首先,素描是客观的绘画,不同于色彩,所以主观表现力有限,表达情感就更难。其次,如果是静物素描,谈不上什么情感表达,只要客观表现静物的三维空间和各自的质感,调整好大的黑白灰关系就可以了。如果是头像素描,则很注重所画人物的情感表现,眉、眼、嘴是五官中表情的集中体现,画准这几个地方,模特的表情就能得到好的表现。至于你说的线条排列,那是笔法,只能产生不同的绘画效果,或者说是属于绘画语言的范畴,情感表达与线条排列的如何,似乎没有太大的关系。
刚开始学时(至少在中国)基本没有感情可言开始的基础是枯燥的但当你掌握了绘画的技巧灵活使用时 就到了表达感情了 也就是所谓的创作
创作是把你看到的,想到的,结合起来,你的感情就是你的生活,你每天所看到的,每天所想的
创作需要灵感,但所谓的灵感也只不过是大师没在故弄玄虚的一个带名词 ,灵感的出现就是借物联想
绘画跟其他艺术门类比,说难很难说简单也就简单
他完全是抽象的用言语叙述永远都不能充分,绘画不像是音乐,它有谱看,有章可寻,你可以听这个音乐好不好听,但一副画就不能了,一定回有欣赏他的伯乐
绘画中,造型性和艺术性哪个更重要
那就要看你喜欢是什么类型了, 造型主要是写实
艺术感则是抽象 但这并不是说绝对的
两点应该说都很重要,写实里也一定要有艺术性的
抽象也一样
水彩画创作不只是某种景物的复制,还是作画者情感世界表达的一种特别方式,每一幅水彩画作品中都包含作画者的情感,每一件艺术品背后都带有作画者心灵以及美与情感的交融。随着水彩画的不断融合、借鉴、继承,在发展过程中,越来越多的人开始重视水彩画中的情感表达,与之相关的研究越来越广泛,足以说明水彩画中注入情感的重要性。
(一)取景
水彩画创作的第一步,便是选择景物,所以在绘画之前,作画者应当确定入画的景物,并重点凸显景物的光色与景物的内容。景物的不同以及景物观察角度的不同,会给人带来不同的感受,在操作过程中,作画者通常会将主观喜好和感受融入其中[7]。作画者确定好入画的景物后,便可以进入取景环节,与选景相比,取景更侧重于景物的“看”,需要作画者对景物展开与之相关的判断与观察。取景大致可以分为三类,即局部、纵向与横向,局部取景主要注重以小见大;纵向取景主要注重高远;横向取景主要注重开阔性。
(二)观察
不同的景物、建筑物在水彩画中发挥的作用是不尽相同的,比如作画者选择的绘画主体为自然风景,那么就需要突出景物的特点,而建筑物只是作为辅助作用的存在;如果选择建筑物作为绘画主体,那么就需要让自然环境起到辅助作用。在对自然风景进行水彩画创作时,作画者可以将天空、云朵、山峰、水流作为创作重点,同时也能够将意境与气韵表现出来。
为了更好地体现水彩画主题,作画者必须认真观察入画的建筑物或者景物,首先在内心要产生一个整体的印象与感受,在观察的过程中,还需要善于发现感动点。在总体印象与感受形成方面,不管是春天里的草长莺飞,还是湖边的湖光水色,抑或者是山川河流、鸟语花香,作画者都能将其作为切入点传达自己的情感世界,使得客观景色与主观情感完美地融合在一起。在这个过程中,作画者感受到的融合创作灵感与感受都能够为水彩画的情感世界表达奠定基础,而作画者在这个感受与观察的过程中,能够逐步对水彩画创作形成整体的印象与感受。在发现感动点方面,作画者不需要将看到的景物都表现出来,需要对所选景物进行取舍,同时做到有抑有扬。
拉斐尔的圣母像被艺术评论家们誉为“真正是不朽的作品”、“是对人类的想像力的创造”,在世界绘画史上享有盛名。在他一生中,所画的圣母画像不下42幅。这些“圣母像”已不再是中世纪绘画艺术所表现的消瘦、痛苦、呆板之模样,也不像威尼斯画派笔下那种放荡、轻浮、随便之极端,而是显出恬静、安宁、慈祥、贤淑、秀美的神态,既能给人以美的感受和遐想,又能使人油然而生崇敬之情。
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