浅谈艺术中的情感与形式的关系

        艺术是人类情感符号的创造。艺术家通过艺术作品来传达个人的情感，那么艺术家怎样把个人情感通过外在的形式表现出来，艺术形式是艺术家情感的体现，情感需要艺术家通过艺术技术来实现。如何将个人情感和外在形式完美的结合起来是艺术家所追求的，通过传统技法、个人经验来完成。艺术的本质在于艺术家把释放的个性、情感通过一种属于自己的有意味的形式传达出来。作品创作的核心是个人情感的表达，艺术家情感意识的产生、发展、升华是艺术家艺术创作的生命线。那么个体情感转化为有意味的形式是艺术家需要思考的问题，也是艺术家艺术创作的根本问题。如何解决这个问题，就要从两个方面入手来处理好情感和形式的关系。首先，艺术源于生活，艺术家通过对生活的感受而产生有意味的形式，有意味形式产生的源泉来源于艺术家对生活的体验：其次，艺术家通过有意味的形式来传载个人情感。

        例如传通中国画与西方现代绘画传统的中国画和现代西方表现绘画在情感的表现形式上却大相径庭。中国绘画，在对主观情感的表达上，依然努力地接近自然，对自然不失其基本的相似性与可理解性。西方经由古典的再现绘画转入现代的表现绘画，情感的表达可以完全脱离客观具象，是在对物象的否定中形成的，强调艺术是一种创造，把情感表现置于主要的地位。

        艺术用符号形式表现普遍经验或对生命的情感，因此艺术的含义就在符号形式自身，而艺术也可以称为有意味的形式，一句话形式创造了艺术。除了外在形式以外，情感也是艺术创作中重要的决定因素。情感是艺术创作的源泉，没有情感就无法创作；情感是判断构思是否“合理”的标志；情感与其他因素结合起来可以丰富艺术的表现力。但都以形象与情感的结合为最重要基质，任何审美创造都离不开这两个方面，即使是再冷静的作品，艺术家的主观判断与相应的情感也是隐减在作品中可以仔细捕捉山来的。总之，个人认为现当代的艺术创作必须在艺术家的情感、形式两者统一协调的推进中得到形成，才能使艺术获得健康和好的发展。在人类的艺术世界的召唤下，艺术家需要不断激活审美情感，努力把这种情感转化成恰当的形式，从而创造出伟大得艺术作品。

        例如中国古典音乐与西方现代音乐。西方音乐往往主客对立，往往是通过音乐来表现一个客观的事物，一个故事，一个人物，或一个画面，然后通过这个事物的本身或悲怆或滑稽或优美的特点来给人以启发和触动，影响听众的主观情绪。然而中国音乐往往旷达悠远，情景交融，主客融合，有乐曲和演奏者精神上的和合，透过乐曲自身流露的情感去感染他人

1、绘画中的形态与色彩并非不需要是真实的，而是你内心情感的再现。

2、世上没有绝望的处境，只有对处境绝望的人。

3、艺术不是技艺，它是艺术家体验了的感情的传达。

艺术与情感的关系在古代中国被广泛探讨。许多艺术家和理论家都试图通过艺术表达内心的情感和思想。以下是一些关于艺术与情感关系的中国古代理论和观点：

1 “心画派”理论：心画派”理论是南朝齐、梁间画家、绘画理论家谢赫在《古画品录》中提出的，他认为画是画家“意思”的表达，是“心画”。

2 “外师造化，中得心源”理论：这是唐代画家张璪所提出的，他认为艺术创作来源于对大自然的师法，但是艺术家内心的感悟和情感也是非常重要的，“造化”是客观自然，而“心源”则是艺术家的内心世界。

3 “气韵”理论：这是南朝齐、梁间文学理论家刘勰在《文心雕龙》中提出的，他认为“气韵”是文学作品中的一种特殊的美学品质，它既包括外在的形式美，也包括内在的情感和思想内涵。

4 “意境”理论：这是唐代诗人王昌龄在《诗格》中提出的，他认为诗歌的意境是诗人的情感和客观景物相互交融而形成的，它是一种超越具体物象的艺术境界。

5 “情感”理论：这是明代文学家李贽在《焚书》中提出的，他认为艺术是艺术家情感的表现，是艺术家内心的自然流露，艺术家应该摆脱世俗的束缚，勇敢地表达自己的情感。

以上是一些中国古代关于艺术与情感关系的理论和观点，它们都试图说明艺术是艺术家情感的表现和表达，是艺术家内心的自然流露。

在学习这门课之前，我眼中艺术家好像都是不食人间烟火、孤独地行走于世间，我时常自嘲“自己就是一个俗人，不懂艺术”，在学习这门课之后我才渐渐明白艺术家的情感要远比我们丰富、热烈，他们也是把这种情感表达的最淋漓尽致的人，他们的作品会让我们产生一些情感上的共鸣。

艺术家是一个少数人组成的群体，能够欣赏艺术作品的人也是少数。艺术是情感的依托，每一副画作、一个曲子、一段舞蹈等等都是创作人的情感，而那些传世的大作往往是情感最真实的表达。对于不懂艺术的人来说，他们看到的是作品所带来的最直接感受，令人激动、让人陶醉、令人振奋，比如一副画作，普通的作品人们会说“画得很像，就像活了一样”，对于更高深的作品，人们不会评价它的技艺有多高超，而是会说“这幅画有灵魂”，是来自创作者的灵魂。

艺术源于兴趣，是最初对于图像、声音、语言的兴趣。技艺的磨炼是艺术作品的保障，这时艺术家与工匠很像，通过不断的重复提高技艺，对自己的作品倾注心血，用一生做一件事。艺术家与工匠的不同在于，艺术家的作品是用来表达情感，工匠的作品是用于生活。不能说谁的作品更好，也无法用金钱衡量，艺术家的作品传递的是跨越时间和空间的情感。

《戴珍珠耳环的少女》展现了一个戴着蓝色和金色头巾的年轻女孩那令人难以忘怀的凝视。

这幅画会让人想象它背后的故事，**讲述了画中女孩葛丽叶和维米尔似有若无的爱情。达芬奇曾说“最崇高的乐趣在于理解的喜悦”。我想对于艺术家而言最开心的事就是理解。《戴珍珠耳环的少女》**中有这样一个片段。葛丽叶挪开了维米尔布景中的椅子，第二天，揭开外面画布，看到了他的画，她笑了。因为看到画面左边是空的，画面里的椅子，他抹掉了。后来他问她，为什么挪开了椅子，她说，像被围在中间。椅子的存在令她有不舒服的感觉，我猜。一个挪开椅子的举动默默去提示他。而他，看懂了。

弗里达的画作给人一种震撼的感觉，仿佛是来自生命最深处呐喊，无法用言语表达。弗里达对自己的画是这样解释的——“他们认为我是超现实主义画家，但我不是。我从不画梦，我画我自己的现实。”弗里达的一生可以这样概括

我们透过弗里达的作品体会到了她的痛苦，也感受到了弗里达传奇而瑰丽的一生。人生本就是路漫漫苦难相伴，但我们应该像一朵花姿态傲娇地过完一生。

绘画也是一种记录的方式。《戈雅之魂》中的戈雅像一个历史的见证者，一个面容光洁、阳光可爱、周身散发着淡淡的花香的如同天使一样的少女变成了一个面容枯槁、身体佝偻、浑身散发着恶臭的巫婆一样的妇人，一个少女的悲惨经历反映了整个国家和社会的颠沛流离。戈雅的这种旁观者记录者的姿态让我想起委拉斯凯兹的《宫娥》，好像我们才是画中的人，而画中的画师、公主、宫女、仆人都看着我们，也许在画师看来，他的画就是一个世界，而画师自己则是记录者。

尼采将艺术家定义为“患病的动物。”诚如他所言，历史上患有精神疾病的艺术家可谓如天上繁星恒河沙数。许多伟大的作品往往正是在其作者们陷入心理失常的状态下创作的——梵高自囚于疯人院时，时常痛苦自责。某天画家透过铁栅栏看见了院外的一丛蝴蝶花，生命的曼妙美感触动了他，画家迅速取出画具，在绝望与希望、痛苦与释缓间找到了微妙平衡，完成了《蓝蝴蝶花》。偏执患者封闭于自我的世界中，但这些敏感有疯狂的人们，对这种混乱的心理状态无所适从，只渴望早日逃离得到解脱，在逃避的过程中，往往抓住某种象征物作为精神寄托，如艺术、如无休止的进行强迫式研究，终有一日，谱写了绝世之作。

艺术作为人类精神的调剂品，可以慰藉人们的灵魂，平衡人们的心理，从而起到调剂精神的作用。它可以帮助人们认识自身的孤独和处境的可悲，帮助人们在痛苦中丰富自己的怜悯心，从而与其他的孤独的心灵“心心相印”。还可以启迪人类发现并享受孤寂灵魂中的诗意和诗情，把人类从过于现实功利的境界中提高出来，趋向美，并达到一种艺术境界，使得整个人的精神得到充分的调解。有多少人受过路遥的《平凡的世界》的鼓舞，在生活道路上自强不息。又有多少烦闷不安的人会听着贝多芬的《第九交响曲》，从中受到一次次灵魂的净化，一次次情操的升华，进而焕发出热爱人民、热爱生活、热爱他人、建设大同世界的无穷力量。创作这些艺术品的艺术家们就是司理人类精神调剂的精神工程师。