怎样利用色调来营造油画艺术作品的氛围？

油画有两大创作要素，一是造型，二是色彩。色彩是油画的“半壁江山”，色彩是油画的语言，油画作品所蕴藏的丰富的情感情绪主要是通过色彩的渲染来抒发来表达。色彩也是油画最突出的优势和特色。

怎样利用色彩来营造油画作品的氛围，一直是艺术家努力探索实践的课题。从油画诞生初期古典主义创立形成之时，以达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔为代表的油画艺术家就积极摸索油画创作中的色彩关系处理运用，取得了丰硕的成果和宝贵的经验。

达芬奇运用色彩营造出《蒙娜丽莎》宁静和谐温韾大气的氛围，米开朗基罗运用色彩营造出《创世纪》雄浑悲壮动感有力的气势，拉斐尔运用色彩营造出《圣母玛利亚》慈爱、温婉、柔和、唯美的情调。这些早期经典油画在色彩上的精妙运用对后来油画艺术发展产生了重要而深远的影响。

威尼斯画派重要代表提香被誉为是“用遍了威尼斯水城全套色系”的画家。提香擅长用红色用底色，然后再用更深的颜色在这底色上竞争，给画面营造出一种庄严厚重的氛围。如《圣母升天记》等。

以创立“明暗用光法”著称于世的伦勃朗，习惯以黑色或褐色作为画面背景或次要部分，用白色来突出画面主体，看上去像是一束束光集中打在画面中央，营造出十分鲜明的主次明暗远近效果。

后印象主义大师梵高对于色彩的运用更是瑧于幻境。《向日葵》艳而不俗，挺拔妩媚，《麦田》还原了大地原野一片片成熟的小麦随风摇摆丰收在望的景象，《星空》以色彩的交织变幻让人仿佛感受到了星云的滚滚翻动宇宙在不停的运行。

怎样运用色彩来营造油画的氛围，大师们的经典之作就是最好的榜样。

油画作品的内容及艺术感染力是通过各种艺术手段表现出来的。就色彩而论，它在视觉上给我们留下什么印象，产生什么样的感情和情绪）其效果强烈与否，取决于贴切地表达作品主题的，富有魅力和独创性的色调

对比色的调和：即色相。明度、饱和度都相差较远的颜色配和，通过对比而组织在统一的关系中，给人以强烈的感觉。梵高于1888年画的《向日葵》、用色相轮中相隔较远的铬**的花与浅蓝色的背景形成色相、明度、色度三方面因素的对比，又用茶色的轮廓线和少量绿时相对比。由于将整幅画面上的次要部分：背景、茶色线、绿时等来陪衬主要部分浓烈铬**的花，取得所有部分在形体和色彩细节上相互谐调，”统一在**调之中，给人以平衡和美的感觉。《播种者》则以互为补色的黄与紫构成整幅画面的色彩基调。柠檬黄的天空和金**的太阳与占画面三分之二的蓝紫色地面形成强烈的对比。那洋溢着生命感的大地又由紫色系统里的古蓝、蓝紫、玫瑰紫和**系统里的土黄、中黄、黄绿相互交替、对比，整个色调运用由大至小的补色关系的色块和线对比构成的效果，充满着强烈的光感，从而呈现出大自然生机勃勃的景象。梵高的色彩创作方法基本上采取对比色调和的色彩原理。由补色对比关系而产生的强烈。浓郁、闪烁的色调，正反映出忱高狂热、神经质的生命像一团烈火在燃烧。

所谓对比色调是两个相挨的色表现出构成它们对照的效果，还可以说成是根据双方的颜色产生对比作用的现象。一般来说，对比调和在色相轮中利用**与紫色、红色与绿色，蓝色与桔色等的补色关系。像这样非常对立的配色以及相互的衬托，构成有韵律感的色彩方法，在马蒂斯和毕加索有些作品中表现得很成功。1939年马蒂斯的《音乐》以近乎原色的红与绿、黄与紫、黑与白对比色主宰整个画面，运用它们的大小色块的比例变化。线与面的节奏变化组织出有旋律感的、轻重照应的色彩结构，产生绚烂富丽的效果。色彩感本身就呈现出强弱、冷暖、明暗、高低的音乐旋律。毕加索的《镜前的少女》（1932年）也采用了类似的方法。中国民间年画和彩色剪纸的用色，也有异曲同工之妙：

随着十九世纪物理学和化学的发展，以及色彩科学理论的普遍兴起，法国印象派对光和色进行了深入而广泛的研究和实践、为色彩中对比调和的规律性的认识与应用；开拓了一条崭新的道路。他们更重视掌握运用自然色彩本身的规律，抓往大自然的光和色种种变化的色调，分析，进而表现出了在同一光源下色相上的冷暖关系。明度上的黑、白、灰关系，色度上的鲜灰关系，由这些因素相互对比又相互依存于统一的总色调，即称条件色色调。苏里柯夫、谢洛夫、福楼拜尔、列维坦等都是运用这种色调的大师，他们纯熟的色彩技巧，完美而有力地表现了创作内容。苏联近代画家普拉斯托夫是一位表现大自然色调美的歌手。他对自然和人有着真挚淳朴的感情。从而使他创作中的色彩真实而集中地传达出大自然浓厚淳朴的情调；他满怀激情地把在生活中捕捉到的各种情深意浓的色调，栩栩如生地展现在观众面前，深深地牵动着人们的心灵。

以上从色相轮中所探讨的色彩的三种关系，是便于清楚他说明问题和寻求色彩的内在规律。那么是否在色相轮中的色彩都被包含在这三种关系之中而都调和了呢？不然，这里所探求达到三种色彩调和的前提是从色彩的三属性：色相、明度和色度三个方面，通过艺术法则的处理运用，求得变化统一，达到色调的创作。例如：从色相轮中取出任何一个色相，就无从说它的调和与否。又如对比色调和的中“国古建筑彩画，常常并列采用红、黄、绿、紫等色，有强烈的对比，并不调和，但巧妙地发挥了金银色的镇抑作用而使之调和并产生富丽堂皇的效果。

关于油画中色彩的明暗与冷暖运用思考论文

　摘要作为我国最常见的绘画表现形式，油画凭借着自身的写实性以及艺术性而获得了人们的喜爱，并具有较为广泛的市场前景。事实上，画家在油画创作过程中为了表现自身的情感往往加强了对于色彩明暗以及冷暖的运用。本文基于此，着重论述色彩冷暖、明暗在油画绘制过程中的运用，并就色彩的运用所起到的作用进行了论述，最终为我国油画艺术的发展提供经验借鉴。

　关键词油画;色彩;明暗;冷暖

　画家在进行油画创作的过程中，为了增强画作的对比性并抒发自身的情感，往往加强了对于色彩的冷暖与明暗的合理运用。事实上，色彩的冷暖与明暗往往具有明显的关联性，且其在运用的过程中不仅实现了画作内容的丰富性，还能够体现出画作内在的情感寄托。本文基于此，着重论述画家在油画创作的过程中，如何进行色彩冷暖、明暗的搭配，并就色彩运用所起到的效果进行表述。

　一、明确油画主体

　在进行油画创作的过程中，为了确保色彩冷暖表现具有多样性，需要画家明确画作主体环境。一般而言，绘画对象的冷暖变化会受到外在因素以及光源照射角度的影响。诸如在白炽灯光的照射下，物体的受光面往往会呈现出冷光色的效果，而背光面则出现偏暖色的色彩效果。基于此，绘画者在进行作品创作时往往需要对光源的'来源以及角度进行预估，从而实现了绘画色彩的正确选择，确保作品的写实性更高。

　诸如白墙在太阳光的直射下往往会呈现出偏橙色(**)的暖色效果，但是物体的投影部分则呈现出冷紫灰的效果。不仅如此，墙面即使处在相同的阴影，其所表现出的冷灰调仍旧具备多样性。事实上，这种冷调的变化尽管不受画家的主观控制，但是其与绘画者的心理以及生理视觉角度具有较为密切的关联。绘画者在进行油画创作的过程中，不仅需要对色彩的多样性进行把握，还需要确保整个画作的色调保持协调统一。

　二、加强对优秀作品创作思想的学习

　通过对油画作品进行对比分析不难发现：不同时期、流派的油画作品对色彩的处理方面存在着差异性。为此，绘画者在进行油画创作的过程中需要加强对于各流派以及各时期著名画作的创作思想进行了解以及临摹。

　在印象派之前，画家在进行油画创作的过程中往往注重色彩的明暗状况，而对其冷暖色调则较为忽略。以伦勃朗油画作品为例，其在创作的过程中往往借助“光”这一元素抒发自身的情感，并加强了对于色彩明暗、冷暖对比的运用，从而增强了画作的戏剧性。事实上高亮度光线的运用，能够有效地突出作品的主题，并进一步增强了画作的空间感。以其作品《夜巡》为例，其在绘画创作时就借助光线手法突出表现了几个人的身体，并将另外部分的人员安放在阴暗背景之中。这种色彩的明暗对比在一定程度上凸显出了作品中的戏剧性以及深邃性。此外，在该画作中，小姑娘裙子的米**、库克上尉军装的黑色，在一定程度上都为整幅画作的平衡性以及过渡性起到了推动作用，并增加了画面色彩的层次感以及多样性。

　印象派的出现在很大程度上改变了油画在创作过程中的色彩对比运用。印象派在绘画的过程中更加偏爱对于条件色的运用，注重色彩表现。不仅如此，印象派的画家在作品创作的过程中更加注重绘画与光学关系的研究，并注重运用色彩对比、冷暖、互补等方式进行画面色彩的凸显。

　以雷诺阿的油画作品《阳光下的女人体》为例，画家在进行创作时，选用绿色、蓝色进行人体颜色的填充，但是这种有违常规的用色方法却凸显出画作的美观性以及协调性。不仅如此，雷诺阿还借助冷暖色彩的对比使用，从而凸显出阳光的光感，实现了阳光色彩的真实性。

　除此之外，在画作中的暗面采用了较多的冷灰色，这一色彩的运用主要是为了凸显出树荫的斑驳。而雷诺阿在阳光的表现上也动了小心思，采用少量的暖色可表现出树叶缝隙下的阳光。事实上，这种鲜明的颜色对比能够凸显出整个画面的趣味性。

　总而言之，印象派的出现在很大程度上改变了传统，优化了创作中色彩的明暗对比状况，而更多地关注到色彩冷暖的应用，从而突出了主观色彩感受的主导地位。

　三、融入画家独特的个性

　在油画创作中，为了确保油画色彩明暗、冷暖的合理运用，画家还需要加强对于自我个性的运用，从而确保画作中的色彩效果能够反映出观者情感。一般而言，油画作品中的冷暖色调能够引导观赏者对画家情感的了解，成为画家表达自我情感的媒介。这种色彩运用的方法实现了主客观的完美结合，故而能够充分展现出画家的情感，引发观赏者的共鸣。

　此外，画家的情绪往往与油画的冷暖色存在明确的关系，但是如果画家完全凭借主观进行色彩运用，往往会导致观赏者无法产生共鸣。基于此，画家在色彩明暗、冷暖的运用过程中需要确保色彩的统一以及变化性，确保画面反映出人们的共感，从而帮助观赏者对于油画魅力的欣赏。

　四、色彩明暗与冷暖应用的注意事项

　为了确保绘画者能够创造出高品质的绘画作品，需要其在油画创造的过程中加强对于色彩明暗以及冷暖方式的运用。此外，为了确保各项作业效率的提升，工作人员需要遵循油画创作的相关事项。关于色彩明暗与冷暖应用于油画的注意事项，笔者进行了相关总结，具体内容如下。

　画家在进行油画创作之前，需要对画作的色调进行明确，并对主体、背景的冷暖色彩处理状况进行确定，并选择正确的观察方法。在这一过程中，作业人员需要对绘画对象的整体以及对此物进行观察，并通过对比方法进行判断，合理确定各画面的关系。事实上，物体的色彩往往会受到光源色的影响，故而画家需要对光源色进行分析。一般情况下，在冷色光源的影响下，画作的亮部呈现出冷色，但是其暗部则呈现出暖色，反之则不同。

　基于此，在画作处理的过程中需要在固有色考量的前提之下，加强对于环境分析探讨，从而实现了环境色与固有色关系的协调、一致，并凸显出冷暖色调的韵律感I实现整个画面的和蒜裔在这一过程中，绘画人员若无法对光冷暖色进行明确划分，其可以依据两个色彩的强弱程度进行相关的划分作业。一般而言，早晚的日光、火光、灯光等色调都为暖色系，而中 -午的阳光、天光等则属于冷光系列。

　结语

　为了进一步促进我国油画创作质量的提升，相关的人员需要在实际的作业过程中强调油画色彩的明暗以及冷暖。本文基于此，分析、探讨、明确油画主体，加强对于优秀作品创作思想的学习，融入画家独特的个性，并就色彩明暗与冷暖应用于油画的注意事项进行论述。笔者认为，随着相关措施的落实到位，我国的油曩裂作必将获得长足的发展，并由此促进相关的取得，确保我国的文化艺术事业的长足发展，满足社会居民的文化艺术需求，有助于促进我 。

　参考文献：

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聊一聊19世纪晚期法国画家波纳尔笔下的那幅有关女性题材的油画作品《浴缸中的裸女》，这是一幅抽象主义油画，波纳尔是抽象画家，他主要的特长就是以独特魅力的色彩来修饰笔下画中的人物，虽然这幅油画的画名叫做浴缸中的裸女，

但是我们通过这幅画却丝毫感受不到裸女的妩媚身姿，看起来更像是一具干尸，因为画家是以色块来修饰整个人物的形态特征，我们是几乎看不到线条的韵律，完全感受到的是笔触的变化，更何况人物的面目表情我们也看不清楚，因为已经被画家完全模糊了，我们只是大致上可以知道人物的头以及身体，以及脚在哪个部位，

画中的女人据说是波纳尔的老婆，波纳尔的朋友常常取笑波纳尔，娶得这么一个让自己很烦恼的老婆，因为他的老婆并不是很漂亮，不过呢波纳尔却非常尊重自己的老婆，在他的众多油画作品中都会以自己的老婆为模特，无论是肖像画还是人体油画波纳尔都是如此，

这幅《浴缸中的裸女》波纳尔其实就是向外人展示出他和妻子的温馨 情感 ，因为这是一个相对暧昧的场景是吧，画家在他老婆沐浴时描绘她的形态特征，更何况这幅画的场景是在室内里面，而不是在户外，这也是从某个方面说明了画家的居家情怀，他是一个顾家的男子，顾家的丈夫。

那么这幅画作的主体到底是浴缸还是浴缸中的裸女呢？这在当时引起了一些争议，有人认为这幅画的主体是浴缸，因为画家以大多数的绿色调稍微带些**调来描绘了整个浴缸，而且浴缸的空间立体感也非常鲜明；相比较这个浴缸，裸女的形态特征就显得非常单一了，

除了头部是一些红的绿的这样的色调，她的肢体，她的整个身躯啊，就是清一色的肉色，而且呢也并不光滑细腻，反而显得很平面，空间立体效果几乎是没有的，所以就有人认为这幅画的主体是浴缸，而不是浴缸中的那个裸女，这样的说法很容易理解，毕竟主体它的特征要非常鲜明对吧，而背景或者说陪衬的场景反而要显得比较单一，

虽然浴缸中的裸女它是肉色调显得单一也很平面，但是从整幅画的画面来看这平面的肉色调单一的形态特征反而显得更加鲜明，它是完全独立于画面之上的，也就是说它是这幅画的兴趣中心，噢，人们可以瞬间就看到这个画中有这么一个裸女，这主要是因为整幅画中的其他细节部位的色调，

不是肉色调而是红黄蓝紫橙绿等等，这些是掉自然就跟肉色掉有很明显的差异，对吧，而且呢，这么复杂的色调看起来让人眼花缭乱，反而那单一的肉色调让人看起来比较舒服，容易看懂，容易辨别；所以说我们从整幅画作的色调分布来看就知道了，这幅画的主体必定就是浴缸中那个躺着的裸女，

为什么画家要把自己的老婆以抽象的方式描绘出来呢？其实这并不是因为画家的老婆长得很丑不好看，这主要是因为风格的需求，因为它是抽象画，然后更主要是画家想在这幅油画作品中展现出他的色彩能力，我们都知道油画是以色彩为载体的，虽然油画是以素描为基础，但是画家他要表现的就是色彩的效果，而并不是说素描的效果，

如果是展现素描的效果，那么这幅画就不是抽象画了，而是写实画了；波纳尔通过色彩的价值效果来释放他自身对老婆的情绪 情感 以及整个画面所要表达的内涵，这个内涵就是艺术可以表现出一个充满虚幻神奇的世界以及空间，画面中那五彩缤纷的色彩，它就营造了一种很神奇很虚幻的氛围，而并不是说是真实的氛围。

波纳尔作品《浴缸中的裸女》

值得注意的是，我们在画作的下方也就是说中间处可以看到一只棕色的小狗，这只狗坐在地毯上，然后呢，他望着前方很安详的样子，很乖巧的样子，其实这就是在象征着一种狗忠诚于主人的现象，狗它本身就是忠诚的象征，也就是说明了波纳尔和自己的老婆他们的婚姻是很纯洁的，他们的 情感 是很纯洁的，他忠诚于他的老婆，

或者说他的老婆也忠诚于他，因为这只狗在画中的出现，导致这幅抽象油画多了一些写实的元素在里面，更何况这只狗呢，也没有很严重的被抽象化，反而还是存在一些写实的面貌，在狗和裸女之间她们的形态特征，很容易让人们辨认出来的是那只棕色的狗，反而浴缸中的裸女，人们却没办法一下子辨别出他到底是男还是女，所以从人、物的表象上来看，狗它就具备了写实的元素，

我们稍微将注意力望向整个室内的各个地方，比如墙壁，比如地板，我们在地板上看到许多的斑斑点点，在墙壁呢也是许多的色彩方块，它们的形成，是画家为了烘托整个画面的虚幻的氛围，导致我们看到浴缸中的水也是绿色的，这样五彩缤纷的色彩，它瞬间给人一种很浪漫的气息，

所以我们又能这么认为，这是一幅带有浪漫主义色彩的抽象画，整个浴室内的浪漫氛围，让我们让每个观赏者都很容易明白画家以这个裸女的亲密关系，他们是一对浪漫温馨的夫妻，这也从中说明了人性的和谐；不过呢，我们是在这幅画中无法看到任何透视关系的，只不过画家是以各种的色彩，墙壁，地板，浴缸，人物一系列的色彩结构来凸显整个画面的空间立体感，

或者是因为有了色彩所塑造成的空间立体感，所以我们就会感觉到画中的女人她的真实存在，虽然她是以色块的形式出现，肉色调的形式存在，但是我们依然可以感受到她的真实，因为我们可以通过她旁边的那只狗来感受到她的存在，毕竟狗是活的。

如果我们在欣赏这幅油画时，没有去留意画中本身具有生命的那只狗，我们是无法感受到这幅画它的真实含义的甚至会认为，这只是一幅没有目的没有意义的抽象画，原因很简单，因为我们看不到主体女人的面目表情，所以我们借助身旁的那只棕色的小狗，去感受到浴缸中裸女的真实存在，通过以上的简单描述，这幅画呢，总体上给人一种很神秘很虚幻的视觉效果和艺术感染力，以及男女两性的温馨情怀。

文森特·凡高的绘画是以绚烂的色彩、奔放的笔触表达狂热的感情又不失引人深思的象征内涵而为人们熟知的。凡高开始其艺术生涯的年代正是西方绘画艺术在诸多层面都发生根本性变革的年代，而色彩的解放就是其中最明显且极具本质影响的变革之一。印象主义画派受西方现代光学发展的影响和启发，主张室外作画，注重外光分析，追求瞬间光色印象的表现，把文艺复兴以来的静态的色彩再现转变为动态的色彩再现。而凡高从印象主义出发，并超越印象主义，将这种动态的色彩再现发展到由主观体验所控制的感情色彩的表现，从而成为现代绘画色彩全面解放过程中的不可或缺的环节和有着重要的影响及意义。

一、凡高绘画中的色彩语言的形成

凡高油画作品中的这种强烈的情感色彩也并不是在他刚开始其艺术生涯时就具备的，他对于自身这种感情色彩本质的觉醒也经历了一个漫长的过程。它的形成首先是与凡高那苦难的人生经历、独特的性格密切联系在一起的。

凡高1853年出生于荷兰的一个新教牧师家庭，他早年做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士。他充满幻想、爱走极端，在生活中屡遭挫折和失败，最后他投身于绘画，决心“在绘画中与自己苦斗”。

凡高在学画的初期，感受到德拉克罗瓦绘画的“头脑里的太阳和心中的风暴”的强大震动和滋养，他也分外敬重米勒，他朴素而充满强烈的宗教意味和道德意识的绘画艺术，引起了凡高的强烈的感情共鸣。在他学画的早期就大量临摹了米勒的印刷品。虽然后来的艺术风格已经与米勒大异其趣，但他仍然梦想着画一件像米勒一样深深触动人们心灵的作品。《食土豆的人》是他早期的代表作品，在画中表达了自己对跟他一样生活在苦难之中的农民的同情和尊敬。在绘画表现上重视农民形体和姿态的塑造、环境氛围的营造，以粗犷的笔触，浓重的色彩去填充他的画稿。颜色由于反复涂抹，显得厚重混浊，缺乏透明度。

很明显，这一时期光和色彩并不是他关注的重点，它所追求的这种“真实”也并不是学院式的视觉再现的真实，而是一种他的主观感受的真实。就像在给他弟弟泰奥的信中所说：“如果我的人物是准确的，我将感到绝望，你应该明白，我不愿意他们是学院式的准确……这些话告诉我们，凡高的绘画从一开始就有着非常强烈的主观表达的意识，这种主观感情的表达并不是通过色彩来实现的，但这种情感倾向使他得以牢牢把握住自己以后的发展方向。

不可否认，凡高作品中这种强烈的情感色彩表达的形成得益于印象主义画派的色彩理论和实践，但是值得注意的是，凡高在荷兰期间——即在正式接触印象主义画派之前——就已经（即使仅仅是在直觉上）认识到色彩解放的可能性。“色彩自身就能表达某种东西”，这是1885年，也就是他创作《食土豆的人》的这一年，他在他所居住的荷兰小村期间所写下的。

1886年是凡高绘画艺术的一个转折点。这一年，他来到法国巴黎，被印象主义画风中的那种明亮且极具动感的色彩所吸引。在印象主义绘画光色理论和实践的启发之下，他逐渐改变了他的色彩感觉方式，由以前的那种传统的静态的色彩感觉方式转变为印象主义画派的动态的色彩感觉方式。色彩感觉方式的改变，大大地改变了他的绘画作品的面貌。他兴奋地说：“……法国的社会指导着我的思想，显得这么有益，非常有益，也有益于全世界。”他抛弃了荷兰时期的那种灰褐色调子，画面色彩开始变地鲜亮起来。原来画面中一直保持着的黑色不见了，也没有了灰色和褐色，画面所呈现出来的是印象派并置笔触的红黄蓝三个原色和由他们混合而成的绿色、紫色、橙色，特别注重色彩中的补色关系。

凡高从印象主义绘画中吸取自己所需要的营养，但是他从来都没有像印象主义画家那样完全沉溺于光与色的表现之中。就像我们前面所讲的，凡高是一个有着强烈的主观表达意识的艺术家，他的绘画不是为了再现视觉的真实，而要表现他对事物的真实的感受和自己的感情。这种强烈的自我表现的愿望和他心中所蕴藏的那股强烈的激情，使他必定要抛弃荷兰画派的那种灰色调子，也注定他会迅速远离印象派。凡高几乎在接受印象派的同时就已经开始对印象派的绘画理论产生质疑。他们在实现视觉的真实，追逐光与色的过程中往往忽视了感情的表达，这与凡高那充满主体意识的精神状态相去甚远。凡高的绘画中独特的审美力量并不单单是视觉印象的强烈，而还有蕴涵在视觉因素之中的情感体验的深刻。在他给泰奥的信中曾明确提到这一点：“我在巴黎所学到的东西现在离开了我。我恢复了在我知道印象派之前我曾有过的理想，如果印象派画家不久就指责我的创作方法的话，我不会感到惊讶。因为滋养我的创作方法的，与其说是他们，不如说是德拉克罗瓦的思想。因为我并不力求精确地再现我眼前的一切，我自由而随意地使用色彩，是为了更有力地表现自我。”凡高不再满足于像一个印象主义者那样仅仅去表现自己的感觉色彩，而是将色彩看作是非自然主义的表现因素的直接工具，看作是精神领域（诉说人类命运的真相）的预言者，试图在色彩和感情之间找到一种契合的方式。

凡高通过各种色彩实验来研究色彩强度增加和减弱的自然规律，但是他的目的并不在于这些研究和实验本身，而是为了挖掘色彩自身所具有的那种强大的表现力。他对他的这种探索的前景充满了希望，在给他弟弟的信中说到：“我相信，一个新的色彩家画派将会在南方扎根，我越来越感到北方画家们只是把他们的理想寄托在用笔功夫和所谓的绘画性上，而不是依赖色彩本身来表达事物。”的确如他所说的那样，一种新的和感情紧密结合着的色彩表现形式开始出现在他绘画作品当中。他于这个时期所创作的《向日葵》、《夜间咖啡馆》以及众多的肖像作品中，可以明显地看到这种强烈的情感色彩的存在。凡高从自然物象中抽取颜色，然后通过色彩的对比或交融，来增强色彩的精神性，使颜料和深藏于心的真实感情达到了直接的重合。这不只是一个如何使用色彩的技巧问题，而是色彩观念从物到人的色彩本质的一种深刻变化。

二、凡高情感色彩语言的表现

从印象主义到后印象主义，凡高发展了一种有着清晰运动感的线条和强烈色彩的绘画表现形式，形成了自己的独特的情感色彩语言。因为，不论是古典主义对色彩的静态观念（固有色），还是印象派对色彩的动态观念（条件色）的认知，都只是把色彩作为观察的结果来表现，有意无意中阻隔了心与物的直接通联，而凡高则把动态的色彩观念引向观察过程本身的表现，这样，他就在绘画中真正引入了心灵世界的直接表达。

凡高绘画作品中的色彩具有明显的象征性倾向，这是他的情感色彩语言的特殊性之一，也是他与印象主义画家在色彩运用上的本质区别。色彩在印象主义者那里多半还只是一种物性表面的光色存在，只是对客观世界的光色变化进行“准确”描绘的手段。他们看重的仍然是色彩视觉的真实，并不关注色彩所具有的情感及象征意义。而凡高由于强烈的主观表达意识的介入，往往使色彩具有某种暗示性的力量。凡高对于色彩的暗示性力量有着浓厚的兴趣，在这方面他可能是受到了德拉克罗瓦有关色彩理论和实践的影响，他说：“我不知道在我之前是否有人谈过示意性的色彩，德拉克罗瓦和蒙蒂切里虽未谈及过，却实践过。”

凡高对于色彩的这种暗示性力量的运用，突出地体现在他的那幅《夜间咖啡馆》中，他说：“我在《夜间咖啡馆》里用红色和绿色表现人类的可怕的情调。这些色彩，不是呆板的按照现实主义立场的字句来说，是眼睛的欺骗者；而是一富暗示性的色彩，他表现出人们火热的情绪活动。”《夜晚的咖啡馆》是由深绿色的天花板、血红的墙壁和不和谐的绿色家具组成的梦魇。金灿灿的**地板呈纵向透视，以难以置信的力量进入到红色背景之中，反过来，红色背景也用均等的力量与之抗衡。这幅画，是透视空间和企图破坏这个空间的逼人色彩之间的永不调和的斗争。结果是一种幽闭、恐怖和压迫感的可怕体验。作品预示了超现实主义用透视作为幻想表现手段的探索。能有如此震撼人心的力量，一方面是熟练地应用了透视技法，但更主要的是由于画面中的极具暗示性、精神性的色彩关系的组织运用。凡高的创作始终是以一种感情上的“现实主义”为目标，是一种感情的集结和疏导，由此而产生的情感色彩形式往往显得更为单纯和强烈，因此具有更强烈的情感影响力。

笔触和色彩的密切结合是凡高情感色彩语言的另一主要特色，他将印象派的色点发展成色线，他的这种色线不再仅仅服务于形体，它本身就是画家的感情的一种直接的表现。他画面中的无处不在的跳跃的、疯狂转动的笔触和着那饱含感情的色彩，暴风雨般地铺陈在画布上，形成一种强大的精神和视觉冲击。

三、凡高的色彩表现对现代绘画的影响及意义

从历史的角度来讲，凡高的作品中包含着深刻的悲剧意识、其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在时代的前面,的确难以被当时的人们所接受。但凡高的绘画中独特的审美力量并不单单是视觉印象的表述，而是蕴涵在视觉因素之中的深刻情感体验、表现，以求达到实实在在的真实。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。

综上所述，凡高及后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统，建立了自己独特的审美原则，引发了两大现代主义艺术潮流萌芽，即强调结构秩序的抽象艺术(如立体主义、风格主义等)与强调主观情感的表现主义(如野兽主义、德国表现主义等)。在艺术史上，后印象主义被称为西方现代艺术的起源。

同时凡高也以自己的艺术实践，向后来的画家展示了色彩自身所具有的强大的精神表现力，为他们的进一步的探索指明了方向。以马蒂斯为代表的法国野兽派画家以及德国的表现主义画家在绘画中更加全面地展开了对色彩的情感本质力量追求，从而实现了现代情感色彩本质的全面解放。

造型、色彩、光影、笔触是创作和欣赏油画时，都要考虑的元素，造型通过科学写实手段，可以让油画画面的外在形象贴合真实性的要求，色彩不但可以表现强化造型的精确性，还能展现画家的情绪和思想，更能提升视觉冲击力。光影和笔触是体现画面节奏感和韵律感必不可少的元素，同时，笔触跟色彩结合起来，能展现出强烈的主观情感。

（雷诺阿风景）

自始至终，色彩在油画创作中扮演着非常重要的角色，文艺复兴中期，威尼斯画派大师提香是第一位重视色彩感受的画家，通过他对色彩的发扬，自此后，从巴洛克、洛可可、浪漫主义，一直到印象派，色彩在油画中的比重越来越高。

（雷诺阿作品）

尤其到了印象派时代，色彩的作用在油画创作中上升到了第一位，给油画进入现代性开了一个好头。

实际上，色彩是一把双刃剑，用得好能很好地提升画面趣味，若用不好的话，画面会呈现出凌乱，跳跃，拼凑，没有主题的感觉。归根结底，画面中的色彩组合到一起，以和谐为基准。

（雷诺阿·河边沉思的姑娘）

中国画中经常有浓破淡、淡破浓、干破湿、湿破干等画法，是指先在纸上画出浓墨或淡墨，未等它们干透后，在浓墨或淡墨的基础上，继续施加淡墨或浓墨，这样画出来，等画面完全干透后，就能看到浓淡相宜，虚实相生的层次感，让画面体现出一种自然节奏，给观者没有死板的感觉。

（梵高·花园花开）

油画跟国画都是视觉艺术，它们的画理实际上都一样，都是采取一定方法，让画面色彩不产生冲突和遏制。

从这个意义来讲，油画中在设色时，不能使用同一种色彩或色调，每种色彩或色调在画面不同地方使用时，要有明显的区分，哪里轻哪里重都要贴合画面的主题。在这一点，完全可以参考梵高和雷诺阿的油画色彩。

题目：色彩的魅力——浅谈油画创作中的色彩对空间与情感的影响

色彩与空间：近纯远灰，近暖远冷。。。。。。

色彩与情感：参看“色彩心理学”

（个人观点，仅供参考）