一点浪漫音乐,一个美丽邂逅,一人繁华落幕是什么意思?

一点浪漫音乐，一个美丽邂逅，一人繁华落幕这句话表达了主人公和他（她）所爱的人在好听浪漫的音乐中第一次相遇的情景，因为环境、时间、机会等种种原因，让这段美好的经历在某个时刻戛然而止，最终以一个人的繁华而落幕，作者通过“一点浪漫音乐，一个美丽邂逅，一人繁华落幕”这句话传达了一种心灵上的寂寥和空虚感。

　　楼主似乎是在写论文

　　看了大家答的，所说的就是那个意思，我现在说说我的一些看法

　　1浪漫时期交响乐的发展及特点

　　浪漫早期：1810~1830年 浪漫中期：1830~1850年 浪漫的仿古典主义1850~1900 三个阶段，一般都从舒伯特开始算。虽然舒伯特的音乐仍然有很浓的维也纳古典乐派的遗风，可是也洋溢着小巧、温和、刹那间诱惑、感奋和几近不真实的幸福感，是古典之后第一股令人陶醉的浪漫气息，所以大家习惯称他为“古典的浪漫者”。韦伯也是浪漫派的代表，在经受贝多芬、莫扎特的影响后，这两位作曲家特别表现出浪漫风格的纤巧、细腻的一面。

　　中期的代表是门德尔松、舒曼，两人都在主观的特殊风格之外，共同传达这个浪漫时代精神，秉承了贝多芬的纯粹、绝对，发展了具有优美形式的交响曲。到了勃拉姆斯，浪漫的本质更加精密浓缩。如：在舒伯特的作品中，“浪漫的痛楚”只是在情绪上反映出来，到了勃拉姆斯则已经是感官的伤痛了。

　　柏辽兹及李斯特则选择性的领悟贝多芬标题描绘的启示，而发展了丰富内容的交响诗，“大自然”对浪漫时期的影响是很深的，连一向重视形式美的交响曲也不例外，这种反映有时较为直接（如：门德尔松的《苏格兰》、《意大利》交响曲），有时则较抽象（如舒曼的《春》、《莱茵》）。而强调大自然的同时、也为日后的民族主义的兴起播下了种子。

　　仿古典主义（也叫后浪漫主义）著名作曲家首推布鲁克纳和勃拉姆斯。布鲁克纳交响音乐的两大特色是宗教情操以及“拟管风琴声响”。主要是因为奥地利天主教19世纪过度封建保守，所以才会有布鲁克纳的清秀寡欲的交响世界之呈现。他对教义不曾疑惑的信仰，简直就是个任劳任怨的老农民，无论何种情况都没埋怨过自己的生活。这并不是说他没有矛盾，而是他懂得如何将它埋藏在心底，永不冒出。

　　对布鲁克纳影响最深的是瓦格纳，尤其在和声及管弦乐方面，可布鲁克纳一向习惯闭着眼睛听瓦格纳的乐剧，舞台上的一切都与他无关，他把乐剧的音乐灵性化了。勃拉姆斯虽然跟布鲁克纳同住维也纳，但二人感情不甚融合。勃拉姆斯来自德国北部的基督教家庭，他矛盾的性情是无法深埋心底的，他对燃烧在心中的烈火，因无法熄灭而感到恐惧，他寂寞而且动漾不定的心灵无法安顿，这都能从他贯有的摇摆、沉重、模糊的节奏中感受得出。

　　维也纳交响乐在经历了布鲁克纳及勃拉姆斯之后，唯一能将其整合并推向高潮的是站在巨人肩膀上的马勒。马勒身处颓废思潮弥漫的世纪末，现实的冲突、摩擦（生）及隐退的回忆往昔美好的时日（死），是他作品里不断交替出现的主题，那濒临神经质边缘的音乐美，一方面把后期浪漫的狂喜与炙痛表达得淋漓尽致，也为现代音乐的新任务勋伯格铺垫好了出场的红地毯。

　　2新浪漫主义音乐

　　（对于这个时期的音乐我听得不多，就听了巴伯的《为弦乐而作的柔版》、《交响曲》等）

　　新浪漫主义是在20世纪70年代起出现的一种流派，通常这种音乐有调性，但此时的调性并不等同于“共性写作”时期的和声、结构和调性，而是浪漫主义和现代主义的结合，用新颖的音乐语言对50、60年代盛行的过于理智和抽象音乐的序列音乐进行否定，音乐中开始强调情感的表现，以不同的程度来应用调性，注重浪漫主义风格。这就是新浪漫主义音乐。

　　代表人物及作品有：意大利的贝里奥和他的《交响曲》、美国的克拉姆和他的《大宇宙》、《夏夜音乐》，巴伯《弦乐柔版》、《交响曲》，罗奇伯格《交响曲》、《钢琴组曲》，德国的亨策和他的《雅各布之梦》等。

　　查到一些资料：

　　卢恰诺·贝里奥Berio, Luciano

　　（1925年生于意大利的奥内利亚，现在的因佩里亚）。意大利作曲家。在米兰学院师从盖迪尼(Ghedini)至1951年，然后在坦戈伍德(Tanglewood)从达拉皮科拉(Dallapiccola)学习序列技巧。1955年与马代尔纳(Maderna)在意大利广播电台共建电子音乐实验室，在该室工作至1961年。1963年赴美，在加利福尼亚执教，1965年起在朱利亚德学校执教，1971年返回意大利。作品受到序列主义、电子手法和随机音乐的影响。他独特地发展了“拼贴”技巧，借用其他作曲家的音乐片段或模仿他们的风格特征。如在《交响曲》(Sinfonia)中，贝里奥摘用了马勒第二交响曲，瓦格纳的《莱茵的黄金》(Das Rheingold)，拉威尔的《圆舞曲》(La Valse)，施特劳斯的《玫瑰骑士》(Der Rosenkavalier)中的素材。在《迷宫Ⅱ》(LaborintosⅡ)中，街头叫卖声、惊叹声和牧歌、爵士乐的因素混合在一起。另外一首拼贴作品是《独奏会Ⅰ》(Recital Ⅰ)（献给卡西Cathy），这是为他前妻，女高音卡西•伯布里安(Cathy Berberian)所作的几首作品（如《主显节》(Epifanie)和《顺序3》(Sequenza 3)）中的一首。为不同乐器所作的一系列《序列曲》(Sequenza)基本上是机遇音乐。在《圆圈》(Circles)中，歌唱者可以唱谱上标明的音高，也可以唱相近的音高，任她自选。贝里奥年青时曾在米兰一个小型巡回歌剧团中任指挥，因此，对戏剧音乐始终抱有热情，虽然他创作的戏剧作品迄今为止都是别出心裁的。

　　塞缪尔·巴伯Barber, Samuel

　　（1910年生于宾夕法尼亚州西切斯特；1981年卒于纽约）。美国作曲家。6岁时弹钢琴，7岁作曲。14岁时作为第一批特准学生进入费城柯蒂斯专科学院，1925-34年师从斯卡莱罗学习作曲，1926-31年从伊莎贝尔·文吉罗娃学习钢琴，1926-30年从埃米利奥·德戈戈尔扎学习声乐。1928年与吉安·卡洛·梅诺蒂(Gian Carlo Menotti)相识后，其友谊持久而富于成果。1933年起他的作品开始公演，最值得注意的是为阿诺德的诗《多佛海滩》(Dover Beach)配乐（他本人演唱其中的男中音声部）和他的大提琴奏鸣曲（他本人演奏钢琴部分）。1935年获普利策奖学金，1936年获美国学院的罗马大奖。同年他的第1交响曲于罗马首演，指挥莫利纳里。托斯卡尼尼于1938年指挥巴伯的《弦乐柔板》(Adagio for Strings)（原为弦乐四重奏的慢乐章）和第一首《随笔》(Essay for Orchestra)，随后几年他的作品在纽约、波士顿和费城由瓦尔特、库谢维茨基、莱因斯多夫、米特罗普洛斯、奥曼迪和梅塔指挥首演。他的四幕歌剧《安东尼和克娄巴特拉》(Antony and Cleopatra)，台本作者泽菲雷利，是纽约林肯中心的新大都会歌剧院为了于1966年9月举行开演典礼而约写的。

　　巴伯的音乐具有欧洲传统风格，而不是特殊的“美国味”。音乐语言比较保守，富于旋律性、优雅和华丽。在《伐奈莎》和女高音和乐队曲《诺克斯维尔：1915年之夏》(Knoxville:Summer of 1915)中可以最清楚地听出他的抒情性，他的浪漫主义则充他显示在《多佛海滩》、大提琴奏鸣曲和第1交响曲中。他钢琴奏鸣曲由霍罗维茨首演，是一首辉煌的炫技作品。几部歌剧最初反应冷淡，但听众态度逐渐转变，而协奏曲和歌曲效果极佳。

　　乔治·克伦姆Crumb, George

　　（1929年生于西弗吉尼亚州查尔斯敦）。美国作曲家。1959-64年在博尔德的科罗拉多大学教授钢琴与作曲。1965年在宾夕法尼亚大学音乐系任教，并于1983年成为该校人文学教授。音乐极有个性。早期受威伯恩影响，后对新音响感兴趣，并采用有时支离破碎、有时全凭机遇的作曲技巧，但并不追求畸形效果，他表达的思想仍然是清晰易懂的。如在1972年的一组为扩间钢琴用的幻想曲《大宇宙》(Makrokosmos)，其中用不了许多特别的钢琴手法，效果十分富有诗意。

　　乔治·罗奇伯格Rochberg, George

　　（1918年生于新泽西州帕特森市）。美国作曲家。1939-42年于纽约曼内斯音乐学校随曼内斯和塞尔学作曲；1945年就学于蒂斯专科学院，师从斯卡莱罗。1948-54年任柯蒂斯专科学院教师；1961-68年任宾夕法尼亚大学音乐系主任，1968年起任音乐教授。他曾受马勒和勋伯格的影响，其音乐发展为独特的序列主义风格，但后来又回到有调性上来。写过许多评论文章。

　　汉斯·维尔纳·亨策Henze, Hans Werner

　　（1926年生于威斯特法里亚的居特斯洛）。德国作曲家、指挥家。1942-44年在不伦瑞克国立音乐学校、1946年在海德堡求学。1946-48年间私人从师于福特纳(Fortner)；1948年在达姆施塔特跟莱博维茨(Leibowitz)学习勋伯格的十二音体系。1950年在威斯巴登任赫塞国家歌剧院芭蕾舞团音乐指导。1953年定居意大利。60年代中在政治上走向极左，此后的作品很多都反映了他的激进理想与信条。音乐风格五花八门，令人眼花缭乱，表现出他天赋的丰富想象力和不拘绳墨的性格。他不仅是一位德国作曲家，也可说是一位法国和意大利作曲家。勋伯格，斯特拉文斯基或机遇音乐的风格他用来都是得心应手。创作的主要特征是抒情而富声色美。具有丰富而细腻的声音色彩和娴熟的合唱写作技巧。

　　电脑里有篇有关罗奇伯格的文章（多元音乐风格的冲撞与整合

　　罗奇伯格钢琴组曲——Carnival Music, IV “Sfumato,” 之解析）

　　如果需要，可以传给你

　　《行星》组曲是一部庞然巨著，整个作品分为七个乐章，并以九大行星中的七个星球（地球和当时尚不为人类所知的冥王星除外）命名。而且乐队编制也异常庞大，启用了一般很少登台的低音长笛、低音双簧管、低音单簧管、低音大管、次中音大号等管乐器，以及管风琴和众多的打击乐器，在最后乐章中还加用了一段六声部的女声合唱（有时亦以两支独奏长笛取代）。如此众多的乐器的组合产生了丰富的音响色彩，如在“火星”乐章的一段音乐中，乐队的全奏展示出了地震山摇的气势。但也许正是由于《行星》组曲本身及其乐队编制过于庞大，这部作品一般很少全曲演奏，而通常仅演其中的三五个乐章，有时则是单独演奏一个乐章。

　　就《行星》组曲的意义来说，该曲与天文学无涉，而仅仅是建立在古代迦勒底人、中国人、埃及人和波斯人所熟悉的占星术之上的，关于这一点，霍尔斯特在1920年全曲公演时是这样对记者说的：“这些曲子的创作曾受到诸行星的占星学意义的启发。它们并不是标题音乐，也不与古代神话中的同名神仙有任何联系。如果需要什么音乐上的指引，那么，尤其是从广义上来说，每一曲的小标题便足以说明问题了。例如，木星带来通常所说的欢乐，以及与宗教的或民族的庆典活动有关的那种礼仪性的欢乐；土星带来的不仅是肉体的衰退，它也标志着理想的实现；水星则是心灵的象征。”

　　第一乐章 火星——战争使者

　　霍尔斯特是在1914年8月第一次世界大战爆发前夕完成这一乐章的，因此有人认为，作曲家的这段音乐是对当时迫在眉睫的战争的预言。确实，这一乐章的音乐，尤其是由打击乐器和弦乐器弓杆击弦奏出的蛮横、激昂的渐强节奏型，给人以一种咄咄逼人的紧迫感，并暗示出军队在行进。乐章的第一主题压抑而带有挑衅性，由大管和法国号奏出。

　　音乐开始时富有特征的弱奏（p）节奏型随着这第一主题的嘶鸣而逐渐增强力度，当它达到极强（fff）时，在铜管乐器上迸发出乐章的第二主题。这种效果可以概述如下：两支充满杀机的军队在相互逼近，到处是刀光剑影，而当它们终于接触时，一场短兵相接的厮杀不可避免地爆发了。

　　战争在继续，管风琴的加入把音乐推向了新的高潮，这时，B调大号和C调小号奏起了进军的号角。

　　然而，这并不是胜利的号角，随着木管乐器与弦乐器以低沉压抑的、呜咽般的音响在第二主题上的展开，以及各主题的残暴蛮横的再现，展开了一幅更为惊心动魄的战争场面。

　　第二乐章 金星——和平使者

　　由于上一乐章凶残的战争音乐的对比，这一乐章越发显得宁静安谧了。它使人想起了一个没有电闪雷鸣、远离战争喧嚣的世外桃源，这里到处呈现出一派和平安乐的景象。乐章一开始，法国号呈示出一支上行旋律，长笛和双簧管则以一串串和弦与之应答。

　　音乐的发展是极其富有诗意的：长笛与法国号上的延音犹如秋天的蝉鸣；两架竖琴的一串串和弦仿佛是清澈的溪水在流淌；钟琴与钢片琴的下行音型宛若喷涌的清泉。在这种氛围中，独奏小提琴唱起了一支动人的情歌，整个乐章随后的发展也就是建立在这个主题之上的。

　　第三乐章 水星——飞行使者

　　据说，水星是带有翅膀的信使的象征，也是窃贼的保护神，因而，这一乐章的音乐异常机敏灵活，是一首急板诙谐曲。乐章以带弱音器的弦乐器和木管乐器上快速进行的音型开始，接着，双簧管和英国管呈示出第一主题那轻捷而俏皮的旋律。可以说，这就是信使的写照，他正忙碌于走家串户，为人们带来福音与欢乐。

　　第二主题的旋律带有民歌风格，表现出人们为飞行使者的光临与他所带来的信息而欢庆歌舞的情景。

　　第四乐章 木星——欢乐使者

　　与其他乐章相比，这一乐章构思宏大，篇幅也较长。整个乐章可分为三个部分，第一部分从小提琴快速的碎弓中开始，在它的引导下，第一主题带着极大的热情喷薄而出，其欢乐的气势异常浩荡，似乎把天庭也震动了。

　　欢乐的情绪犹如一幕幕场景，此起彼落，绵亘不绝。而在这些“场景”之间，每每有一个铜管乐器奏出的欢乐的固定乐思，它像号角一般，宣告着新的欢乐的降临。乐章的第二主题是一个歌唱性旋律，由六支法国号及弦乐器组奏出。

　　第三主题是一支端庄的民间舞曲，先由法国号奏出，随后在木管乐器组、弦乐器组和铜管乐器组之间传递。

　　进入第二部分后，速度由快板转为行板，音乐也变得格外庄严，并充满着霍尔斯特所说的那种“礼仪性的欢乐”。整个第二部分由一首虔诚的颂歌构成，它那侃侃而述般的进行，使人想起教堂里唱诗班吟唱的赞美歌。

　　第三部分又回复到快板速度，开始三个主题的简短再现再度掀起民间节庆般的高潮后，乐草以一个雄伟的短小尾声作为结束。

　　第五乐章 土星——老年使者

　　“土星”乐章是《行星》组曲中最精彩的篇章之一，也是较常单独出奏的段落。乐章以长笛、大管和两架竖琴奏出的由两个邻音的交替构成的固定节奏作为开始，它象征着老年人瞒珊、滞重而单调的步态，同样这也是时光消逝与体力趋向衰退的写照。在这个背景上，低音提琴奏出了哀叹般的动机，它逐渐发展成由次中音长号奏出的乐章中唯一的一个主题。正如霍尔斯特明确指出的那样，这个主题不仅表现“肉体的衰退”，同时还意味着“理想的实现”。

　　在这个主题的基础上，乐曲展开了富有层次的变奏。这里有深沉的思虑与希望，也有葬礼进行曲般的节奏和晚祷的钟声，还有对往昔的美好幸福的追忆。

　　第六乐章 天王星——魔术师

　　这段音乐也是《行星》组曲中的精彩段落。霍尔斯特在这里运用了变幻无常的调性和配器色彩，以及力度的突兀变化等现代作曲手法，从而达到了扑朔迷离的魔幻般的效果。音乐一开始是铜管乐器奏出的一个动机，这是魔术师的形象——神秘而难以猜度，恐怖而带有不祥之兆。

　　乐章的主要主题是大管断奏奏出的一个中邪般跳跃疾走的旋律，它吸引了其他各乐器组加入到这一行列之中。

　　在这个“跛足行进”的背景上，又出现了两个主题，前者忙碌不堪，后者趾高气扬。

　　音乐逐渐进入高潮，忽然又戛然而止，化作短笛、长笛和单簧管上一连串琐碎的下行音型。走音鼓亢奋的节奏似乎是魔术师的新咒语，它带来了一个新的乐段，并把音乐推向了新的高潮。

　　忽然，管风琴上响起了一个怪诞的滑音，就像是一道闸门挡住了音响的巨流，使节奏变得低沉迟缓，使高潮化作了几个单薄的长音。这个乐章就是在这种令人不安的氛围中结束的。

　　第七乐章 海王星——神秘主义者

　　“海王星”这最后一个乐章在给人以娴静温柔之感的同时，又表现出神秘莫测与朦胧的太空景象，乐章的第一主题就是以这种色调构筑起来的。

　　霍尔斯特以钢片琴、竖琴和小提琴琶音的大量运用，成功地渲染出一种迷茫的神奇景象。音乐从行板转入小快板后，在人声与弦乐器和声的伴奏下，单簧管非常柔和地呈示出第二主题。

　　为了取得他所需要的效果，霍尔斯特在总谱上特地注明了对合唱队的安排：“合唱队应置于舞台边邻近的房间内，房门要开着，直到全曲的最后一小节，这时门要轻轻地、静静地关上。合唱队、门，以及可能需要的任何一些副指挥，都要用屏幕与听众隔开。”

　　（未完待续）

客厅与餐厅以及书房都在同一空间内，用吧台和书架进行分割，既通透又实用。

紫色的沙发与桃红色的装饰可以让白色空间活跃起来。

利用客厅的犄角用书架隔出一个小小的书房，只需要几个隔板，一张椅子，一切问题都迎刃而解。

厨房用吧台和一排吊灯将空间分割出来，橱柜及台面也有一个弧度，白色的橱柜最适合开放式的空间。

黑色的桌旗和餐具与黑色的餐椅搭配起来颜色有些沉重，不过再来一个桃红色的艺术挂画，一切就变的有味道起来。

在最近热播的《歌手·当打之年》中，有一支奇袭组合进入了大众的视野。他们以一首意大利古典风的《QUI CON ME》成功奇袭，而这首歌在当天节目录制完成后，点播量在几小时就突破了上万次。这支组合就是声入人心男团 SUPER VOCAL。

声入人心男团是由鞠红川、仝卓、高天鹤和蔡程昱组成，这四个年轻人以独特的美声唱法成为了《歌手·当打之年》的一道亮丽的风景线。然而最令人动容的是他们比赛当晚演唱的那首《你的色彩》。 这首歌不但在气势上力压群雄，而且浪漫的歌词如诗一般优美。

在我看来，这首歌能在短时间内获得如此高的点播量，与它的演唱风格以及诗一般的歌词有着密不可分的关系。 特别是此次填词的程何是中国唯一的音乐剧译配，相信她在歌词中也将自己的信仰写了进去。 因此本文从复古曲风、意象隐喻、情感表达这三方面和大家一起品味曲中词，词中诗的韵味。

01、复古曲风：中西方的结合，古典与现代的相遇，浪漫的诗歌载体配上带有变化音的复调音乐，让这首歌在舞台上完美呈现

《你的色彩》这首歌的原词是意大利文，而四位年轻的演唱者也是采用古典与现代唱法相结合的方式来演绎了这首歌。 在我看来，这首歌的古典曲风主要体现在两个方面，一方面是演唱者的复调形式，另一方面是音乐载体的方式。

声入人心男团共有4个人，展现了三个声部。 分别是拥有金色高音的蔡程昱，鞠红川的美声男低音，仝卓温暖醇厚的男中音， 而经典三声部也是古典音乐中最常见的组合方式之一。 然而他们声部有一个人非常出彩，就是高天鹤的“伪高音”。 伪音是一种变化音，在复调音乐中也经常使用，很多情况下都是由演唱者根据经验即兴演唱的。他们通过不同声部的对唱，将《你的色彩》演唱地深入人心。

这首歌的原词属于意大利 ，因此也具备了意大利牧歌的载体风格。 16世纪的意大利牧歌是以较高水准的诗歌为词谱写的复调歌曲。 牧歌的音乐注重对歌词的细致表达。而《你的色彩》这首歌的歌词，既具备叙事诗的通俗易懂，又不失田园诗的浪漫意境。在古典风的衬托下，演绎了一段高雅的音乐。

02、意象隐喻：浪漫的激情之火，使音乐和诗境圆融一体，创造出了火中凤凰复活永生的不朽意象

涅槃重生这个主题在中国现代诗中一直占有很高的地位，因为塑造凤凰形象的过程，是 从痛苦向欢乐转化的过程，同时也是从毁灭旧我向新的自我转化的过程。在我看来，这不但是思想上的解放，也是情感的浪漫飞越。 因此在《你的色彩》这首歌中也很好地表达了这个主题。

《你的色彩》这首歌中文版一共分为两个部分。每一部分的上半段 描写的是无为的生活日复一日，迷茫的未来凝固着阴霾，后半部分描写的是拨开云雾见天日，守得云开见月明的灿烂景象。 再加上音乐的助力， 使得这样的诗境在旋律的映衬下显得格外耀眼。 此声此境很容易引起听者的共鸣，在听者的大脑中构建一副浪漫的画面。

①以叙事诗为载体，用象征、暗示等手法智慧地表达了现实的不如意

《你的色彩》这首歌的歌词与我们的现实生活紧密地联系在一起，通过“图画”和“叙述”来塑造了这首诗歌的形象。特别是在描写现实不如意部分的时候，大量的象征、暗示手法把画面描写地深入人心。

“我从梦境中醒来，沉入午夜的黑白”、“一夜夜不曾更改”、“我在长夜中等待”、“相同的自我剖白”、“日复一日地重来”、“企盼着一场意外”， 这样的生活景象对于每个人来说是否历历在目呢？在我看来，最难能可贵的是歌词第二段的叙述是对第一段的深入刻画，将意境升入了一个新的高度。

不仅如此， 词中还运用了大量的语象来让诗变得更加生动。 比如：“冰封的海”、“潮起潮落的天籁”、“凝固的阴霾”、“模糊了窗外”、“万物沉寂，天穹苍白”， 而诗的意象恰恰是由这些动人的语象所构成。在我看来，我们正是通过对意象的感知，来感受这首歌词的魅力，体会生活中每一个平凡的细节。

②用隐喻向听者传达了在涅槃重生之后的甜美生活景象

说到这首歌词的隐喻，就不得不提到海子的那首《面朝大海，春暖花开》。在海子的这首诗当中，“大海”是核心意象，但是“面朝大海，春暖花开”本身是一种虚无的情境， 他用这样一种海市蜃楼的景象来表达自己对精神之乡、幸福生活的向往，显然是为了突破现实的枷锁。

而在我看来，《你的色彩》与《面朝大海，春暖花开》在意象表现和想象力方面有着异曲同工之妙，但唯一的不同在于《你的色彩》将“大海”变成了“花海”，将意象更加现实化，也让这个美好的梦想更加真实。 比如那句“烂漫花海，刹那间绽开，风中流动起盛大的节拍”，这样的田园风光是我们每个人都向往的。

与此同时， 《你的色彩》用了一个更广阔的画面表达了对梦想和未来的坚定 ，就是那句“宇宙澎湃，亿万种色彩，渲染了我的梦我的未来”。 这样的表达相比于海子的《面朝大海，春暖花开》来说，少了一丝悲凉，多了一分信心，也让这首歌在希望中多了一分力量。

03、情感表达：明朗而又含蓄，清澈而又深厚的表达，使得强烈的感情自然流泻

在高亢音乐的伴奏下，使得这首诗歌的情感表达异常强烈，词中每一段的描写都掷地有声，慷慨激昂。让听众感受到的是一个宏大的场面，一种不屈的精神，一种温暖地传递。 在我看来，这首歌的魅力在于用“你”这个符号，表达了对生命的感谢和对梦想的执着。

①歌曲表达的是爱情？友情？亦或亲情？这不重要，重要的是：有你的爱，不曾更改

这首歌表达的情感带有很强的神秘色彩。单从这首歌来看其实并不知道它表达的是亲情、友情还是爱情，诗中的那个“你”到底指的是谁也不得而知。 但在我看来，这样含蓄的表达正是中国语言独有的魅力，而这个“你”或许只是一个符号，是将抽象形象化作具体想象的一种方式。

“你”可以是亲情中父母无微不至地关怀；可以是爱情中伴侣背后的默默支持；也可以是友情中朋友的如影随形，助你一臂之力。甚至“你”可以不是一种情感，比如一个梦想，一件小事，一个不经意间的关心，一句问候。 这亿万种温暖可以让我们敞开心扉，渲染我们的梦我们的未来，只因为他们的爱不曾改变。

②纵使前方任重道远，布满荆棘，但当你把门推开，刹那间烂漫花海绽放 亿彩

说到这首歌的歌词，不得不提到此次的填词者程何。这个名字可能不被大家所熟知，但是她的工作却开启了中国歌剧的新篇章。为什么这样说呢？因为 程何是中国音乐剧的译配，她是第一个也是唯一一个。 我们所熟知的 那些经典音乐剧如《猫》、《我，唐吉歌德》以及《音乐之声》等作品，都是通过由她来翻译完成的。

拥有这样强大的古典音乐背景，再加上多年翻译的经验，程何能为《你的色彩》来进行填词和翻译，简直让这首歌的意境发挥到了淋漓尽致。但这样的程何却有着不为人知的痛苦，在沉重的工作压力之下她患上了中重度抑郁症， 连她自己都不知道这份所坚持的事业是否能拥有未来，因为前人没有做过这样的事。

就如同歌曲中所唱的那样：“ 相同的自我剖白，日复一日地重来，企盼着一场意外 。”但是作为理想主义的她依旧希望 能够有更多的人把门推开，当刹那间花海绽放，风中流动起盛大的节拍时，中国音乐剧就会像神话一般地出现。因此在我看来，她在填写这首歌词时，一定也将自己的希望和梦想寄托在了里面。

总结一下：

音乐是拉紧人与人、人与自然的重要方式之一，因此很多歌曲的歌词都更加接近通俗的语言来达到沟通、共情的目的。但是生活不能只有眼前的苟且，还需要有诗和远方，因此如果能听到诗一般的歌曲真的是非常幸运。

在我看来，声入人心男团《你的色彩》这首歌就将“诗和远方”的意境清晰地呈现在了大众的脑海当中，为我们勾勒出一幅幅从暗淡无光到涅槃重生的画面。他们用歌曲告诉我们：如果今天的不幸福令你惋惜，那也不要否定明天，因为总会有烂漫花海，刹那间绽放的那一刻到来。

音乐风格分类是通过曲调、节奏、音色、力度、和声、织体和曲式等富有个性的结合方式进行分类，但主要的分类方式指的是曲调。其中摇滚乐最受欢迎。

摇滚乐的正式产生是在50年代中期，但是这个名词却在50年代初期就已出现。1951年，克利夫兰电台唱片节目主持人艾伦·弗里德从一首节奏布鲁斯歌曲《我们要去摇，我们要去滚》（We're Gonna Rock ，We're Gonna Roll）中创造出了”摇滚乐“（Rock n' Roll）这个名词。

1955年7月，《昼夜摇滚》在波普排行榜上获得第一名，标志着摇滚时代的到来。它的演唱者比尔·哈利，也因此成了青少年崇拜的第一个摇滚乐偶像。从此，摇滚乐开始风靡美国。

摇滚乐分为重金属、另类金属、独立摇滚、工业金属、后车库、前卫金属、黑色金属、哥特金属、朋克、蓝调摇滚、无政府主义朋克、英伦摇滚、凯尔特摇滚、华丽摇滚、复兴朋克、山地摇滚、艺术摇滚、迷幻摇滚、东方摇滚、说唱金属、硬金属、流行金属、武侠摇滚等诸多流派。

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在学校的号召下,三位音乐老师经过讨论,为同学们量身定制了适合低、中、高三个年级段的阅读资料,让音乐与阅读来了一次浪漫的邂逅。 一、二年级的同学们识字量不多,张宇飞老师在音乐阅读课上准备了绘本《梨子提琴》和《高山流水》等故事

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西雅图印象

冬日的夜晚，你有没有习惯性地打开你爱车上的收音机，期待重温那段婉转唯美的爱情故事，每一个看过《西雅图不眠之夜》的观众都会因为这段发生在冬季的美妙情缘入戏太深，感到弥久，从而产生对这个城市的好奇与神往。因为儿子在西雅华盛顿大学读研两年多，继而又在西雅图工作。近几年连续来西雅图了多次，对这个城市的印象及体会颇深。这个城市优美的自然环境，温馨的人文环境和轻松闲适的生活环境，被美国人推崇为最适合人居住的城市之一。

咖啡 西雅图的城市基因

西雅图没有纽约的高效、迈阿密的激情和加州的灿烂，但西雅图有咖啡----让整座城市朴实无华，从容不迫，是让所有居民分外闲适和散淡的神奇物质。

世界上的第一杯星巴克咖啡就诞生于这座城市，放眼望去，行走的、站立的、端坐的、人们手里都少不了一杯咖啡。在这里，咖啡与奢侈和矫情无关，而是最自然最真实的生活存在。

西雅图的冬季，多雨湿冷。特别是在雨天。人们多是选择坐在咖啡馆的壁炉前，手里握着一杯热腾腾的咖啡，边喝边看着报纸或翻着杂志。或坐在靠窗的桌子，边喝边听瑟瑟的雨声。房间里弥散着浓浓的咖啡香味，在这里你可以远离喧嚣的人群去体味难得的清静与平和。就连在这里生活了几年的儿子，也逐渐养成了喝咖啡的习惯。甚至在逛街时，他也会去星巴克买一杯热咖啡边走边喝

西雅图人文环境的优雅和自然环境的优美是闻名遐迩的。凡是到过西雅图的人，都有同感。这里不能不说说西雅图的微笑。第一次到西雅图，由于儿子住处狭小，就把我们安排在一家家庭旅馆。房东是一个高个子，整洁热情好客的老头。我们的房间是主卧室，房间布置的很温馨，欧式风格，明亮宽大的玻璃窗给人以舒适的感觉。每天早晨老人家给我们准备一顿早餐，非常丰富，有各式面包，茶，麦片，咖啡和水果。每天的水果都不同有蓝莓、黑莓、白兰瓜、提子、mini猕猴桃，而且摆放的果盘非常讲究，让人都不忍心动叉子吃。由于我们是早出夜归，每天的早餐时间是最热闹的。同住的一个来自台湾的中年男子、我们两口和老人家聚在餐厅边喝咖啡边交谈。老人家操着浓浓的英格兰口音，语速也很快，特别健谈。许多地方是通过台湾人翻译给我们。临别的时候，我送给他一个中国结，他高兴的把它挂在客厅的书柜上。

在西雅图的街道上，无论是散步还是逛街，无论是过道里还是电梯旁，只要两个陌生人的目光相遇，都能收获一个友善的微笑，或是轻轻地打个招呼“hai”，或是轻轻地点一下头。男人永远是绅士地谦让女人，年轻人总是礼貌的主动帮助别人。有一次我们两个人在湿地公园拍照，路过的中年人主动帮我们拍合影。在机场美国的警察会主动帮我们寻找行李。我们也到过美国的许多地方，也去过许多国家。但是，西雅图的微笑，是那么温馨，是那么甜蜜。给我们留下了深深记忆

陈默之。

歌词片段：你的微笑像讯号，在我的心里发酵。不出一秒就发现自己已经为你倾倒。

《浪漫邂逅》是由罗森涛作词，罗森涛作曲，陈默之演唱的歌曲，收录于同名专辑《浪漫邂逅》，发行于2022年10月28日。