为什么中国古代人体雕塑大多追求圆润而西方追求健美

这是中西方的审美观点的区别在人体雕塑上的体现，审美观取决于东西方文化的差异，中国是受儒家思想的影响，审美也是中庸，不偏不倚也就成了圆润。

另外，中西方饮食的文化也对审美观影响较大，中国是农耕文明，西方游猎文明，造成的身体体格和体型上差别。希望对你有帮助

掷铁饼者为大理石雕复制品，高约152厘米，罗马国立 博物馆、梵蒂闪博物馆、特尔梅博物馆均有收藏，原作为青铜， 是希腊雕刻家米隆作于约公元前450年。此雕塑刻画的是一名强健的男子在掷铁饼过程 中最具有表现力的瞬间：人体动势弯腰屈 臂成S型。

这使单个的人体富于运动变化， 但这种变化常常造成不稳定感，所以作者将 人物的重心移至右足，让左足尖点地以支撑辅助， 以头为中心两臂伸展成上下对称，从而使不稳定的 躯体获得稳定感。

身体的正侧转动，下肢的前后分列， 既符合掷铁饼的运动规律，又造成单纯中见多样变化 的形式美感。雕塑的人体美和运动美表现出极强的生命力，此雕像也因此被誉为“体育运动之神”。

掷铁饼的强烈动感与雕像的稳定感结合得非常好。雕像的重心落在右腿上，因此右腿成了使整个雕像身体自由屈伸和旋转的轴心，同时又保持了雕像的稳定性。

掷铁饼者张开的双臂象一张拉满弦的弓，带动了身体的弯曲，呈现出不稳定状态，但高举的铁饼又把人体全部的运动统一了起来，使人们又体会到了暂时的平衡。

整尊雕像充满了连贯的运动感和节奏感，突破了艺术上时间和空间的局限性，传递了运动的意念，把人体的和谐、健美和青春的力量表达得淋漓尽致。

体现了古希腊的艺术家们不仅在艺术技巧上，同时也在艺术思想和表现力上有了一个质的飞跃。这尊雕像被认为是“空间中凝固的永恒”。

14世纪初到17世纪初，欧洲出现了文艺复兴运动。文艺复兴是新兴的资产阶级思想家打着恢复古代希腊罗马文化的旗号，在思想文化领域所进行的一场大规模的反封建、反教会的思想文化解放运动。文艺复兴是欧洲历史上的一个特殊阶段，也是人类历史伟大的变革时期。它对欧洲乃至人类社会历史的发展，产生了极其重大而深远的影响。

建筑：基于对中世纪神权至上的批判和对人道主义的肯定，哥特式建筑是基督教神权统治的象征，而古代希腊和罗马的建筑是非基督教的。他们认为这种古典建筑，特别是古典柱式构图体观着和谐与理性，并同人体美有相通之处，这些正符合文艺复兴运动的人文主义观念。 文艺复兴时期的建筑师希望借助古典的比例来重新塑造理想中古典社会的协调秩序。学习以古希腊、古罗马为代表的古典风格，并且发展了‘柱式’的概念。提倡复兴古罗马时期的建筑形式。反对哥特式建筑，其特色为“高”、“尖”，并被认为是基督教神权统治的象征。意大利的佛罗伦萨算是作为文艺复兴的开端了。建筑师伯鲁乃列斯基在意大利佛罗伦萨所建的大教堂就没有采用哥特形式，而是看起来很像拜占庭的圣母大教堂，可是却没有采用三角帆拱，而是直接将尖拱放在了一个八角形的墙上。此外强调建筑的比例如同人的比例一样，反映了宇宙的和谐于规律，这一点上很强烈地体现了毕达哥拉斯、柏拉图传统的影响。伯拉孟特是将这种唯理主义古代精神推向极致的人，他竭尽所能的推敲每一个建筑比例，从他的坦比哀多礼拜堂中你可以看到这种被推敲到近乎完美的比例 。而往后的很多公共，宗教建筑，比如圣彼得教堂，巴黎万神庙，甚至白宫都有布拉芒特的影子。文艺复兴时期规模最宏大的作品可以说是圣彼得教堂，这个教堂的修建历史超过了一个世纪，意大利最优秀的建筑师布拉曼特、米开朗琪罗、德拉·波尔塔和卡洛·马泰尔相继主持过设计和施工。具有代表性的作品另有枫丹白露离宫，海得堡宫等。

雕塑：对古典美术的推崇和借鉴，可以说是文艺复兴意大利美术家的共同特点。文艺复兴时期的雕塑家开始着手从人的尘世美与真的方面来表现人，创作了富有立体感和尘世坚定信念的雕塑。哥特式人物形象说明了人渴望天国的完美，而文艺复兴则展示了在做人的完美之中的天国形象。

多纳泰罗是意大利早期文艺复兴第一代美术家，也是15世纪最杰出的雕塑家，曾对古代艺术作深入的考察研究，充分地继承古希腊罗马的古典艺术传统。代表作品《大卫》是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。多纳泰罗运用古希腊人创立的对应构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。多纳太罗的前期艺术核心，是直接研究人与自然为基础的新的写实手法，借鉴希腊罗马古典表现形式为基础的理想化的艺术处理方法，作品中介入作者强烈的个性化表现。

到了文艺复兴盛期，则是以一种使个别一般化的理想主义来对待15世纪的写实主义。最具代表性的是米开朗基罗，在圣马可修道院的美第奇学院作学徒时，接触到了古风艺术的经典作品和一大批哲人学者，并产生了崇古思想。他的雕塑以人物“健美”着称，即使女性的身体也描画的肌肉健壮。他的雕刻作品“大卫像”举世闻名，美第奇墓前的“昼”、“夜”、“晨”、“昏”四座雕像构思新奇，此外著名的雕塑作品还有“摩西像”、“大奴隶”等。

绘画：文艺复兴时期的绘画发展以意大利为中心。文艺复兴时期的意大利城市国家中，最突出的有佛罗伦萨，米兰，那不勒斯，罗马，威尼斯。人们曾按地域把当时的画家分为各个画派。当地的画家用科学的方法研究人体的造型规律，吸收古希腊、古罗马雕塑艺术的特点，同时将中世纪绘画的平面装饰风格改变为焦点透视，使物象具有体积感和空间感。该画派出现了一大批著名画家，达芬奇、拉斐尔和米开朗基罗，是该画派全盛时期的代表人物，被誉为文艺复兴时三杰。达芬奇的绘画以《最后的晚餐》和《蒙娜丽莎》（现存卢浮宫）最为为世人瞩目拉斐尔绘画的代表作包括《美丽的女园丁》，《西斯廷圣母》，《圣体争辩》以及《雅典学派》。米开朗基罗的绘画以西斯廷礼拜堂的壁画为代表，屋顶正中的部分是“创世纪”重要的各个场景，《最后的审判》也是西斯廷壁画的代表。意大利以外，文艺复兴的绘画思潮也感染了北方的德国和尼德兰等地，乃至整个欧洲。比如，德国的丢勒，他的画在受到意大利文艺复兴的影响下，依旧保持鲜明的德意志民族特色，严肃缜密，可见其《自画像》。

古希腊的雕像在现在都很有名，他们是古希腊文明的主要表现，在西方美术的历史中占有着十分重要的地位。那么在这些雕像上为什么都不会雕刻衣服，大多数都是裸体的呢？

首先，他们的很多雕塑的题材都是来源于古希腊的神话故事的，古希腊的诸神都是裸体形象。希腊是地中海气候，这样的气候影响了他们的穿衣风格。连他们出土的陶器上的彩绘都显示了他们在生活生产过程中是不穿衣服的或是穿的很少。

其次，古希腊崇尚力量和美，他们认为人是最美的。奥运会在如今是一个世界性的体育赛事，它起源于古希腊。在当时，古希腊人非常注重锻炼，斯巴达城邦的儿童从很小起就由国家抚养，进行军事化的管理，为了培养他们强壮的身体，而体育是能培养骁勇善战士兵强有力的手段。健美的身体是他们普遍的追求，而后在斯巴达每年的庆祝活动，赤裸的运动员展示他们富有魅力的身体，很受观众喜爱。因此裸体成为了一种流行，备受追捧。

古希腊人民对人自身的裸体是很单纯朴素的一种敬畏的喜爱之情，这与他们的政治文化都息息相关，他们追求民主，提出“人是万物的尺度”，人极强的生命力是通过繁殖一代接着一代，而裸体也象征着繁殖的魅力。人体线条之流畅，肌肉之健美，如果用布料遮挡便看不出来了，所以在他们的雕塑中，甚至画作、陶艺很多也都是裸体示人。

古希腊雕刻特别发达，以及流行人体雕刻的主要原因：

首先，古希腊的奴隶制，使农业和手工业之间有了更大规模的分工，体力劳动和脑力劳动之间也有了明确的分工。这样就有相当一部分人专门从事与美术有关的手工业劳动和艺术创作活动。同时希腊奴隶制的一个重要特点是奴隶制民主政治，它比之其他国家的奴隶制专制制度，人的创造力较少受到压制，艺术匠师的劳动较多地受到重视。

其次，古希腊的文化艺术不仅是一种创作活动，而且是它的生活的一部分。例如，古希腊最发达的戏剧，最早起源于祭祀酒神的活动，后来发展成全民的庆祝节日。不仅每个公民每年演戏时至少有一天看戏的机会，而且政府还发放观剧津贴。同样的，希腊人为了适应对外掠夺战争或防御战争的需要，也为了他们赖以谋生的海上贸易，迫切需要体魄健全、尚武善战的斗士，为此从很早起就非常重视体育运动。公元前776年，他们就在奥林匹亚举行了第一次奥林匹克运动会（这就是现在的奥林匹克运动会的起源）。以后每四年举行一次，是全希腊的一次重大的节日。在体育比赛中得奖的运动员，人们要为他们制作雕像以资鼓励和纪念。雕塑创作成了古希腊人生活的一部分。何况，笃信神灵的古希腊人还要为他们崇敬的各个神灵造像，而希腊神话又具有“神人同形同性”的特点，为神造像也是为他们理想化了的人造像，神像也是人像。同时，由于古希腊人重视体育锻炼，以锻炼出健美的身体为一种无上的光荣。这些随处可见的健美的人体，为人像雕刻的发展创造了无比优越的条件。

特别应当指出的是，古希腊男子在体育锻炼时是赤身裸体的。这既有利于锻炼出健美有力的身体，又自然而然地培养出一种能够以坦荡无邪的态度去看待裸体形象，并且自觉地、热烈地追求人体美的风气。以至一些全民性的盛大庆祝活动，成为炫耀与展示人体美的场合。正是这样一种特殊的社会风尚和由此产生的特殊的审美观念，决定了古希腊的人像雕刻往往采取裸体的形式，并且在表现人体美上达到了一个难以比拟的高度。正如19世纪俄国著名的文艺批评家别林斯基所说的：“希腊人的雕像用了裸体刻画的形式：在他人看来，这或许是厚颜无耻、有碍观瞻的事，在古代世界，这却曾经是纯洁无瑕的诗章和对人的尊严的赏识。”（见《希腊艺术的一般特征》）

此外，古希腊人是一个美学观念特别发达的民族。伯里克利就曾自豪地说过：“我们是爱美的人。”他们在人像雕刻和神庙建筑上一再探讨正确的比例关系，就是这种爱美观念的突出反映。这一切都为古希腊美术的繁荣和发展，创造了比同时代其他国家更优越的条件。古希腊美术能结出如此丰硕的成果，以至我们今天还常常从中汲取营养，决不是偶然的。

古希腊建筑 以神庙建筑最为发达。它对后世影响最大的是它的非常完美的建筑形式。即用石制的梁柱围绕长方形的建筑主体，形成一圈连续的围廊，柱子、梁枋和两坡顶的山墙共同构成建筑的主要立面。经过几百年不断演进，这种建筑形式达到了十分完美的境地，基座、柱子和屋檐等各部分之间的组合都具有一定的格式，称作“柱式”。柱式的出现对欧洲后来的建筑有很大影响。

古罗马建筑 古罗马人由于发明了由天然的火山灰、砂石和石灰构成的混凝土，在券拱结构的技术方面取得了很大的成就。在建筑艺术方面，罗马继承了希腊的柱式艺术，并把它和券拱结构结合创造了券柱式。使罗马的建筑物在艺术风格上显得更为华丽。同时，为了适应庞大的罗马帝国的多方面的需要，古罗马人创造了一系列新的建筑类型。罗马的建筑师维特鲁威，总结了前人的实践经验，写出了系统的建筑学理论著作：《建筑十书》，首先提出了具有深远影响的建筑三要素：实用、坚固、美观。

柱式 欧洲古代石质梁柱结构的几种规范化的艺术形式，是西方古典建筑的基础。它包括柱身的粗细、高低，柱上檐部和柱下基座的艺术形式。成熟的柱式，如希腊建筑的柱式，各部分的比例有一个大致的规定，特点十分鲜明。不同的柱式一定程度上决定着建筑物的艺术风格。

多立克柱式 古希腊建筑最基本的两种柱式之一。公元前5世纪中叶达到成熟程度。它的主要特征是没有柱础，柱子直接安置在台基上，柱高为柱径的4—6倍，柱身刻有一条条垂直平行的凹槽（一般是16—20条），柱头由方块和圆盘组成，没有任何装饰。它的造型粗壮有力，给人以深厚刚毅的感觉，近乎男性人体的美。

爱奥尼柱式 也译作“伊奥尼亚柱式”。古希腊建筑最基本的两种柱式之一，成熟时期与多立克柱式大体相同。它的主要特征是有柱础，柱头的正面和背面各有一对涡卷，柱高与柱径的比例增大，柱身凹槽也增多，给人以柔美的感觉，近乎女性人体的美。

科林斯柱式 古希腊建筑的第三种柱式，是在爱奥尼柱式的基础上发展而成的。它的柱头上雕刻着毛茛叶，显得十分华丽，其他部分则与爱奥尼柱式相同。这种柱式产生于公元前5世纪下半叶。

彼埃尔•普热(1620—1694)是17世纪中叶出现的著名雕刻家，他出身于石匠家庭，早年做过徒工。曾到意大利学习，受到巴洛克艺术的影响。普热的艺术生涯以学习绘画开始，后来转学雕刻。40年代普热回到法国后，主要在马赛等地工作。他一生创作主要是应付官方定货，曾为凡尔赛公园创作了一系列作品。尽管如此。普热的作品不同于学院艺术，而具有现实主义倾向，他曾根据海港码头写生为土伦市管理局制作了等身石雕人像柱(1656—1657)，该作品以气势雄浑、富于表现力而引人瞩目。

大理石雕刻《克罗托内的弥隆》(1671—1682，现藏巴黎卢浮宫博物馆)是普热的代表作品之一，表现的是6世纪的大力士弥隆同狮子搏斗，弥隆的衣服一角被树干挂住了，身体和右手被狮子咬住，脸上的表情异常痛苦，正在发出痛苦的叫喊，弥隆的上身前倾，双臂青筋暴凸，表达出向前挣扎的力感。这件雕刻真实地表现大力士强烈的精神痛苦和肉体磨难。整件作品充溢着不可遢止的激情。具有震撼人心的力量。雕刻家在这件作品中歌颂了男性的人体美，大力士虽然面部痛苦万分，但他的身躯强壮健美，充满了力量感，给人以丰富的审美感受。

普热的作品还有《美杜萨头像》、《英仙座与流星群》(1683—1684)、大理石浮雕《亚利山大与提奥奇尼斯》(1687—1692)等。

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解析:

《拉弓的赫拉克勒斯》，铜像，作者埃米尔·安托万·布德尔，创作于1909年，250×240厘米，现收藏于巴黎奥尔赛博物馆。布德尔经常以希腊神话为创作题材，但他不象学院派那样，竭力再现古代雕塑的完美人体造型，而是创作出一个现实的英雄，使他具有现实生活中人的精神和力量，还有人的缺点。

赫拉克勒斯是古希腊一个半人半神的英雄，传说他是主神宙斯和人间女子阿尔克墨涅所生。他因为偶然喝到了天后赫拉的乳汁，所以具有超凡的神力。他凭借举世无双的力量在人间惩奸除恶，做了许多好事。他所拿的弓是使他无往不胜的武器，布德尔通过赫拉克勒斯拉弓的动作，来赞美这位英雄的力量之美。

在两块巨石上，赫拉克勒斯叉开双脚顶在上面，脚趾因为用力而弯曲，全身肌肉隆起，尤其是手臂和脖子。他颧骨突兀，眼睛圆睁，神情严肃而威严。他一手握弓一手拉弦，整个身体向后用力坐，弓被拉得弯曲，形成一道优美的弧线，仿佛在向世人展示他无与伦比的力量。巨大的弯弓和舒展的四肢，形成简洁、富于动感的构图。可以说，这就是一座纯粹的力量的纪念碑。

值得注意的是，这件作品中的英雄赫拉克勒斯并不象古典主义雕塑作品中的英雄那样健美标致，而是象一个纯粹的劳动者，一个实实在在生活中的人，没有经过任何美化加工。这种浓重的现实感使得这件作品更具感染力。

《阿维尔将军纪念碑》，铜像，作者埃米尔·安托万·布德尔，创作于1913年，高33米，建在阿根廷的布宜诺斯艾利斯广场。

这是布德尔为阿根廷共和国的奠基人阿维尔将军而作的纪念碑。纪念碑呈四方形，台座的四个角上分别立有四个高6米的人像， 分别象征“胜利”、“自由”、“力量”和“雄辩”。这四个人姿态几乎一样，象四根立柱，增加了纪念碑的稳定感。纪念碑顶部是阿维尔将军的骑马像，他身体健壮、充满活力，骑在马上昂着头，威风凛凛、神采飞扬，一只手高高举起，好像在向阿根廷千千万万的人民致敬，十分具有英雄气概。他骑坐的骏马肌肉健美，一只前蹄抬起，好像就要向前奔去。作者强调了纪念碑的整体感和象征意义，使纪念碑具有很好的远观效果，但对人物本身的刻画并不细腻，许多细节都被作者有意忽略了。整个纪念碑风格朴实简洁，人物强健有力，象征着阿根廷共和国坚如磐石，和不可摧毁的力量。

《贝多芬》，铜像，作者埃米尔·安托万·布德尔，创作于1888年。

《舞蹈》，浮雕，作者埃米尔·安托万·布德尔。

这是布德尔为建筑所做的一块装饰性雕塑，在他的艺术创作中占有重要的地位。布德尔的浮雕，没有象传统浮雕那样强调远近透视，而是尽量使一切都处于一平面上，平铺在观者眼前，整个画面构图集中，不突出表面细节的描绘，十分具有整体感。