西罗马和拜占庭帝国，西边拉丁语，东边希腊语

这时期因为教会是主要的艺术赞助人，所以大多数的中世纪画作都以宗教为题材

中世纪后期的西方艺术家对自然界和人物描绘更加真实，几何透视空间感

第四集：文艺复兴时期的艺术

中世纪崇尚精神，贬低肉体

十四世纪中期， 一位名叫彼特拉克的意大利诗人、拉丁语学者、在他的作品中将基督教和传统希腊罗马的思想融合为一体，并重新激起了人们对所谓“异教徒的过去”的兴趣，者开启了文艺复兴时期，或“新生”，人们的关注点从以上帝为中心转为以人为中心，形成了人文主义这一概念，humanism。

文艺复兴时期的重要人物：>>>

布鲁内莱斯基：金匠，建筑师，工程师，雕塑家，数学家，创造了线性透视法，水平线和灭点，汇聚所有线，可以使物品具有空间感；修建穹顶；

多纳泰罗：金匠、雕塑家、建筑家；雕刻浅浮雕通过线性透视使其更具有纵深感

莱昂纳多达芬奇：画家、雕塑家、科学家、建筑家

米开朗基罗：

拉斐尔：

《雅典学院》描绘了柏拉图、亚里士多德、等其他哲学家、数学家、科学家互相分享和学习的长江

北方文意复兴，扩散到欧洲其他部分，比起古典主义，更喜爱现实主义

杨凡艾克：画家

1519达芬奇去世，1520拉斐尔去世后，艺术家们否定了文艺复兴鼎盛时期的价值观，推崇更加强烈的、矫饰的风格，出现了各种风格主义者艺术家（mannerism）

文艺复兴时期是一个拥有无数伟大发明、发现、富有创造力的时期，（14，15，16世纪）

哥伦布发现新大陆、古登堡发明印刷机、马丁路德发起宗教改革、哥白尼、伽利略

文艺复兴对西方美术的影响是持续的。

第五集：巴洛克、洛可可和新古典主义

16世纪早期，马丁路德的宗教改革引起了宗教秩序的骚动，

17世纪初期，天主教为了反击宗教改革的势力，极力推进巴洛克运动，为了增加天主教对大众的吸引力，巴洛克的艺术家利用作品的戏剧性与动作表现等方式来吸引观赏者，

例如，同样是《大卫》，这时期的贝尼尼版本，捕捉了转身的瞬间动作与动态张力。

巴洛克的建筑也采用了戏剧的手法，把文艺复兴时期笔直的线条转化为平滑流畅的曲线，精美的穹顶，和各种各样的装饰物。

艺术手法：明暗对比法，通过暗阴影和局部光亮渲染戏剧感

同期，卡拉瓦乔把这种明暗对比法注入了教堂十分欣赏的现实主义，进行画作

巴洛克时期标志着风景成为了一个可以接受的绘画主体，

例如克洛德洛兰的作品，

伦勃朗：明暗对比，肖像画

洛可可时期开始于18世纪，洛可可艺术是属于贵族的，也是服务于贵族的，洛可可赞美上流社会的休闲活动 。精美、易碎、奢靡

新古典主义风格：

洛可可风格标志着文化和时尚中心从罗马转移到了巴黎。但洛可可时期贵族们的荒*无度，也迅速导致了法国大革命的发生。艺术界也产生了对洛可可的反抗，这就是新古典主义

（neoclassical），18世纪晚期。它与洛可可是非常不同的。新古典主义画家通过借鉴古典时期的作品来获灵感。当时恰逢启蒙运动兴起，十分看重推理逻辑和科学知识。这是一个严肃画家的严肃时代。对于新古典主义的画家而言，凌乱的笔触是不被允许的。

新古典主义为我们带来了巴黎帕特农神庙、巴黎凯旋门、白金汉宫

第六集：19世纪的艺术

有一些艺术家不喜欢新古典主义者对艺术的理解和表达方式，第一批反抗者被称为浪漫主义画家。

浪漫主义：romanticism

浪漫主义和爱情无关，而是与唤起人们的情感有关，包括恐慌、感伤、兴奋、厌恶。浪漫主义画家对任何自然的关系很感兴趣，以及对人在自然中存在的危险、美丽、神秘的情感反应。

还有一部分是现实主义：realism

现实主义画家没有充满戏剧性的历史事件和现象的场景，只有亲自见证或感受到的生活才会描绘出来。

19世纪30年代摄影术出现了，可以更快的捕捉人们的肖像，但是只能是黑白的。因此对于艺术来说，对于光线、色彩的运用是摄影无法具有的。

印象派：impressionism 而印象派将色彩以一种前所未有的方式带进了艺术领域

例如莫奈，通过一天中不同时间对同一个事物表现光对颜色的影响，没有过多过细的线体，大多是色彩斑点

例如：皮埃尔奥古斯特的《秋千》，捕捉阳光透过树荫洒下后的景象。笔触松散，边界模糊

后印象主义：post impressionism。后印象主义继承了印象主义的思想，但又将其与自己的风格适应。

例如保罗塞尚，画作中添加更多的体积感和结构性，并不遵守线性透视法，下笔缓慢（塞尚整体的构图风格也影响了后续的艺术家，例如毕加索）

例如梵高，与塞尚相反，他的画作表现出了他永远耗不尽的精力，充满活力和绚丽多彩的颜色。

19世纪末期，艺术领域分成了许多不同的运动。19世纪的艺术世界逐渐开始识别并接受一些明确的主题和风格，例如德国，法国、匈牙利，亚洲等等。艺术界不断分成不同的流派。西方艺术也逐渐拥有了国际化的视野，这也为他们去探索更加激进的艺术做了铺垫。

唯美——新艺术运动（安东尼奥高迪）—— 象征主义（爱德华蒙克的呐喊）

新艺术运动风格：

第七集：20世纪的艺术

20世纪初期，以亨利马蒂斯为首的野兽派用色彩来藐视现实。大块明艳的色彩。

野兽派风格：

先锋派被用来形同艺术领域所出现的新的一种风向

巴伯罗毕加索

1907年毕加索创作《亚威农少女》，这个具有开创性的作品摒弃了传统美术中的线性透视法和表现方式，选择用碎片化的平面，故意使画作拾失去li'ti立体感，开启了全新的实验性运动：立体主义

图左：野兽派；图右：立体主义毕加索

立体主义风格：

1916年，达达运动，达达主义者的唯一规则是没有规则。荒唐

达达主义风格：

超现实主义风格：梦境、幻想

抽象派主义风格：诞生于远离二战混乱的美国，它更像是一个思想层面的观点而不是一个独特的风格。

代表人物，杰克逊波洛克发明了一个新的将颜料滴到大画布上画法，波洛克在画布旁边边跳舞边像一个爵士音乐家一样撒颜料，依仗心情即兴创作

抽象派风格：

波普艺术风格，波普艺术是对抽象表现主义中心思想的重重一击，

将高雅艺术和低级艺术融合

这个时代摇滚流行起来，而波普艺术让他们的眼球因为视幻觉而“摇滚”起来，迷幻起来

波普风格：

总结：20世纪艺术通常被叫做现代艺术，它最重要的一点是实验性，随着时间推移，艺术逐渐从团体主导转向个人对创新的表达方式的探索。

风格科普：

“抽象艺术（Abstract Art）艺术不模仿或不直接表现真实的外部现实，不管艺术家是否从现实中取得灵感，也不管所画物体是否能看得懂。其基本想法是：色彩与形状本身就具有艺术价值。”

“行动绘画（Action Painting）一种作画方法，把色彩泼、倒或滴于画布之上。”

“行动绘画（Action Painting）一种作画方法，把色彩泼、倒或滴于画布之上。”

“先锋派（Avant-Garde）指在任何一特定时期其技巧被看成是“超前”的那些画家和作家。”

“立体主义（Cubism）一种绘画风格，由毕加索和勃拉克开创。它放弃从一个角度对物体进行描绘的方法，而把几个角度重叠在一起，常呈立体或几何形。第一阶段为1907——1909年，第二阶段（分析立体主义）为1909——1911年，第三阶段（综合立体主义或拼贴立体主义）为1911——1916年。

达达派（Dada，即“木马”）1915年在苏黎世成立的艺术运动，狂热地反传统、反艺术、反现存建制。它突出荒唐可笑的东西，以此玩弄民意。”

“表现主义（Expressionism）19世纪末20世纪初的艺术运动，凡·高是其先驱，爱德华·蒙克是主要代表。它采用蓄意歪曲、夸张的手段，配以强烈的色彩，达到表现画家内心情绪的目的。”

“野兽派（Fauvism）约1905——1908年间的艺术运动，包括马蒂斯、路奥、杜飞等人，其特点是采用强烈的色彩、扭曲的形象和扁平图形。

未来派（Futurism）约1909——1916年间的意大利文学艺术运动，巴拉、波丘尼和赛弗里尼是主要人物。主张与过去的艺术彻底决裂，企图把艺术纳入到他们所谓的速度、暴力与战争所组成的辉煌的现代世界中去。

印象派（Impressionism）一次艺术运动，约在1870——1880年达到高潮。它是一个艺术家的松散同盟，其中有莫奈、雷诺阿、西斯莱、毕沙罗等，他们在一起办画展。其目的是表现一个场景的印象，而不是准确地再现这个场景；它要捕获气态，特别是捕获户外风景的气态。它尤其重视光的闪动，其画作没有确定的轮廓线条，使用明亮的彩色小斑点。”

“波普艺术（Pop Art）对日常生活用品进行处理，把大众文化的产物，如广告、照片、啤酒罐之类的东西当成本身就是艺术，并把它们用于艺术作品中。”

“后期印象派（Post-Impressionists）指马奈、塞尚、高更、凡·高、修拉、马蒂斯、路奥、毕加索等，他们1910年在伦敦举办画展，表达他们对印象派的反应。”

“超现实主义（Surrealism）1924年由安德烈·布雷东创立，成员包括马格里特、达利、马森、恩斯特等。它主张解放画家的想象力和无意识心态，使艺术家摆脱理性；它重建梦境，创造纯粹虚无的境界与无稽之谈。”

第八集：当代艺术

OS：艺术的发展与当期所处的时代、人们的思想、宗教、科学技术息息相关，正是时代所处的背景下，诞生了与之对应的艺术风格。艺术是复杂的。

从埃及艺术到现代艺术，我们涵盖了纵横几千年的艺术风格、思想与特征，而一切，对于艺术的历史而言，都不过是冰山一角，有太多的东西不能覆盖到了。

然而分析当代艺术的难处就在于我们离它太近了（只缘身在此山中），我们就是这幅巨作中的一部分，我们不能站在时间发展的角度，去说哪一些艺术家或艺术运动对于这个时代而言真正重要的，有影响力的。

艺术挪用：挪用的意思不是偷窃，指以过去的作品为基础，并赋予其新的表达方式、外貌、意义

艺术总是在变化

你很难用一句话来总结19世纪的服装风格，它既有革命时期的简练和朴素，也有浪漫主义的诗意和婉丽。

无论如何，浪漫主义时期的服饰是法国大革命新古典主义后的回归，它在服装史上具有重要意义。那个时期，“女人味”的审美观念弥漫了整个欧洲大陆，女性似乎成了第一性，她们故作娇柔，服装款式充满幻想色彩，而男人也被女人的娇柔所吸引，他们收细腰身，甚至不惜使用紧身胸衣。

女装流行面料有薄棉布，织纹较密的白麻布，薄纱，条纹毛织物和蝉翼纱，给人轻盈、飘逸的感觉。强调细腰和夸张的裙摆，马鬃编成的裙撑首次出现。为了显示细腰，肩部设计不断扩张，袖口也极度夸张，甚至在袖根部用金属丝做撑垫。

洛可可服饰在色彩和装饰上的特点

（一）柔和艳丽的色彩和自然形态的装饰

洛可可服装的显著特点是柔媚细腻、 纤弱柔和，这使整个服装风格趋于柔美化、繁复化。 在服装中大量运用夸张的造型、柔和艳丽的色彩以及自然形态的装饰，给人以奢华浪漫的视觉效果。 洛可可时期色彩常用白色、金色、粉红、粉绿、淡黄等娇嫩的颜色。 服饰上的色彩也表现为柔和艳丽的色调，例如甜美的香槟色和奶油色洛可可服饰追求柔媚细腻的情调。 为了模仿自然形态，服装上的装饰物等部件也往往做成不对称形状，变化万千。 来自大自然的装饰题材的运用，使洛可可装饰艺术充满了女性惬意的轻松感，处处体现着新兴资产阶级上升阶段强调满足自身感官愉悦的审美趣味。 自然形态在服饰上的体现就是大量自然花卉为主题的染织面料。 这个时期法国的印花织物就好似花的帝国——曼妙而唯美。 当时主要采用的花卉是蔷薇和兰花， 在处理上采用写实的花卉，再用茎蔓把花卉相互连接起来，形成蔓延的动感，表现出人们对自然的崇尚。洛可可服装形态的演变经历了奥尔良公爵摄政时代、 路易十五时代和路易十六时代三个时段。洛可可服装在装饰上也极其纤弱柔和，多处使用金线、彩绘、蕾丝、穗子等装饰手法。 例如：在室内装饰风格的影响下， 法国式罗布衣袖比早期更加合身，袖口制作更是不同寻常，精细而复杂，并且带有边饰。 在华托式罗布中带翼的袖口被细丝褶边所取代。 这种褶边通常是两层，上面镶有穗子、金属饰边和五彩的蕾丝。 袖子下边露出内衣袖口双层或三层褶边。 褶边由细而宽，边缘装饰有蕾丝，这就是当时最迷人的“荷叶边皱褶袖”的经典造型。

（二）对装饰效果的注重与表现

洛可可女装由内部的紧身胸衣、倒三角形脚片（斯塔玛卡）、裙撑（帕尼埃）和罩在裙撑外华丽讲究的衬裙以及最外面的罩裙（罗布）组成。 紧身胸衣和裙撑这对孪生姐妹在很大程度上缔造了洛可可女装浪漫、迷人的华贵风情。 作为洛可可女装最具代表的灵魂，其夸张的造型、超大的服装表面给设计师足够的装饰空间，使精致温婉的服饰艺术表现得栩栩如生。紧身胸衣一直是西方女装造型最重要的手段之一。 穿着紧身胸衣时，胸前通常配有呈倒三角形的胸兜，这是独立制作的服装部件，穿着时把它系在前开紧身胸衣的带子下面，也可以遮挡胸衣的开口，可以说是洛可可女装装饰的重要部分。 肚兜上面常有精美的装饰，这个部位是细节装饰美和工艺美的表现。裙撑作为洛可可女装的重要部分，和紧身胸衣一起把女人塑造成完美的 X 型。初期“帕尼埃”为钟形，后来“帕尼埃”越变越大，逐渐变成椭圆形，前后扁平、左右宽大。 “帕尼埃”外层面积的增大给表层的装饰创造了更多的机会。 前部敞开的罩裙以及裙子层次繁多是西方近代女装的重点。 在外裙下通常有内裙、衬裙和底裙。 层层叠叠的裙子以它细腻精致、变化丰富的装饰形成着层叠的视觉效果，成为 18 世纪追求娇柔矫饰和官能享乐的象征。这种立体饰褶、服装面料的缝缀再造增加了服装在视觉上浮雕感、立体感。蕾丝是一种有透孔的网眼花边的织物， 通常织有图案。 最早是手工编织的织物，18 世纪由于纺织技术的进步，蕾丝的生产制造进入鼎盛时期。因为其华美的材质、 精致的手工和昂贵的价格是穿着者地位和财富的象征。 蕾丝荷叶边的装饰是洛可可艺术的装饰经典。 洛可可时期女装的袖子由肩部到肘部是窄紧贴体的，蕾丝边饰由肘部垂下，自然的张开。蕾丝袖边不仅起到装饰作用，而且还有造型功能，使袖子整体呈现倒三角型的外观。这样的袖型在倒三角的躯干和矩形的下裙之间起到很好的视觉调和作用，与服装整体造型轮廓相搭配，从而把蕾丝从最初是身份、地位、财富的象征演变为代表女性性感的服饰符号。花朵这个主题在洛可可服装领域主要表现在面料和装饰两个方面。 漩涡状的藤蔓、淡雅的花卉时常得以运用和展示。 刺绣工艺增添了贵族气质和浪漫气息。 花朵在洛可可服饰上的运用除了表现在面料的图案上，还表现在大量运用天然或人造花朵对服装进行装饰。人们常把洛可可风格的女装比喻成“盛大的花篮”，在这个花篮里除了鲜花、蕾丝，还有蝴蝶结和缎带。 它不仅运用在女装中，还大量频繁地出现在男装中，创造了男装装饰的鼎盛时代，装点着男装的浪漫飘逸。 18 世纪服装的装饰重心转向女装，缎带、蝴蝶结被女装采纳，并成为最典型的洛可可女装的装饰元素。褶边、荷叶边的装饰是洛可可女装在装饰手法上另一重要特色。 褶边是指将窄条形的面料捏叠成褶，在面料上整烫固定，形成两侧起伏的褶饰。 褶边这种装饰常用于衣身边饰或者一些特殊的部位，比如前胸、裙边等这样的表面装饰。 荷叶边是指将条形的面料一侧抽缩或捏褶，另一侧形成凹凸有致的波形边饰，宽窄根据具体装饰部位的需要而有所不同。 荷叶边这种装饰在洛可可服饰中常用在裙服的袖口、罩裙前开缝的边缘以及内裙的底摆。 荷叶边和褶边所形成的波浪形边缘轮廓线以及锯齿凸凹的外观效果，使衣边不再平直单调，而是层次起伏、轻盈飘逸，极具女性特征。 这两种经典的装饰手段不仅是洛可可服饰装饰上的代表，而且它还延伸到后来浪漫主义时期的服饰设计中，并且一直保留到今天。堆褶的装饰方法在洛可可女装中有多种变化形式，最有特点的一种是将裙摆的边缘向上堆褶后每隔一段距离扎系，使裙摆形成弧形帷幔，下面露出垂坠的衬裙。 这种样式的灵感来自室内布艺装饰的特点。 还有一种是将面料用针线在反面按照一定针法进行缝缀， 从正面看有凹凸的浮雕感，这种工艺方法在现代立体裁剪中叫做“堆积”。堆积和扎系出的褶皱，有的工整规矩，有的随意多变， 巨大的圆拱形的裙形上覆盖着帷幔样的褶皱。这种蓬起的视觉效果不仅丰富了面料机理，同时还体现了人工修饰的独具匠心。

总之，洛可可服饰成为西洋服装史上的一支奇葩。 凝聚了人类文明和智慧的洛可可女装样式是不会随着时代的变迁而消失的， 它所演绎的精致、华丽、优雅的性感，夸张的造型与装饰艺术风格始终是时装设计的灵感源泉。 其流畅的裁剪、夸张的造型和精湛的工艺技术都是现代服装立体裁剪制作的始祖，极大影响着现代服装的款式设计、结构设计及制作工艺。 洛可可女装的外在人工装饰发展到了登峰造极的程度。 因此，洛可可服饰在历史上的地位和对今天的影响都是不容忽视的。 近年来，波西米亚风格的荷叶边、婚纱中的罗布装饰造型以及极具女性特质的蕾丝都证明了洛可可服饰飘逸、性感、奢华的魅力和响。 无限华丽、细腻、繁缛的装饰美、工艺美、流动美涵盖了洛可可服饰的全部，使洛可可服饰至今令世人叹为观止。

拜占庭艺术风格与服饰

由于罗马帝国的东迁，使得有机会出现融合东西方艺术形式的拜占庭艺术。

在艺术的成就上，此时所强调的是镶贴艺术，追求缤纷多变的装饰性。

同样，这种特色也反映在服装上。

例如：在男女宫廷服的大斗篷、帽饰以及鞋饰上都出现了镶贴、光彩夺目的珠宝和充斥着华丽图案的刺绣。

这些情形有别于同时期在欧洲地区的服饰，营造出一种既融合东西方又充满华丽感的服饰装饰美。

国际哥特艺术风格与服饰

“哥特式”原本是指源自20世纪的一种建筑风格，很快这种风格便影响到整个欧洲，而且反映在绘画、雕刻、装饰艺术上，形成一种被誉为国际哥特风格的艺术形态。

这种风格主要的表现是建筑上的"锐角三角形"，同时也深深的影响了当时的服饰审美及服饰创造。

例如：在男女服饰的整体轮廓上，在衣服的袖子上，以及鞋子的造型上、帽子的款式上，等等，都充分呈现出锐角三角形的形态。

巴洛克艺术风格与服饰

巴洛克艺术风格原本是指17世纪强调炫耀财富、大量使用贵重材料的建筑风格，也因此牵动影响到当时艺术全面性的变革。

“巴洛克”的字义源自葡萄牙语，意指"变了形的珍珠"，也被引用作为脱离规范的形容词。

巴洛克虽然承袭矫饰主义，但也淘汰了矫饰主义那些暧昧的、松散的形式。

由于受到巴洛克艺术风格的影响，在西洋服装史上，甚至用“巴洛克风格”一词，来代称17世纪欧洲的服装款式。

洛可可艺术风格与服饰

“洛可可”一词源自法国字汇“Rocaille”，由此演变而来，其意思是指岩状的装饰，基本是一种强调C型的漩涡状花纹及反曲线的装饰风格。

这种风格源自1715年法国路易十四过世之后，所产生的一种艺术上的反叛。

洛可可艺术风格与巴洛克艺术风格最显著的差别就是，洛可可艺术更趋向一种精制而幽雅，具装饰性的特色。

这种特色当然影响到当时的服装，甚至以“洛可可”一词代表法国大革命之前18世纪的服装款式。

新古典主义艺术风格与服饰

新古典主义艺术风格兴起于18世纪的中期，其精神是针对巴洛克与洛可可艺术风格所进行的一种强烈的反叛。

它主要是力求恢复古希腊罗马所强烈追求的"庄重与宁静感"之题材与形式，并融入理性主义美学。

这种强调自然、淡雅、节制的艺术风格，与古希腊罗马的题材形式结合所发展出来的服饰，也随即在法国大革命之后，跃升为服装款式的代表。

特别是在女装方面。

例如，以自然简单的款式，取代华丽而夸张的服装款式；又如，排除受约束、非自然的“裙撑架”，等等。

因此从1790年到1820年之间，所追寻的淡雅、自然之美，在服装史上被称为“新古典主义风格”。

前拉斐尔派艺术风格与服饰

“前拉斐尔艺术风格”源于19世纪中期的英国，其艺术精神主要是追寻一种自然但是浪漫主义色彩的表现。

这种艺术风格是对冷淡、生硬的艺术的一种反驳。

痛斥“人与自然的疏离感”，希望透过艺术将“人性化”、“自然化”、“理想美”的特质结合表现出来。

因此，当时的服装被誉为“理性美感式”的服饰。

这种服饰风格与当时“维多利亚风格”极端的相对，成为英国社会追寻服饰改革的代表款式。

20世纪初期苏联艺术风格与服饰

20世纪初期苏联艺术风格是指"绝对主义"、"构成主义"以及"塔特林派"的艺术主张，这些艺术风格都源自20世纪初期的10年代，由苏联的艺术家所引导而成的。

这些艺术家受到现代主义的影响，将之表现在几何式的抽象艺术之中。

这种艺术风格也深刻的影响到当时的服装，特别是在当时的苏联，将这种"几何抽象的艺术风格"与"充满浓厚政治意味"的主张相互结合，表现在服装的款式以及面料的花色设计上，形成一种特殊的服装审美特色。

超现实主义艺术风格与服饰

超现实主义艺术风格起源于20世纪20年代的法国，是受弗洛伊德的精神分析学和潜意识心理学理论的影响而发展出来的。

超现实主义的艺术家们主张"精神的自动性"，提倡不接受任何逻辑的束缚，非自然合理的存在，梦境与现实的混乱，甚至是一种矛盾[怒放智能词语替换]的组合。

这种任由想象的模式深深影响到服装领域，带动出一种史无前例、强调创意性的设计理念。

波普艺术风格与服饰

这种艺术风格源自20世纪50年代初期的美国，但确鼎盛于50年代中期的美国。

“POP”是“Popular”的缩写，意为“通俗性的、流行性的”。

至于“POP Art”所指的正是一种“大众化的”、“便宜的”、“大量生产的”、“年轻的”、“趣味性的”、“品化的”、“即时性的”、“片刻性的”形态与精神的艺术风格。

这种艺术风格影响到服装领域中，体现在服装面料以及图案的创新，改变了过去服饰装饰图案的特点，在欧洲服装史上留下深深的印记。

欧普艺术风格与服饰

欧普艺术风格源于20世纪60年代的欧美。

“OP”是“Optical”的缩写形式，意思是视觉上的光学。

“欧普艺术”所指代的是利用人类视觉上的错视所绘制而成的绘画艺术。

因此“欧普艺术”又被称作“视觉效应艺术”或者“光效应艺术”。

欧普艺术影响下的服装服饰，按照一定的规律形成视觉上的动感，服饰图案的设计上以欧普艺术的视觉感为最大的特点。

极限主义艺术风格与服饰

极限主义艺术风格起源于20世纪60年代的美国，它强调的是一种"理性、冷峻、简约"的艺术风格。

这种强调“单纯、简单”的观念，逐渐成为20世纪90年代美国时装界所追求表现的一种具代表性的服饰风格。

极限主义艺术风格影响下的服饰以简单的设计理念影响到国际时装的流行趋势，成为20世纪末的一项具代表性的服饰风格的变革。