凡高认为印象派画家的作品,完全排除了画家的什么和什么

你要问的是“梵高认为印象派画家的作品，完全排除了画家的什么和什么吗”，主观意识和情感宣泄。

梵高在其自传中阐述道“印象派画家的作品完全排除了画家的主观意识和情感宣泄”。于是他将一种“表现性”引入到他的作品中，并用绘画来表达他的各种感受。

梵高是荷兰后印象派画家。代表作有《星月夜》、自画像系列、向日葵系列等。他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。

作为现代表现主义的先锋，极端个性化艺术家的典型，梵·高更强调他对事物的自我感受，而不是他所看到的视觉形象，他大胆追求线条和色彩自身的表现力，不拘一格，恣意妄为。他曾说过：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，在这幅作品中不仅是色彩、线条，就是透视和比例也都面目全非，彻底变了形，以适应画家随心所欲表现自我的需要。凡·高这种无拘无束的创造风格，使他把不同类型的人物、花卉和静物，都拿来当作了“习作”的对象，并一丝不苟地把它们直接写生出来的，从这个层面看他是在描写印象，但外在的手法已经不再重要，他更注重画中的内涵和神韵。从而可以很清楚地看到，从印象派那儿得到不可或缺的艺术启蒙后，他以超越印象派极远。正如他说过的那样：“关于艺术’一词，我找不到比下述文字更好的阐释：艺术即自然、现实、真理，但艺术家能以之表现出深刻的内涵，表现出一种观念，表现出一种特点，艺术家对这些内涵、观念、特点有自己的表现形式，其表现形式自成一格，不落窠臼，清晰明确。”

　　作为一位用生命创作的画家，梵·高将自身的主体创作意识、内心的情感意识与东方绘画的因素加以巧妙融会，在最惨烈的生活境遇和对艺术狂热执著的追求中，树立起了划时代的丰碑。

中文名称: 达·芬奇

性别: 男

生卒年: 1452-1519

国别: 意大利

生平文件:

达·芬奇

莱昂纳多·达·芬奇是意大利文艺复兴时期第一位画家，也是整个欧洲文艺复兴时期最杰出的代表人物之一。他是一位思想深邃、学识渊博、多才多艺的艺术大师、科学巨匠、文艺理论家、大哲学家、诗人、音乐家、工程师和发明家。他在几乎每个领域都做出了巨大的贡献。后代的学者称他是“文艺复兴时代最完美的代表”，是“第一流的学者”，是一位“旷世奇才”。所有的，以及更多的赞誉他都当之无愧。莱昂纳多·达·芬奇（Leonardo da vinci ，1452-1519）诞生在意大利芬奇镇附近的安基亚诺村，芬奇镇靠近佛罗伦萨。达·芬奇是非婚生子，他的童年是在祖父的田庄里度过的。孩提时代的达·芬奇聪明伶俐，勤奋好学，兴趣广泛。他歌唱得很好，很早就学会弹琵琶，他的即兴演唱，不论歌词还是曲调，都让人惊叹。他尤其喜爱绘画，常为邻里们作画，有“绘画神童”的美称。达·芬奇的家庭是当时佛罗伦萨有名的望族，父亲皮埃罗希望达·芬奇象自己一样当律师，可后来由于发生了一件事情而使皮埃罗改变了想法，决定让小芬奇学画。当时，皮埃罗受一位农民的委托，要画一幅盾面画。他听说儿子会画画，想试试儿子的画艺，便将这任务交给了小芬奇。小芬奇凭借自己丰富的想象力，用了一个月的时间，画成了一个骇人的妖怪。这妖怪长着火球般的眼睛，张着血盆大口，鼻孔中喷出火焰和毒气，样子十分的恐怖。作品完成后，小芬奇请父亲来到他的房间。他把窗遮去一半，将画架竖在光线恰好落在妖怪身上的地方。皮埃罗刚走进房间时，一眼就看到了这个面目狰狞的怪物，吓得大叫起来。小芬奇则笑着对父亲说：“请您拿去吧，这就是它该产生的效果。”皮埃罗从此确信儿子有绘画天赋，便将小芬奇送往佛罗伦萨，师从著名的艺术家委罗基奥，开始系统地学习造型艺术。此时的达·芬奇只有14岁。委罗基奥的画舫是当时佛罗伦萨著名的艺术中心，经常有意大利人文主义者在这里聚会，讨论学术问题。达·芬奇在这里结实了一大批知名的人文主义者、艺术家和科学家，开始接受人文主义的熏陶。 达·芬奇在20岁时已有很高的艺术造诣，他用画笔和雕刻刀去表现大自然和现实生活的真、善、美，热情歌颂人生的幸福和大自然的美妙。达·芬奇并不满足他的这些才干，他要掌握人类思想的各个领域。他眼光独到，做事干练，具有艺术的灵魂。有一次，他在山里迷了路，走到了一个漆黑的山洞前。他在后来回忆这段经历时说：“我突然产生了两种情绪——害怕和渴望：对漆黑的洞穴感到害怕，又想看看其中是否会有什么怪异的东西。”他一生都被这两种情绪所羁束——对生活之不可知或无力探知的神秘感到害怕，而又想把这个神秘之不可知性加以揭露，加以研究，解释其含义，描绘其壮观。他很早就下定决心，要做一个研究者、一个教师、尤其是一个艺术家。

达·芬奇无论是在艺术领域，还是在自然科学领域，都取得了惊人的成就。他的眼光与科学知识水平超越了他的时代。

在文艺复兴早期，人们盲目地接受传统观念，崇拜古代权威和古典著作。人们学习科学知识也只是学习象《圣经》一样的亚里士多德的理论，只相信文字记载。达·芬奇反对经院哲学家们把过去的教义和言论作为知识基础，他鼓励人们向大自然学习，到自然界中寻求知识和真理。他认为知识起源于实践，只有从实践出发，通过实践去探索科学的奥秘。他说“理论脱离实践是最大的不幸”，“实践应以好的理论为基础”。达·芬奇提出并掌握了这种先进的科学方法，采用这种科学方法去进行科学研究，在自然科学方面作出了巨大的贡献。他提出的这一方法，后来得到了伽利略的发展，并由英国哲学家弗兰西斯．培根从理论上加以总结，成为近代自然科学的最基本方法。 达·芬奇坚信科学，他对宗教感到厌恶，抨击天主教为“一个贩卖欺骗的店铺”。他说：“真理只有一个，他不是在宗教之中，而是在科学之中。”达·芬奇的实验工作方法为后来哥白尼、伽利略、开普勒、牛顿等人的发明创造开辟了道路。

在天文学上，达·芬奇对传统的“地球中心说”持否定的观点。他认为地球不是太阳系的中心，更不是宇宙的中心，而只是一颗绕太阳运转的行星，太阳本身是不运动的。达·芬奇还认为月亮自身并不发光，他只是反射太阳的光辉。他的这些观点的提出早于哥白尼“太阳中心说”。甚至在当时，达·芬奇就幻想利用太阳能了。

在物理学方面， 达·芬奇重新发现了液体压力的概念，提出了连通器原理。他指出：在连通器内，同一液体的液面高度是相同的，不同液体的液面高度不同，液体的高度与密度成反比。他发现了惯性原理，后来为伽利略的实验所证明。他认为一个抛射体最初是沿倾斜的直线上升，在引力和冲力的混合作用下作曲线位移，最后冲力耗尽，在引力的作用下作垂直下落运动。他的这一发现使亚里士多德的落体学说产生了动摇。他发展了杠杆原理，除推导出作用力与臂长关系外，还算出了速度与臂长的关系。他指出了“永动机”作为能源的不可能性。达·芬奇还预示了物质的原子原理，形象生动的描述了原子能的威力：“那东西将从地底下爆起，……使人在无声的气息中突然死去，城堡也遭到彻底毁坏，看起来在空中似乎有破坏力。” 达·芬奇在解剖学和生理学上也取得了巨大的成就，被认为是近代生理解剖学的始祖。他掌握了人体解剖知识，从解剖学入手，研究了生理学和医学。他最先采用蜡来表现人脑的内部结构，也是设想用玻璃和陶瓷制作心脏和眼睛的第一人。他发现了血液的功能，认为血液对人体起着新陈代谢的作用。他说血液不断的改造全身，把养料带到身体需要的各个部分，再把体内废物带走。达·芬奇研究过心脏，他发现心脏有四个腔，并画出了心脏瓣膜。他认为老年人的死因之一是动脉硬化，而产生动脉硬化的原因是缺乏运动。后来，英国的威廉．哈维证实和发展了达·芬奇的这些生理学成果。 达·芬奇的研究和发明还涉及到军事和机械方面，他发明了飞行机械、直升飞机、降落伞、机关枪、手榴弹、坦克车、潜水艇、双层船 壳战舰、起重机等等。他还在数学领域和水利工程等方面作出了重大的贡献。 可以说，达·芬奇的研究涉及到自然科学的每一部门，他的思想和才能深入到人类知识的各个领域。他是世界上少有的全面发展的学者。 但是达·芬奇的大多数著作和手稿都没有发表，直到他逝世后多年才被世人所发现。科学史家丹皮尔这样评论达·芬奇，“如果他当初发表他的著作的话，科学本来一定会一下就跳到一百年以后的局面。” 说到艺术创作，在文艺复兴时期当数达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔的成就最高。他们的艺术成就达到了西方造型艺术继古希腊之后的第二次高峰，仅绘画而言，则达到了欧洲的第一次高峰。其中尤以达·芬奇最为突出，恩格斯称他是巨人中的巨人。在艺术创作方面，达·芬奇解决了造型艺术三个领域——建筑、雕刻、绘画中的重大课题：1、解决了纪念性中央圆屋顶建筑物设计和理想城市的规划问题；2、完成了15世纪以来雕刻家深感棘手的骑马纪念碑雕像的课题；3、解决了当时绘画中两个重要领域--纪念性壁画和祭坛画的问题。达·芬奇的艺术作品不仅象镜子似的反映事物，而且还以思考指导创作，从自然界中观察和选择美的部分加以表现。壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的三大杰作。这三幅作品是达·芬奇为世界艺术宝库留下的珍品中的珍品，是欧洲艺术的拱顶之石。 达·芬奇比之文艺复兴时期中的任何一人，有更多的、领域更广的幻想。他思想深邃、博学多才。他怀着永无休止的探索精神去研究自然和人生的一切奥秘，他把艺术和科学、理智和情感、形体和精神熔于一炉，继承和发扬了前人的人文主义思想和现实主义表现手法，把艺术推进到一个前所未有的高度，为自然科学的发展作出了巨大贡献。 达·芬奇是当之无愧的“文艺复兴时代最完美的代表人物”。 列奥纳多· 达·芬奇 (1452-1519) da Vinci,Leonardo 全名列奥那多·迪·塞尔·皮耶罗·达·芬奇，意大利文艺复兴时期画家,科学家,人类智慧的象征是意大利文艺复兴时期最负盛名的艺术大师。他不但是个大画家，同样还是一位未来学家、建筑师、数学家、音乐家、发明家、解剖学家、雕塑家、物理学家和机械工程师。他因自己高超的绘画技巧而闻名于世。他还设计了许多在当时无法实现，但是却现身于现代科学技术的发明。总的来说，达芬奇大大超越了当时的建筑学，解剖学和天文学的水平，但是却未能推动其发展。他于1452年出生于佛罗伦萨，虽然他是一个私生子，但是却很被重视，历史资料显示，安东尼奥·达·芬奇（达芬奇的祖父）在译本笔记本的后页上写到：1452年4月15日，星期六，夜间第3个小时，我有了一个孙子，我儿子塞尔·皮耶罗的儿子，名为列奥那多。5岁时能凭记忆在沙滩上画出母亲的肖像,同时还能即席作词谱曲,自己伴奏自己歌唱,引得在场的人赞叹不已《最后的晚餐》是世界最著名的宗教画,《蒙娜丽莎》则为世界上最著名,最伟大的肖像画这两件誉满全球的作品使达·芬奇的名字永垂青史达·芬奇独特的艺术语言是运用明暗法创造平面形象的立体感他曾说过:"绘画的最大奇迹,就是使平的画面呈现出凹凸感" (达·芬奇是闻一多首创翻译名，乃按意大利语翻译。旧译“达·文西”乃按英语翻译，误；意大利语ci读如“奇”非“西”) “上天有时将美丽、优雅、才能赋予一人之身，令他之所为无不超群绝伦，显出他的天才来自上苍而非人间之力。莱奥纳多正是如此。他的优雅与优美无与伦比，他的才智之高可使一切难题迎刃而解。”这是文艺复兴时期的传记作家瓦萨里对达芬奇的溢美之词。 莱奥纳多1452年4月15日出生于意大利中部据佛罗伦萨不远的芬奇市（Vinci），并在那儿度过了童年。1469年，他来到佛罗伦萨并在Verrocchio的画室学徒。 1472年，进入当年画家协会。在艺术方面，他是一位雕塑能手但特别注重绘画艺术，他说：“绘画是自然的女儿。”传说，在他年轻时，有一次帮老师在一副名为《约翰为基督洗礼》的画中画了一个小天使，结果其水平超过了老师画的所有其他人物。这位在当年已有些名气的老师羞愧难当，从此不再涉猎绘画，只搞雕塑了。达芬奇最为世人所熟悉的就是他绝高的绘画艺术,其最著名的作品有：《蒙娜丽莎》《最后的晚餐》《岩间圣母》《圣安娜与圣母子》等。

《蒙娜丽莎》的绘制前后历时四年。据说模特是佛罗伦萨人，刚刚丧婴，为解除她的痛苦并露出自然的微笑，莱奥纳多便请人来为她奏乐。她的微笑是人们津津乐道的话题，有时似乎是很严肃有时又象很温柔；有时略含忧伤有时又显讥讽。蒙娜丽莎的右手更被称为“美术史上最美的一只手”。最后的晚餐》绘制在格拉齐教堂圣餐厅的墙壁上。达芬奇一改前人绘制“最后晚餐”围桌而座的布局，让所有人物座成一排面向外，而耶稣基督座在最中间。在科学方面，他观察天体，曾写下：“太阳是不动的。”几乎是与哥白尼同时发现了“太阳中心说”；他研究飞行的科学原理，设计制造了第一个飞行器；他解剖过三十多个尸体，探究人体结构并第一个发现了婴儿在母体中的生长过程。他曾说过：“你可能会被这天然的臭气弄得退避三舍你还可能缺乏耐心且不够勤奋，在这些方面我不曾被贪欲或懒散所阻碍，阻碍我的只是时间不够。”达·芬奇年轻时在佛罗伦萨画派画家韦罗基奥的工作室学画，1481年离开佛罗伦萨去米兰，其后获法王法兰西斯一世(Francis I)邀请，前往法国。达芬奇是当时世界的一位天才，他的主要才能表现在科学发现和想象上，他曾经设计过直升机、飞行器、热气球、攻城器，设计过城市防御体系、排水系统，研究过人体解剖、比例、透视。他是欧洲第一位描画风景的画家，他以科学、清晰的头脑著称。当然，也有人认为他很少动手实现他的设想，很少做出真正的成绩，因次在科学上他只是虚名。在文艺复兴“三杰”中（另两位是米开朗基罗和拉斐尔）他画中的人物真实、栩栩如生，构图严谨、稳重。他最著名的画作是为米兰圣玛利亚修道院作的壁画《最后的晚餐》和肖像画《蒙娜·丽莎》、《岩间圣母》，著作有《绘画论》。

晚年达芬奇定居于法国罗瓦河谷的克劳城堡(Chateau De Clos Luce)，并在该处完成他的自画像。晚年的达芬奇却变得泰然、宁静，致力研究信仰与自然的关系。他于1519年在克劳城堡去世。

“一日充实，可以安睡；一生充实，可以无憾”是他遗嘱中的名句。

1452年4月15日，达·芬奇生于意大利佛罗伦萨城附近的芬奇镇上。父亲是当地有名的公证人，家庭富有。达·芬奇从小就表现出了绘画天赋，他画的小动物惟妙惟肖，于是父亲就把他送到好友，著名画家和雕刻家佛罗基阿的画坊当学徒。

===============梵高的艺术成就====================

后期印象画派代表人物

他摒弃了一切后天习得的知识，

漠视学院派珍视的教条，

甚至忘记他自己的理性。

在他的眼中，

只有生机盎然的自然景观，

他陶醉于其中，物我两忘。

他视天地万物为不可分割的整体，

他用全部身心，

拥抱一切。

凡高很晚才作为一位极具个性化的画家而崭露头角，距他去世时只有八年。

凡高几乎没有受过什么正规的绘画训练。为弄到画布、油彩和画具而日复一日地奔波劳碌，精神上也不断处于矛盾的状态，为追求艺术的完美而承受着压力，这些即使不是他后来罹病的直接原因，也给他的生活悲剧埋下了种子。

凡高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。

凡高把他的作品列为同印象主义画家的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。

凡高是一位具有真正使命感的艺术家，这也是自称表现派的艺术家们共有的特性。凡高在谈到他的创作时，对这种感情是这样总结的：“为了它，我拿自己的生命去冒险；由于它，我的理智有一半崩溃了；不过这都没关系……”

凡高从来没有放弃他的信念：艺术应当关心现实的问题，探索如何唤醒良知，改造世界。

凡高自杀年仅三十七岁，作为一位艺术家，直到死前不久他才以其震憾人心而富于想象力的绘画赢得评论界的赞扬。

凡高死后不出几年，一些画家就开始模仿他的画法，为了表现强烈的感情，可以不对现实作如实的反映，这种创造性的态度被称作表现主义，并且证明是现代绘画中一种历久不衰的倾向。

尽管高更和凡·高的名字双双成为现代表现主义的先锋，成为极端个性化的艺术家的典型，但要设想他们的个人特点有多在不同则是很难的。高更是个攻击传统观念的人，语言刻薄、玩世不恭、冷漠无情，有时蛮横无礼。而凡·高对于共事的艺术家，则充满了一种天真的热情的深沉的爱。在他有了一段生活经历之后，这种爱使他成为一个美术商人，并产生了进行理论研究的愿望，进而成为比利时煤矿区的一名传教士。1880年他开始学画，后来他在布鲁塞尔、海牙和安特卫普进修。于1886年来到巴黎，他在这里见到了劳特累克、修拉、西涅克和高更以及原先的印象主义小组的成员。

凡·高在巴黎结识了印象主义画家之后，他的调色板就变亮了。他发现，他唯一深爱的东西就是色彩，辉煌的、未经调和的色彩。他手中的色彩特征，与印象主义者们的色彩根本不同。即使他运用印象主义者的技法，但由于他对于人和自然特有的观察能力，因而得出的结论也具有非凡的个性。这从来都是如此的。

凡·高的激情，来自他所生活在其中的那个世界，来自他所认识的人们所做的按捺不住的强烈反应。这绝不是一个原始人或小孩子所做的那种简单的反应。他写信给弟弟提奥的信，是一个艺术家写出来的最动人的故事。信中表明了他高度敏感的知觉力，这种知觉力完全符合他他那感情的反应。他敏锐地意识到，自己正在获得效果，这种效果是通过**或蓝色来取得的。虽然他的大部分色彩观念用来表达对于人物和自然的爱，及其表现过程中的愉快，但他对较深的色彩十分敏感，所以在谈到《夜晚的咖啡馆》时说：“我试图用红色和绿色为手段，来表现人类可怕的激情。”《夜晚的咖啡馆》是由深绿色的天花板、血红的墙壁和不和谐的绿色家具组成的梦魇。金灿灿的**地板呈纵向透视，以难以置信的力量进入到红色背景之中，反过来，红色背景也用均等的力量与之抗衡。这幅画，是透视空间和企图破坏这个空间的逼人色彩之间的永不调和的斗争。结果是一种幽闭、恐怖和压迫感的可怕体验。作品预示了超现实主义用透视作为幻想表现手段的探索，但是没有一种探索，能有如此震撼人心的力量。

凡·高的宇宙，可以在《星夜》中永存。这是一种幻象，超出了拜占庭或罗曼艺术家当初在表现基督教的伟大神秘中所做的任何尝试。凡·高画的那些爆发的星星，和那个时代空间探索的密切关系，要胜过那个神秘信仰的时代的关系。然而这种幻象，是用花了一番功夫的准确笔触造成的。当我们在认识绘画中的表现主义的时候，我们便倾向于把它和勇气十足的笔法联系起来。那是奔放的，或者是象火焰般的笔触，它来自直觉或自发的表现行动，并不受理性的思想过程或严谨技法的约束。凡·高绘画的标新立异，在于他超自然的，或者至少是超感觉的体验。而这种体验，可以用一种小心谨慎的笔触来加以证明。这种笔触，就象艺术家在绞尽脑汁，准确无误地临摹着他正在观察着的眼前的东西。从某种意义上看，实际确是如此，因为凡·高是一位画其所见的艺术家，他看到的是幻象，他就是幻象。《星夜》是一幅既亲近又茫远的风景画，这可以从十六世纪风景画家老勃鲁盖尔的高视点风景手法上看出来，虽然凡·高更直接的源泉是某些印象主义者的风景画。高大的白扬树战栗着悠然地浮现在我们面前；山谷里的小村庄，在尖顶教堂的保护之下安然栖息；宇宙里所有的恒星和行星在“最后的审判”中旋转着、爆发着。这不是对人，而是对太阳系的最后审判。这件作品是在圣雷米疗养院画的，时间是1889年6月。他的神经第二次崩溃之后，就住进了这座疗养院。在那儿，他的病情时好时坏，在神志清醒而充满了情感的时候，他就不停地作画。色彩主要是蓝和紫罗兰，同时有规律地跳动着星星发光的**。前景中深绿和棕色的白杨树，意味着包围了这个世界的茫茫之夜。

凡·高继承了肖像画的伟大传统，这在他那一代的艺术家里鲜见的。他对人充满了激情的爱，使他不可避免地要画人像。他研究人就象研究自然一样，从一开始的素描小品，一直到1890年他自杀前的几个月里所画的最后自画像都是如此。它如实地表现出疯人凝视的可怕和紧张的眼神。一个疯人，或者一个不能控制自己行为的人，无论如何也不能画出这么有分寸、技法娴熟的画来。不同层次的蓝色里，一些节奏颤动的线条，映衬出美丽的雕塑般的头部和具有结实造型感的躯干。画面的一切都呈蓝色或蓝绿色，深色衬衣和带红胡子的头部除外。从头部到躯干，再到背景的所有的色彩与节奏的组合，以及所强调部位的微妙变化，都表明这是一个极好地掌握了造型手段的艺术家，仿佛凡·高完全清醒的时候，就能记录下他精神病发作时的样子。

凡高——一个火崇拜者

他象夸父一样地追逐着太阳，最后在阳光中燃烧，轰然倒下——每当我看见凡高的作品，总会想起古希腊智者赫拉克特关于这个世界说过的话：“它过去、现在和未来都永远是一团永恒的活火，”“一切转化为火，火又转化为一切。”凡高正是艺术世界的火崇拜者，他的身世经历，他的精神状态，他的绘画创作都闪耀着生命燃烧的熠熠光华，他是艺术史上最伟大的自焚者，一个古老而单纯的信仰，已为现代人所接受。

也许，凡高个人生活史是一部英雄史诗的最好题材，事实上欧文·斯通的纪实小说《渴望生活》正是在对其悲剧命运的描述中有力地证明了理想、道义和人格力量对于人生的价值。人们从凡高艰难惨烈的遭遇和对艺术执着以至狂热的追求中，树立了殉道者的榜样，这榜样一直在激励着那些处在社会底层，至今默默无闻的天才。

但这些远不是最重要的。对于一个画家，我们更需要直接研究他的艺术创造。

凡高30岁开始从事绘画。他有广博的文学知识，但并未成为一个文学性的画家。习画之初曾向荷兰绘画传统讨教，也曾对印象派有过一时冲动的兴趣，但他天性中那股地火一般的激情，使他必定要抛弃荷兰画派的暗淡和沉寂，并迅速远离印象派，因为印象派对外部世界瞬间真实性的追求和他充满主体意识的精神状态相去甚远。凡高在本质上属于浪漫主义，1888年他在书信中坦率承认自已深受德拉克瓦思想的陶冶：“因为我不是企图把我眼前的自然一丝不变地准确地描绘下来，而是通过更为强烈的色彩去表现自己。”

浪漫主义是现代艺术的序曲，它的基本精神是对个性和情感的解放。德拉克洛瓦在历史性绘画中发展了一种充满动感、活力、光暗强烈、色彩炽热的个人风格在他的画面上还偶尔地出现过不加调合的色彩并置。浪漫主义作为社会冲突和精神冲突的直接表达，突出地代表了现代精神的指向。但这种表达还局限在未曾改变的表现体系之中，而这个成形于文艺复兴时期的艺术体系出于群体规范和社会理想，对个人在自然面前的自决权是排斥的，德拉克洛瓦克服不了这一内在的矛盾。印象派尽管在光色研究中改变了传统绘画的面貌，但这还只是艺术体系的表层变化，因其真实观仍以人对自然的臣服为前提。这样，浪漫主义对个性的崇尚（也即是对社会规范的反叛）和对情感的尊重（也即是结理性主义的冲击），作为一种新的时代精神，必然要在19世纪末叶的欧洲世界寻找自己的继承人。从这个意义上看，凡高是幸运的，他在被环境抛弃的时候能够和历史相遇。

自然永恒性的时候，凡高更正以其对宗教和原始生活的热情与想象力在寻找超越绘画自身的精神性，而凡高则凭藉着沸腾的生命活力和对事物特征的敏感反应，孜孜不倦地创造属于心灵世界的艺术作品。正是他们各执一端的差异性和不相容性，开辟了现代艺术多向发展的可能。在他们中间，凡高是人道主义者，以全身心的激动和虔诚，护卫着个体生命的崇高和内在需要的价值。他是平民化的浪漫主义，这和他喜欢自然主义（左拉）不无关系。从他对普通事物——椅子、烟斗、旧皮鞋、简陋的小酒馆等等——的亲切关怀中，我们可以感受到人与人、人与物在上帝面前的平等。凡高是现代艺术“主观——表现”倾向的开创人，而这一倾向正是以对个体价值的全面认可为前提的。

人们很容易把凡高视为西方艺术自我表现的始作俑者，其作品突出的个人风格和强烈的主观表现都会给人以这种印象。但应该指出，自我表现并不等同于内心世界的孤独发掘和个人情感的任意渲泄。凡高作品的主体意识并不排斥他对自然的研究：他经常以线条变化来抓住事物的特征，如在法国圣玛利斯村所作的风景画，墙用直线，烟用曲线，路面用点，叶簇用旋涡状的粗线……等等。但这种研究绝非臣服自然，凡高对特征的捕捉是主观化的和个性体的，因而题材和对象在他的绘画中只是一个起点。同样，凡高作品的情感表现也不排斥理性思考对创作的作用，他曾在一封信中写道：“不要认为我愿意故意拼命工作，使自己进入一个发狂的状态。相反，请记住，我被一个复杂的演算所吸引，演算导致了一幅幅快速挥就的画作的迅速产生，不过，这都是事先经过精心计算的。”凡高的创作是一种疏导、一种集结，由此产生的形式创造，显示出情感生成的激烈过程，而不仅仅是对情绪现状的静观和描写。

凡高永远处在矛盾的中心：尊重自然时与自然对抗；生活于激情但求助冷静的分析；表现自我的过程中追求着高于自身的东西；以至在精神崩溃的临界线上，保持最强悍的自制力——这种充满内在冲突的精神状态，曾是人类不容揭示的秘密，长期压抑于心理底层，是凡高第一次在绘画创作中把它们充分地暴露出来，凡高的艺术成就是真诚地展示人类心灵的艺术成就。精神矛盾和心理运动，每一个形象都充满戏剧冲突，人在画布和颜料面前颤抖，冥冥中寻找着心灵物化的方式，为的是向着现实背后那个超越自身的神秘世界，那个终极的世界飞升。凡高艺术语言——线条、笔触、色彩、空间的一切创造成果都源于此，并因此具有更深刻、更富有启示性的意义。

凡高似乎对线条所能蕴含的情感有一种天生的敏感，这在他的素描作品中随处可见。他把印象派的色点扩展成色线，由此超越印象派而成为用心灵作画的大师。在发挥线条笔触的表现性方面，他和荷兰画派不无渊源，但伦勃朗慎密而阔达的笔触与创作主体精神状态的联系是隐晦的，也是相当有限的，而凡高则把伦勃朗绘画中只有元素的东西，作为方法析取出来，使之明确、纯粹，带着原始的表情，推向极端。他服从于心灵（更多是潜意识）的召唤，经常用波形、螺旋形的笔触来运载奔涌不息的情感之流，粗犷，豪放，充满动势、紧张和强烈的节奏感：大地在颤抖，天空如旋涡似火焰，树木绞扭，似乎要把自身连根拔起。这种饱含自发性激情的有力笔触，既非顺从于事物固有的肌理（伦勃朗），也不倾向对象本身的动态（柯罗），而是从大自然中抽取出来的心灵象征。凡高越画越厚重的笔触使他的精神日益专注理以物即道的直接性，也许，对于颜料本身（色泽、质地、浓淡厚簿）的敏感是使一个画家离距自然、超越自我的直正原因。在这里，凡高揭示了在绘画形式和人类情感之间、在物质材料和终极真理之间可能存在着的直接联系性。

他出生于荷兰乡村的一个新教牧师家庭，早年的他做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士。他充满幻想、爱走极端，在生活中屡遭挫折和失败，最后他投身于绘画，决心“在绘画中与自己苦斗”。他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品。视野的扩展使其画风巨变，他的画，开始由早期的沉闷、昏暗，而变得简洁、明亮和色彩强烈。而当他1888年来到法国南部小镇阿尔的时候，则已经摆脱印象派及新印象派的影响，走到了与之背道而驰的境地。在阿尔，梵高想要组织一个画家社团。1888年，高更应邀前往，但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。此后，梵高的疯病(有人记载是“癫痫病”)时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画。1890年7月，他在精神错乱中开枪自杀，年仅37岁。这位易于激动而富于神经质的艺术家，在其短暂一生中留下大量震撼人心的杰作。他的艺术，是心灵的表现。他曾说：“作画我并不谋求准确，我要更有力地表现我自己”，他并不关注于客观物象的再现，而注重表现对事物的感受。亨利·福西隆在论述凡高时说道：“他是他时代中最热情和最抒情的画家。……对他来说，一切事物都具有表情、迫切性和吸引力。一切形式、一切面容都具有一种惊人的诗意”，“他感到大自然生命中具有一种神秘的升华，他希望将它捕捉。这一切对他意味着是一个充满狂热和甜蜜的谜，他希望他的艺术能将其吞没一切的热情传达给人类” (奥夫沙罗夫编《凡高论》上海人民美术出版社，1987年，第95页)。为了能更充分地表现内在的情感，梵高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。他认为：“颜色不是要达到局部的真实，而是要启示某种激情。”在他画中，浓重响亮的色彩对比往往达到极限。而他那富于激情的旋转、跃动的笔触，则使他的麦田、柏树、星空等，有如火焰般升腾、颤动，震撼观者的心灵。在他的画上，强烈的情感完全溶化在色彩与笔触的交响乐中。1853年3月30日生于津德尔特，早期因为表达内心的悲痛，曾割断了自己的耳朵。1890年7月29日在法国瓦兹河畔因困扰其多年的精神病发作自杀身亡。早年经商，后热衷于宗教，1880年以后开始学习绘画。曾在巴黎结识E·贝尔纳、P·西涅克和P·高更等画家。

梵高总能让人随着他的作品融入到他所描绘的场景里去, 他的作品总是充满压抑不住的激动和热情。梵高的创作造型是建立在表现基础之上, 为了更加真实地反映其内心的情感, 他强化了形的意味, 画面中的形象虽然没有了准确的造型, 但却充满着张力。他的作品受荷兰现实主义画风的影响, 画面表达出了深沉, 有非常强的乡土气息。梵高有着自己对艺术的理解, 从来不受别人的影响, 而且一直按照自己的兴趣探索着不同的创作题材, 对花朵、麦田等朴素题材的绘画有着无法模仿的魅力。梵高是一位伟大的画家，他的作品也受到很多朋友们的喜爱，当然现在梵高的画也有很多的展现形式，我觉得比较好的是一涵刺绣通过手工刺绣能把他的作品表现出来，而且和原作基本一模一样，是非常厉害的。

梵高作品的特点是：

梵高的作品中充满天然的悲悯情怀和苦难意识。例如在梵高艺术生涯的初期，绘画最多的题材是矿区阴惨的场景和劳作的矿工。在埃顿时期，落日的翻滚、日里的农夫和农妇更多出现在他作品中。

到多伦特和海牙时期，梵高的作品中开始频繁出现哭泣的女人、足两姗的老树以及城市救济院中的老人孤儿、驾车的老马、劳作的农夫等等。

梵高对农民、对田野生活、对乡村田野风光有着很高的热情，他喜爱农民的一切，尤其是向日葵、麦田、莺尾花、豌豆花等。他经常选取这些散发着泥土清香的物象作为自己的绘画题材。

在他短暂的艺术生涯中，梵高凭借着自己敏锐的艺术感知力深情地、细致地描绘着这些质朴、自然的风景、静物及人物，他也因此被称为“画家中最纯粹的画家”。

梵高的人物影响：

梵高是表现主义的先驱，并深深影响了二十世纪艺术，尤其是野兽派与德国表现主义。梵高那些曾引起他同时代大多数人迷惘的作品，如今却已印在明信片上，印在挂历上，成了畅销货。

企业家们则一窝蜂似地将梵高的名字带进了生意的领域，如梵高领带、梵高圆珠笔、梵高香皂、梵高**，梵高歌剧，其作品更是国际油画拍卖市场上的遥遥领先者。

梵高在他有生之年过得并不顺遂，并饱受间歇性精神失常的折磨，但残酷的现实并没有磨灭他心中对生活的渴望和对绘画的热情，即使在人生最后一年，他被关在精神病院的小房子里，仍然不停的在绘画。

什么原因在他去世后，他的画发生了翻天覆地的变化和影响力？甚至卖到了天价，我想除了他的画本身具有一定的艺术价值之外，还有他的突然离世，使他之前画的画都成为了这个世界上的孤品，另外，我想会不会多少也跟他的弟弟是做艺术经纪的有关呢？

在《蒋勋聊艺术大师——拥抱梵高》中梵高给人的印象是：一个满头红头发的荷兰画家，像猫一样绿色的眼睛，满脸都是络腮胡，每天背着个画架冲进冲出

1 梵高早期的作品

1885年梵高最重要的作品《吃马铃薯的人》，他透过门板的缝隙看到白天种马铃薯的这一家人正在吃晚饭，而桌上唯一的食物只有马铃薯，画面中有5个围坐在一个桌前，其中有一个人是完全背对着画面的。另外左右两边两组人，感觉他们像是在对话，虽然绘画里是没有语言的，但这幅画看上去像一个戏剧一样，好像是有声音的，仿佛能听到他们在交谈。

画面中左边一个女人正拿着一个叉子在分马铃薯，但是她停住了，眼睛瞪的大大的，看着她旁边的男人，仿佛是在说：这个马铃薯这么少，我们怎么够分？右边一个年老一点的女人手里拎着一个黑黑的壶，正在往四个碗里倒咖啡，没有糖也有牛奶，因为这两样都很贵，他们也根本吃不起。然后她旁边一个年老的女人手上拿着一个白瓷碗，伸向这个正在倒咖啡的女人，然后脸上也透出一个奇特的表情。好像是在说：我可不可以再来一点？再多一点？

整幅画面调子很幽暗，但在黑黑的房子里上面吊着一个煤油灯，只有灯发出一丝光亮，这盏灯刚好照亮了桌上的马铃薯，所以这个画面在整个暗色调里最亮的就是灯和马铃薯，变成这个家庭里面唯一的希望和温暖，唯一的粮食。

梵高很早就接触了艺术，他对艺术有非常强烈的自己的主见。他觉得艺术是关心生命为主，关心生命里面最受苦的那些人，所以他的画并不华美，让你感觉到生命真正诚恳的东西。

他的艺术作品，有生之年一直没有受到任何人的重视，可能是因为他一直在画我们社会里大家最不愿意看的角落。

在这之前，1882年时，他画的一件早期作品《绝望》，是一个老人坐在所谓的一个壁炉前（因为很简陋），头低垂在两只手中间，表现了一种生活上的痛苦。

梵高绘画的历史只有7年，1879年7月，当教会将他解聘了，不能再做牧师时，1880—1882年是他最绝望的3年，他回到了自己的家乡，也不知道自己要做什么，于是就开始长时间认真的画画。在他几乎没有朋友的情况下，他把绘画当作自己的朋友。但是画画，他没有受过正规的训练，虽然他以前在艺术经纪公司买卖过艺术品，可是并不是说他就会画画。于是他来到荷兰海牙学习绘画，因为他的堂哥在那边，他的堂哥是一位有名的画家，也有一个画室，在教学生。

1883年期间，他画的大多是生命里的痛苦、绝望和忧伤。

2   到巴黎的梵高

1886年，他在艺术经纪公司工作的弟弟问他要不要来巴黎，于是梵高从北方的荷兰来到了南方的巴黎。南方的环境和气候和北方有很大的不同，我们看梵高的画，会发现他在1886-1887年画的画，颜色开始明亮了起来。所以环境的影响对一个画家的影响是很难想象的。他在巴黎的时期受到了印象派的影响。画风从荷兰的阴暗的、忧郁的感觉转换成法国的明亮和喜悦。

色彩常常代表一个人的心情，梵高在巴黎的心情改变了，他在这里变得越来越快乐。

他画的一张人物画《唐基老爹》，这幅画的背景是日本的版画，唐基老爹这个人其实是一个在法国蒙马特开画具店的老板，他的老婆很凶，因为这些贫困潦倒的画家经常过来赊欠东西。梵高当时很喜欢日本浮世绘版画，在法国有很多异文化，梵高在这里，从原来荷兰一个很乡下的、地方的画家，摇身一变，开始走向国际化，最后成为一位国际化、世界性的画家。

梵高1886年以前的作品大多是工人、农民、矿工等，给人一种非常沉重的，在现实中劳动而疲倦的感觉，到1886年以后，他到了巴黎，1887年对他来说非常重要，他投靠了他的弟弟提奥，在当地是一个小有名气的艺术经纪商人，在古比西艺术经纪公司。他忽然从以前一个非常不快乐的生活走近了一个对他来讲光鲜亮丽的世界，他认识了其他许多没有成名的画家。

3 梵高在阿尔找到了自己的style

1888年2月，梵高收拾行囊来到了法国南部一个很偏僻的小镇阿尔，靠近普罗旺斯的一个地方。因为巴黎天空很灰，所以他想往南走，越往南走天空越亮，他想追寻一种阳光。这种阳光不只是大自然的阳光，还包括梵高心里面对美、对灿烂、对热情的一种渴望。

我们说， 一个画家一定要找到自己的一个风格，自己的一个 style 。一个画家绝不会因为模仿他人而成名的，因为你永远只是做别人的第二。 所以梵高很快在阿尔找到了他自己，摆脱了他在巴黎受到的那些画家的影响，而是用粗犷的狂野的笔触画出了真正的梵高。真正的梵高可能只有1888-1890年的三年，因为他于1890年就自杀了。

他曾在阿尔画过一个吊桥，至今那个吊桥还在，那个吊桥不大，是被铁索吊起来的，可以开合，如果有船经过，可以拉起来。由于后来战争期间被损坏，但后来人们还是在那里修建了一个木头的吊桥，因为梵高画过，现在有很多人会到那里去旅游。

梵高在阿尔到处画画、写生，但也非常孤独和寂寞，因为那里很偏僻，几乎没有朋友，所以他一直在写信，他靠信在和外面联系。梵高后来留下了很多书信，写给他的弟弟的，还有写给他的朋友的。后来他画了一个邮差，因为这个邮差经常给他寄信送信，后来他们成为了好朋友。他渴望分享、倾诉，希望他的朋友高更能和他一起来过来画画。

他在阿尔的时候，湛蓝的天空和灿烂的阳光使他画的颜色十分亮丽，画画的笔触变得很大，这个时候他最喜欢画的素材是向日葵。

他画的7张向日葵，分别在世界各地的美术馆，这些向日葵乍看好像都差不多，有的多，有些少，都以黄颜色为主，背景颜色会有所不同。

蒋勋说他最喜欢的是第四张向日葵，他认为那幅画上面的黄颜色很丰富，黄颜色里面带着一种金，一种灿烂，像是梵高在追求生命的一种燃烧性，他希望生命能够燃烧到最灿烂的状况，像火的颜色，像星辰的颜色，像太阳的颜色。

原画中的局部更能把花的某种感觉呈现出现，我们知道葵花的中间有很多葵花籽，梵高在画这部分的时候，因为葵花籽是一粒一粒的，有一种很厚实的质感，尤其是摘下来干了的时候，那种质感更明显，如果用画的很不容易画出来，他就在花蕊和绿色的葵花籽上，用油画笔不停的触碰那块画面上的颜料，所以画布上一个一个尖尖的葵花籽的尖出来，让花心这个部分看起来很有立体感，完全变成一个立体的雕塑。尤其是光打上去，更加显得立体，有一种锥体的美。

他把颜料当作粘土在画布上堆，堆的很厚很厚，最后肌理构成了一种质感，像一种火焰，也是他自己内在狂热的自我表现。在同一时期他也开始大量的画自画像，他开始意识到自己和常人有所不同，他容易过度的亢奋，睡不着觉，所以这个时候他就开始画画，画了很多的自画像。他看着镜子，也想研究自己、了解自己。而正是那个焦虑、亢奋、失眠的梵高是他最有创造力的时候。

其实除了画自画像，画家画的每幅画，都是在画他自己。

4 精神病院里的梵高

梵高当年被关在法国南部的圣雷米疗养院的一个房间里，那里如今已成为一个旅游观光地。在那间小小的房子里有一张单人床，一个很厚木头的门，门上有个小窗子，可以送食物的，门上有一个很大的锁。他从1888年12月住到1890年1月才离开，也就是在这一年当中，他创作了非常惊人的伟大的作品。

他在那个很小的房间里，对着窗户画画，他画黎明，画日正当中，画黄昏，画夜晚满天的繁星，画出了他最伟大的作品——《星空》。

当时医学条件有限，也根本没有精神学科，所谓的精神病院就是修道院，他在那里也没有得到治疗，可能只是把他关起来。能够治疗他的最伟大的药竟然是绘画，是艺术的创作。面对着一张张空白的画布，面对着房间里唯一的窗户，他把窗外的风景，画成一张一张精彩的绘画。那扇窗户真正变成了心灵的窗户，窗外所有的风景都变成了他对生命的渴望。

那个房间的窗外有一些小小的丘陵，一些由岩石构成的小山，小山的前方是一大片的麦田，在这一年当中，这个麦田由播种到萌芽，到成长，到结穗，一堆一堆的麦穗结穗，梵高全部画出来了，这是一年。可是每一天，从黎明第一道光照在远远的麦田当中，他就开始在画，然后有云流过来，那个云在天空中慢慢慢慢的旋转，他就在画那堆白云。他一直看着那片云，他从来没有看过云可以这样舒展，这样子收放自如，云像过来安慰他的一只手，里面充满了温暖的感觉。

他画的那些黎明、黄昏，其实风景没有变，还是小山、麦田……,变的是光线。看到农民在麦田里收割，他也画过光秃秃收割的麦田，黄昏落日的美，然后落日下去了，整个天空变成了暗蓝色，地中海的夜晚非常蓝，然后一颗一颗的星开始亮起来，他观察每一颗星从什么位置移到什么位置。《星空》让我们看到了一个最孤独、最寂寞的一个人想跟宇宙对话的热情。

这是一个受苦的心灵，一个受折磨的心灵，一个自己在尝试、在治疗自己的心灵，可是他是一个绝对孤独的心灵。

他在最后一年当中，画了将近2000张画！这是一般人不太可能达到的数目，平均一天画3-5张画。在这段时间，他的画作达到了一个惊人的创作的能量，而且每一张画都非常非常的精彩。这个时候的梵高，完全不顾学院派的技法，油画对他来讲，只是表现的一个工具而已，他可以把深厚的颜料大量的堆叠在画布上，构成像雕塑一样的质感，色彩非常的艳丽，非常的强烈。因此我们站在他的画作前面，会被他强烈的情绪所感染，甚至会热泪盈眶。

他画的《杏花》，看起来非常像东方古代宋代的绘画。这张画给人感觉非常的宁静，一点也没有烦躁、焦虑。说明梵高有时精神十分焦虑，有时也非常非常的安静，有时非常冷漠，有时又非常想拥抱这个世界。

这幅作品是梵高送弟弟提奥以及纪念他新出生的女儿的礼物。二月正是杏花开放的季节，家庭的新生似乎带来了一种欣快的喜悦。

5  梵高最后的画作

梵高最后的半年是到了法国巴黎北边一个叫欧维的小镇，他的朋友和亲人希望他能在这边得到更好的治疗和照顾，但结果他还是自杀了。

欧维这个地方有一个歌德式尖顶的小教堂，梵高把它画了下来，他画的这个教堂，用了很特别的紫蓝色做背景，里面的结构有点东倒西歪的感觉，好像没有办法支撑起来，有点像心理学家说的那样： 一个人所谓的正常，其实是由很多的细微的像牙签一样的东西在支撑着。其实我们不知道哪一根牙签断了之后，我们就会垮掉，就会崩溃。所谓的精神正常其实是在很多复杂的平衡当中岌岌可危的维持着。

其实这个教堂就是他自杀以后，遗体就埋葬在这个教堂的后面，现在悼念他的人们都去这个教堂。他好像看到这个教堂的时候就已经看到宿命的某些终点。

《群鸦飞过麦田》是梵高画过的最后一幅画。

乌鸦常常偷吃麦子，农民很恨乌鸦，所以就准备一种枪，这个枪是散弹枪，打不死人，可是声音很大，能够把田里的乌鸦惊吓飞起来，梵高就用这把枪，于1890年7月27日那天对着自己的心脏开了一枪，而他画的这张画里面刚好是一群黑黑的乌鸦从金**的麦田里飞起来，很多人认为这幅画就像是他最后的挽歌，好像他已经了解到他要离开人间，乌鸦像一个不祥的乌云密布在天空上。因为这个枪是散弹枪，打不死人，只是受伤，一直流血，所以一直到29号他才去世，被埋葬在那个教堂后面，结束了他传奇的一生。

以上内容整理自《蒋勋聊艺术大师——拥抱梵高》音频

梵高的故事听完后让人感觉好心疼，我甚至在想：如果他年轻时没有从古比西艺术经纪公司辞职，他后来的生活就不会变得如此窘迫，但一切都是由心出发，如果让他重新选择，他可能还是会做出和当初一样的决定。当时他一心想成为一名牧师，但事不随人愿，牧师没当成，之后选择做一名无名画家，以至于后来他的生活都是由他的弟弟提奥接济，他和弟弟的感情很好，我觉得他的弟弟也很伟大，因为如果没有他的无私付出和默默鼓励，并收藏了梵高画的画，后来的人们也就不可能看到梵高的这些不朽画作。

梵高一生都不知道自己是一个天才，他甚至不敢把自己称作画家。他的艺术知音惟有他的弟弟。梵高一生最为幸福的，也许就是他有一个懂他支持他，能够终生接济他的弟弟。

令人感到惋惜的是：在世时，他的画一文不值，得不到认可，不受人尊重。去世时，他的画却卖到了天价，多少人去参观他曾经生活过的地方，仿佛一夜之间他成了万人瞩目的名人和偶像，命运似乎和他开了个天大的玩笑，如果在天有灵，不知他会作何感想？

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