旅行中的艺术史：在泾县陶窑村“穿越”南唐，邂逅古代民间画师

有时候，老天会刻意刁难一下天气预报员。

明明说好的要下雨，但他却一直憋着，像一位喝得尽兴不想上厕所的酒鬼，也像一位玩疯了的小孩，直到实在憋不住了，才倾盆而下。

我在陶窑村那天所遭遇的天气情况，就是这样。

如果说从泾县到歙县的这段路程，可以随时发现一些预料之中的喜悦——这里是新安画派和黄山画派的发源地，也是中国顶级文房四宝的制造基地，那么在泾县的陶窑村则可触碰到一些惊喜。

对于公众来说陶窑村的知名度并不高，且因缺少系统地考古发掘和研究，那些层层累积上千年的陶器，至今依然在四周青山中的古陶窑遗址下沉睡。

步入村中的古陶陈列馆，你会有一种强烈的穿越感，似乎走入了南唐或宋人的一间厨房、仓储间，体会到古人真实的生活氛围。从其中一些古陶碎片中，可清晰地感受到当时民间画师们一些花鸟画技法，画史中所记载的“徐熙野逸”、“落墨法”等等谜团的线索，也许便隐于其中。

陶窑村位于安徽宣城市泾县琴溪镇。

你若喜欢中国传统文化，尤其是爱好中画和书法，那么从合肥出发一路南行的旅途，随时会带来一些预料之中的喜悦。

过了芜湖，不到一个小时的车程便可到泾县，这里是宣纸和宣笔的重要生产基地。

早在宋末元初，泾县小岭曹氏家族曾一度垄断了宣纸的生产经营。入元以后，在倪瓒、王蒙、吴镇、黄公望“元季四家”的推动下，水墨写意画占据中国画坛主流，他们的技法与风格形成与泾县所产的宣纸不无关系；宣城本地“宣笔”的 历史 更为悠久，在唐、宋的高峰期本地所产的紫毫享誉天下，为文人、画家们所宝。

泾县南与如今的黄山市接壤，不远处的歙县是古徽州的政治、经济、文化中心，这里孕育了徽商和徽菜，更是徽墨、歙砚的主要产地。

这条线路囊括了文房四宝——笔、墨、纸、砚一条龙，堪称一站到位。

若是将行程定制得更为广阔，从歙县境内顺着新安江，经千岛湖、桐庐、富阳可以直达杭州。而从泾县往北与芜湖接壤，从这里入长江便可至南京。

杭州与南京，这两座中国南方最重要的文化中心城市，尤其在魏晋、五代南唐和此后的南宋，不同朝代的定都之地，其时商贾云集、人文荟萃，无数文学家、艺术家留下了无数精彩的作品。

为这些作品提供文房四宝的重要生产制造基地，正是以黄山为中心包括泾县、歙县这方圆300里左右的古徽州地区。

上世纪三十年代，张大千与张善孖兄弟二人自杭州沿新安江二上黄山后，曾下榻于歙县。张大千在此定制了纪念墨，正面书“云海归来”，回到上海后分送友人，很是得意。

张氏兄弟来黄山的重要原因，是受到清初活跃于此的画家群体启发，这些画家们包括梅清、石涛、弘仁，比如出生于1642年的石涛，在青年时长期旅居安徽宣城，他首次游黄山是28岁。巧合的是，张大千也正是在同样的年龄开始了首次黄山之行。

这些清初画家面对黄山所感所悟之后，从而形成独特画风，近人将其归为“黄山画派”，此后张大千、黄宾虹等人遥接其衣钵。而黄宾虹本人，虽然出生于浙江金华，其原籍亦是安徽省歙县人。

比“黄山画派”的提法更为宽泛也更早出现的，还有另一个同样活跃于此的画家群体——“新安画派”，清初张庚在其所撰的《浦山论画》中总结说，这一画派多师法倪瓒；王士祯认为新安画派开山鼻祖为弘仁（字渐江），他与查士标、汪之瑞、孙逸同称为“新安四家”。

无论新安画派，还是黄山画派，其共同特点是以黄山及周边的风景为创作母体，提倡“师从造化”，从结构与技法上突破“清初四王”一味泥古守旧的甜俗之风；

其次，便在于他们均推崇倪瓒、黄公望等人，让水墨具有更丰富的表现力。而这，与本地所生产高质量的笔墨纸砚，不无关系。

尽管皖南这片土地，与中国绘画史的关系如此密不可分，而疫情之后我们首次出行的目的地——陶窑村，却与绘画不太相关，从这村名你大概就能猜出，这里以制陶而闻名。

若是说与宣纸和宣笔的相逢是这段旅途预料中的喜悦，那么在陶窑村，却触碰到了一些意外的惊喜。

天气预报是要下雨的，但我们在村中那天上午，表面却阳光灿烂。云层一直按部就班地聚集着，它们搜集着村中的山间、林地、水田里的水汽。

暂时晴朗的天气，让我们有机会审视这座千年古村落的大体地理地貌。

村子的面积比我想像中大，村子以前的中心，应是在四周环山的一片凹地中。一条小河绕着进村的公路流过，青山环绕四周，其中阡陌纵横、鸡犬相闻。中间一片平地上，星罗棋布着村舍，粉墙矗矗，黛瓦鳞鳞。

陶艺师傅胡金中的工作室，就位于其中一间。“正对面这座山是龙山，后边这座是虎形山，”他站在院子外边的台阶上用手指点着四周，热情地介绍：“龙山东边这座，是青龙山，西面那是凤凰山”。

胡金中除了自己制作陶艺外，还执着于研究本地的制陶史。他自费买下一座古民居，从各个村民处收集古陶器和碎片，将它们整理归类，办了一个“古陶陈列馆”。

陶窑村制陶业的兴旺，可以追究到晋代。据乾隆时期《泾县志·物产》记载：“泥器出陶窑。相传晋葛稚川炼丹作陶器，其结庐处有施姓、陶姓擅其业。”而嘉庆时《泾县志》中也记载：“葛仙庙，在县东北陶窑。相传葛洪练丹于此，而陶器作，因立庙。”

可惜如今葛仙庙早已被毁。按照清人的记载，东晋著名炼丹家葛洪（公元284——364年，字稚川，自号抱朴子）早年曾在此炼丹，因而带动本地制陶业兴旺。咸和二年(公元327年)，葛洪听闻交趾出产丹砂，遂南行至广州，此后隐居罗浮山。中国绘画中“葛稚川移居图”便是描绘葛洪携家人隐居的这一主题，其中最为著名的包括王蒙的这幅《葛稚川移居图》，如今收藏于北京故宫博物院。

1984年，安徽省文物局专家、中国古陶瓷学会常务理事兼副秘书长李广宁来此实地调查后，从烧瓷方式及采集瓷器标本，推测这里是一处五代至北宋时期的古民窑窑址群，主要烧制日用青瓷器。

在当年举办的中国古陶瓷研究会和中国古外销陶瓷研究会上，李广宁将两次调查采集的标本做了分析和汇报，与会专家一致推断该窑址烧造年代是五代——北宋时期，其上限可能会早到唐代晚期，应属著名的宣州窑窑口。这类观点遂得到业界的普遍认可，但直到如今该地还没有进行过系统的考古发掘工作，上述调查尚不能作为断论。

据《泾县志》记载，明清两朝陶氏、施氏家族传承了制陶业，从清末一直到抗战爆发前夕，这里的制陶业都相当发达——“清末至民国25年前陶窑、施窑，新溪、罗家冲等村长龙窑多达60一100余条，窑工达千人，产品销芜湖、南陵、宣城、当涂、太平、青阳及沿江各地。抗战期间销路受阻，制陶业衰落。1949年，全县有大小窑3条。生产日用生活陶制器皿及缸瓦，窑工40余名。”

目前陶窑村依然保存着相对完整的传统制陶工艺技术，王玉林师傅带领七、八位工人仍在传承这项古老的技艺。

村中仍在使用的龙窑是上世纪50年代移至村口，如今这里也是浙江大学非物质文化遗产的一处研究基地，包括中央美院、上海视觉艺术学院的师生们，也常到此交流、学习。

2008年，国际陶艺大师李见深在此详细了解制陶工艺，并拍摄了纪录片《陶窑》。这部片子代表中国参加了第十届法国国际陶瓷**节，获“文化遗产奖”，之后该纪录片被联合国教科文组织评为“最佳陶艺纪录片奖”。

“古陶陈列馆”是一幢有些年代的典型徽州民居，主体建筑为砖梁结构，用于挡风和防火的马头墙，被雨水冲刷出斑驳的痕迹，让人联想起黄宾虹那句“我从何处得粉本，雨淋墙头月移壁”。

进门有一前庭，中有天井，原来用着厅堂和厢房的空间，如今被布置为陈列室。透着玻璃橱窗，依次放置着古人制作、或者用过的器物。

距离如此之近，让我恍惚走进了南唐人或者宋朝人的一间厨房、或者是杂物间，各类的碗、盏、执壶、酒注、轮盘、罐等依次展示在陈列架上。也许其中某件小罐就是古人用来盛放盐的，双耳的陶壶可能是用来盛酒的，角落里的大陶罐，或是用来储存谷物。

据胡金中介绍，陶窑村的古窑遗址面积达15000平方米，堆积层最高可达6米。但尚未进行系统发掘，他所搜集的这些藏品，均采集于地面，主要有青釉、黑釉、黄绿瓷器。

其中最早的陶器和残片应是五代南唐时期，当地工匠所烧制的生活用器。这类生活用器因为需求量巨大，以及成本等问题，大多以实用功能为主，它们并不像故宫或者其他博物馆中，那些精致、细腻的精美艺术品，但它们都带着古人真实的生活印记，让我们可以揣测当时的生活方式，甚至能够触碰和闻到他们劳作中的留下的汗味和泥土气息，这种质朴的真实感带给人的震撼，甚至远远高于那些过于粉饰毫无瑕疵的精美器具。

也就是在这间陈列室里，胡师傅向我展示了几件五代南唐时代的古陶碎片。前段时间正好一直在写有关南唐时期徐熙的一些文字，我对于画史中记载的徐熙“落墨法”有些囫囵吞枣，因为不见有画迹佐证，一边写，自己心里也觉得没谱。

不过，从这几片古陶器物身上绘制的花卉，倒让我联想起人们印象中风格“野逸”的徐熙画法，它们并不像从隋唐、五代时期以双钩设色为主的主流花鸟画技法，这种技法到了五代，其代表人物是后蜀的黄荃父子。而身处江南的徐熙，其技法与他们截然不同。

在北宋郭若虚编撰的《图画见闻志》中，引用南唐才子徐铉的对徐熙的评价：“落墨为格，杂彩副之，迹与色不相隐映也”。同时也引用徐熙自述称：“落笔之际，未尝以傅色晕淡细碎为功。”这表明徐熙的画法一反唐以来流行的晕淡赋色，开创了一种新的“落墨法”。其技法特点是主要用墨来塑造形象，辅以色彩。

在宣和画谱中，也提到徐熙“落墨法”的几个特点：“独熙落墨以写其枝、叶、蕊、萼，然后傅色，故骨气风神为古今之绝笔。”

除了以墨色组合塑造物像外，徐熙的花鸟还有“野逸”之说，宋代沈括形容徐熙画“以墨笔为之，殊草草，略施丹粉而已，神气迥出，别有生动之意”。元人汤垕所撰《画鉴》中也说：“熙画花，落笔颇重，中略施丹粉，生意勃然。”

徐熙本人的画迹已难见到，而从这几组陶瓷残片上的花卉图案，我们完全能够体会到当时江南地区民间画师们，早已娴熟地掌握了不用线条勾勒然后着色的绘画技法，他们仅仅用毛笔“草草”几笔，便画出了花的枝叶和茎干，利用自然的墨色塑造出一片盎然生机。虽然并不精细，但其用笔流畅，造型生动，显然是有一定的固定程式和粉本。

遗憾的是因缺乏更为专业、细致的考古研究，这几片民间画师留下的陶瓷残片，仅仅为我们提供了一些有关南唐时期徐熙一类技法的想象空间和思路。

下午三、四点左右，我们驱车前往杭州时，大雨终于伴随着雷电倾盆而下。

身后的景物变得昏暗和模糊，陶窑村和这诸多的 历史 谜团一道，也被笼罩在一片烟雨中。

主演：韩俊轩王一涵

集数：

导演：庞吉

状态：待更新

编剧：

年份：2016

地区：内地

首播时间：

首播平台：

类型：言情都市偶像网络剧

剧情介绍

缘于心剧情讲诉了在艺术方面颇有造诣的年轻艺术家方源在机缘巧合之下邂逅了乐观向上的杨柳，而更为巧合的是，他们皆在不经意间得知了彼此的一个不可告人的秘密。

《缘于心》是一部由著名演员庞吉担任执导的现代、都市网络剧，由新人演员韩俊轩，王艳等联袂演绎。

缘于心剧照

《缘于心》讲诉了在艺术方面颇有造诣的年轻艺术家方源在机缘巧合之下邂逅了乐观向上的杨柳，而更为巧合的是，他们皆在不经意间得知了彼此的一个不可告人的秘密。

为此，他们相互约定为彼此保守秘密。而后，他们开始了有目的的相处模式。然而，在日常的相处后，他们皆发现了一个重要的问题他们发现自己好像爱上了彼此。最终，这段浪漫的爱情故事将如何收尾呢·

男性，马轲，1998年赴厄里特里亚援教，2001年赴中央美院研习，取得硕士学位。出生在70年代的马轲，被称为“新生代”画家。他的画既有具象的写实，更有意象、心象随机的抒写，游弋在具象与抽象之间获得表现的更大空间,却又始终在观念的渗入中寻求着某种社会内涵和生存意义。把自己的人生体验，视觉经验和幻觉世界的形形式式，用象征性手法，激起观者心灵的震颤和联翩的浮想。（推介人：陶咏白）

个人展览：

1999年9月，“马轲作品展”，天津美术学院展览馆；

2001年9月，“马轲风景作品展”，中国风现代美术馆；

2003年3月，“塔中人——马轲作品展”，北京炎黄艺术馆；

2004年11月，“马轲作品展”，北京愚自乐园艺术空间画廊；

2006年3月，“马轲制造——马轲作品展”，上海美术馆。群展

1997年，“再启动”展，国际艺苑；

1996年11月，“罗中立油画奖学金”获奖作品展，中国美术馆；

1997年，“天津美术学院教师作品展”，中国美术馆；

1998年12月，“乡村生活”展，法国联盟ASMARA；

2001年，“研究与超越”——中国油画学会小幅油画作品展，中国美术馆；

2004年，“中国第三届油画年展”（北京展区），中国美术馆；

2004年9月，“邂逅”，北京愚自乐园艺术空间；2006年1月，“首届中国当代艺术年鉴展”，中华世纪坛；

2006年3月，“A+A，架上存在AA制”展览，中国美院老美术陈列馆；

2006年6月，“意象武夷”——中德艺术交流展，北京三尚艺术空间；

2006年10月，“出格”，偏锋画廊；

2006年12月，“200——-6中国当代艺术年鉴展”，中华世纪坛；

2007年9月，“中德——国际艺术交流展”，德国。

2008年4月，“返身三次方”，798夸克画廊

2008-年7月，《逻辑的有限性》，798跟尚国际艺术空间作品赏析：

不了解马轲的人，很难理解他为什么要这么画？他究竟想吐露什么讯息？

当马轲面对不熟悉的人，多半他是保持沉默的；但只要你愿意倾听，他随即可以侃侃而谈，对艺术，对人生…

马轲经常使用一些符号,比如”三角”、“读书”与“马”来表达内心的想法；三角或许是他心中的一座圣山，他把三角运用在画面，期待赋予一份独特的庄严；中国人“读书高”的寓意，也让他经由在大海中、高树颠，格外引人沉思；而喜欢画马，更彰显他满怀一颗急待自由驰骋的心。

对这位生于七十年代，被列名为中国“新艺术的后援”的艺术家，乐见他对艺术坚持，正绽放着光芒。（义丰博士）

印象派大师毕加索

毕加索（1881～1973）是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，是20世纪最伟大的艺术天才，他的艺术生涯几乎贯穿其一生，作品风格丰富多样，是一位多产画家。他逝世后，人们花了 5 年的时间对他的作品进行了整理。据统计，他的作品包括：油画 1885 幅，素描 7089 幅，版画 20000 幅，平版画 6121 幅，总计近 37000 件。

后人用“毕加索永远是年轻的”的说法形容毕加索多变的艺术形式。史学上不得不把他浩繁的作品分为不同的时期——早年的“蓝色时期”、“粉红色时期”、盛年的“黑人时期”、“分析和综合立体主义时期”（又称“立体主义时期”）、后来的“超现实主义时期”等等。

一、蓝色时期

1900年毕加索来到巴黎，并在1904年定居在那里。这期间他的创作被称为"蓝色时期"，是他第一次形成自己的风格。这个时期作品背景蓝，人物蓝， 头发、眉毛、眼睛皆蓝，蓝色主宰了他一切作品，背景简化（《熨烫衣服的人》），避开光感和深度的感觉，把人物结合成一种简单的图样，其中沉重，强烈而流动的线条，给人以不真实的、虚拟世界的印象（《两姐妹》）。这种线条具有情感的重量。画家后来的作品大多具有这种富于表现力的线条的特点。这些特点是从观察人的动作和姿势中得到的。这一时期也是毕加索对现实生活关注的时期，他还没有脱离普通群众太远去追求某些哲理性强于艺术性的表现。那时候的蓝色，是贫穷和世纪末的象征，于是作品多表现一些贫困窘迫的下层人物，画中的人物形象消瘦而孤独。至于为什么毕加索会采用蓝色作为主调，尚没有确定的说法。一种说法认为是受法国画家莫奈和卡里埃的影响，认为这种色调加强了画面中的诗意成分。另一种说法则认为，毕加索之所以偏爱蓝色是因为它代表着忧郁。也就在那片单色的浅蓝、粉蓝、深蓝、湛蓝中，毕加索开始走上他的成功之路。

二、粉红时期

毕加索从后印象派色调的精细中重新发现形体上的大略简洁笔法，而这就是“玫瑰红时期”的典型画法。

1904年春，毕加索在巴黎蒙马尔特区永久地定居下来，随着他迁居巴黎、与菲尔南德·奥里威尔的同居，他的蓝色风格时期也宣告结束。柔和的粉红色调开始渗透到他的画布上的单一蓝色中去（《扇子女人》），很快成为他画布上主要的颜色（《花篮女人》）。那种暖洋洋的、娇滴滴的玫瑰红色代替了空洞抽象、沉重抑郁的一片蓝色。青春和爱情活生生地出现在画面上，人物形象往往是一些富有青春美或是魁梧的人。"玫瑰红时期"就这样开始了，毕加索的油画进入了完全新的世界，一个与流浪艺人和杂技演员接轨的世界，于是也有人称之为"马戏团风格"（《马上的姑娘》）。在这时，毕加索的声望使他得到了与众多女人接触的机会，在这个充满欲望和希图的时代，他用公牛一般的意志统辖着他的女人们（《玫瑰色的裸女们》）。

三、黑人时期

1905年下半年，与奥里威尔关系破裂后，毕加索进入了他的第一个古典主义时期，表现出他对艺术形式无休无止的探索（《土耳其装束的夫人》）。他预示着毕加索艺术思想中的一个新的倾向，他追求古典式的单纯线条，匀称和永恒的和谐。粗大的造型如同雕像一样简练，没有偶像的背景和与主题无关的任何细节（《立着的裸女》）。造型人物，开始带上了某种几何形的棱角和简化了的结构，不再用什么玫瑰色和淡蓝色，而是用简朴的褐**；与此同时，又有力图强调和保持画面的平衡感。

毕加索年表：

父：荷西·路易兹-布拉斯科

母：玛莉亚·毕加索-洛培兹

1881 10月25日出生于西班牙南部的马拉加

1888/9 7/8岁 在父亲(美术教师)指导下画画。

1889 8岁 完成第一件油画作品，画的是斗牛士。

1895 14岁 进入巴塞隆纳的隆哈美术学校，其父于该校任教。入学考试是古典艺术与静物写生，依规定可有一个月时间完成，毕加索在一天之内就完成了。

1896 15岁 作品“初次领圣体”参加巴塞隆纳美术与工业展。

1897 16岁 进入马德里圣费南多美术学院就读。但常不去上课，比较喜欢去“普拉多美术馆”参观。在那里，他可以接触到西班牙大师的作品：葛雷柯、委拉斯盖兹及哥雅等。 作品“科学与慈善”获马德里全国美展荣誉奖，后来又在马拉加得到金牌奖。

1898 17岁 经常出入“四只猫”酒馆，开始与前卫艺术圈往来。结织卡萨吉玛斯及日后成为其私人秘书的沙巴特斯。

1900 19岁 在“四只猫”酒馆举行首次个展。与卡萨吉玛斯首次前往巴黎，居住于蒙马特区。

1901 20岁 好友卡萨吉玛斯因失恋自杀，触发毕加索以蓝色调作画，蓝色时期开始。在弗拉画廊举行巴黎首次个展，开幕前就卖出15张画。

1902 21岁 完成“蓝色自画像”。

1903 22岁 完成“人生”。以浓郁的蓝色调表示贫、老与孤独的苦难。1900-1903年间三度回西班牙。

1904 23岁 定居于巴黎“洗衣船”。邂逅费尔南德．奥立维并同居，常去观赏马戏团的演出，粉红色时期开始。

1905 24岁 以马戏团题材创作“卖艺人家”等。画展受到重视。结识洁楚·斯坦因兄妹。

1906 25岁 在罗浮宫看到伊比利亚半岛的雕塑展，印象深刻。结识野兽派大师马蒂斯。

1907 26岁 创作“亚维农的少女”。到民俗博物馆看非洲雕塑。参观两个塞尚回顾展。结识布拉克。

1908 27岁布拉克第一次举行立体派画作展。

1909 28岁 解析立体派开始。与布拉克成为邻居。作“费尔南德头像”。

1911 30岁 首次把印刷字母放到构图中。邂逅艾娃·谷维。

1912 31岁 与费尔南德分手。完成第一个拼贴作品“藤椅静物”。与布拉克合作纸贴画，发展出合成立体主义。

1915 34岁 艾娃因肺结核逝世。

1917 36岁 至意大利为俄罗斯芭蕾舞团作舞台设计，邂逅舞者欧嘉．科克洛瓦。

1918 37岁 与欧嘉结婚。因芭蕾而与上流社会接触。与马蒂斯举行联展。

1919 38岁 认识米罗。

1921 40岁 长子保罗(1921-1975)出世。

1922 41岁 创作“海边奔跑的两个女人”。

1924 43岁 以装饰性立体派风格作许多静物画。

1916/7-1924年间多次为芭蕾舞台作设计。

1925 44岁 创作“舞”，首次影射与欧嘉的紧张关系。参加超现实主义的首次展出。

1926 45岁 以集合物手法作“吉他”系列。

1927 46岁 邂逅年仅17岁的玛丽-德雷莎·华特。

1929 48岁 与雕塑家贡萨列斯一起创作雕塑和铁线构成。作系列以女人头像为题的攻击性画作，显现姻婚危机。结识达利。

1931 50岁 于柏吉卢城堡设立雕塑工作室。参加超现实主义于美国的首展。

1932 51岁 以玛丽-德雷莎为模特儿。

1933 52岁 以雕塑家工作室为题，创作蚀版画 (佛拉系列版画)。费尔南德．奥立维出版回忆录。

1934 53岁 创作以斗牛为题的作品。发表用织物做模型翻制的雕塑作品。

1935 54岁 6月与欧嘉及保罗分居。9月玛丽-德雷莎与毕加索的女儿玛亚出生。

1936 55岁 邂逅南斯拉夫女摄影师兼画家多拉·玛尔。

1937 56岁 创作“格尔尼卡”。

1939 58岁 同时画玛丽-德雷莎与多拉的同姿势肖像。

1943 62岁 邂逅22岁的方斯华姿·吉洛。作集合物“牛头”。

1944 63岁 加入法国***。

1945 64岁 于慕洛完成第一批石版画。

1946 65岁 与方斯华姿·吉洛同居。访马蒂斯。

1947 66岁 方斯华姿·吉洛生子克罗德。首次在陶艺家哈米耶工作室中制陶，至1948年共作了2000件陶艺。

1949 68岁 方斯华姿·吉洛生女帕乐玛。为世界和平会议作“鸽子”石版海报。

1950 69岁 获颁列宁和平奖章。

1953 72岁 于玛都拉陶艺工作坊邂逅杰奎琳·洛克。

1954 73岁 与方斯华姿·吉洛分手。马蒂斯逝世(毕加索曾说：“只有马蒂斯才是真正的画家”)。开始创作德拉克洛瓦的“阿尔及利亚女人”变奏系列。

1955 74岁 欧嘉逝世。

1956 75岁 与克鲁佐共同拍摄**“毕加索之谜”公映。写信给***，抗议俄罗斯入侵匈牙利。

1957 76岁 画委拉斯盖兹“宫女”变奏40余张。

1959 78岁 作马内“草地上的午餐”变奏系列。

1961 80岁 与35岁的杰奎琳结婚。

1963 82岁 绘制“画家与模特儿”系列。巴塞隆纳的毕加索美术馆开幕。布拉克逝世。

1964 83岁 方斯华姿·吉洛出版回忆录，造成毕加索与克罗德及帕乐玛决裂。

1966 85岁 巴黎大皇宫及小皇宫举办大型毕加索回顾展。

1970 89岁 把西班牙家中保存的画作捐赠给巴塞隆纳毕加索美术馆。

1973 92岁 4月8日逝于坎城附近的慕瞻市。4月10日葬于佛文纳菊别墅的花园里。

希望能对你有所帮助：）

毕加索作品

毕加索(Pablo Picasso，1881—1973)，是二十世纪西方最具影响力的艺术家之一。他一生留下了数量惊人的作品，风格丰富多变，充满非凡的创造性。毕加索生于西班牙的马拉加，后来长期定居法国。他的父亲是一位艺术教师。他自幼喜爱艺术，15岁时以优异成绩进入巴塞罗那美术学校，后来转入马德里圣费尔南多美术学院。他于1900年来到法国巴黎，开始以极大的同情心描绘穷人的生活。此时，他的作品充满悲剧性。瘦削的形象和冷灰的蓝色调，使他的画上充满孤独和绝望、灾难与不幸的感觉。人们把这一时期称为其创作的“蓝色时期”(1900—1904年)。1904—1906年是毕加索创作生涯的“粉红色时期”。他这一时期的作品以描绘马戏团人物为主，形象虽然忧郁，却并不孤寂。1906年毕加索受到非洲原始雕刻和塞尚绘画影响，而转向一种新画风的探索。于是，他画出了那幅具有里程碑意义的著名杰作——《亚维农的少女》。

《亚维农的少女》

这幅不可思议的巨幅油画，不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，它引发了立体主义运动的诞生。《亚维农的少女》始作于1906年，至1907年完成，其间曾多次修改。画中五个裸女和一组静物，组成了富于形式意味的构图。这幅画的标题是由毕加索的朋友安德鲁·塞尔曼所加，据说毕加索本人对之并不喜欢。但不管怎样，这只不过是作品名称罢了。在现代艺术中，标题与作品的相关性越来越小，画家们常常有意识地不以标题来说明作品的内容。毕加索这幅《亚维农的少女》，想必亦是如此。该画原先的构思，是以性病的讽喻为题，取名《罪恶的报酬》，这在最初的草图上一目了然；草图上有一男子手捧骷髅，让人联想到一句西班牙古老的道德箴言：“凡事皆是虚空”。然而在此画正式的创作过程中，这些轶事的或寓意的细节，都被画家一一去除了。其最终的震撼力，并不是来自任何文学性的描述，而是来自它那绘画性语言的感人力量。

这幅画，可谓第一件立体主义的作品。画面左边的三个裸女形象，显然是古典型人体的生硬变形；而右边两个裸女那粗野、异常的面容及体态，则充满了原始艺术的野性特质。野兽派画家发现了非洲及大洋洲雕刻的原始魅力，并将它们介绍给毕加索。然而用原始艺术来摧毁古典审美的，是毕加索，而不是野兽派画家。在这幅画上，不仅是比例，就连人体有机的完整性和延续性，都遭到了否定。因而这幅画(正如一位评论家所述)，“恰似一地打碎了的玻璃”。在这里，毕加索破坏了许多东西，可是，在这破坏的过程中他又获得了什么呢当我们从第一眼见到此画的震惊中恢复过来，便开始发现，那种破坏却是相当地井井有条：所有的东西，无论是形象还是背景，都被分解为带角的几何块面。我们注意到，这些碎块并不是扁平的，它们由于被衬上阴影而具有了某种三度空间的感觉。我们并不总能确定它们是凹进去还是凸出来；它们看起来有的象实体的块面，有的则象是透明体的碎片。这些非同寻常的块面，使画面具有了某种完整性与连续性。

从这幅画上，可看出一种在二维平面上表现三维空间的新手法，这种手法早在塞尚的画中就已采用了。我们看见，画面中央的两个形象脸部呈正面，但其鼻子却画成了侧面；左边形象侧面的头部，眼睛却是正面的。不同角度的视象被结合在同一个形象上。这种所谓“同时性视象”的语言，被更加明显地用在了画面右边那个蹲着的形象上。这个呈四分之三背面的形象，由于受到分解与拼接的处理，而脱离了脊柱的中轴。它的腿和臂均被拉长，暗示着向深处的延伸；而那头部也被拧了过来，直楞楞地对着观者。毕加索似乎是围着形象绕了180度之后，才将诸角度的视象综合为这一形象的。这种画法，彻底打破了自意大利文艺复兴之始的五百年来透视法则对画家的限制。

毕加索力求使画面保持平面的效果。虽然画上的诸多块面皆具有凹凸感，但它们并不凹得很深或凸很高。画面显示的空间其实非常浅，以致该画看起来好象表现的是一个浮雕的图像。画家有意地消除人物与背景间的距离，力图使画面的所有部分都在同一个面上显示。假如我们对右边背景的那些蓝色块面稍加注意，便可发现画家的匠心独具。蓝色，通常在视觉上具有后退的效果。毕加索为了消除这种效果，便将这些蓝色块勾上耀眼的白边，于是，它们看上去就拼命地向前凸现了。

实际上，《亚维农的少女》是一个独立的绘画结构，它并不关照外在的世界。它所关照的，是它自身的形、色构成的世界。它脱胎于塞尚那些描绘浴女的纪念碑式作品。它以某种不同于自然秩序的秩序，组建了一个纯绘画性的结构。

《卡思维勒像》

《卡思维勒像》，毕加索作，1910年，油画，100×615厘米，芝加哥，芝加哥艺术中心藏。

毕加索1909—1911年“分析立体主义”时期的绘画，进一步显示了对于客观再现的忽视。这一时期他笔下的物象，无论是静物、风景还是人物，都被彻底分解了，使观者对其不甚了了。虽然每幅画都有标题，但人们很难从中找到与标题有关的物象。那些被分解了的形体与背景相互交融，使整个画面布满以各种垂直、倾斜及水平的线所交织而成的形态各异的块面。在这种复杂的网络结构中，形象只是慢慢地浮现，可即刻间便又消解在纷繁的块面中。色彩的作用在这里已被降到最低程度。画上似乎仅有一些单调的黑、白、灰及棕色。实际上，画家所要表现的只是线与线、形与形所组成的结构，以及由这种结构所发射出的张力。

这幅《卡思维勒像》，清楚显示了毕加索是怎样将这种分析立体主义的绘画语言，用于某个具体人物形象的塑造的。令人费解的是，恰是在这种分解形象和舍弃色彩的极端抽象变形的描绘中，毕加索始终不肯放弃对于模特儿的参照。为了画这幅画，他让他的这位老朋友卡思维勒先生耐着性子摆好姿势，在他的面前端坐了有二十次。他不厌其烦地细心分解形体，从而获得一种似乎由层层交迭的透明色块所形成的画面结构。画中色彩仅有蓝色、赭色及灰紫色。色彩在这里只充当次要的角色。虽然在线条与块面的交错中，卡恩维勒先生形象的轮廊还能隐约显现，然而人们却难以判断其与真人的相似性。研究毕加索的最著名的专家罗兰·彭罗斯，在看了这幅画后，曾作过这样的评述：“每分出一个面来，就导致邻近部分又分出一个平面，这样不断向后移动，不断产生直接感受，这使人想起水面上的层层涟漪。视线在这些涟漪中游动，可以在这里和那里捕捉到一些标志，例如一个鼻子、两只眼睛、一些梳理得很整齐的头发、一条表链以及一双交叉的手。但是，当视线从这一点转向那一点时，它会不断地感到在一些表面上游来游去的乐趣，因为这些表面正以其貌相似而令人信服……看到这样的画面，就会产生想象；这种画面尽管模棱两可，却似乎是真的存在，而在这种新现实的匀称和谐生命的推动下，它会满心欢喜地作出自己的解释。”

《瓶子、玻璃杯和小提琴》

1890年—1892年，油画，45×57厘米，巴黎奥塞博物馆藏。

1912年起，毕加索转向其“综合立体主义”风格的绘画实验。他开始以拼贴的手法进行创作。这幅题为《瓶子、玻璃杯和小提琴》的作品，清楚地显示了这种新风格。

在这幅画上，我们可分辨出几个基于普通现实物象的图形：一个瓶子、一只玻璃杯和一把小提琴。它们都是以剪贴的报纸来表现的。在这里，画家所关注的焦点，其实仍然是基本形式的问题。

但是，这个问题此时却是以一种全新的态度来对待。在分析立体主义的作品中，物象被缩减到其基本原素，即被分解为许多的小块面。毕加索以这些块面为构成要素，在画中组建了物象与空间的新秩序。他通过并置和连接那些笔触短促而奔放的块面，获得一种明晰剔透的画面结构，反映了某种严格而理性的作画程序。而如今，在综合立体主义的作品上，他所采取的恰是正好相反的程序。他不再以现实物象为起点，将物象朝着基本原素去分解，而是以基本原素为起点，将基本的形状及块面转化为客观物象的图形。这就是说，他在表现出瓶子、杯子及提琴之前，就已经把一个抽象的画面结构，组织和安排妥当了。通过对涂绘及笔触的舍弃，他甚至获得一种更为客观的真实。他采用报纸、墙纸、木纹纸，以及其他类似的材料，拼贴出不同形状的块面。这些块面，一方面显示着画以外的那个世界，另一方面则以其有机的组合而显示出画的自身世界的统一性和独立性。难怪他的画商及好友卡恩维勒会如此地评价他：“即使没有摆弄画笔的本领，他也能搞出绝佳的作品。”在这幅拼贴的画上，左边的一块报纸表示一只瓶子，那块印有木纹的纸，则代表着一把提琴。而几根用木炭笔勾画的坚挺的线条，则使这种转换得以实现，并且将那些不相干的拼贴材料，纳入一个有机的统一体中。

这种拼贴的艺术语言，可谓立体派绘画的主要标志。毕加索曾说：“即使从美学角度来说人们也可以偏爱立体主义。但纸粘贴才是我们发现的真正核心。”在这种拼贴语言的运用中，毕加索显然比别的立体派画家(如布拉克、格里斯等)更为大胆和富于幻想。别的画家在拼贴不同的纸片时，多少要顾及到是否符合现实逻辑的问题，他们总是把木纹纸限于表示木质的物品(如桌子、吉他)。而毕加索则全然摆脱这种约束。在他的画上，一张花纹墙纸可用来表现桌面，一张报纸也可剪贴成小提琴。毕加索曾在与弗朗索瓦·吉洛的交谈中，阐述了他对于拼贴的看法：

“使用纸粘贴的目的是在于指出，不同的物质都可以引入构图，并且在画面上成为和自然相匹敌的现实。我们试图摆脱透视法，并且找到迷魂术(trompe L'esprit)。报纸的碎片从不用来表示报纸，我们用它来刻画一只瓶子、一把琴或者一张面孔。我们从不根据素材的字面意义使用它，而是脱离它的习惯背景，以便在本源视觉形象和它那新的最后定义之间引起冲突。如果报纸碎片可以变成一只瓶子，这就促使人们思考报纸和瓶子的好处。物品被移位，进入了一个陌生的世界，一个格格不人的世界。我们就是要让人思考这种离奇性，因为我们意识到我们孤独地生活在一个很不使人放心的世界。”(弗朗索瓦·吉洛等《情侣笔下的毕加索》，天津人民出版社，1988年，第60页)

《格尔尼卡》

《格尔尼卡》，毕加索作，1937年，布面油画，305．5×782．3厘米，普拉多博物馆藏。

油画《格尔尼卡》，是毕加索作于30年代的一件具有重大影响及历史意义的杰作。此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作。画中表现的是1937年德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的暴行。作为一个具有强烈正义感的艺术家，毕加索对于这一野蛮行径表现出无比的愤慨。他仅用了几个星期便完成这幅巨作，作为对法西斯兽行的遣责和抗议。

毕加索虽然热衷于前卫艺术创新，然而却并不放弃对现实的表现，他说：“我不是一个超现实主义者，我从来没有脱离过现实。我总是待在现实的真实情况之中。”这或许也是他选择画《格尔尼卡》的一个重要原因吧。然而他此画的对于现实的表现，却与传统现实主义的表现方法截然不同。他画中那种丰富的象征性，在普通现实主义的作品中是很难找到的。毕加索自己曾解释此画图像的象征含义，称公牛象征强暴，受伤的马象征受难的西班牙，闪亮的灯火象征光明与希望……。当然，画中也有许多现实情景的描绘。画的右边，一个妇女怀抱死去的婴儿仰天哭号，她的下方是一个手握鲜花与断剑张臂倒地的士兵。画的左边，一个惊慌失措的男人高举双手仰天尖叫，离他不远处，那个俯身奔逃的女子是那样地仓惶，以致她的后腿似乎跟不上而远远落在了身后。这一切，都是可怕的空炸中受难者的真实写照。

画中的诸多图像反映了画家对于传统绘画因素的吸收。那个怀抱死去孩子的母亲图像，似乎是源自哀悼基督的圣母像传统；手持油灯的女人，使人联想起自由女神像的造型；那个高举双手仰天惊呼的形象，与戈雅画中爱国者就义的身姿不无相似之处；而那个张臂倒地的士兵形象，则似乎与意大利文艺复兴早期某些战争画中的形象，有着姻亲关系。由此可以看出，毕加索不仅是一位富于叛逆精神的大胆创新者，同时也是一位尊崇和精通传统的艺术家。

乍看起来，这幅画在形象的组织及构图的安排上显得十分随意，我们甚至会觉得它有些杂乱。这似乎与轰炸时居民四散奔逃、惊恐万状的混乱气氛相一致。然而，当我们细察此画，却发现在这长条形的画面空间里，所有形体与图像的安排，都是经过了精细的构思与推敲，而有着严整统一的秩序。虽然诸多形象皆富于动感，可是它们的组构形式却明显流露出某种古典意味。我们看见，在画面正中央，不同的亮色图像互相交叠，构成了一个等腰三角形；三角形的中轴，恰好将整幅长条形画面均分为两个正方形。而画面左右两端的图像又是那样地相互平衡。可以说，这种所谓金字塔式的构图，与达芬奇(最后的晚餐)的构图，有着某种相似的特质。另外，全画从左至右可分为四段：第一段突出显示了公牛的形象；第二段强调受伤挣扎的马，其上方那盏耀眼的电灯看起来好似一只惊恐、孤独的眼睛；第三段，最显眼的是那个举着灯火从窗子里伸出头来的“自由女神”；而在第四段，那个双臂伸向天空的惊恐的男子形象，一下于就把我们的视线吸引，其绝望的姿态使人过目难忘。毕加索以这种精心组织的构图，将一个个充满动感与刺激的夸张变形的形象，表现得统一有序，既刻画出丰富多变的细节，又突出与强调了重点，显示出深厚的艺术功力。

在这里，毕加索仍然采用了剪贴画的艺术语言。不过，画中那种剪贴的视觉效果，并不是以真正的剪贴手段来达到的，而是通过手绘的方式表现出来。那一块叠着另一块的“剪贴”图形，仅限于黑、白、灰三色，从而有效地突出了画面的紧张与恐怖气氛。

因为缪斯会给艺术家带来灵感。

一件好的艺术作品离不开灵感，但是创作的灵感却很难得到。艺术家经常把灵感比作缪斯女神的到来，人们一生都在寻找自己的缪斯女神，以获得创作灵感。

在希腊神话，缪斯是宙斯九个女儿的总称。他们主管文学、艺术和科学，经常出现在神或英雄的聚会上，轻歌轻舞，展示他们的风采，给聚会带来许多欢乐和喜悦。传说无论谁赢得了缪斯之心，都会像拿着上帝的笔。后来，欧洲诗人常常把创作的灵感比作缪斯的到来。

刘海粟，原名刘槃，字季芳，江苏常州青云坊人士，是一代绘画宗师、教育大家，油画与国画皆长，其后期更是以他独特恢宏的泼墨、泼彩技法而登峰造极。

没有人能够否认他的才华，可就是这样一位艺术家，在他的时代也有人因他在教学中使用裸模而对他憎恶得称其为“艺术叛徒”、“教育界之蟊贼”。刘海粟本人对此不以为意，甚至接下了“艺术叛徒”这个称号并以之自勉。

可后来江苏省教育会想要禁止人体模特写生，世人也对这难以被理解的艺术形式疯狂地攻击、谩骂，这些都让他伤心不已，甚至发出了“愿为艺术而死”的声音。

另一方面，刘海粟有着极其开阔的心胸，他以黄山为师、为友，对黄山之奇、之趣侃侃而谈，吸引了一众志同道合的好友。

这样极富魅力的一位艺术家，在情感方面也有着比常人更加传奇浪漫的经历。

四段婚姻

毁誉参半的刘海粟，对待感情也是直白热烈、爱恨分明。他一生中有四段婚姻，每一段都是他人眼中的良缘，可刘海粟从不为他人所动，坚定地追随着自己内心真实的想法。爱上了对方，就去与之相知相爱；爱上了别人，就潇洒地挥手告别。

第一段婚姻

1911年年底，刘海粟因为第一段失败的婚姻离开了家。

彼时的刘海粟还是一个意气风发的16岁少年，如同那个时代无数刚刚接触到西方新思想的青年一样，渴望着自由与先进之风，但这渴望却被“包办婚姻”无情打碎了。

在父亲强硬的要求下，刘海粟因为“八字不合”这样可笑的理由，被迫与心爱的青梅竹马——表妹杨守玉分开，心不甘情不愿地与祖上曾有人做过知府的大家**林佳完婚。

这婚姻从一开始就是错误的，刘海粟在婚后也拒绝与林佳圆房，以行动表达着自己对封建愚昧的抗拒。在刘海粟坚定的决心下，父亲终于妥协了，与林佳的父亲交流后，放任刘海粟与林佳离了婚。

在这段悲哀的婚姻里，林佳是无辜的，但谁又能说是刘海粟的错呢？只能说是那个时代封建守旧思想与先进新潮思想的强烈冲突下产生的一场悲剧罢了。

第二段婚姻

1912年11月，刘海粟与他的朋友们在上海乍浦路创建了现代中国第一所美术院校——上海国画美术院，后更为上海美专，即是现在南京艺术学院的前身。

本来，包办婚姻与母亲的去世造成了双重打击，再加上天性聪慧的刘海粟在国内已经无法满足自己的求知欲望，年轻的他想要像当时国内的大批有志青年一样，去日本留学，学习更加先进的绘画技法与知识。

只是，刘海粟的父亲无论如何也不能同意刘海粟只身漂洋过海，去遥远的异国，将家业都抛下。最终刘海粟与父亲达成协议，就留在国内的上海办美术学校。

刘海粟年轻而热忱的心坚信着，“艺术能救济现在中国民众的烦苦，能够惊觉一般人的睡梦”，一腔热血，要融合东西方美术文化的精髓，以艺术家的觉悟来救国。

在蔡元培等有志之士的帮助下，上海国画美术院办得红红火火，教授阵容中不乏关良、张大千、黄宾虹、傅雷、梁宗岱等到了现在名声依旧如雷贯耳的大家。

志得意满之际，刘海粟决定，将西方绘画中的人体模特写生也加入课堂。没想到，就是这个决定引起了国内学界的轩然大波。

最初的人体模特只招男性。或者说，只能招到男性。在学生所画的男性裸体画像于一场成绩展览会中展出时，社会各界议论纷纷，城东女校的校长更是怒斥刘海粟是“艺术叛徒”、“教育界的蟊贼”。

民间甚至流传着“上海出了三大文妖，一是提倡性知识的张竞生，二是唱毛毛雨的黎锦晖，三是提倡一丝不挂的刘海粟”的说法。只不过当时的江苏省教育厅并没有对此做出什么反应。

官方不予置评，那么学校课程还能办下去。这么想着，刘海粟并没有取消写生课程，甚至在1920年招到了中国第一个女性人体模特。流言蜚语尘嚣日上，刘海粟依旧不在乎，尽情追求着人体之美。

不过，任何事情都是有两面性的。刘海粟因为人体模特一事遭受了许多流言蜚语的攻击，却也同样因为人体模特一事遇到了他的第二任婚姻。

虽然1920年学校才第一次招到女性人体模特，但早在1915年，他就邂逅了心目中能够完全展现人之“美”的缪斯——画模张韵士。张韵士当时是一个青春洋溢17岁的美女学生，在去上海美专找朋友玩时与校长刘海粟偶遇了。

一见钟情的浪漫故事在现在看来也许像是俗套的小说情节，但在那个中国人渐渐觉醒了自由思想、对爱与美极尽赞美之意的年代，简直就是一场歌颂着爱情的华丽剧场。

两个人就这样迅速相知、相爱了。他们在当年的深秋成婚，婚后过着蜜里调油的日子，刘海粟更是以妻子为模特，创造出饱含爱意的画作。

张韵士也一心一意爱着刘海粟，为他生下了刘龙、刘虎、刘豹三个孩子。除了长子刘龙夭折，刘虎与刘豹都是人中龙凤。刘虎曾担任联合国秘书长特别助理，刘豹成了天津大学的教授。

如果刘海粟与张韵士的相爱是一个爱情故事的话，到这里就可以完美收场了。只可惜，等闲变却故人心，却道故人心易变。

第三段婚姻

1929年，刘海粟与张韵士共赴法国，沉浸于艺术殿堂，艺术造诣更上一层楼。1931年，夫妻俩回国了。可是，作为一个妻子，张韵士敏感地发现，刘海粟的心已经不在自己身上了。

此时，上海美专依旧是艺术与自由的迸发之地。由于上海美专大胆采用了男女共校的制度，校内不乏美丽优秀的年轻女孩。

成家和，上海美专的学生会主席，青春靓丽、才华横溢，这样的她迅速吸引了刘海粟的目光。作为一个始终追随着美、追随着自己本心的艺术家，刘海粟对这个女孩动心了。

刘海粟曾这样评价成家和：“较之一般的女孩子，她是很美的，不仅她的容颜和体型，风度、神韵皆美”。

艺术家总是追逐着缪斯，可当这一个缪斯渐渐失去最灵动时的风采，他们又会迅速将目光转向更美的另一位缪斯。他们是多情的，也是无情的。

教学时，他会忍不住更多关注成家和；学生临摹时，他也忍不住想要指导她、关心她。成家和也打心底仰慕着自己的老师，感动于他的爱和温柔。就这样，两人互许终生。

刘海粟将这件事直白地告诉了他现在的妻子张韵士。张韵士也是一位优雅而有风度的美人，得知丈夫心意已决，再无挽回的可能，她便不争吵，不挽留，保护自己最后的尊严。两人和平分手，为刘海粟的第三段婚姻放行。

刘海粟40岁时，成家和为他生下了女儿英伦。刘海粟曾对这个宝贝女儿倾注了无限的爱，可对妻子和子女的爱加起来，也不敌他对艺术的无限追求。

抗战爆发后，刘海粟独自去了南洋深造。他沉溺于艺术世界、举办画展，却全然没有考虑过妻子与儿女的艰辛。在这样日复一日的柴米油盐和鸡零狗碎中，成家和独自撑起一个家，可心却渐渐冷了。

第四段婚姻

1944年，在与第三任妻子成家和离婚后，刘海粟与第四任妻子夏伊乔结婚了。

两个人是在南洋认识的。夏伊乔是刘海粟在南洋收下的弟子，十分钦慕老师的才华。

在与刘海粟结婚之前，夏伊乔还有过一次婚姻，但前夫已经在抗战中壮烈牺牲了。后来与刘海粟相遇，夏伊乔心底又一次燃烧起了对爱情的追求。也正是夏伊乔，陪着刘海粟走到了生命的尽头。

夏伊乔是一位非常温柔善良的女士。她不但与刘海粟恩爱有加，还认真养育了刘海粟与前妻所生的子女们。更有甚者，在刘海粟的第二任妻子张韵士因病而不便行动、生活困难时，她主动将张韵士接到家中悉心照顾，直到张韵士去世。

六十年代，刘海粟再次经受了纷飞的诬陷之语。但这次，夏伊乔始终不离不弃陪在他身边，直到两人双双老去。

这时的刘海粟，才真正将自己在家庭中的身份，由一个“艺术家”转变为真正的“人”。

《邂逅》

[俄]鲍里斯·帕斯捷尔纳克

会有一天，飞雪落满了道路，盖白了倾斜的屋檐，

我正想出门松松脚——是你，突然站在门前。

你独自一人，穿着秋大衣，没戴帽子，也没穿长筒靴，

你抑制着内心的激动，嘴里咀嚼着潮湿的雪。

树木和栅栏，消逝在远远的迷雾中，

你一个人披着雪，站在角落里一动不动。

雪水从头巾上流下，滚向袖口缓慢地滴落，

点点晶莹的雪粉，在你那秀发上闪烁。

那一绺秀发的柔光，映亮了：你的面庞，

你的头巾和身躯，还有这件薄薄的棉衣裳。

雪在睫毛上溶化了，你的眼里充满忧郁，

你的整个身形匀称和谐，仿佛是一块整玉雕琢。

这好像是我那被带走的心灵，

好像被镀锑的钢刀深深地划下了血痕。

你那美丽的面容，将在我的心中永驻，

因此，我不再过问人世间的残酷。

啊，陶醉于这些回忆，只觉得这雪夜重影闪闪，

在我们两人的中间，我划不开分界线。

当我们已经离去人世，那些年的事犹自遭人诽谤，

没有人会去寻问：

我们是谁，又来自何方？

扩展资料：

1、帕斯捷尔纳克是一个在主流意识形态之下坚持个性写作的作家，其精神的独立性首先表现在创作的主题上。早在20世纪20年代，帕斯捷尔纳克的诗作就蛮声诗坛，但由于他的诗歌多以知识分子的内心世界为描摹对象，与轰轰烈烈的外部世界总是有反差。

2、他创作于20世纪40年代末的长篇小说《日瓦戈医生》就是其典型例证。帕斯捷尔纳克在小说中通过主人公日瓦戈医生在短短40年的人生中所遭遇的一切来展示俄国知识分子在20世纪的命运问题。

这部小说是作者用自己的笔与心灵发出的对现实社会理智而动情地思考，如作家所说：“《日瓦戈医生》是我第一部真正的作品,我想在其中刻画出俄罗斯近45年的历史”。

然而，在苏联文化“解冻”时期的历史背景下，小说的内容和主题与苏维埃的主流意识形态下所倡导的“歌颂社会主义革命和建设中涌现出的人和事”创作精神不相适应，而且创作方法与苏维埃官方所倡导的“社会主义现实主义为唯一的创作方法”不相吻合。

帕斯捷尔纳克在小说《日瓦戈医生》的创作中不拘泥于当时一统文坛的“社会主义现实主义的理论框架”的束缚，大胆地运用了现代主义的表现手法，以超越现实的眼光，把自己对国家、社会、人生等种种思考和感受倾注到长篇小说中。

写出了“超乎寻常、引人瞩目的作品，这不仅使俄罗斯本土作家震撼,而且令此时已经进入后现代主义的西方文学世界惊叹”。

3、帕斯捷尔纳克创作的中短篇小说，如《最初的体验》、《一个大字一组的故事》、《第二幅写照：彼得堡》等作品多角度地表现了作家青年时代对于外部世界的独特理解和心理体验。

对艺术与生活的关系展开了深入思考，以独特的诗学方式传达出对时代风云的沉思，高度关注被卷入历史洪流中的个性、特别是当代女性的遭遇，清晰地显示出书写一代知识者的命运、把一代人“归还给历史”的鲜明意向。

4、1957年，发表《日瓦戈医生》，并获得1958年诺贝尔文学奖，后因受到苏联文坛的猛烈攻击，被迫拒绝诺贝尔奖。

5、1990年是诗人诞辰100周年，联合国教科文组织宣布这年为帕斯捷尔纳克年。

6、1986年，苏联出版帕斯捷尔纳克的两卷本作品之后，又出版了一本由帕斯捷尔纳克之子叶夫根尼·帕斯捷尔纳克写的他父亲的传记，小说《日瓦戈医生》也于1988年公开出版，在帕斯捷尔纳克百年诞辰的1990年出版了他的全集。

-鲍利斯·列奥尼多维奇·帕斯捷尔纳克