钢琴的情感表达效果

1、理解作品的内涵与情感

演奏的首要条件是忠实于原作，凭借空想是不能演奏好一首乐曲的。这就需要我们了解并理解作品，理解作者的创作意图，与作者产生共鸣，再进行二度创作的时候就非常容易了。首先可以赏析音像资料。通过各位大师的音频或视频资料对作品有大概的认识，也能从他们的演奏中体会到作者想要表达的内容。然后，可以通过查阅文字资料，对作曲家生平，对作品的写作年代，对作品创作的时代特征及当时的音乐风格，以及对作品的国家、民族，作品问世以来的评价等进行仔细研究，使演奏者对关于作品的一切有全方位的了解，更易与作曲家的创作形成情感上的沟通, 更利于演奏者对作品情感内涵的把握。亨利伍德曾说：“人们能够给演奏者提出的唯一劝告是：在盲从的依附不适当的标记和那种过于自由地偏离作曲家的明显意图之间，寻找一种巧妙的平衡。”这种“巧妙的平衡”就需要变化的演奏技巧与丰富的情感相结合。

2、处理好音色与情感

音色是指声音的感觉特性。声音是由发声的物体振动产生的，分为基音与泛音。音色的不同取决于不同的泛音，每一种乐器、不同的人以及所有能发声的物体发出的声音，除了一个基音外，还有许多不同频率的泛音伴随，正是这些泛音决定了其不同的音色，使人能辨别出是不同的乐器甚至不同的人发出的声音。人们喜爱某位音乐家的演奏，通常是记住这个音乐家的演奏音色。这种演奏音色即是钢琴家所特有的情感音色，是钢琴家在了解了作品内涵、风格等之后用适当的演奏方法对钢琴音色的一种理想的控制。所以处理好音色与情感极为重要。

首先，音色的调控依赖于人们敏锐的听觉。在演奏乐曲时，合适的音高，均匀的时值，恰当的音量，变化的音色等等，都需要耳朵仔细地辨别，并让大脑控制手指的活动。所以演奏者需要时刻用耳朵去聆听自己横向的旋律是否优美，纵向的和声是否恰当、纵横结合的复调是否相融，以及弹出的音色是否符合心中想要表达的情感。

其次，音色的调控取决于不同的触键。触键方法的不同会带来不同的音色效果和情感表现。有了对作品和对作曲家的深入了解，也有了对演奏乐曲的基本把握，接下来重要的就是怎么样把想要投入的情感通过钢琴这个媒介表达出来，所以情感因素的技巧化就显得极为重要，触键就是其中的一位重要帮手。如弹奏欢快活泼的乐章时，需要明亮的音色，这时的触键就需要干净利落，以手指抬高垂直触键的方式较为妥当；当弹奏一些温柔细腻的乐章时，需要圆润的音色，这时的手指要紧贴着琴键，轻轻地按动；当弹奏一些刚劲有力、激情澎湃的乐章时，需要洪亮的音色，这时全身应该发力，透过手指猛击到琴键，将全身的力量注入指尖，弹出强而有力的音响。不同的情感处理需要不同的触键方式。一首作品有起有伏，时而激情澎湃的地方，时而宁静优美。所以，一首乐曲中通常是几种触键方式的综合运用。

主要通过手指，手腕，手臂以及相关部位对力量的运用，来控制触键的力度和方法，踩踏板也很重要，手脚要配合得当。手上基本功要扎实，多练习练习曲，锻炼手对琴的控制。用心也很重要，在弹琴之前脑子中要构思好每一段怎么处理，哪里弱哪里强，情绪怎样推进，怎样收回，整个曲子高潮在哪里，以怎样的形式和情绪收尾。如果脑子中没有想好，再好的手上功夫也不行。另外，多听听大师的演奏，用心去理解一下大师为什么那样处理曲子，根据是什么，有什么样的心理驱使，多听好的演奏，会对你的乐曲处理有好处。如果有条件的话也可以多研究指挥，看看乐队指挥是要怎样去控制音乐，控制乐队，假如自己是指挥，会采取什么样的方法来完成曲目。再以观众的角度看，什么样的音乐欣赏起来心情舒畅，容易被打动。各个方面都考虑到了，手上和踏板该有的功夫有了，自然能做好乐曲的情感表现与处理。：）

在游戏中如何演奏出有情感的钢琴曲目？

在游戏中如何演奏出有情感的钢琴曲目？

钢琴曲作为一种相对简单、优美动人的音乐类型，逐渐成为游戏音乐中的重要代表。它能够通过简单的旋律和音调传递出强烈的情感，不仅能够为游戏增加丰富的音乐元素，还能激发玩家更多的情感共鸣。但是，要演奏出一首有情感的钢琴曲目，并不是一件简单的事情。本文将介绍一些常用的方法和技巧，帮助你在游戏中演奏出动人的钢琴曲。

第一步：了解曲调和情感

在演奏钢琴曲之前，首先需要了解曲调和曲目所代表的情感。对于游戏曲目来说，往往有着较为明确的情感表达，例如《最终幻想》中的主题曲——《ThePrelude》是一首意味着“旅程开始”的钢琴曲，其旋律诉说着冒险者踏上了一段新的旅程。因此，在演奏这样的曲目时我们需要注重情感的表达，思考曲调中每个音符、每个节奏的意义和情感。

第二步：形成个人表现风格

演奏钢琴曲除了要注意曲调和情感的表现，还需要在表演和演奏技巧上有一定的“功底”。这就需要我们从平时的练习和融合自己的音乐特点来培养出属于个人的演奏风格。例如，可以尝试使用别出心裁的艺术性演奏技巧，通过自己的“打击”力度和节奏感来强化曲调和情感表达，提升演奏的感染力。

第三步：演练和调整

对于任何钢琴曲目，演练是必不可少的。在游戏曲目的演练过程中，可以多进行经验交流、与其他玩家上传自己的演奏视频来强化自己的演奏技能，并根据自己和他人的演奏反馈来进行调整。此外，在演奏过程中多做反思，记录下自己的总结和想法，来不断改进和提高自己的表现水平。

总而言之，在演奏钢琴曲时，要注重情感和技巧的表达，融合个人风格和特点，多与他人交流和经验分享，不断调整和提高自己的表现水平。只有做到这些，才能真正演奏出有情感的钢琴曲目，在游戏玩家中获得更多的共鸣和赞赏。

乐曲演奏过程中的停顿也有情感表达的作用：

白居易的《琵琶行》中，表达奏乐就算停顿，也能表达感情的一句式诗是：此时无声胜有声。

诗人用“别有幽愁暗恨生，此时无声胜有声”的佳句描绘了余音袅袅、余意无穷的艺术境界，令人拍案叫绝。“此时无声胜有声”，意思是默默无声却比有声更感人。

比喻有时候不说话比说话更有用。像另有一种愁思幽恨暗暗滋生，此时声音暂歇却比有声更动人。

诗人描写琵琶声，有落玉盘的大珠小珠，有流啭花间的间关莺语，有水流冰下的丝丝细细，有细到没有了的“此时无声胜有声”，有突然而起的银瓶乍裂、铁骑金戈，它使听者时而悲凄、时而舒缓、时而心旷神怡、时而又惊魂动魄。

音乐演奏中的轻重指的是乐曲的力度变化，缓急指得是演奏中的速度变化，抑扬顿挫则是演奏家的情感表现。正是这些变化和表现赋予了音乐作品以鲜明的特色和感人至深的各种情趣。

在突破了单一基本功练习的障碍后，演奏者才可以真正把握长号演奏技巧、曲风，从而通过乐曲的表面风格，深入把握音乐内在情感，领悟到曲子更是一种情感语言的表达，更是表演者内心故事和思想意识的表达。

　我为大家整理了一篇关于竹笛演奏艺术的论文，感兴趣的可以参考我整理的论文哦。

　竹笛演奏艺术有2000多年的发展历程，主要以线性思维为主，在单音的天地里追求变化，音色作为基本元素，就成为竹笛演奏中极其重要的表现手段。但仅有好的音色是不够的，演奏者还应具有良好的综合素质和丰富的内心情感。如何发出好的音色，主观上取决于演奏者要有正确的吹奏方法及在不同音乐表现中所酝之内心情感。俗话说“声情并茂”，我们要重视音色与情感之间具有的相互依存、相互制约的辩证统一关系，使音色与情感达到完美的结合。

　 一、竹笛演奏中音色的掌握

　明代徐上瀛所著《溪山琴况》中，提出琴演奏的音色标准：“润”如水、“圆”如珠、“洁”如玉、“坚”劲有力、“轻”而不虚、“重”而不躁等。吹笛同抚琴，演奏的基本音色就是用符合竹笛发音原理及人体生理运动规律的演奏方法，发出既符合美的声音基本规范，又符合竹笛基本音响特性——纯净、明亮、圆润、甜美、丰满而有穿透力的声音。好的音色，要经过长期的练习之后，才能达到一定的熟练程度甚至是自觉性的条件反射。例如，演奏中口型的控制、气息的运用、手指的配合等，它们之间相互制约、相互关联。只有经过刻苦的练习，才能满足在演奏乐曲时各种音色及情感充分表现的需要。

　首先，要熟练掌握口型与呼吸的正确方法。口型的控制主要依靠唇部肌肉和面部肌肉伸缩力的大小。面部肌肉要放松，口型似含蓄的微笑，口腔达到自然放松。与其相配合采用胸腹式混合呼吸的方法，即胸腹同时扩张，最大量地吸气，气归丹田，而后，将气流以适当的直径、宽度、速度及角度吹出。恰当地使用口型与呼吸，才能使不同音区的发音达到平稳、结实、嘹亮、不虚不浮的理想效果。

　其次，舌的运用也是竹笛演奏的要点之一，舌在口腔内的位置与发音的高低有直接关系，靠后靠下适于吹奏低音，靠前靠上适于吹奏高音。

　再次，气、唇、指、舌各部分能够熟练掌握时，配合的`平衡性、统一性是对演奏技法更高层面的追求。如气流吹出，对笛管施力，人的身体与笛体合起来也是一个上下的纵重心轴，其前后左右都应是平衡的。各环节的运用相通相连，身体各部分与笛管相融，最终做到支点放松，力点集中，纵横对称，气身贯通。这样，对音色才能自如控制，达到圆、亮、厚的标准。

　二、竹笛演奏中的情感表达

　“凡音者，生人心者也，情动于中，故形于声;声成文，谓之音”①。情感是人在认识世界和改造世界的过程中，由于对客观现实对象和现象持有不同态度，而产生出各种各样的内心体验。而这些体验又是以人的感官对事物个别属性的反映即感觉为基础的。人们常把音乐称为情感的艺术，在演奏者内心情感调动下，发出的音响流动能够激起听者的情绪活动，产生共鸣。音乐虽然不是情感，却是情感的最佳载体。在音乐中，情感被直接模拟，这种情感的源头，来自于演奏者的内心感觉和想象。

　根据不同的情感表现需要，通过一定的演奏手法而奏出不同色彩的乐音，它不仅能表现情绪的紧张与松弛、激动与平静，而且还能表现情绪的积极、增力和消极、减力的变化，因而饱含了不同的感情因素。

　如乐曲《秦川抒怀》(马迪作曲)引子的第一句，表现西北人民坚强、豪迈、刚毅、倔强的性格特征时，要采用“刚”的音色，音头清晰有点，保持较强力度，具有穿透力和震撼力。技术上要求丹田鼓劲较足，重心靠前，力量传递直接，呼吸速度加快，气流加大，手指多用打音、叠音配合。相反，在演奏乐曲《向往》(曲祥作曲)第一段慢板时，则要采用“柔”的音色表现委婉、细腻的情感。音头较软而润，一般用中弱或中强的力度，具有流动性和抒情性。技术上要求重心相对靠后些，力量传递较慢，呼吸速度平和，气流较缓。采用柔和的音色，更适合表现憧憬的思绪。

　当乐曲表现饱满情绪和敦厚形象时，演奏的音色则要浓厚、丰满，共鸣充分，立体性强，富于张力和动感。其技术上要求使气流成束，胀满笛管，使笛管充分振动，支点位置靠后，重力相对较大，有时加以气颤音，使持续感加强，弧度感加大。乐曲《三五七》(赵松庭编曲)引子的演奏宜采用此种音色。

　在表现回忆的情感和幽静的意境时，薄淡的音色更为适合，其特点是频响范围窄，无须丰满浑厚和太多的立体感，更侧重清淡、平和。技术上要求发力位置靠前，重力相对减少，口风变小，气流较缓，方向略微向前、向上，手指无过多修饰。

　此外，有些乐句、乐段需要表现空远、虚幻的意境，那么，就要采用标准音色以外“虚”的音色或泛音来演奏，气流要求小而浅、缓而轻，呼气方向靠前、靠上，音头不甚清晰，音腹振动不很充分，给人若有若无、虚无缥缈的感受。

　“琴者一器，声色无穷”②，音色的变化无穷无尽，我们在演奏中应以情感表达为法，以情感音色为用。音色变化是情感表达的基础，而无论什么样的音色变化，都要以艺术表现的需要、情感的需要为轴心，使竹笛演奏艺术在横向的线的形态中获得变化和发展。

　 注释：

　①中央音乐学院中国音乐研究所中国古代乐论选辑[m]北京：中央音乐学院中国音乐研究所，1962：71

　②赵晓生钢琴演奏之道(修订本)[m]北京：世界图书出版公司，2000：394

演奏家与听众沟通的方式就是演奏音乐，但是每个人的经历不同，对乐曲的理解不同，运用的技法不同，所以就算是同个曲子，不同的演奏家演奏的版本是不同的。LZ所说的音色与情感的关系实际上就是演奏家传达给听众的他自己内心的东西。表达压抑，悲伤的情感，就用低沉的曲调，这时候演奏的力度在保持音色清晰的同时不能太重，明亮轻快的曲子反应快乐的心情就用明快的调子，手指触键的时候大多带有弹跳的感觉，这样出来的音符会像断了线的珠子，音色清亮透明。。。简单说就是这样，但是，最重要的一点是，弹钢琴也好，演奏其他乐器也罢，是用心来演奏的，而不是用手，就算是技法上炉火纯青，弹得时候没有用心去体会音乐，那出来的曲子也没有灵魂，也是失败的

　乐感，即音乐感觉，主要体现在音乐欣赏和音乐表演两个方面。音乐欣赏是听觉感受，而音乐表演是如何把音乐感受表现出来的问题。下面是我整理的培养钢琴乐感的方法，欢迎阅读。

　钢琴作为乐器之王,深受人们的喜爱,钢琴学习是音乐教育的重要形式之一。在我国掀起的钢琴学习热潮中,却存在着许多的问题:演奏者机械式的弹奏,缺乏情感的投入;一味地追求演奏等级,不注重音乐表现力的培养等。这些现象违背了学习音乐的根本初衷,丧失了音乐教育中最重要的情感参与,而情感体现在钢琴演奏中就是乐感的培养。钢琴演奏是一门表演的艺术，演奏者通过钢琴用音乐的语言来表达作品的思想感情和艺术形象。而这其中的演奏，乐感就起着重要的作用。

　一、乐感的及产生

　所谓乐感，是指演奏者对音乐要素的感知，如音高感、音强感、音长感、音色感，继而在此基础上对音乐产生各种组合的感知能力，如旋律感、节奏感、和声感、力度感、速度感等。

　一般来说，有音乐的存在，就有乐感的产生。那么究竟乐感是如何产生的呢有两种途径：一种是天赋，即“灵气”;而大多数人是经过后天的勤奋努力逐步培养而成的。其间即包含本身的文化修养和艺术方面的修养。文化修养不足的弹奏者在表达作品的意境、诠释作品的程度必然受到一定局限。

　二、乐感在钢琴演奏中的作用

　乐感是音乐表演艺术的灵魂，它在钢琴演奏中起到画龙点睛的作用。在钢琴比赛中同场角逐的青年选手，每人对同一规定曲目的诠释各有千秋，这是很自然的，他们的技术水平不分上下，然而为何有人获奖，有人落选，获奖者当中又分金奖、银奖等，除技巧高低之外，重要的原因在于乐感。

　三、钢琴演奏中如何处理乐感

　就我的粗略见解，乐感可以分成三种不同层次的领会。即:初级处理乐感、中级处理乐感及高级处理乐感。初级处理乐感是钢琴学习的初级阶段，即使弹奏简短的几小节乐句或乐段，也要弹出作品或欢快、或优美、或激动等情绪。中级处理乐感要建立在初级处理之上。在准确无误的把音符弹奏后，就要注意音乐的内在涵义了。高级处理乐感是中级乐感处理的升华，在熟练演奏的基础上，就要去追思音乐的原旨。经过这三个层次的处理乐感，演奏者演奏出的曲目，会更有韵味，更有声有色，更扣人心弦，呈现出大家风范。

　四、如何提高钢琴演奏中的乐感