按感情氛围分,戏剧分为哪些类型

有悲剧、喜剧、正剧等：

悲剧最初在古希腊，是春天播种时为谢神而表演的山羊之歌，所以悲剧在希腊文中是“山羊之歌”的意思。最早的悲剧，主人公在命运支配下是无可逃脱的，常以失败和灭亡而告终。随着时代的发展变化，悲剧的概念有了根本的改变。如莎士比亚的悲剧人物则表现出理想与愿望和社会现实的矛盾是不可调和的。喜剧在古希腊，最初是秋季收获葡萄时为谢神而表演的狂欢歌舞，所以喜剧在希腊文中是“狂欢之歌”的意思。举行狂欢歌舞之时，领队者常要说些谐谑之词，引人发笑。所以喜剧的特点多以滑稽的形式来嘲笑、讽刺生活中的丑恶现象及一定人物性格中的缺点和弱点。鲁迅说，喜剧是“将那无价值的撕破给人看”。一般地说，喜剧的结局总是愉快的，圆满的。正剧则是介于悲剧和喜剧之间的类型。在戏剧文学中，正剧是大量的。社会生活在大多数情况下，并不单纯呈现为悲剧性的，或喜剧性的，而是有悲有喜，悲喜交织。它常常反映两种势力的自觉斗争，混合着悲喜成分，代表正义的一方最终取得胜利，结局是快乐的，人们就称之为正剧，或称为悲喜剧。

1、表现派是在理解角色灵魂的基础上，通过外在表现形式突显人物个性，包括道具，特定的表情，标签式的动作等等，特别走外的。比如夸张的喜剧表演，就属于表现派范畴。

表现派创作特点是通过艺术家的主观内省，运用变化、夸张、象征等手法创作题材。

2、体验派是演员必须让自己变成角色，应该在舞台上想人物所想，思人物所思，努力去进入人物，然后表现出人物的情感。效果是演谁“是”谁，要求一切必须都是绝对真实融入角色。

3、方法派是体验派的延续和补充，其核心思想还是体验派的核心。

方法派是演员在舞台上要真正的去想，情感是通过触发自身经历而爆发出来的，而不是努力的让自己的思想与角色保持一致。

也就是说并不是直接让自己进入人物去揣摩人物应有的心情，而是通过调用自身的内在情感表现爆发带回到人物，不局限在人物的机械化演绎上，由自身情感可以自然而然地引出一系列极具创造力的表现。

方法派训练出的表演以细腻、真实、凝练、饱满的情感见长。

扩展资料

我们通常说表演学派中体验派是指斯坦尼斯拉夫斯基体系，表现派是指布莱希特体系。

体验派对生活的理解、经历采用不同的表现形式将生活重现。而表现派不太注重体验本身的实质，而侧重于表现形式。

表现派认为表演重要的是找到足以深刻反映人物内心世界的外部形式，并有能力在每次演出中准确地再现这个形式，达到感动观众的效果，而不是演员自己感动。演员表演要十分冷静和理智地控制自己,不能听凭感情的驱使。

体验派的基本观点是演员不能仅凭自己的形体、声音去表演，他必须要投入自己的思想、心灵和感情。一个冷漠的、缺乏热情的人不会成为一个好演员。对演员来说，最重要的是生活的磨炼，一个饱经沧桑，生活阅历很深的，经受过生活中酸甜苦辣、喜怒哀乐种种滋味的演员，他的实际生活感受是他表演的巨大财富。

体验不是目的，不能为体验而体验。体验人物的思想感情是为了达到表演的充实、真实、有强烈的感染力，人物的内心活动最终要准确、鲜明、细致地表达出来使观众感受到。表演反对内心空虚，反对没有充实的内在感受去装腔作势地表情，这被称作“表演情绪”，但不能错误地认为只要去体验的思想感情就行了，不用注重它的表现。

人的思想感情的活动总是要通过相应的表情、动作表现出来，排练中需要逐渐把人物的地位调度、动作手势、表情变化；语气声调处理等都确定下来。应当每一次演出都具有“新鲜感”，要像第一次感受那样去感受。激起真挚、充实的内心情感进行表演。

内在情感要通过外部动作表露出来，外部动作又总是有其内心活动的依据，两者之间的关系是相互作用，紧密关联的，这还表现在不仅内在情感能激发产生相应的外部动作，而外部动作也能反过来激发产生相应的内在情感。

总之体验和表现是不可分割的同样重要的两个方面，不能只强调一面而忽视另一面，从这点来说“体现人物”这个词比较准确，它反映了表演艺术是体验和表现的结合统一。

--体验派

--方法派

--表现派

关于小孩学戏剧表演的好处，相关内容如下：

1提升自信心:

戏剧表演可以让孩子克服羞涩和内向，展示自己的才华和个性。通过角色扮演，孩子们可以在舞台上展现自己的表演技巧和创造力，得到观众的认可和鼓励，从而增强自信心。

2培养沟通能力:

在戏剧表演中，孩子需要与导演、演员和观众进行有效的沟通和合作。他们需要学会倾听别人的意见，表达自己的想法，并通过身体语言和声音传达角色的情感和意图，从而锻炼了沟通能力和表达能力。

3增强创造力:

在戏剧表演中，孩子们需要理解剧本、塑造角色，并根据导演的指导进行演出。这种过程需要他们运用想象力和创造力，发挥自己的艺术才能，同时也培养了他们独立思考和解决问题的能力。

4提高集体合作意识:

戏剧表演是一个团队合作的过程，每个人扮演着不同的角色，并相互配合完成演出。通过与其他演员、导演和工作人员合作，孩子们学会了倾听和尊重他人的意见，学会了团队合作和协调，培养了集体意识和团队精神。

5培养对艺术的欣赏与理解:

通过参与戏剧表演，孩子们将接触到不同类型的艺术作品，了解戏剧的历史、文化背景和艺术价值。他们可以欣赏并理解不同角色和故事的内涵，培养审美能力和对艺术的欣赏与理解。

6发展情感表达能力:

戏剧表演可以帮助孩子们更好地理解和表达自己的情感。演绎不同角色的情感和经历，使他们更加敏感和体验丰富。通过舞台上的表演，他们可以向观众传递情感，同时也学会了情感管理和表达。

7培养专注力与耐心:

在戏剧表演中，孩子们需要经历排练和演出的过程，这需要他们保持长时间的专注力和耐心。通过反复的排练和演出，他们能够逐渐培养出专注力和耐心，并学会迎接挑战和克服困难。

8促进身体协调与灵活性:

戏剧表演涉及到身体的动作、姿势和表情等，要求孩子们有一定的身体协调和灵活性。通过舞台上的表演，孩子们可以锻炼身体，提高身体的协调性和灵活性。

9培养审美眼光与批判思维:

参与戏剧表演可以让孩子们学会欣赏优秀的演出，培养审美眼光。同时，通过对自己和他人的演出进行观察和批评，孩子们能够培养批判思维和分析能力，提高艺术素养。

10增加社交圈子与拓展人脉:

戏剧表演是一个社交活动，孩子们可以结识新朋友，建立良好的人际关系。这些新的社交圈子和人脉可以为他们未来的发展提供更多的机会和资源。

总结：

学习戏剧表演对小孩子来说，不仅能够培养艺术素养和表演能力，还能够提升自信心、培养沟通能力、增强创造力、提高集体合作意识等。戏剧表演不仅是一种娱乐活动，更是对孩子全面发展的有益补充。

传统的戏剧是对人们生活的复刻，我们的世界每天都在和他人交往着，不断的和周边的人和物发生着关系。正如戏剧家莎士比亚在《皆大欢喜》中说的“世界是一座大舞台”，所有人男男女女不过是一些演员，他们都有下场的时候，也有上场的时候，一个人的一生要扮演着好几个角色。”由此可见表演是与生俱来的，它并没那么神秘，它来源于生活。我们每时每刻都在生活着，只不过每个人扮演的是不同的社会角色，展现的地方也并非戏剧舞台。但是丰厚的生活经验可以为专业的表演提供坚实的后盾，从而进行再创作。

戏剧艺术的表演要求，首当其冲的就是我们对演员的基本要求的“七力”和“四感”。观察力、注意力、想象力、感受力、思考力、适应力、表现力以及真实感、形象感、幽默感和节奏感。

其次，就是戏剧和影视剧的一些不同之处。

话剧演员是在虚拟的舞台和规定的情景内进行表演创作，这就要求话剧演员的创作在假定的舞台上要有很强的信念感，要相信自己所在假定的环境中，并真实的去感受舞台上的一切。

戏剧演员是在舞台上，要用自己的全身行动去表演，完全要融入到规定情景中，和影视的区别是，当站在话剧舞台上时，因为演员距离观众有一定的距离所以很多面部表情和细小的动作看的不是很清楚，所以在话剧舞台上必须要放大这些细小的动作，才能使观众感受到演员所要传达的东西。

戏剧表演的生活化并非是要用生活去代替表演，再现一切生活内容，它是以生活原型为基础，经过选择、提炼，再现生活中的人物性格的艺术，展现手法要相对夸张一点。

时空局限是戏剧艺术的特点，在正式演出时，一旦开始就不会停下，直到演出结束为止，从而也就造成了戏剧的连续性。

戏剧演员在舞台上进行创作，注重的是外部整体感，因为舞台是固定的，要根据场景的假定性来使观众相信。戏剧演员在台上分析调度、空间结构，让舞台愈加真实。因此戏剧演员更注重的是舞台整体，而不是个体。

1演员的表演艺术是戏剧演出的核心；2戏剧表演时戏剧演员必须亲自上场表演，身体力行，以展示戏剧表演；3表演者必须以情感人，表演者需要动情，以感动观众。 扩展资料 戏剧表演与影视表演的区别：1两者对于演员的要求不同，戏剧表演需要演员根据特定的`时间和剧情发展来塑造人物，影视演员则是以自身为载体，让自己变成剧本中的人物；2审美意识上的差异，戏剧表演的表现相对更夸张，更真实，影视剧的拍摄角度多变，可以经过后期加工。

。“表现派”是将演员的“真我”和角色的“假我”适当地贴近，又恰如其分地分开，强调形体动作的表现力和形式美感，其创作过程是着力于外、回归于内的表现过程。“体验派”则强调演员内心情感的深刻体验，将演员的“真我”和角色的“假我”融为一体，表演创作过程是发自于内、形诸于外的体验过程。戏剧表演的情感符号，不论属于体验派还是表现派最终都要求创造舞台的时空幻觉。我听说过一个有关戏剧表演的故事，说是欧洲某国的一位演员，技艺高超，不论扮演什么人都惟妙惟肖、形神兼备，常常让观众人戏而不可自拔。有一次，他在某剧中演一坏人，真是让观众恨得咬牙切齿，最后大家竟蜂拥而上，将这位演员活活地打死在舞台上。若干年后，意大利著名演员萨尔维尼为这位演员立碑，题日:“天下最杰出之演员”。这就是最典型的体验派创作人员。

京剧作为融合艺术场景、形态美学、艺术形象、舞台表达机制于一体的综合性艺术，在丰富我国艺术文化，发扬民族精神方面发挥着重要的作用。而打击乐作为统筹舞台场景因素的核心机制，在塑造人物舞台人物形象、描绘舞台场景方面发挥着重要的作用。详细探究京剧打击乐中所具有的艺术情感，对提升京剧人物角色的舞台表现力、升华舞台情感有着积极意义。鉴于此，本文就京剧打击乐中的情感展开详细分析，并提出具体的研究思路，以供广大读者借鉴。

关键词：京剧打击乐 艺术情感 舞台场景 问题研究

中图分类号：J61713 文献标识码：A 文章编号：1008-3359（2018）04-0127-02

京剧艺术是我国的国粹，是民族文化宝库中特有的艺术表达机制，有着独特的魅力。就京剧的舞台表现形式而言，其音乐表达机制单一，只能通过特定的乐器表达出固定的音色，很多场景中缺乏旋律的变化。值得注意的是，声音作为一种独特的信息传播媒介，它所承载的内容是丰富且多样的，有着不同的情感内涵。对于京剧而言，强烈突出的混声效果有着极强的场景塑造力和情感表达能力，突出且明显的音色能突出京剧的艺术场景，丰富舞台形象。

一、京剧打击乐的种类及内容

京剧打击乐器是伴随京剧艺术而产生的演奏乐器，具有独特的演奏效果，以鼓板、大锣、铙钹、小锣四大件乐器为主，有三种配置方式，按照作用的不同可以分为：大锣作为主要乐器，小锣为辅，或者是铙钹为主，小锣为辅。还有另一种配置方式是以单击小锣为主。由于每种打击乐器的功能不同，所以每个打击乐器的演奏方式各具特点。大锣的音色浑厚、无节奏感，有下滑音响改变固定音高点的特点，小锣的演奏方式与其相反，为功能倒置，铙钹为不同音高的平行音响特点。这四种乐器有机的结合起来，有着突出的混音效果，而京剧表演中又常常以混音表达为主，就使得京剧有着不同的表达方式，每个剧目中都有着独特的乐器演奏方法。此外，京剧艺术讲究唱、念、做、打融汇一体，打击乐一方面满足京剧的艺术场景塑造，一方面与演唱融合一体，突出的混声效果再辅助以完善的唱功，京剧场景被塑造得完美无缺。就四大打击乐器而言，这里所讲的只是其基本职能及作用，由于京剧有着多种艺术流派，所以京剧艺术体系下还有着大量的延伸乐器。就四大件来讲，它们的延伸乐器还有很多，由于功能、属性不同，在京剧表演中所发挥的作用也有所差异，如水钹、大钹、齐钹、小锅、木鱼、广东板等。值得注意的是，虽然打击乐器的表现方式千差万别，但是在京剧表演中都具有传统的功能特征，它们都是以丰富京剧表演机制为核心的功能器具。

二、京剧打击乐独特的情感体现

在舞台表演中，京剧打击乐在场景塑造中有着独特的情感体现。京剧打击乐被广泛应用到京剧的舞台表演中，不同场景下，京剧剧目中所运用到的打击乐器也是不同的。很多现代京剧为了表达出强大的气场及主角人物悍不畏死、不怕牺牲的性格特征，经常用打击乐来渲染氛围，这在著名京剧《智取威虎山》和《红灯记》中都有着广泛的体现。对于一些历史题材类的京剧曲目而言，加入打击乐元素是为了更好的烘托氛围，表达情感。京剧与其他戏剧艺术有着本质的不同，清脆的曲调和分明的节奏感可以更好体现出京剧艺术独特魅力。打击乐的运用是为了增强京剧艺术的情感和现场表达能力，能更好引起观众的情感共鸣。伴随着武打场景的出现，为了生动形象地体现出武打动作，对音效有着特殊的要求，打击乐配合着京剧演员的程式动作，舞台场景不再单调，而是更具有连贯性和丰富的内容，再辅助以打击乐较强的穿透力，整个场景极具艺术之感。打击乐是京剧艺术的灵魂，是支撑整体舞台场景的情感框架，打击乐真正将舞台场景与角色形象联系在了一起，在不断强化舞台场景形象的同时，增强人物角色的表达魅力。作为京剧艺术体系中最为独特的表现机制，打击乐让京剧艺术具有了生命特征，给戏词带来了丰富的情感内涵。在舞台上，打击乐能有效调节演员的表演方式，使演员的动作发生变化，突出整个舞台场景魅力。通过对一部京剧的主题思想分析，打击乐始终是京剧艺术中的一条主线，贯穿在整个表演机制中，结合舞台场景塑造的需要，以独特的音乐旋律突出全场的主题思想，让舞台角色形象活灵活现展现在观众面前，引起观众无限遐想。

三、打击乐在京剧表演中的情感装饰作用

在京剧舞表演中，打击乐贯穿着整个舞台表演，始终是舞台表演的情感脉络，打击乐器主要通过音响力度和频率变化对舞台场景进行深入刻画和描述，起到对氛围、矛盾、表演形式的渲染。京剧中的打击乐器是京剧音乐的纽带，打击乐器共同协作能够塑造整体的舞台表演场景，让京剧舞台场景更具艺术化魅力。在京剧表演中，打击乐器不仅可以展现人物的内心独白，还能够连同舞台表演中的舞蹈、唱腔、念白将舞台形象描绘出来。在很多舞台场景中，京剧打击乐器有着独特的作用，能够有效塑造舞台，长久烘托氛围，让舞台表演循序渐进，引导演员进行肢体语言表述，让舞台场景更加形象生动。

（一）强化舞台乐曲节奏

京剧舞台表演中应用了众多打击乐器，其中锣鼓等乐器的应用，不仅强化了整体的艺术氛围，而且升华了舞台场景，让表演更具和谐美感。一般而言，京剧舞台剧目表演中，不管是从结构上，还是节奏上都具有鲜明特点，舞台表演将具有弹性的节奏贯穿始终，以特殊的情感化表现手段增加打击乐的强度，表明对未来生活的向往。伴随强有力的节奏，人们对京剧艺术往往能够形成直接的审美意识，对于舞台氛围也有着较深刻的体会，这样有助于受众更一步加深对京剧艺术的了解，完善自己的审美认知。

（二）完善艺术表达机制

京剧在舞台表演中仅通过小锣和鼓在不同速度、不同力度的表现，就能将各种人物形象有机的表现出来，这种打击乐器的使用，让艺术机制更加完善。结合不同打击乐器的组合，能够展现人物的内心活动，通过人物的内心节奏和听觉节奏的协调统一，实现视觉传神，能够不断强化舞台场景，让舞台角色人物的内心情感与舞台场景相互统一，以引起观众的情感共鸣。

（三）贯穿整个舞台场景

京剧舞台表演中，必定会有锣鼓进行开场，这种节奏鲜明的开场方式，为整体演出奠定了有力基础，开场运用打击乐器，可以更好地将观众带入到常用氛围中，能够让观众以热烈的心态观看演出。除此之外，针对不同角色形象的出场，往往也需要进行鼓点渲染。鼓点可以有效表明出场人物的身份、地位及作用，能够强化人物的性格特征，让观众一目了然了解人物的等级。鼓在京剧艺术体系起到完整的指导作用，它贯穿于整个舞台表演场景的始终，配合舞台场景的转换，以鼓点为标志突出塑造。可以说打击乐塑造整个京剧表演场景，能够强化整个表演特效，在紧扣心弦之余还能使观众产生情感共鸣，让剧中的人物角色得到淋漓尽致的展现。

四、京剧打击乐中的音乐情感

情感是整个京剧打击乐体系的重要组成部分，是表达京剧打击乐的重要方式，在京剧舞台表演中，情感与京剧打击乐相辅相成，互相联系，二者对于舞台场景和人物角色的刻画有着重要的作用。打击乐联系了舞台角色与舞台场景，让人物形象借助舞台场景，用肢体语言来表述自身性格特征和心理活动。而情感正是打击乐借助舞台场景反馈给观众的环境信息，这种环境信息并非特定的艺术化情感，而是出于舞台场景塑造需要以及人物角色刻画所形成的音乐情感。这种音乐情感在京剧表演中，唯有京剧打击乐可以淋漓尽致的体现出来。因此在现代京剧表演中，为了有效塑造舞台场景，表演者就要将京剧作品的艺术魅力及人文内涵有效的表达出来。京剧打击乐就要注重情感的体现，要将舞台角色形象与舞台场景联系在一起，借助舞台场景，突出角色形象，既要将情感融入到演员的肢体语言中，也要借助音乐语言反馈给听众，架起演员与观众沟通的桥梁，让观众更好的接受京剧的艺术信息，对京剧形成完善的审美认知。

综上所述，京剧艺术中的打击乐是京剧艺术的重要表现方式，是突出京剧艺术的人文内涵和艺术情感的桥梁和媒介。在现代京剧舞台场景塑造中，为了有效突出舞台场景角色，烘托场景氛围就要注重京剧打击乐的情感体现。京剧打击乐的情感是联系观众与演员之间的桥梁和纽带，是输出情感、文化的主要媒介，只有借助京剧打击乐烘托出艺术场景，将情感贯穿整个表演机制，才能将舞台场景形象生动的展现在观众面前，引起观众的情感共鸣