艺术歌曲的特征

艺术歌曲的结构特征大致可概括为以下几个方面：

一、歌词的选择

艺术歌曲的形成，首先是歌词的选择，而歌词通常要通过选用著名的诗篇和专业的歌词创作两个途径来完成。

1、选用著名的诗篇

在中外艺术歌曲的书库中我们不难看到，早期的歌曲（可称其为较古典的歌曲）在歌词的选用上，基本上是以大文豪和著名诗人的诗篇为主。外国的艺术歌曲主要以歌德、海涅、缪勒、莎士比亚、席勒、普希金、托尔斯泰、雨果等的优秀诗篇作为首选，如：歌德的《跳蚤之歌》、海涅的《我不怨你》、缪勒的《春之梦》、莎士比亚的《谁是西尔维亚》、普希金的《我记得那美妙的瞬间》等等。中国早期的艺术歌曲则主要以李白、杜甫、白居易、苏轼、王维等的诗篇作为首选，如：李白的《送友人》、《春夜洛城闻笛》、王维的《阳光三叠》、苏轼的《江城子记梦》、《大江东去》等。这些诗篇首先是一些优秀的作品，同时又适合谱写音乐，符合歌曲中对句尾的韵母、音节的规律、声调的变化等要求，具有音乐的逻辑性，在尚未谱曲的朗读之中，已经有了音调高低的明显感觉，从读到唱的过渡显然是很自然的。所以说，歌词应当是一篇优秀的诗词，但优秀的诗词却不一定能够成为歌词，因为歌词是要具备音乐规律的特殊要求的。

2、专业的歌词创作

随着艺术歌曲创作的不断发展，在歌词的选择上也要求更加丰富多彩，更贴近现实生活和更具有时代感，需要直接和更加形象地反映人民群众的生活、时代的变迁和社会的发展。因此，随之涌现出了乔羽、陈克正、瞿琮、郑南、晓光、柯岩、韩伟、任志萍等大批的专业歌词作家，并创办了专供词作者发表和刊登歌词的《词刊》。专业歌词写作队伍的加强，必然会产生大量优秀的歌词名篇以充实艺术歌曲的创作。目前声乐教学仍在选用、音乐会上仍在演唱的优秀艺术歌曲，如《回延安》、《我爱五指山，我爱万泉河》、《祝酒歌》、《多情的土地》和《夕阳红》等，都是出自于这些优秀的词作家之手。这些优秀的歌词在结构上更符合音乐的规律，压韵上口，易于歌唱。与早期选用的歌词所不同的是：专业歌词创作的目的和方向更明确，歌词写作更加专业化和职业化。

二、歌谱的创作

艺术歌曲在旋律的写作上始终要求着力于揭示歌词的深刻涵义。歌词是文学语言，直接而形象，其本身就可以传递信息和表达情怀。而歌谱是音乐语言，间接而抽象，没有文字的描述和注释，很难直接表现其优美旋律中所包含的内在情思。因此，对于曲作者来说，除要具备良好扎实的专业理论知识外，还必须具备较高较好的文化与文学理论知识；在为歌词谱写旋律之前，还必须很好地研究和理解词意，甚至于去捕捉或体验歌词所描写的生活场景和意境。有了深刻的认识，自然会写出好的音乐来。

歌曲是文学语言与音乐语言的结合体，二者相互依赖缺一不可。好的曲作者要寻找好的歌词来谱曲，著名的作曲家也自然要与著名的词作家合作以谱写出最美的乐章。歌曲《送上我心头的思念》是词作家柯岩与作曲家施光南合作写成的；《那就是我》是词作家晓光与作曲家谷建芬合作写成的；《帕米尔，我的家乡多么美》是词作家瞿琮与作曲家郑秋枫合作写成的等等。正所谓：好词配好曲，最后必将成为优秀的精品。一首优秀的艺术歌曲，其歌词与歌谱的搭配是精妙绝伦的，歌词所蕴藏的深刻含意，似乎必须用这种婉转流畅、起伏跌宕、优美细腻的音乐旋律来表现，才能显得更加生动和感人。

三、歌曲的伴奏

艺术歌曲的伴奏，通常是选用钢琴来做为伴奏乐器的。由于演出的需要，有时也会选用管弦乐队来伴奏，但管弦乐器用得较少，而且在伴奏时音量需要有所控制，因为艺术歌曲的演唱场地一般是在室内或是专用的音乐厅里，在舞台上演唱时是不用话筒扩音的。这种表现形式近似于室内乐，属于高贵典雅的“贵族音乐”。

艺术歌曲的伴奏通常包括写伴奏和弹伴奏两个部分。

（1）写伴奏

我们知道，艺术歌曲源自于欧洲，其旋律的写作是用五线谱来记录音的节奏和高低长短及强弱的规律的。它不同于简谱歌曲在创作时仅写一行歌谱就可以了。五线谱歌曲创作，除要写出歌曲的音乐旋律之外，更主要的还要写出歌曲的伴奏部分，因为五线谱歌曲的结构是由歌词、歌谱、伴奏谱三部分组成的，三者是缺一不可的。那么，要写好伴奏，必须首先要熟知钢琴的演奏技法，同时还要明确钢琴伴奏在“三者”中所扮演的角色和所起的作用，这样才能做到表现适中和恰到好处。

钢琴伴奏是为歌唱服务的，是“配角”，起着美化、烘托与修饰歌唱的作用。从伴奏谱的结构上看，大致又可分为钢琴伴奏和钢琴演奏两个部分。钢琴演奏部分包括前奏、间奏和尾奏。这一部分的写作是可以较多地突出一些钢琴的演奏技巧与特色的，尤其是前奏的写作可写得华丽、饱满、坚实，更具有歌曲的引子和开场先导的作用。如歌曲《日月之恋》、《太阳的儿子》、《祖国，永在我心中》等的前奏就写得非常优秀和成功。钢琴伴奏部分主要是对歌唱起到一个节奏与音准的规范和修饰的作用。在结构上多采用柱型和弦与分解和弦并用的手法，音量、速度和力度的大小，是随着歌唱的需要而起变化的，更具有跟进、陪衬和烘托之感。

（2）弹伴奏

钢琴伴奏是伴奏者与歌唱者二者合作共同完成歌曲演唱的一个过程。作为伴奏者来讲，怎样才能成为一名优秀的钢琴伴奏，首先必须明确钢琴伴奏在整个歌曲演唱过程中的定位和所起的作用，懂得歌曲演唱的基本规律和钢琴伴奏在弹伴奏中如何与歌曲演唱协调配合的基本原理。其次必须具备较好的钢琴演奏基础和基本功，必须掌握在伴奏过程中如何渲染气氛和如何激发歌唱者激情的能力。只有不断努力，坚持实践，完全投入到钢琴伴奏的氛围之中，才能逐渐成为一名优秀的弹伴奏的钢琴手。当然，在弹伴奏的过程中，也常会出现一些不良的现象，比如一些缺乏经验、虽掌握了钢琴的演奏技法、但却喜欢突出自己的钢琴手，在弹伴奏时常常控制不了强烈的表现欲望，像独奏一样音量过大，完全压住了歌唱的声音；节奏呆板，速度自由，毫不顾及演唱者是否能够接受，搞不清是在伴奏，还是在独奏，其结果完全破坏了音乐的完整性和艺术性。因此，钢琴伴奏者必须在不断提高自己业务水平的基础上，加强对歌曲伴奏的意识。一个好的钢琴伴奏，同时也应该是一个好的声乐鉴赏者。只有将钢琴伴奏与歌曲演唱完全融汇在一起的时候，弹伴奏的技巧与能力才能达到炉火纯青的境界。

总之，艺术歌曲的表现力是极其丰富多彩的，它是诗歌与音乐的结合体，它能给人以启迪，给人以灵感，给人美妙动听和至高无尚的艺术享受。

　　［摘 要］当前我国大力推行高校教学改革，其中，声乐教学朝着表演教学发展。高校的声乐表演教学，需要改变传统的教学观念，从教学内容、教学模式、教学结构上进行综合改革。　　［关键词］高校声乐 表演教学 改进方法

我国高校声乐教学在不断地进行探索和改革。新教学大纲的颁布，对高校的声乐教学提出了更高的要求，要以学生的全面发展为出发点，让学生们喜欢上音乐课，让学生更好地去理解歌曲，学会歌曲。

一、高校声乐表演教学的意义

1、完成声乐教学大纲要求

2007年发布的新课标，要求高校深化教学内容，完成与社会发展相吻合的课程，注重实践环节。高校的声乐表演就是根据教学大纲采取的改革探索，期望通过这种综合的教学训练方法，在实践中提高学生的社会竞争力，提高学生的综合素质。高校声乐表演教学，既与学校培养学生的总目标相吻合，也满足了教学大纲对音乐人才的要求。

2、满足社会对综合人才的需求

企事业单位要求任聘人员具有综合性的素质，不仅能完成岗位职责范围内的工作，还要在日后的工作中进行多层次的文艺表演。声乐表演是文艺表演的重要形式，企事业单位多希望任聘人员掌握多种演唱方法，能够演唱红色经典歌曲、国外高雅歌曲、民族歌曲等多种声乐作品。这就需要教师对学生的表演活动进行指导说明，根据新声乐课标的要求，开展主持人比赛、歌手比赛等活动。

二、完善高校声乐表演教学的方法

1、采用“一对多”的声乐表演教学模式

在传统的音乐教学中，学生只是被动地接受老师传授的音乐知识。学生只能跟着老师唱，没有自己发挥的余地，时间一长，就会对音乐课失去应有的兴趣和快乐。要知道音乐是人们表达情感的艺术，音乐教师需要营造一个让学生自由发挥的氛围，激发学生对音乐的表现欲，让学生喜欢上表演唱歌。通常采用“一对多”的声乐表演教学模式，即传统的教学模式，它通过老师和学生共同演唱艺术歌曲、民族歌曲等，加上二重唱歌曲实现音乐教学。在“一对多”的声乐教学模式中，要求同学和老师一起对歌曲进行分析点评，通过学生观察老师的唱歌状态、动作姿势，给自己的唱歌情况提供借鉴。音乐老师还需对学生的市场化表演成绩进行及时点评，使学生可以应对综合性的社会化音乐表演。

2、通过多种曲目练习表演歌唱

量变引起质变，就是说事物质变的发展过程，都需要经过一定量变的积累。高校的声乐表演教学，需要对曲目进行量化，通过歌曲量的积累，使学生接触多种音乐风格，掌握多种歌唱方法，为以后的高难度音乐学习打下坚固的基础。练习时可以选择一些学生熟悉的、好听的歌曲来进行，并注意手势、眼神上的表演。例如，学习《托斯卡》、《我爱你，中国》、《海上女民兵》、《日月之恋》等曲目时，要求学生结合手势进行声情并茂的演唱。音乐教师可以在每学期对每个学生安排 教学计划 ，内容包括选定的歌曲名目和数量，教学计划要根据实际教学情况进行适当调整。对大一、大二的学生要求进行6-8首歌曲的表演演唱，对于大三、大四的学生要求进行8-12首歌曲的表演演唱。只有数量上有了保证，才能使学生表演歌唱能力得到提高。

3、对学生因材施教

高校声乐表演分层教学，可以根据个体的歌唱水平、能力把学生分成不同的小组，然后对不同的小组进行不同的教学。这种声乐表演分层教学，可以很好地节约教师资源，又加强了学生对音乐基础理论知识的学习，为学生以后的音乐学习打下坚固的基础。教师还可以对音乐成绩比较优秀的学生进行特别技能培养，提高学生的音乐表演能力。学生的个性得到张扬，思维得到解放，使不同学生的创新能力以及实践能力都能获得很大提高。

4、对声曲的练习

在高校的声乐表演教学中，声曲的练习可以有效巩固学生的声乐表演基础。声曲的练习内容主要有：纯元音、音节、带词练声曲以及音名。高校音乐教师对学生进行声曲练习，需要知道声曲练习的目的和要求，根据学生的不同资质加以培养，这样才能使声曲练习达到预期的教学效果。声曲的练习需要由浅显到深奥。可以从三度音阶开始练习，然后慢慢地增加到五度音程、八度音程的连音。对于大二、大三、大四的学生，可以选择一些技巧难度大的歌曲练声曲，例如《西贝尔》、《瓦卡依》、《阿勃特》、《帕诺夫卡》等。还可以学习一些歌曲的引子部分进行练声曲练习。通过这种表演练习，可以使学生的声曲表演歌唱能力得到很大提升。

5、完善表演教学评估机制

高校声乐表演教学的评估需要根据声乐教学的总目标，科学地、客观地评估声乐表演教学效果。声乐表演教学的评价是教学活动中的一个重要环节。表演教学，需要建立综合的评估体系，把不同的教学内容、不同的教学目标都纳入到评估体系中，综合评估学生的专业能力。不仅对声乐表演能力进行评估，还需要对声乐表演教学进行跟踪评估，达到及时了解教学活动，及时进行教学活动调节指导的目的。

三、结语

高校音乐教师可以根据相应的歌曲内容和旋律启发学生的律动表演，让学生的情感通过表演表现出来。在实践教学过程中，教师要不断总结，改革，创新，从声乐表演教学的内容方面要求学生进行声曲练习，从声乐表演教学的模式方面摒弃落后的教学模式，采用“一对多”的声乐表演教学模式，对学生因材施教，建立和完善表演教学评估机制，更好地激发出学生的音乐潜力，使之成为具有创新精神，又具有声乐表演能力的复合型人才。责任编辑：尹雨

参考文献：

[1]程虹学习声乐演唱应解决的几个问题[J]安徽文学(下半月),2008(07)

[2]丁一凡浅析“中国唱法”提出的合理性[J]安徽文学(下半月),2009(11)

[3]李婧,李强浅谈歌剧《唐璜》中二重唱《让我们携手同行》中女中音的声音处理[J]安徽文学(下半月),2010(12)

　　艺术歌曲是声乐艺术大家庭中的一颗璀璨的明珠。它属于创作歌曲的一种，但同时又不属于通俗歌曲、民族歌曲（特指带有浓郁民族风格的创作歌曲，如人们所熟悉的《在希望的田野上》、《辣妹子》、《好日子》等）、儿童歌曲，以及歌剧中的选曲等其它类型的创作歌曲。因发源且产生于欧洲，在演唱方法的运用上，艺术歌曲是唯一要求用西洋美声发声方法来进行演唱的一种特定的歌曲体裁。当然，西洋歌剧选曲也是用美声发声方法来演唱的，但中国民族风格的歌剧（如《刘胡兰》、《小二黑结婚》等）是用民族发声方法来演唱。从作品的创作到曲目的演唱规格要求来看，中外艺术歌曲基本是保持一致的，即用同一种发声方法来演唱不同国家和地区的优秀艺术歌曲。

艺术歌曲在音乐的风格上与歌剧选曲又形成了鲜明的对比。一般来说，歌剧咏叹调阳刚高亢，节奏与力度的变化较大，对比性也较强。而艺术歌曲则阴柔抒情，如同诗歌一样细腻而舒缓，是用歌曲来表达情感的诗歌朗诵形式。

艺术歌曲起源于19世纪的欧洲，著名的作曲家有欧洲浪漫主义初期的舒伯特、舒曼等。舒伯特被誉为欧洲的“歌曲之王”，一生中写下了六百多首脍炙人口的精美作品，全部包括在他的两部声乐套曲《美丽的磨坊女》和《冬之旅》，以及《天鹅之死》之中，代表作品有《菩提树》、《小夜曲》、《魔王》等。

中国的艺术歌曲产生于20世纪初的二、三十年代。当时有一批有志青年出国留学，掌握了西洋作曲的创作手法，尝试并创作了大量的具有中国特色与风格的西洋大小调式的艺术歌曲，如黄自的《玫瑰三愿》、青主的《我住长江头》、赵元任的《教我如何不想他》等。这些作品堪称为经典之作，在创作手法与演唱技巧的难度上都是极高的，一直被各大音乐院校的声乐专业作为教学的教材来使用。同时，这些艺术歌曲又是音乐会上歌唱家们必唱的曲目。在声乐界，甚至以演唱这些作品的完美程度，来衡量一个歌手的歌唱水准。

新中国诞生以后，尤其是改革开放这二十多年的蓬勃发展，涌现出了一大批优秀的作曲家和优秀的声乐作品，如：陆在易的《祖国，慈祥的母亲》、郑秋枫的《我爱你，中国》、徐沛东的《乡音、乡情》和已故的作曲家施光南的《我的祖国，妈妈》等。这些艺术歌曲的特点是：旋律优美、音乐的线条流畅、词曲贴切，极富欣赏性，是提高人们鉴赏水平的高雅艺术的一个组成部分。

艺术歌曲这种体裁形式，在中国近一个世纪的发展，拥有了辉煌的成就，无论从曲目的数量上，还是从作品的风格上都是丰富硕大和绚丽多彩的。在长期的音乐实践中，人们赋予了艺术歌曲特殊的涵义，这是由艺术歌曲本身的结构特征所决定的。

艺术歌曲的结构特征大致可概括为以下几个方面：

一、歌词的选择

艺术歌曲的形成，首先是歌词的选择，而歌词通常要通过选用著名的诗篇和专业的歌词创作两个途径来完成。

1、选用著名的诗篇

在中外艺术歌曲的书库中我们不难看到，早期的歌曲（可称其为较古典的歌曲）在歌词的选用上，基本上是以大文豪和著名诗人的诗篇为主。外国的艺术歌曲主要以歌德、海涅、缪勒、莎士比亚、席勒、普希金、托尔斯泰、雨果等的优秀诗篇作为首选，如：歌德的《跳蚤之歌》、海涅的《我不怨你》、缪勒的《春之梦》、莎士比亚的《谁是西尔维亚》、普希金的《我记得那美妙的瞬间》等等。中国早期的艺术歌曲则主要以李白、杜甫、白居易、苏轼、王维等的诗篇作为首选，如：李白的《送友人》、《春夜洛城闻笛》、王维的《阳光三叠》、苏轼的《江城子记梦》、《大江东去》等。这些诗篇首先是一些优秀的作品，同时又适合谱写音乐，符合歌曲中对句尾的韵母、音节的规律、声调的变化等要求，具有音乐的逻辑性，在尚未谱曲的朗读之中，已经有了音调高低的明显感觉，从读到唱的过渡显然是很自然的。所以说，歌词应当是一篇优秀的诗词，但优秀的诗词却不一定能够成为歌词，因为歌词是要具备音乐规律的特殊要求的。

2、专业的歌词创作

随着艺术歌曲创作的不断发展，在歌词的选择上也要求更加丰富多彩，更贴近现实生活和更具有时代感，需要直接和更加形象地反映人民群众的生活、时代的变迁和社会的发展。因此，随之涌现出了乔羽、陈克正、瞿琮、郑南、晓光、柯岩、韩伟、任志萍等大批的专业歌词作家，并创办了专供词作者发表和刊登歌词的《词刊》。专业歌词写作队伍的加强，必然会产生大量优秀的歌词名篇以充实艺术歌曲的创作。目前声乐教学仍在选用、音乐会上仍在演唱的优秀艺术歌曲，如《回延安》、《我爱五指山，我爱万泉河》、《祝酒歌》、《多情的土地》和《夕阳红》等，都是出自于这些优秀的词作家之手。这些优秀的歌词在结构上更符合音乐的规律，压韵上口，易于歌唱。与早期选用的歌词所不同的是：专业歌词创作的目的和方向更明确，歌词写作更加专业化和职业化。

二、歌谱的创作

艺术歌曲在旋律的写作上始终要求着力于揭示歌词的深刻涵义。歌词是文学语言，直接而形象，其本身就可以传递信息和表达情怀。而歌谱是音乐语言，间接而抽象，没有文字的描述和注释，很难直接表现其优美旋律中所包含的内在情思。因此，对于曲作者来说，除要具备良好扎实的专业理论知识外，还必须具备较高较好的文化与文学理论知识；在为歌词谱写旋律之前，还必须很好地研究和理解词意，甚至于去捕捉或体验歌词所描写的生活场景和意境。有了深刻的认识，自然会写出好的音乐来。

歌曲是文学语言与音乐语言的结合体，二者相互依赖缺一不可。好的曲作者要寻找好的歌词来谱曲，著名的作曲家也自然要与著名的词作家合作以谱写出最美的乐章。歌曲《送上我心头的思念》是词作家柯岩与作曲家施光南合作写成的；《那就是我》是词作家晓光与作曲家谷建芬合作写成的；《帕米尔，我的家乡多么美》是词作家瞿琮与作曲家郑秋枫合作写成的等等。正所谓：好词配好曲，最后必将成为优秀的精品。一首优秀的艺术歌曲，其歌词与歌谱的搭配是精妙绝伦的，歌词所蕴藏的深刻含意，似乎必须用这种婉转流畅、起伏跌宕、优美细腻的音乐旋律来表现，才能显得更加生动和感人。

三、歌曲的伴奏

艺术歌曲的伴奏，通常是选用钢琴来做为伴奏乐器的。由于演出的需要，有时也会选用管弦乐队来伴奏，但管弦乐器用得较少，而且在伴奏时音量需要有所控制，因为艺术歌曲的演唱场地一般是在室内或是专用的音乐厅里，在舞台上演唱时是不用话筒扩音的。这种表现形式近似于室内乐，属于高贵典雅的“贵族音乐”。

艺术歌曲的伴奏通常包括写伴奏和弹伴奏两个部分。

（1）写伴奏

我们知道，艺术歌曲源自于欧洲，其旋律的写作是用五线谱来记录音的节奏和高低长短及强弱的规律的。它不同于简谱歌曲在创作时仅写一行歌谱就可以了。五线谱歌曲创作，除要写出歌曲的音乐旋律之外，更主要的还要写出歌曲的伴奏部分，因为五线谱歌曲的结构是由歌词、歌谱、伴奏谱三部分组成的，三者是缺一不可的。那么，要写好伴奏，必须首先要熟知钢琴的演奏技法，同时还要明确钢琴伴奏在“三者”中所扮演的角色和所起的作用，这样才能做到表现适中和恰到好处。

钢琴伴奏是为歌唱服务的，是“配角”，起着美化、烘托与修饰歌唱的作用。从伴奏谱的结构上看，大致又可分为钢琴伴奏和钢琴演奏两个部分。钢琴演奏部分包括前奏、间奏和尾奏。这一部分的写作是可以较多地突出一些钢琴的演奏技巧与特色的，尤其是前奏的写作可写得华丽、饱满、坚实，更具有歌曲的引子和开场先导的作用。如歌曲《日月之恋》、《太阳的儿子》、《祖国，永在我心中》等的前奏就写得非常优秀和成功。钢琴伴奏部分主要是对歌唱起到一个节奏与音准的规范和修饰的作用。在结构上多采用柱型和弦与分解和弦并用的手法，音量、速度和力度的大小，是随着歌唱的需要而起变化的，更具有跟进、陪衬和烘托之感。

（2）弹伴奏

钢琴伴奏是伴奏者与歌唱者二者合作共同完成歌曲演唱的一个过程。作为伴奏者来讲，怎样才能成为一名优秀的钢琴伴奏，首先必须明确钢琴伴奏在整个歌曲演唱过程中的定位和所起的作用，懂得歌曲演唱的基本规律和钢琴伴奏在弹伴奏中如何与歌曲演唱协调配合的基本原理。其次必须具备较好的钢琴演奏基础和基本功，必须掌握在伴奏过程中如何渲染气氛和如何激发歌唱者激情的能力。只有不断努力，坚持实践，完全投入到钢琴伴奏的氛围之中，才能逐渐成为一名优秀的弹伴奏的钢琴手。当然，在弹伴奏的过程中，也常会出现一些不良的现象，比如一些缺乏经验、虽掌握了钢琴的演奏技法、但却喜欢突出自己的钢琴手，在弹伴奏时常常控制不了强烈的表现欲望，像独奏一样音量过大，完全压住了歌唱的声音；节奏呆板，速度自由，毫不顾及演唱者是否能够接受，搞不清是在伴奏，还是在独奏，其结果完全破坏了音乐的完整性和艺术性。因此，钢琴伴奏者必须在不断提高自己业务水平的基础上，加强对歌曲伴奏的意识。一个好的钢琴伴奏，同时也应该是一个好的声乐鉴赏者。只有将钢琴伴奏与歌曲演唱完全融汇在一起的时候，弹伴奏的技巧与能力才能达到炉火纯青的境界。

总之，艺术歌曲的表现力是极其丰富多彩的，它是诗歌与音乐的结合体，它能给人以启迪，给人以灵感，给人美妙动听和至高无尚的艺术享受。

（作者单位：广东教育学院音乐系）

责任编辑：杨建

　　摘 要:所谓的“二度创作”就是对声乐作品的再创作。对一首声乐作品而言,词曲作家仅仅完成了铺面的艺术表现,要把词曲作家的创作意图用声音和情感准确,传神表现出来,则要依靠表演者的“二度创作”。音乐欣赏者对作品及词曲作家创作意图的理解,正是通过表演者的创造性表演来完成的。因此表演者“二度创作”的重要性是不言而喻的。那么如何做好“二度创作”,首先要了解作品,把握内容;其次,要把握作品的风格;最后,提高修养,增长所需知识,实事求是,一切从演唱者实际出发。

关键词:二度创作 声乐演唱 作品风格 声乐技巧

中图分类号:J6 文献标识码:A 文章编号:1672-3791(2012)05(b)-0242-02声乐演唱是一种表达人们思想情感的艺术,它通过音乐和语言相结合来传达。演唱者把音符和文字符号变为音箱的过程,是一个艺术在创造的过程。也就是常说的“二度创作”的过程[1]。词曲作者的“一度创作”和演唱者的“二度创作”正是声乐演唱艺术的魅力所在之处。优秀的作品可使人精神振奋,备受启迪。声乐演唱效果的优劣不仅取决于演唱者的技术,更多在于演唱者的音乐素质。在此,“二度创作”这个概念被提出。二度创作,是指演唱者在尊重歌曲作者原创的基础上,根据自己对歌曲的分析和理解,对歌曲进行研究和处理后,再将作品表现出来的过程。可见,“二度创作”是要将无声的歌谱歌唱出生命的气息。也就是说,演唱者不仅要再现歌词曲谱上的那些显现的记录,更重要的是要挖掘隐藏在作品里那些无法记录的内容。显而可见,“二度创作”有它创造性和不可替代的重要性。笔者在本文当中有以下几个方面来阐述“二度创作”。

1 了解作品,把握内容

11熟悉作品的旋律,掌握节奏节拍

旋律是一首作品的灵魂,歌曲之所以扣人心弦,最重要的原因之一就是由各种情绪不同的旋律组成。歌曲通过旋律的起伏、节奏的变换展开。演唱者为了突出歌曲的特点,应根据旋律的特征进行力度、速度变化的演唱。节奏是音乐的骨骼,掌握好歌曲的节奏就相当于把握好歌曲的旋律。通常节奏通过强弱的变化来反映。如:典型的新疆塔吉克族民族风格的歌曲《帕米尔啊,我的家乡多么美》,全曲几乎都为7/8拍的节奏,民族风格浓烈。如果演唱者在演唱时将7/8唱成6/8拍节奏,整个作品的风格就变了味道。因此,演唱者在演唱时,一定要做到节奏准确、平稳、快慢适中,一定要精心去感受作者创作的意图。这是“二度创作”的首要解决的问题,也是对演唱者最基本的要求。

12正确分析作品,划分曲式结构

正确分析作品是为了更好地进行“二度创作”。一首歌曲市借助不同的音乐语言来表达一定的思想感情。让歌唱着要想把作品表现得更生动、形象,就要掌握歌曲的创作手法、就够特征及歌曲的发展脉搏。例如:朱嘉琪的《日月之恋》,歌曲的前半部分运用比较缓和的感觉来描绘太阳与月亮那种浪漫的情调,中间用钢琴将歌曲推向高潮,此刻太阳的无限光芒与月亮的柔情似水形成鲜明的对比,最后在太阳的光芒中结束了此曲。可见此曲的发展脉搏是开始、发展、高潮、结束。曲式结构是将歌曲解剖来看,如歌曲《刘胡兰》选曲《一道道水来一道道山》为无再现的单三部曲式(a+b+c)。还有大调式小调式的色彩不同,以至于作品所表达的题材和意义就不同。例如:气势磅礴的作品善用大调式,如《歌唱祖国》、《我爱你中国》等。一般小夜曲、抒情性的歌曲善用小调式,如《莫斯科郊外的晚上》、《喀秋莎》等。只有正确分析歌曲脉搏及曲式结构、调性调式,才能加深对歌曲的理解,以便更好的进行“二度创作”。

13熟悉歌词,注意吐字

声乐艺术是通过语言和音乐的有机结合表达人的思想感情与内心感受的艺术。歌唱的语言是产生优美旋律,塑造完美音乐形象的文学基础[2]。熟读歌词是对歌曲进一步把握的一个重要的环节之一,包括理解和挖掘更深层次的含义。把握歌曲的情节,体会作者的情怀,加深对作品的印象。不同的歌曲语言,也有不同的咬字、吐字方式。如:意大利、德语和法语歌曲吐字归韵相差甚远,即使是中国歌曲吐字也各不相同。在熟读歌词时要注意每个字,尽量使《二度创作》更加完美。

2 要把握作品的风格

21作品的时代风格

不同时代的作曲家所创作的作品的风格不完全相同。因为他们所处的环境、文化背景、社会情况和受到的教育不相同。譬如,在演唱古典时期作品时,歌唱力度不能过大,强弱的幅度不能过于夸张。歌曲创作要遵循那个时代的创作手法、基数范围和审美要求,通常情况下,歌曲不允许表达出人们丰富的情感,因此,与浪漫时代的歌曲不同,那时代的音乐作品表现不激烈。相同的歌曲《我爱你》,贝多芬和格里格就有很大的不同,后者比较热情、冲动、比较表露。

22作品的民族风格

各个名族具有不相同的特点,演唱者在演唱时不能把各个民族的演唱特点相混淆。如,意大利人较热情,德国人较严谨、理智,法国人浪漫,典雅,俄罗斯人好爽乐观,中国人比较细腻、多愁善感。在演唱时,演唱者应将不同民族的这些性格特点通过不同的演唱声音恰当表现出来。

23作品的作曲家风格

即使是同一时代的作曲家,由于所处的社会地位,生活环境,文化差异等因素的不同,他们所做的歌曲也各具不同风格。如,威尔第和瓦格纳同为一个时代的作曲家,他们创作的歌剧表达的思想有很大的区别。威尔第的歌剧更多地表现强烈地爱国主义精神,而瓦格纳则更多地把理想寄托在神界的众神之上。

3 提高修养,增长所需知识,实事求是,一切从演唱者实际出发

31提高修养,增长所需知识

“二度创作”不仅通过歌唱者的演唱体现,自身素质的提高也可明显体现。除了学习声乐技巧和艺术之外,歌唱者还应培养博学精通的求学精神,加强自身文化修养。否则,歌唱者的声音中会显得暗淡无内容,展示给听众的只是一副声音的空壳。因为声乐表演艺术是文学、美学、心理学、历史审美等多种文化的积淀,是词曲作者和歌唱者思想感情的外延和表达;同时,它又是一个人综合素质的表现,它从形象、气质、心理素质、身体素质到文化修养,感情表达等各个方面都有所要求,因此,每一位声乐演唱者都应尽量博览群书,精读力作,努力缩小自己的知识盲区。总之,提高自身修养是表现一切作品的前提和基础。

32实事求是,一切从演唱者实际出发

为了更好地诠释作品,实事求是是最需要做到的。一些歌唱者在没有掌握足够的演唱技巧前,便盲目地追求作品表现所需要的艺术效果,这样必然会造成演唱技术和艺术表现上的脱节,无法体现作品应有的精神内涵与艺术美感。为此,在二度创作时,演唱者要结合自身的演唱水平、准确衡量自身歌唱技术与表现所需要的演唱技巧二者之间的微妙关系,量体裁衣;反之,演唱失败。面对具有不同演唱处理方式的歌曲,歌者在选择时也要量力而行。如,大家所熟悉的意大利民歌《啊,我的太阳》,这首歌的结尾句,有的歌者将其中的“a2”音处理为“b2”来唱;也有人将最后一个“g2”翻高唱成“d2”的。若歌者本身技术水准暂时还达不到或勉强达到,就不要去尝试这两种歌曲的演唱处理方式,免得造成延长上的失误,为后面音节的演唱有负面影响。这一点是歌者需要特别注意的地方。

总之,声乐演唱中的“二度创作”具有发挥个人艺术理解的充分空间,为演唱者富有想象力地运用演唱技巧,使歌曲达到更高的艺术境界,提供显示才华的机会。这样的表演才能传达和刻画艺术作品,才能实现声乐演唱的“二度创作” 的真正目的。

参考文献

[1] 胡郁青声乐(四)[M]西南师范大学出版社,2009,1,001

[2] 肖黎声声乐理论基础[M]上海音乐出版社,2010,6,127