插画高手是怎么练成的-当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

如何成为插画师成为插画师的条件

一_世界没给的,我们自己给,只要肯学,没有学不会的插画。

小伙伴,如果你打算学习插画,那就开始学,不要顾忌这条件那条件,有的纠结没学历能学嘛有的纠结没有美术基础能学吗有的纠结自己年龄大了能学吗其实这些统统都不是什么大问题,没有基础,多努力一个月,基础不就有了吗谁也不是天生就会的吗没有学历又有什么关系呢别人看的是你的作品,看的是你的实力,而不是你的学历,你学历再高,画出来的是垃圾,那卵用也没有。所谓的年龄,更不用着急了,多大都可以学,学习插画和年龄无关,和努力有关,重要的是你肯不肯学,这一点是非常的重要的,

一定要记住,世界没给的,我们完全可以自己给,平静的湖面,练不出精悍的水手,安逸的环境,造不出牛掰的插画高手,勇敢的开始你的插画学习之路,这就是最好的学习条件。

二__安寤纫盘な档,再练飞檐走壁。

学习插画,一定要先打好基础,没基础可以学,练好基本功,再往上学,就会变的非常的容易,学习不要急躁,要放平心态,学习插画,只有脚踏实地,一步一个脚印才能量变引起质变、

三_好的老师,会让你的插画学习一飞冲天。

很多同学问我有没有认识的优秀的插画老师,当然有奥,给大家说一个比较适合大家的,他每天晚上8点都会再网上免费直播讲板绘插画公开课,讲了很多年了,每天晚上都有很多人来听,也有很多零基础的小伙伴,因为讲的好啊,讲的通俗易懂啊,也非常的好玩,与其把时间浪费在玩手机上,还不如听听老师的课程,想听的同学,可以到他的唯心(谐音):首先开头的一组是:w9_缓蠛蟊叩囊蛔槭:kaka_颜饬阶榘凑障群笏承蜃楹掀鹄醇纯,非常的简单。

很多同学总是想的太多,做的太少,心太浮躁了,如果是这样的话,别说学插画了,学什么都费劲,再次强调,一定要脚踏实地的,这是一种坚持,只有经受的住时间的考验,所有的努力才不会被浪费,没有一路到底的执著,没有既定的目标,就算有一颗不浮躁的心,也不一定能够取得成功,也有可能沦为平庸。

四_绾卧诓寤氖澜缋,打造一片属于自己的天地

一个人的成功不是靠他的智慧,而是靠他的毅力。没有人天生就是优秀的原创画家或插画师

1打好基础。

只有打好基础,才能爬得更高,走得更远。这也是为什么零基础的学生,要从美术基础,也就是素描开始。就像盖房子一样,如果基础不扎实,那么后面就很难继续。级别越高越危险,甚至无法继续。了解黑白、构图、透视、人体解剖学/肌肉骨骼、色彩论证、阴影对比等等。

没有这些基础,你最好不要称自己为画家。要想更进一步,不仅要学基础,更要学精髓和透彻。很多同学急于求成,所以在美术基础上花了一点时间,因为觉得美术基础没意思,所以想上计算机。当他们在电脑上画到一定程度后,还是觉得基础不扎实,导致了瓶颈期。当时回去学美术基础,才知道打好基础,以后画画才能爬得更高,走得更远。

2视野开阔。

当你开阔了眼界,你会有更多的遐想空。永远不要做井底之蛙。高视野可以完全打开你宽广的胸怀,紧跟时代和时代潮流,不断探索新的风格和不同的绘画方法,学会举一反三。其实世界上所有的文化,历史上的艺术运动,都是你灵感和灵感的来源。融合不同时代、不同文化的艺术风格,或许这会产生意想不到的效果。

3学会思考。

绘画和语言一样,是一种表达内心的方式。我说出我的想法,我写下我的意思,我画出我的感觉。但偶尔停下笔,回想一下自己的作品是表达了自己的一些真实想法,还是对世界的反思。你放在作品中的思想,会让你的作品更有深度,更有意义。

4不能机械地重复实现。

简单的事情不容易重复。人为什么会犯错是因为不熟悉造成的,就像大家不会把一加一错当成二一样。是的,艺术来源于生活,又高于生活。你的画应该讲述一个故事,表达一种情感,反映一种心情。

5不要只做表面文章,要实事求是。

没有人的成功可以走捷径,成功是不可复制的。成功人士有一个共同点:现实、务实。新手一般都喜欢没完没了的画软皮肌理,都画的跟瓷娃娃一样。有必要排除好的和坏的。

6其实表面纹理完美与否并不重要。

表面画的不错是真的,看起来让人觉得你的作品很光鲜亮丽。但是,如果人体的构成比例和透视比例不对,人画得再漂亮,皮肤画得再细腻,都是没有用的。就像一道选择题。如果你做了错误的选择,再多的解释也无济于事!方向错了只会相反!

7对自己有信心,坚持学习!

大师需要时间和经验的积累。罗马不是一天建成的。你不能一口吃成胖子,所以你不可能在一天之内成为一名优秀的画家。很多人喜欢吹嘘自己有多有才。他们从来没有拿过画笔,一上来就画得和达芬奇一样好。就算画一两个速写本,也不过是万里长征的两小步。

以画家为例。画十几手不会让你一夜之间就知道怎么画手。不管画家们怎么说,我以前从来没有拿过画笔等等。。一个真正优秀的画家,只有画了成百上千只手,才能真正画出手来。如果你画了几个练习,觉得没有突破,那是正常的。不要认为自己没有天赋。

五插画学习需要掌握的一些基础知识:

1插画基础与描线:

零基础学习插画,重点在于学习线的多种表达技法以及线的多种处理手法包括造型运用,因为插画绘制前期对线的要求比较高。

2插画素描:

插造型与透视必须要准确,交界线是素描能不能过的最基本的要求,三大面五大调也是插画动漫基础必须要理解与掌握的,同时插画的材质练习也要掌握。

3人体:

零基础上手学习动漫插画,还要掌握基本的人体比例、骨骼与体块的概括,同时能够建立插画动漫人体框架,理解插画动漫中肌肉与脂肪的奥义,掌握结构与动态的标准绘制思路,同时理解插画人物五官的结构以及插画动漫头像光影的绘制。

4服饰:

掌握并能够绘制插画里面常见不同类型的衣服;衣褶布纹表达清晰;对插画中角色设计有一定的理解并有清晰的思路;能够独立表达和完成插画动漫中的角色设计。

5构图:

最后是理解插画中的常用构图法则,绘制出以角色为主的插画线稿,并且合理构图。熟知取色、配色以及插画绘画上色技巧,掌握当下流行的插画动漫上色方式,对插画的画面精度要有意识,可以提升插画的画面完成度,完整进行高完成度的插画绘制。

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

他是最炙手可热的插画师

也是时尚的最佳代言人

大卫唐顿DavidDownton,

1959年生于伦敦。

从孩提时代开始,

对他最好的款待就是一大页白纸。

然而,

大卫没有想到的是,

很久以后他可以依靠画为生。

▲大卫唐顿年轻时在画画

▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。

▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。

大卫最初学习的是平面设计专业,

他的第一幅作品是20世纪80年代早期,

为WhichComputer杂志设计的封面。

▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。

曾有15年时间,

大卫一直是自由职业插画师。

无论有什么事情发生,

他都很享受这种自由插画师的生活。

▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。

▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。

▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。

▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。

大卫的作品线条简洁流畅,

很有质感,风格也不矫揉造作,

可以很好地展现出人体的优美体态。

因为这种独特的绘画风格,

有一些人开始邀请他制作时装插画。

其中,就包括

85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,

她也是大卫的缪斯之一。

▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门戴尔奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。

▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!

▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。

他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、

Eric这些艺术家心存景仰。

因此,

在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。

1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,

1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。

最开始他眼花缭乱完全没有准备,

但是,

巴黎时装秀实实在在地,

激发出一个艺术家的灵感。

巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。

而这里的一切都让人神魂颠倒。

在模特走秀的时候,

大卫从来不作画。

因为他发现那根本无法进行,

他仅仅是摄影或者在一旁观看,

并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。

他抓住其他的任何机会来画,

模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。

比如:试衣的时候,

有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间

▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。

大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”

▲草稿也动人

大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,

然后才是比例、颜色等一些细节,

然而,这一点是较难做到的。

▲草稿也动人

大卫画无数份的设计草样,

然后从中挑选出最好的,

画得差不多的时候他就开始剔除,

“分解—重建”它们。

他持续地画,

一直到它们看起来自然为止。

他为世界各地的知名媒体,

如《泰晤士报》《独立报》,

以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,

撰写时装的相关报道。

并在伦敦举行过三次个展,

在纽约也举行过一次个展。

近年来,

他还为香港的购物中心设计视觉图像,

以及为Vogue女性时装系列绘制插画。

▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。

▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。

▲大卫唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。

▲大卫唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。

▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。

▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。

大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~

要想功夫深铁杵磨成针～

想拥有超越别人之外的能力,

就要将能力修炼到极致!

插画师多久可以学出来

插画师要入行大概需要两年半的时间。

插画师需要学的内容:

1素描是一种用绘图工具使其表现在二维材质上的视觉艺术。使用的工具包括石墨、铅笔、蜡笔、墨水等,以及电子绘图。素描最常见的载体是纸,其他材料如硬纸板、皮革、木材、帆布等都可使用。

2色彩,知识结构比素描要系统的多也比较抽象,而且很多时候你以为自己看到的是颜色A,但实际却是B。色彩要上的准,要知识要经验;色彩要上的妙,有风格,要天赋。太多人黑白线稿画的过得去但是易上色就马上变难看了。也有一些人可以通过上色让一个粗糙的线稿变得好看。丰富多样的颜色可以分成两个大类无彩色系和有彩色系,有彩色系的颜色具有三个基本特性:色相、纯度(也称彩度、饱和度)、明度。在色彩学上也称为色彩的三大要素或色彩的三属性。饱和度为0的颜色为无彩色系。

3速写顾名思义是一种快速的写生方法。速写是中国原创词汇,属于素描的一种。

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插画艺术的简介

内容简介：如今，插图已经发展成为一种多元的艺术形式。插画作为现代设计中一种重要的视觉传达方式，以其直观的形象性、真实的生活感在现代设计中占有特定的地位，并广泛应用于现代设计的多个领域，涉及文化活动、社会公共事业、商业活动和影视文化等方面。

《插画艺术》分为七章，具体介绍了中国插画简史、外国插画简史、现代插画的演变和发展趋势、插画的分类、现代美国和一本插画、插画欣赏等内容，全面系统地介绍了插，画的历史和插画在各个设计领域中的运用。

书中列举了大量中、西方插画史上的优秀作品，介绍了多位插画大师的生平、艺术风格和经典作品，对插画进行了详尽的分类，使读者对插画在各领域中的具体运用一目了然。书中图文并茂的讲解方式，帮助读者对插画的历史、插画的运用有一个系统而明确的了解和掌握。

扩展资料：

所谓图书，即“凡书必有图”，书中的插图也称为插画，是插在文字中间用以说明文字内容的图画。插画的主要作用是对文字内容作形象的说明，以加强文字作品的感染力和书刊版式的活泼性。

鲁迅先生在《“连环图画”辩护》中写道：“书籍的插画，原意是在装饰书籍、增加读者兴趣的，但那力量，能补助文字之所不及。”

文学作品中的插画，是画家在忠于文学作品思想内容的基础上的再创造，具有独立的艺术价值，因而成为造型艺术的一个重要品种。好的插画不仅是从造型层面对文学的诠释，而且是文学主题的延伸，其利用空间、结构、色彩、透视、量感、质感，通过点、线、面以及作者的个性形成一个新的境界。

-插画艺术

中国新闻网-插画原稿收藏逐渐兴起名作多在十万元以上

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？他是最炙手可热的插画师也是时尚的最佳代言人大卫唐顿DavidDownton，1959年生于伦敦。从孩提时代开始，对他最好的款待就是一大页白纸。然而，大卫没有想到的是，很久以后他可以依靠画为生。▲大卫唐顿年轻时在画画▲工作室自成一幅画，和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。大卫最初学习的是平面设计专业，他的第一幅作品是20世纪80年代早期，为WhichComputer杂志设计的封面。▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画，材质为墨水彩盒纸张。曾有15年时间，大卫一直是自由职业插画师。无论有什么事情发生，他都很享受这种自由插画师的生活。▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型，以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名，是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似，他运用的色彩富有现代性。▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张，醋酸纤维纸覆膜。▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画，模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。大卫的作品线条简洁流畅，很有质感，风格也不矫揉造作，可以很好地展现出人体的优美体态。因为这种独特的绘画风格，有一些人开始邀请他制作时装插画。其中，就包括85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯，她也是大卫的缪斯之一。▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画，模特为卡门戴尔奥尔菲斯，服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水绘制。▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像，他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美！▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、Eric这些艺术家心存景仰。因此，在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。1996年他为杂志制作过高级时装展的插图，1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。最开始他眼花缭乱完全没有准备，但是，巴黎时装秀实实在在地，激发出一个艺术家的灵感。巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。而这里的一切都让人神魂颠倒。在模特走秀的时候，大卫从来不作画。因为他发现那根本无法进行，他仅仅是摄影或者在一旁观看，并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。他抓住其他的任何机会来画，模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。比如：试衣的时候，有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间▲化妆品也是他的工具，起笔和落笔之间动人心扉，浓淡皆宜。大卫说：“我最开始画的时候，认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而，第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上，在凯特摩斯消失之前，我仅仅才画出她的胳膊！所以，享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”▲草稿也动人大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉，然后才是比例、颜色等一些细节，然而，这一点是较难做到的。▲草稿也动人大卫画无数份的设计草样，然后从中挑选出最好的，画得差不多的时候他就开始剔除，“分解—重建”它们。他持续地画，一直到它们看起来自然为止。他为世界各地的知名媒体，如《泰晤士报》《独立报》，以及Harper’sBazaar(a澳洲版）等，撰写时装的相关报道。并在伦敦举行过三次个展，在纽约也举行过一次个展。近年来，他还为香港的购物中心设计视觉图像，以及为Vogue女性时装系列绘制插画。▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎，材质为水粉、水彩和纸张。▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。▲大卫唐顿2005年受Vogue（中国版）委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸。▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画，材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。▲大卫唐顿2007年受Madame杂志（德国版）委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制，醋酸纤维纸覆膜后，再以墨水和水粉绘制。▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画，模特为蒂塔万提斯，服装由拉克鲁瓦设计，材质为墨水、水粉和纸张，醋酸纤维纸覆膜。大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~要想功夫深铁杵磨成针～想拥有超越别人之外的能力，就要将能力修炼到极致！有人知道20世纪40-80年代有哪些插画师么？我知道几个国外时装插画大师：（1）埃莱娜马吉娜HeleneMajera，法国艺术家。（2）乔治斯塔罗尼斯GeorgeStaurines（3）格里泽尔达霍尔德尼斯GrizeldaHoldemss，津巴布韦裔画家，他认为时装插图“是他工作的延伸，在这里可以淋漓尽致、无所顾忌地表达自己的艺术感受”。（4）迈克尔罗伯茨MichaelRoberts，曾一度在英国《塔特勒》杂志立于不败之地(5)罗杰邓肯RodgerDuncom，美国插图艺术家(6)托尼维拉蒙特TouyViramontes

高叉泳装的动漫服装

在ACG(二次元)中,也经常可以看到女孩子穿高开叉形状的衣服,人们一律统称为“高叉泳装”,不过事实上这些服装不一定具有普通泳衣的作用,很大程度上是单纯的视觉美感,将其称作“高叉紧身衣”或“高叉制服”更恰当些,当然这些服装的设计原理是来自高叉泳装的。

无论在三次元还是二次元,高叉紧身衣一般都会搭配着靴子,因为她不是纯粹意义的泳装,而是一种视觉产物,靴子的取舍会影响到对半体服的审美。如何在高叉紧身衣搭配靴子的这个基础上,利用其他装饰点缀这套衣服很考究设计者的想象力。

事实上在ACG界,高叉紧身衣是由美国动漫发展起来的,而且范围更广、热度更高,日漫只是受了其影响,在美漫中很多女英雄都有这样的打扮,如心剑忍者PSYLOCKE、神奇女侠WonderWoman、神奇女士、蝙蝠女Batgirl、神力女郎PowerGirl、暴风女Storm、女反派Livewire等等。

在日本方面,高叉紧身衣长期没有一个系统的概念,虽然经常有这类打扮的女角登场,但并没有固定的统称。随着日漫的发展,很多动漫名词开始被系统化,如指代校园泳装的“史库水”,适合小女孩身材的宅系衣服称为“萝莉服”,而英式女仆装扮则以“女仆装”统称,高叉紧身衣的概念被系统化大概也是时间问题。

高叉紧身衣的特点是性感和帅气,她并不以“暴露”为目的,而要突出英气勃勃的感觉,区别于一般的卖肉,她可以吸引男性观众的眼球,也可以让女性观众为之着迷,很多穿高叉紧身衣的美少女都拥有相当数量的女FANS,如

《街霸》

里的CAMMY等。

和某些讲求暴露的内衣不同的是,高叉紧身衣很多时候反其道而行之,故意在很多被认为“应该露”的地方加布料,尤其经常保留靴子和手套,让女孩子“帅”的一面得以体现。

比如

《轮回的拉格朗日》

里的兰,她的衣服除了是体操服形状,任何方面都显得很庄重,半体服为长袖而且是高领,脚穿靴子,衣服的款式和布料,显然是以制服的标准设计的,所以兰的衣服看起来颇像制服。

而另一方面,高叉紧身衣的性感特点,让兰的曲线身材完全在这套衣服的衬托下体现了出来,胸口的美感丝毫不逊色于那些暴露的分段泳装,而且更加唯美。很多时候女孩子把胸部藏在衣服里,更能予人一种性感的视觉效果。

兰这身打扮给人的视觉之美,在那些美漫中的女英雄身上也往往能够得到呈现。

美国比较开放所以很早以前就有了高叉紧身衣,而日本则要晚了很久。早期影响力较大的应该是

《超级街霸2》

(即

《16人街霸》

)里的CAMMY,当时她的衣服很简单,基本上就只是一件绿色的高叉泳装,再加红色蓓蕾帽、红色手套、和一双军靴。

简单归简单,却让CAMMY赢得不小的人气,成为日后

《街头霸王》

系列最受欢迎的角色之一,特别在欧美地区CAMMY一直不乏COSPLAY的扮演者。

简单也意味着她不能再被复制,所以以后CAPCOM出品的其他作品,对高叉紧身衣都着重于半体服的修饰,而这一特点,在CAMMY本身也得到了反映。在《街霸ZERO》(即

《少年街霸》

)中

,CAMMY的衣服被更换为蓝色的高领长袖紧身衣,看上去更像是体操服,头上的蓓蕾帽也换成了船形帽,左手上多了一条袖标,胸口处还打着领带。不得不说这条领带可谓点睛之笔,让人看到她时会不由自主地将视线停留在胸口上,一条领带巧妙地将“性感”和“帅气”溶合在了一块。

CAPCOM的另一部作品《神界之战:盖亚传说》(类似于

《大富翁》

的游戏),女主角是一位会使用魔法的公主,而她变身后的衣服正是高开叉风格的,和CAMMY的款式很相似,不过把领带换成了十字架,脚上穿的则是中世纪西方骑士的长筒铁靴,配合手中那把西洋剑,好不威风凛凛。

应该说公主的打扮和后来的兰还是有点相像的,是介于CAMMY和兰之间的装扮,可以看作是高叉风格在日本ACG界的一种演化吧。

和CAMMY同一时代,还有一位高叉风的少女颇有影响力,她就是

《超时空要塞7》

的女主角米莲。凭借着《超》系列的名气,《超7》顺理成章地进入了漫迷的视野,尽管作品本身颇受争议,不少人认为《超7》违背了本系列的一些创作原则,但米莲酷酷的打扮还是让人留下了很深的印象。不同于CAMMY的泳装款式,米莲的衣服更接近摩托服,拥有一种皮制感,显然这是为了配合乐队而设计的。

有些高叉紧身衣比较露,如神力女郎(PowerGirl)的白衣就有这样的特点,还有

《魔幻战士》

里的BUKI、《铁腕女警》里的巴蒂、而最明显的则是

《罪恶王冠》

里的G祈了。当然,高叉紧身衣的原则有别于某些ACG中恶俗的比基尼,所以这些美少女的衣服都没有越过正常的性感底线。

以上这些高叉紧身衣至少还是连身的,有些衣服则略有拼凑感,如

《技之旅人》

的女主角小巧的衣服就是这样,不算上手套,上衣是由胸甲、Y形裤、和肩甲三部分组合而成。总的来说这套衣服还是达到了其他高叉紧身衣相同的视觉效果,只是女主角摇乳的设定实在很画蛇添足,违背了高叉紧身衣的设计原则,而且实际上并不能增加性感程度。

虽然有败笔,但小巧的衣服还是设计得很成功的,某些高叉紧身衣就很不妥当了,如

《天翔少女》

众女角的驾驶服,很没质量的卖肉,显得太刻意,空有形状,原本的特点几乎荡然无存。

小巧的衣服说明了一点,就是高叉紧身衣的材料不一定只是由布料组成,有时也可能以铠甲的形式出现,如

《风色幻想》

里的雪,她的衣服就是活脱脱一套帅气的铠甲,华丽闪耀的色彩相当美观。

士郎正宗明显对高叉紧身衣有偏爱,多次出现在自己的插画中,就连素子也穿过几回。而《EVA》动画版

凌波零

和明日香的驾驶服虽然没有露腿,但很多手办、和同人图中是有露腿的。

列举了很多代表人物后,我们可以看到高叉紧身衣还可以有很大的发挥空间,也许说她的概念直到现在都还不够系统,只待一步步被完善。一件半体服,她可以简单得像最初的CAMMY,可以帅气得像兰和美漫的女英雄,也可以华丽得像雪,但不管如何,帅与性感是此类服装不变的主题。

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

他是最炙手可热的插画师

也是时尚的最佳代言人

大卫唐顿DavidDownton,

1959年生于伦敦。

从孩提时代开始,

对他最好的款待就是一大页白纸。

然而,

大卫没有想到的是,

很久以后他可以依靠画为生。

▲大卫唐顿年轻时在画画

▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。

▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。

大卫最初学习的是平面设计专业,

他的第一幅作品是20世纪80年代早期,

为WhichComputer杂志设计的封面。

▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。

曾有15年时间,

大卫一直是自由职业插画师。

无论有什么事情发生,

他都很享受这种自由插画师的生活。

▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。

▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。

▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。

▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。

大卫的作品线条简洁流畅,

很有质感,风格也不矫揉造作,

可以很好地展现出人体的优美体态。

因为这种独特的绘画风格,

有一些人开始邀请他制作时装插画。

其中,就包括

85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,

她也是大卫的缪斯之一。

▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门戴尔奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。

▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!

▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。

他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、

Eric这些艺术家心存景仰。

因此,

在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。

1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,

1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。

最开始他眼花缭乱完全没有准备,

但是,

巴黎时装秀实实在在地,

激发出一个艺术家的灵感。

巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。

而这里的一切都让人神魂颠倒。

在模特走秀的时候,

大卫从来不作画。

因为他发现那根本无法进行,

他仅仅是摄影或者在一旁观看,

并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。

他抓住其他的任何机会来画,

模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。

比如:试衣的时候,

有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间

▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。

大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”

▲草稿也动人

大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,

然后才是比例、颜色等一些细节,

然而,这一点是较难做到的。

▲草稿也动人

大卫画无数份的设计草样,

然后从中挑选出最好的,

画得差不多的时候他就开始剔除,

“分解—重建”它们。

他持续地画,

一直到它们看起来自然为止。

他为世界各地的知名媒体,

如《泰晤士报》《独立报》,

以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,

撰写时装的相关报道。

并在伦敦举行过三次个展,

在纽约也举行过一次个展。

近年来,

他还为香港的购物中心设计视觉图像,

以及为Vogue女性时装系列绘制插画。

▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。

▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。

▲大卫唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。

▲大卫唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。

▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。

▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。

大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~

要想功夫深铁杵磨成针～

想拥有超越别人之外的能力,

就要将能力修炼到极致!

比基尼是怎么来的，是谁发明的？

1945年6月30日美国在太平洋一座名为“比基尼“岛上进行一次核爆试验,这颗原子弹空前的威力让全世界为之震惊。

18天以后,一位名为路易斯里德尔的法国服装设计师推出一款以“比基尼”为名的泳装,它采用了胸罩式的上衣和三角泳裤,然而,即便是在比基尼问世的当时,人们的泳装都是非常保守的,女人只敢穿着立领,平脚的紧紧包裹着身体的“泳衣”到海边游泳。

因此,里尔德设计出的这款泳衣没有人敢试穿,就连巴黎的专业模特也敬而远之。

首位穿上比基尼并供记者拍照的模特名叫米歇琳娜贝尔纳迪尼,在当时的服装界是一项爆炸性的创新。尽管这种新款式在问世后的一段时间里引起了很大争议,甚至在有些国家遭到了禁止。

但正是由于这些冲突,才使人们的观念有所变化,社会文化得以发展。在早期的轰动平息下来后,作为女性们在海滩上和游泳时穿的泳衣,比基尼迅速风靡,取代了连体泳衣。1997年,美国职业排球运动员加布里艾尔瑞丝身穿泳装促进了自己的体育事业,她所在的排球队参加了第一次世界沙滩排球锦标赛,女选手们第一次穿上比基尼比赛。

位于北纬1135、东经16525’的比基尼环礁,属于马绍尔群岛的一部分,从1946年到1958年之间,美国总共在马绍尔群岛海域进行了60多次原子弹和氢弹的爆炸试验,其中规模最大的一次便发生在比基尼小岛上。

与此同时,时装界在当时亦发明了一种和女性内衣相差无几的泳衣。因为这种泳衣相当暴露,完全突破了当时人们的传统思想底线。

发明者认为其影响力无异于一次核爆,故取名叫作“比基尼泳衣”。

比基尼的发明者是两位法国时装设计师一雅克,海姆和路易斯里尔德。海姆是一位来自法国戛纳的女性服装设计师,她最早比基尼的发明者是两位法国时装设计师一雅克,海姆和路易

斯里尔德。海姆是一位来自法国戛纳的女性服装设计师,她最早设计出了一种很小的泳衣,并且为它取了一个原子弹”的名字。之后海姆的这一创意便被里尔德所超越,因为他在海姆的设计基础上,将泳衣的面积又继续减小,并且重新为它取了一个“比基尼”的名字,由此获得了更大的成功。

现在人们将海姆和里尔德共同视为比基尼泳衣的发明者,不过历史上最早设计出这种内衣的却是古罗马人。早在1600年前的一幅壁画中,便已经出现了穿三点式泳衣的女性形象。

比基尼是世界上遮掩身体面积最小的泳衣,通过胸罩护住乳房,背部除绳带之外几乎全裸,三角形泳裤的胯部尽量上提,最大幅度地露出了臀腿胯部。它的样式小巧玲珑,所用布料很少,揉成一团甚至可以装进火柴盒里,堪称世界上最暴露、最具诱惑力的泳衣。

在海姆和里尔德推出的泳衣诞生之前,泳装的款型一直都十分保守,所以里尔德料定这种可以凸显女性完美身材的泳衣会在时装界引起巨大轰动。

里尔德推出的第一款比基尼泳衣上印着的是一张报纸上的头版板块精明的设计者暗示他的大胆设计将会在世界报纸上占有大量版面。由于穿上这款泳装上镜的话,无异于赤身裸体地在全世界人面前展示自己,所以当时巴黎的许多专业时装模特都对这种泳装望而生畏。

就在一众模特不敢尝试的时候,一位名叫米查尔伯娜蒂妮的舞者却勇敢地在世人面前展示了比基尼泳装的魅力以及自己的完美身材。当她穿着比基尼在游泳池中嬉戏的照片被记者们刊登在各大报纸上之后,给世界带来的震惊程度绝对不亚于原子弹爆炸。

人们在对西西里岛一处古罗马遗址进行发掘时,发现了这组壁画,人们称它为“比基尼女郎。

这款泳衣诞生之后,曾经引起了许多保守者的反对,地中海沿岸国家纷纷视其为“伤风败俗”的瘟疫,意大利曾经明令禁止人们穿着比基尼,西班牙海岸警卫队也驱逐过穿着比基尼泳装的海滩游泳者,就连一直以开放、自由著称的美国也曾经因为比基尼泳装而抓过人。

但是这仍旧抵挡不住那些大胆而又爱美的姑娘们对比基尼的狂热喜爱,当法国女孩们纷纷穿上比基尼在海滩上享受海水、阳光的时候,“那些点缀了海滩的顽皮姑娘”迅速成为法国南部、地中海沿岸的一道亮丽风景线。

在早期的轰动平息下来后,作为妇女们在海滩上和游泳时穿的泳装,比基尼泳装迅速取代了连体泳装。昔曰的放荡”,今日的风情古希腊、古罗马时期,社会风气开放,人们崇尚自然之美,无论是在海中游泳也好,还是在公共浴池沐浴也罢都没有那么多禁忌,女人和男人一样拥有享受海水和沙滩的权利。从中世纪开始,出于宗教原因,人们开始用一系列在今天看来愚蠢无比的理由阻止女人们游泳甚至是洗澡。

服装设计中常见的插画的艺术风格有哪些？可以详细说说吗？

1波普风格

波普风格的插画艺术出现、流行于20_兰50_甏呐分薜厍,主要通过商业艺术的创作手法,形成融合大众文化与商业艺术的全新艺术风格。同时,波普风格中相对浮夸的卡通形象、报纸版画形式及幽默的标语,共同组成独属于波普风格的特色,且波普风格的艺术性非常强[3]。安迪·沃霍尔是在服装设计领域中对波普风格拓展贡献最为杰出的人物之一,首次开创了纸质、塑料、人造皮为服装制作基础材料的先河,并且在其插画作品中包含了颠覆传统的设计理念,具有色彩鲜艳、设计理念前卫及选色大胆等鲜明特点。直至今日,波普风格的插画仍保留与安迪·沃霍尔较多的相似之处。

2抽象风格

通常,抽象风格的作品普遍以几何化的点线面、圆形、三角形、正方形为主体进行深入创作,在创作风格上具有典型的抽象性特点。蒙德里安是抽象风格作品中相对成功的早期人物之一,其抽象风格的创作方式较为独特,侧重利用形式多样的矩形图案作为插画内容,且此类插画艺术形式对抽象风格的影响深远。以法国著名抽象风格服装设计大师创作的作品《红黄蓝》为例,此作品深受蒙德里安抽象风格的启发,选择多种颜色的线条、三角形、长方形,给予广大受众独特的艺术欣赏体验感受,并赋予作品强烈的视觉冲击感及新奇感。

3具象风格

具象风格不同于上述提到的两种风格,其图形特点普遍写实且逼真。再者,具象风格作品对线条的展现相对直接,可进行装饰性的泛化、夸张及变形处理,从而提高作品的色彩感,突出作品的简洁性及精致性。以意大利著名服装设计师缪西亚·普拉达为例,曾拥有将插画直接用在服装设计创作的实力,可以将插画作品布满在服装设计作品当中,且其作品侧重精心细腻化创作人物造型,突出作品的色彩及绚丽感[4]。此外,具象风格中线条展示相对飘逸,可以给予受众心理如梦如幻的体验感受,尤其是应用在服装设计当中,能有效提高设计作品的精巧程度,赋予设计作品灵动的美感。

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

他是最炙手可热的插画师

也是时尚的最佳代言人

大卫唐顿DavidDownton,

1959年生于伦敦。

从孩提时代开始,

对他最好的款待就是一大页白纸。

然而,

大卫没有想到的是,

很久以后他可以依靠画为生。

▲大卫唐顿年轻时在画画

▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。

▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。

大卫最初学习的是平面设计专业,

他的第一幅作品是20世纪80年代早期,

为WhichComputer杂志设计的封面。

▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。

曾有15年时间,

大卫一直是自由职业插画师。

无论有什么事情发生,

他都很享受这种自由插画师的生活。

▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。

▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。

▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。

▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。

大卫的作品线条简洁流畅,

很有质感,风格也不矫揉造作,

可以很好地展现出人体的优美体态。

因为这种独特的绘画风格,

有一些人开始邀请他制作时装插画。

其中,就包括

85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,

她也是大卫的缪斯之一。

▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门戴尔奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。

▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!

▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。

他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、

Eric这些艺术家心存景仰。

因此,

在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。

1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,

1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。

最开始他眼花缭乱完全没有准备,

但是,

巴黎时装秀实实在在地,

激发出一个艺术家的灵感。

巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。

而这里的一切都让人神魂颠倒。

在模特走秀的时候,

大卫从来不作画。

因为他发现那根本无法进行,

他仅仅是摄影或者在一旁观看,

并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。

他抓住其他的任何机会来画,

模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。

比如:试衣的时候,

有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间

▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。

大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”

▲草稿也动人

大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,

然后才是比例、颜色等一些细节,

然而,这一点是较难做到的。

▲草稿也动人

大卫画无数份的设计草样,

然后从中挑选出最好的,

画得差不多的时候他就开始剔除,

“分解—重建”它们。

他持续地画,

一直到它们看起来自然为止。

他为世界各地的知名媒体,

如《泰晤士报》《独立报》,

以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,

撰写时装的相关报道。

并在伦敦举行过三次个展,

在纽约也举行过一次个展。

近年来,

他还为香港的购物中心设计视觉图像,

以及为Vogue女性时装系列绘制插画。

▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。

▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。

▲大卫唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。

▲大卫唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。

▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。

▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。

大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~

要想功夫深铁杵磨成针～

想拥有超越别人之外的能力,

就要将能力修炼到极致!

时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“

时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。

接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。

一时尚插画的开始

时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。

在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。

十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。

这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady'sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。

二十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)

时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。

法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。

高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。

到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。

三二十世纪的时尚杂志和插图

二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。

法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的****,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。

在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。

从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(FXLeyendecker)创作的艺术品。

第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。

四时尚插画的黄金时代

1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。

摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。

随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。

Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”

迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。

五时尚插画的毁灭与复兴

到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。

1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。

安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。

在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast’sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。

六今天的时尚插画

介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。

摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。

这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。

最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。

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插画师是做什么的

插画师可以画绘本出版,可以和报纸或者杂志社约商业插画稿,可以做广告的插画设计,包装的插画设计,可以做**美术概念设计,也可以为小说叙述的情节设计图画。

插画师与原画师有什么区别

原画:游戏原画是将策划用文字所描述和设计的世界,以画面的形式,做出此世界具体形象的说明。为游戏制作提供美术依据和指导。

插画:插画是将小说等文字所描述和设计的情景和情节,以画面的形式,呈现在读者面前,使读者更能理解和融入文字所描述情景和情节之中。同时也为书本杂志提供吸引眼球的宣传的作用。

插画师也是绘画设计师,主要为小说叙述的情节设计图画,故此称之为插画师

插画师该具备哪些东西

1高超的绘画能力:

有高超绘画能力的不一定是职业插画师,但是要成为直接插画师,绘画能力必须过硬。同时对自己的作品有很高的要求,严格要求每个细节,力求完美;

2自成一体的风格:

自成一体的风格首先是成熟绘画能力的表现。拥有自成一体的风格以后很容易拥有高知名度,也方便适合自己画风的单子来找你;

3基本的沟通技能:

鸟先森说的很对,插画其实是绘画和设计的结合体。绘画和设计最大的差别是什么,绘画是随心所欲的艺术表达,而设计师一种带着镣铐的舞蹈。插画作为两者的结合体,其实就是在甲方的要求下发挥自己的技能达到最美最艺术的效果。沟通是必不可少的,如何理解甲方的要求并良好的实施在画作上,是沟通中最基本的技能;

4搜集素材的能力:

插画师应当了解各种领域的各种知识,才能更好的完成作品。关于这点,本题内匿名知友已经回答的很好,这里不赘述;

5作品集:

从刚开始学习到成为插画师的过程中,每一张作品都应当被很好地保存。遇到接单的时候可以很快给出往期作品阐述自己的实力和风格是应当具备的基本能力;

6基本的品德:

不抄袭他人作品,尽量不拖稿,不天窗。在入圈之前搞明白抄袭、借鉴、参考和致敬的区别。

中国十大插画师

中国著名插画师

Krenz(K大)

来自祖国宝岛台湾的cg艺术家KrenzCushart,画风非常独特,热衷于画美丽可爱的

小仙女

,Krenz的基本功很扎实,色彩上把

高级灰

运用得炉火纯青,可以说他是一位具备了超高审美艺术家和教育家,很多粉丝把他称为被一个画画耽误的教育家。

倪传婧,中国香港插画师

中西风格相结合,美轮美奂,令人陶醉。

RuanJia

国人CG艺术家,是一位

80后

鬼才画师,对中国游戏概念有着重要影响的人物,在CG艺术圈里,大家对他并不陌生,画作风格惊艳而独特,对色彩运用上有着自己的独特风格和理解,自成一派,只要他一发他的插画作品,就会引起CG艺术圈里不小的轰动!

CHENBO神不月

拳头游戏

御用的CG插画师,同时也是一位国人画师,曾经担任

广州美术学院

CG讲师,是一位非常喜欢

《魔兽世界》

玩家,而且曾经在暴雪嘉年华玩家绘画大赛上蝉联两届冠军,可谓是魔兽世界国服知名画师了!

黄光剑

国内资深CG艺术家,知名概念设计师,作为非美术科班出身的学生,是一位25岁之后才从会计师转行到CG艺术圈的插画师,还取得了相当不俗的成就,特别是他的

十二星座

插画系列出来之后,不管是在人物塑造还是色彩运用上,每一张

画都

充满了对每一个星座的了解,在CG艺术圈里也引起了不小的轰动!但是他却在那个时候,毅然选择去国外深造,对于他的果断选择和学无止境的贯彻可谓是充满了敬佩!

小k

从事美术教育却非常低调的一位CG艺术家,扎实的美术功底,作画手法细腻,色彩运用上总有他独特的想法,每次看到他的画都被他的色彩惊艳到,他的主页上写着“俺小K,凡人!修人!修心!修画!有一天我会老去归尘,但我的心会留在画里很久很久,”可以见得他对于画画的热爱和执着了!

EvanLeeCG

一位来自台湾CG概念设计师,插画师,独特的作画风格,拥有20余年的绘画经验,以超强的塑造能力、细腻的绘画风格吸纳众多粉丝。而他的作品也出现在我们熟知的手机游戏、PC游戏、棋类游戏和**中。被网友们称为中国最会画“胸”的插画家。

wlop

一部名叫

《鬼刀》

的漫画作者,以厚涂方式画的漫画,吸引了众多观者,潦草却不失精致的画风,每一幅画作都如同在讲述一段故事,给观众一种全新的视觉感受,然而就是这么一位全球知名的画师,他的本职工作却是朝九晚六,写代码修bug的工程狮,很多画师有了一定的知名度和经验之后,都会选择做一个自由的画师,但是对于wlop来说,画画只是他的一个兴趣爱好,他曾说过“对于圈里的地位,称号、评价、排名都没有任何兴趣”,就是这样的wlop,却是吸纳众多粉丝,也深受我们这些粉丝的喜爱!

LANGE刘远

插画师、概念设计师,《缪斯之瞳》

《鸢》

画集的作者,干净利落的线稿,

色彩搭配

上非常清新雅致,他曾说过“除了画画,我也不会做其他什么事情,我得好好珍惜”所以看到他的画作时,总会联想到他在作画的过程中是多么的专注!

Caroline,本名李晓林,名字素雅如其人。明明可以靠脸,却拼才华。作品走红后,很多人称她为“中国最美插画师”。

当代最炙手可热的时装插画师！是怎么炼成的？

他是最炙手可热的插画师

也是时尚的最佳代言人

大卫唐顿DavidDownton,

1959年生于伦敦。

从孩提时代开始,

对他最好的款待就是一大页白纸。

然而,

大卫没有想到的是,

很久以后他可以依靠画为生。

▲大卫唐顿年轻时在画画

▲工作室自成一幅画,和毕加索的工作室比美起来也丝毫不逊色。

▲在“有趣有料”的工作台上更能创作出惊艳的作品。

大卫最初学习的是平面设计专业,

他的第一幅作品是20世纪80年代早期,

为WhichComputer杂志设计的封面。

▲大卫唐顿1998年在纽约绘制的时装插画。材质为墨水和醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿1998年为克里斯汀拉克鲁瓦绘制的时装插画,材质为墨水彩盒纸张。

曾有15年时间,

大卫一直是自由职业插画师。

无论有什么事情发生,

他都很享受这种自由插画师的生活。

▲大卫唐顿1999年为让保罗高缇耶设计的时装绘制的插画。黑色连衣长裙搭配黑色墨镜更为出彩。大卫以凯特摩斯为原型,以波普风格表现出时装的经典魅力。这一作品在时尚界颇为有名,是时装插画界近年来最有代表性的作品之一。

▲大卫唐顿1999年为华伦天奴绘制的时装插画。同拉克鲁瓦、Eric等人的画风类似,他运用的色彩富有现代性。

▲大卫唐顿1999年在伦敦创作的时装插画PalomaPicasso。材质为水粉、墨水盒纸张,醋酸纤维纸覆膜。

▲大卫唐顿1999年在伦敦完成的剪纸瓶贴画,模特为Iman。在潘通纸上以醋酸纤维纸覆膜后用墨水绘制。

大卫的作品线条简洁流畅,

很有质感,风格也不矫揉造作,

可以很好地展现出人体的优美体态。

因为这种独特的绘画风格,

有一些人开始邀请他制作时装插画。

其中,就包括

85岁的不老神话卡门·戴尔·奥利菲斯,

她也是大卫的缪斯之一。

▲大卫唐顿2000年的纽约绘制的时装插画,模特为卡门戴尔奥尔菲斯,服装由ThierryMugler设计。这幅作品先用油画棒在潘通纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水绘制。

▲大卫唐顿2001年为欧洲著名时尚杂志主编安娜佩姬绘制的肖像,他十分成功地抓住了这位“时尚教母”的灵魂。夸张的配色、戏谑的表情、不羁的态度结合看似狂野却十分娴熟的笔触结合在一起～完美!

▲大卫唐顿2002年为香奈儿的设计总监阿曼达哈莉齐绘制的肖像。

他一直对拉克鲁瓦、安东尼奥、

Eric这些艺术家心存景仰。

因此,

在早期的画风上颜色和线条也有相似之处。

1996年他为杂志制作过高级时装展的插图,

1997年他便开始活跃于巴黎高级女装秀。

最开始他眼花缭乱完全没有准备,

但是,

巴黎时装秀实实在在地,

激发出一个艺术家的灵感。

巴黎有最漂亮的女人和最优秀的设计作品。

而这里的一切都让人神魂颠倒。

在模特走秀的时候,

大卫从来不作画。

因为他发现那根本无法进行,

他仅仅是摄影或者在一旁观看,

并实实在在的感受每一个打动人的瞬间。

他抓住其他的任何机会来画,

模特静止不动的任何瞬间都逃不过他的眼。

比如:试衣的时候,

有时候甚至是在参加发布会上模特休息的瞬间

▲化妆品也是他的工具,起笔和落笔之间动人心扉,浓淡皆宜。

大卫说:“我最开始画的时候,认为按照舞台上的走秀还原衣服本身的样子就是我的责任。然而,第一次参加时装发布会是在范思哲的秀场上,在凯特摩斯消失之前,我仅仅才画出她的胳膊!所以,享受当下模特所展示的任何细节才是最佳选择。”

▲草稿也动人

大卫认为最重要的是对衣服表层之下的身体的感觉,

然后才是比例、颜色等一些细节,

然而,这一点是较难做到的。

▲草稿也动人

大卫画无数份的设计草样,

然后从中挑选出最好的,

画得差不多的时候他就开始剔除,

“分解—重建”它们。

他持续地画,

一直到它们看起来自然为止。

他为世界各地的知名媒体,

如《泰晤士报》《独立报》,

以及Harper’sBazaar(a澳洲版)等,

撰写时装的相关报道。

并在伦敦举行过三次个展,

在纽约也举行过一次个展。

近年来,

他还为香港的购物中心设计视觉图像,

以及为Vogue女性时装系列绘制插画。

▲大卫唐顿2004年为《星期六晚邮报》绘制的封面。这幅作品创作于巴黎,材质为水粉、水彩和纸张。

▲大卫唐顿为TopShop2004年9月的时装发布会设计的广告招贴。这个品牌为年轻设计师的作品。

▲大卫唐顿2005年受Vogue(中国版)委托绘制的插画ValentionFitting。材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装插画。材质为墨水、水彩和纸张。

▲大卫唐顿2006年为YSL绘制的时装画,材质为墨水、水粉、炭笔和纸张。

▲大卫唐顿2007年受Madame杂志(德国版)委托绘制的时装插画。这幅作品先用油画棒在纸上绘制,醋酸纤维纸覆膜后,再以墨水和水粉绘制。

▲大卫唐顿2007年受伦敦《泰晤士报》委托绘制的插画。材质为墨水、水粉和纸张。

▲大卫唐顿2008年为自己的杂志PourquoiPas绘制的插画,模特为蒂塔万提斯,服装由拉克鲁瓦设计,材质为墨水、水粉和纸张,醋酸纤维纸覆膜。

大卫是不是把性感舞娘画的淋漓尽致~

要想功夫深铁杵磨成针～

想拥有超越别人之外的能力,

就要将能力修炼到极致!