美术或摄影的风格形式和表现技巧有什么？

　　问题比较含糊

　　这样回答你

　　美术风格

　　印象派:

　　印象派是19世纪后半期诞生于法国的绘画流派，其代表人物有莫奈、马奈、毕沙罗、雷诺阿、西斯莱、德加、莫里索、巴齐约以及塞尚等人。印象派画家的绘画生长在写实主义的土壤之中，但他们的主要兴趣在于准确而客观地描绘个人面对世界时的视觉感受。印象派画家对瞬间视觉感受，对色彩、氛围、笔触的关注，超过对社会历史、宗教、伦理的关注，正是在这一方面，他们与此前的欧洲画家走上了不同的艺术道路。他们的作品刚出现时受到已经习惯于古典绘画形式的观众非难，1874年在首届印象派画展上，莫奈的《日出·印象》一画遭到批评，从此以后，“印象派”和“印象主义”就作为一个专有名词来称呼像莫奈这样一批艺术家们的作品。

　　从欧洲绘画史的发展进程看，正是在印象派画家笔下，闪烁的阳光和微妙的阴影被引入画面，绘画由此变得清新明丽而有生机。艺术家追求真实的努力在印象派时代达到顶峰，然后开始回落。从马奈到塞尚，欧洲绘画传统在自我否定的同时又在自我完善，这样的进程构成了整个西方现代绘画的发展框架。印象派画家虽然在开始其艺术活动时受到误解甚至嘲讽，他们共同活动的时间也没有持续很久，但他们对西方艺术产生了极其深刻的影响，并波及音乐和文学。到20世纪初期，印象派已经成为广受欢迎的艺术流派。直到今天，印象派绘画在世界各地受观众欢迎的程度，仍然超过绘画史上其他流派的作品。利用像马奈、莫奈、雷诺阿、德加或塞尚这些艺术家的作品，这次画展将介绍法国印象派的演变：它的开始、发展和它对后来绘画艺术的影响。参观者不仅可以观察到这些杰出画家处理的题材的多样性(涉及风景、静物和肖像)，也可以观察到他们绘画经验的发展。一些代表作品的展出，使这次画展显得很难得。这次来中国展出的印象派作品共51件，法国印象派的主要画家可以说囊括无遗———莫奈11件，西斯莱5件，德加4件，雷诺阿4件，马奈3件，毕沙罗7件，凡汀———拉图尔、莫里索、巴齐耶等人也都有作品与中国观众见面。其中像马奈的《吹短笛的男孩》、《酒馆女招待》，德加的《舞蹈课》、《咖啡馆，又名苦艾酒》、《年轻女人像》，莫奈的《鲁昂大教堂》、《睡莲》，雷诺阿的《半身像，阳光的效果》，毕沙罗的《蓬图瓦兹：艾尔密塔日的坡地》，西斯莱的《鲁弗申的花园小路》等作，都属于印象派绘画艺术的典范之作。

　　印象派绘画在上世纪20年代开始传入中国，但直到20世纪70年代末，中国观众才得以看到不多的印象派作品。在法国文化年活动中，集中展示印象派绘画，开创了我国对外艺术交流史的先例。这次与中国观众见面的5l件作品，属于法国国家收藏珍品，大部分来自巴黎奥赛博物馆。奥赛博物馆是专门收藏近代美术作品的国立博物馆，它位于巴黎塞纳河畔，是世界各地的艺术朝圣者巴黎之旅的必选站点。奥赛博物馆一次拿出这样多而精的印象派作品，送到远隔重洋的中国展出，堪称世纪性的艺术盛会。这次画展希望向民众提供一次机会，在中法文化之间架起一座桥梁，认识中法文化相近和区别的东西，中法文化共有和互补的东西。

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　　印象派产生于19世纪下半叶的法国。以马奈为中心的一批画家如莫奈、西斯莱、雷诺阿、塞尚、德加、毕沙罗等人，在反对学院艺术的口号下，以创新的姿态进行艺术革新，并登上法国画坛。1874年他们在巴黎举行了第一次展览，社会反响很大，参展作品中，有一幅莫奈创作的题为《印象·日出》的油画，遭到学院派的攻击，评论家们戏称这些画家们是“印象派”，这样印象派绘画便由此而得名了。

　　印象派强调画家对客观事物的感觉和印象，反对学院派的因循守旧，主张艺术上的革新。绘画技巧上对光和色进行了探讨，研究出用外光描写对象的方法，并认识到色彩的变化是由色光造成的，色彩是随着观察位置，受光状态的不同和环境的影响而发生变化，同时把这种科学原理运用到绘画中去。他们走出画室，走进大自然，在阳光下直接对景写生，根据观察和直接感受表现微妙的色彩变化。这在绘画史上是很大的革命，也给后来的现代美术以极大的影响。由于印象派绘画很少反映人类生活的主题，使创作题材和内容受到很大限制。

　　马奈（1832～1883），是19世纪下半叶对绘画领域的革命起重要作用的绘画大师，他虽与印象派画家们有密切的联系，但并未参加印象主义画展，可是印象派的画家们始终是以马奈为中心，创造新的绘画理论和作品。

　　马奈1832年出生在一个富裕的法官家庭，因为热爱艺术，他放弃了高官厚禄的前程，成为一位画家。马奈是最早打破传统的棕褐色调，使画面明亮、有外光新鲜感的画家。他受过古典艺术的薰陶，作品中始终保持着宏大和庄重的气魄，他的画在造型上有很高的写实技巧，但在色彩上还没有发展到其后一些印象派画家那样去分解物体颜色的程度。他对色彩的处理比较完整，每一色块都很协调柔和，又很鲜亮，给人透明和清新之感。《吹笛子的少年》是马奈的一幅著名的作品，在总的暗调子中，突出几块明亮鲜艳的色彩，使之更加响亮耀眼。他的另一幅代表作品《奥林比亚》也同样运用了这样的表现手段。

　　莫奈（1840～1926），是印象派的领袖人物。1874年由他发起组织了首届印象派画展，他的油画《印象·日出》一画在展览中引起反响，从而使“印象派”这一名称正式出现。

　　《印象·日出》表现的是画家对所看到的“日出水面”这一转瞬即逝景象的感受和印象。画中表现的是在天水一色的朦胧晨雾中，一轮红日冉冉升起，水中的船和岸上的景物用蓝绿色彩轻松的勾画出来，整个画面的一切物体都融成一片。

　　在莫奈的作品中都非常注重在色彩领域的探索，忽视对物象形体的写实。侧重于用光线和色彩来表现瞬间的印象，追求绘画上色彩关系的独立美。他是第一个真正强调外光写生的画家。他所有的作品，几乎都是户外写生完成，而且态度非常认真。为了保持印象的真实性，常常是早晨时画的画，如果没完成，就等到第二天的同一时间继续画，直到画完。他还常常对着一个景物，分别画出对象在不同时间，不同光线下的色彩变化。如油画《草垛》《里昂大教堂》等就是画家进行这种色彩试验常被人们提及的作品。他的这些经过了深思熟虑，追求瞬间光色细微变化效果的作品，在以前是从未有过的。这种艺术追求在莫奈晚年创作的油画《睡莲》中表现得尤为突出。莫奈在印象派画家中是最长寿的，他到晚年时人们已经认识到了印象派绘画的价值，也使得他的晚年生活过得幸福。

　　德加（1834～1917），是印象派画家中的积极活动者和重要成员，以描绘舞蹈演员和浴女著称。德加是一个银行家之子，生活富裕并受到过良好的教育，文化修养较高。

　　德加早年接受过严格的古典主义艺术的熏陶，培养了他热爱传统艺术的感情，所以在印象派画家中他是始终坚持严格造型的画家。他受到马奈的影响，开始注重对色彩的研究，并参加印象派的画展，成为印象派画家中风格独特的一员。德加一生中对扑朔迷离的动感追求保持着浓厚的兴趣，尤其是舞台灯光下的舞蹈演员和赛马场上的情景，表现得极为生动。他常常在后台和包厢里冷静地观察对象，默写演员们舞蹈时一瞬间的动作，生动地表现出舞蹈者轻柔的动作和跳动起来的生动姿态，更成功的是他将舞台灯光下的感觉传达得格外真切。德加的代表作品是《舞台上的舞女》《熨衣妇》等。

　　雷诺阿（1841～1919）是印象派的重要画家。1841年他出生在一个穷裁缝家，曾以在陶瓷器皿上作画谋生。他天性乐观、纯朴，热爱生活，热爱大自然，对人和大自然的美，有着极其敏锐的艺术感受力。雷诺阿主要画妇女肖像和裸体，他的画总是充满着欢乐的气氛，人物塑造得有着无法形容的柔和与微笑。同时在他的画中尝试着运用印象派的方法，也取得了理想的效果，他的人物画生动活泼，色彩丰富。

　　雷诺阿的绘画创作中少女和儿童题材的作品也具有很高的艺术价值，他笔下的儿童天真稚气，所画的少女更能传达出沉静、优雅的情态。《少女肖像》是他这一类作品中的代表作品之一。

　　雷诺阿笔下的作品在笔触运用上给人一种跳跃的感觉，他还经常喜欢使用各种由浅到深的红色作画。画中的人物被描绘得非常悠闲愉快，充满青春的美丽，犹如一首赞美和抒情的乐曲，它能使人感到生活是这样美好而富于浪漫情调，作品《游船上的午餐》《饼干坊街的舞会》《包厢》等都十足体现了他的艺术特色。

　　毕沙罗（1830～1903），是印象派的重要画家。毕沙罗出生在法国安提尔群岛的圣多马小岛上，他的父亲是一位开杂货铺的小老板。年轻时他曾当过店员，由于酷受绘画，在他25岁时离开了家乡小岛，来到以艺术都城著称的巴黎。柯罗和米勒的作品给了他很大的影响，他坚信着艺术唯一可遵循的大师就是自然。毕沙罗比其他印象派画家中任何人都更早在外光中开始作画。他常说：“在户外生动的光线中，按着自然忠实地画吧！”

　　毕沙罗一生清贫，但却总是带着愉快明朗的面容生活着。他非常喜欢田园生活，毫不夸张、粉饰地画眼中看到的极其普通的一切。在画面上他常常采用饱和的颜色和笔笔压盖的细腻笔法描绘对象，具有一种淳厚的艺术韵味。代表作品有《逢图瓦兹的红屋顶》《蒙马特尔大街》等。

　　修拉（1859～1891），印象派中的后起者，他在印象画派中独树一帜。修拉是根据色彩学原理来指导艺术实践，认为在光的照耀下，一切物象的色彩是分割的，要真实地表现这种分割的色彩，必须把不同的、纯色彩的点和块并列在一起。在这种理论指导下的作品被称为“点彩法”，并形成“新印象主义绘画”，又称“点彩派”。建筑在科学理论和理性基础上的新印象主义，在某些方面恢复了绘画中物象的具体性、实在性，在色彩分析方面有所探索，但由于过分注重法则和规则，也使绘画丧失了可贵的、直观的生动性。

　　《大碗岛星期日的下午》是修拉的代表作品，共用了三年时间才完成。画家采用了细笔小点的形式，并用大块的绿色为主调，杂以紫、蓝、红、黄等色点，使画面在局部中有着丰富的色彩变化和互补色的对比，整体上协调一致。

　　印象派之后出现了与印象派的艺术主张不同，以塞尚、凡·高、高更为代表的另一种艺术主张，人们称之为“后印象派”。后印象派不满足于印象派的“客观主义”表现和片面追求外光与色彩，转而强调抒发作者的自我感受，主观感情和情绪。在艺术表现上，“后印象派”重视形、色、体积的构成关系，强调艺术形象要异于生活的物象，要用作者的主观感情去改造客观物象，要表现“主观化了的客观”。他们尊重印象派在外光和色彩上所取得的成就，但不追求外光，侧重于表现物质的具体性、稳定性和内在结构。后印象派的绘画对现代诸流派的发展有着重大的影响。

　　塞尚（1839～1906），是后印象派的重要画家，现代绘画之父。塞尚由毕沙罗介绍加入印象主义画派，并参加了第一届印象派画展。他不拘泥于印象派的光色分析，为捕捉转瞬即逝的自然现象而苦苦探索，确立了自己的艺术方法和风格。

　　塞尚经过长期的观察和实践，提出自然的物象都可以概括成圆柱形、圆锥形和圆球形等几何形。自然对人类来说，主要不是平面而是深度，要重视表现自然景物的形体与结构上的关系以及色彩的层次推移。他认为“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。他非常善于用色彩处理画面的空间感，作品中景物无论远近，没有模糊朦胧的地方，十分清新明快，同时又表现出了层次分明的远近透视感和空间感。这种感觉不是由画面上物体的透视线和构图来表现的，而是由物体的色彩及色彩的相互关系表现出来。色彩代替了体积，颜色关系代替了明暗关系，他是在用颜色造型。我们知道，困难在于找到准确的色彩和色彩之间的和谐关系，塞尚则成功地克服了这一困难。

　　塞尚的作品，大都是他自己艺术思想的体现。他的静物画、风景画及人物画表现出了结实的几何体感，忽略了物体的质感及造型的准确与否，着重强调厚重、沉稳的体积感，物体之间大的整体关系。塞尚的作品不是盲从地去复制现实，而是寻求诸种关系的和谐。

　　塞尚这种对体积感和空间感的强调，对色彩的巧妙安排和运用，对物体造型结构的处理并有意识地采取变形手法等等，这些追求形式美感的艺术方法，对后来现代流派有着十分重大的影响。所以，塞尚晚年为许多热衷于现代艺术的画家们所推崇，并尊称他为“现代艺术之父”。

　　塞尚的代表作品有《静物》《圣维克托尼尔山》等。

　　凡·高（1853～1890），是后印象派的重要画家，荷兰人，家庭生活贫困，年轻时曾干过许多职业，如美术商人、教师、传教士等。年近30岁时，他才开始绘画艺术的生涯。

　　由于他有过丰富的生活体验，同劳动人民有着深厚感情，所以在他的艺术中热衷于表现他们平凡而艰苦的劳动生活。早期的油画作品多以现实主义的手法，描写乡村景色和人们的劳动生活，在色彩的表现上是以传统的暗调子为主。1886年，凡·高来到巴黎，被印象派画中那种奇妙热烈的光色效果所吸引，并开始改变原有的画法，以极大的狂热投身于印象派绘画色彩的表现和其他形式方面的实验中去。从此凡·高的油画开始明亮起来，多使用鲜艳和火辣辣的色彩，以及具有运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触，构成他绘画的特色。他把所描绘的对象，当作表现自己热烈激动的主观感情的媒介、当作表现自己独特艺术手法的媒介，以表达他的主观感受和激情。他把印象派的艺术方法，尤其是在色彩和对事物的形体塑造上的方法，发展到更加独立于传统之外的地步。凡·高的艺术在他生前是不为世人所承认的，但是后来，人们慢慢的理解和认识了他的艺术创造。在他的作品中充满着对善良、对美和对创作想象自由的渴望，他尤其被后来发展起来的“野兽派”和“表现派”的画家们所接受，直至今天，凡·高仍然活在艺术世界中。

　　凡·高的代表作品有：早期创作的作品《吃土豆的人》，后期创作的作品《向日葵》《星夜》及《邮递员》等。

　　高更（1848～1903），是后印象派的重要画家。他出生在巴黎，青年时当过船员、店员，后来他弃商从艺，把大部分时间投入在绘画的创作上。最初他是由印象派画家毕沙罗引导走向印象派绘画的道路。不久他便改变画风，开始创造一种更偏重艺术家主观幻想、更富于装饰意味的风格。他厌倦繁华而充满纷争的都市生活，向往着纯朴的自然和离群索居的生活方式。高更放弃富裕生活，离开巴黎，远涉重洋，来到太平洋中部赤道以南的热带岛屿——塔希提岛，开始探求他独恃的艺术风格，他一生中最主要的作品就是在这里完成的。在这里他找到了童年时代从母亲那接受的，对土著民族很深的感情。高更用极大的热情表现具有原始美的，未开发的热带大自然，表现远离文明喧扰的，简单纯朴的土著人的生活。他采用近于古代埃及美术中庄严、平稳、安宁而富有图案装饰风格的艺术手法，并追求简单、稚拙的粗线条结构形式。在色彩上，他从形式美感的要求出发，注重色块之间的布局和整体效果，以主观创造来加以安排，使色彩之间的关系简化，多使用较纯的色彩，追求一种跳跃性的或对比的谐和，表现出一种强烈的装饰感。高更主张艺术家不仅要表现客观自然，而且还要探求思想中神秘的内心，表现主观的东西，所以他同塞尚、凡·高一样启发了一批现代流派的画家。

　　抽象派:

　　「抽象」是「具象」的相对概念，是就多种事物抽出其共通之点，加以综合而成一个新的概念，此一概念就叫做「抽象」。「抽象绘画」(AbstractPainting)是泛指二十世纪想脱离「模仿自然」的绘画风格而言，包含多种流派，并非某一个派别的名称：它的形成是经过长期持续演进而来的。但无论其派别如何，其共同的特质都在于尝试打破绘画必须模仿自然的传统观念。1930年代和二次大战以后，由抽象观念衍生的各种形式，成为二十世纪最流行、最具特色的艺术风格。

　　抽象绘画是以直觉和想象力为创作的出发点，排斥任何具有象征性、文学性、说明性的表现手法，仅将造形和色彩加以综合、组织在画面上。因此抽象绘画呈现出来的纯粹形色，有类似于音乐之处。

　　抽象绘画的发展趋势，大致可分为：〔一〕几何抽象〔或称冷的抽象〕。这是以塞尚的理论为出发点，经立体主义、构成主义、新造形主义，而发展出来。其特色为带有几何学的倾向。这个画派可以蒙德里安(Mondrian)为代表。〔二〕抒情抽象〔或称热的抽象〕。这是以高更的艺术理念为出发点，经野兽派、表现主义发展出来，带有浪漫的倾向。这个画派可以康丁斯基〔Kandinsky〕为代表。

　　代表画家

　　康丁斯基（WKandinsky,1866～94），抒情抽象派代表画家，曾是德国表现主义团体「蓝骑士」的领导者。代表作《构成第四号（战争）》（1911，杜塞尔夫莱茵河西发里亚艺品收藏室）、《构成第七号习作》（1913，莫斯科Tretyakov画廊）。

　　蒙德里安（PMondrian,1872～1944），几何抽象派代表画家，在平面上把横线和竖线加以结合，形成直角或长方形，并在其中安排红、黄、蓝三原色，但有时也用灰色，是荷兰风格派（deStijl）的主将，代表作《黄与蓝的构成》（1929）、《百老汇爵士乐》（1942～43，纽约现代美术馆）。

　　马列维奇（KCMalevich,1878～1935），俄国构成主义倡导者，也是几何抽象派画家，代表作《飞机起飞》（1915，纽约现代美术馆）、《青色三角形与黑色长方形》（1915）。

　　库波卡（FKupka1871～1957），捷克画家。运用色彩理论和音乐式和谐造成独特的几何风格，例如《绘图构成主题二》（1911～12，华盛顿国家画廊）、《垂直线语系习作》（1911）。

　　克利（PKlee，1879～1940），瑞士画家。运用色彩调和及抽象的手法，创作了许多含有哲理性和富稚拙趣味的作品，例如：《金鱼》（1925，油彩加水彩，纸裱在卡纸板上，485×685cm，汉堡美术馆）、《干道与支道》（1929，油画，布，83×76cm，科隆，里伯尔兹美术馆）、《死与火》(1940，油画，83×67cm，科隆，里伯尔兹美术馆)

　　美术的表现技巧

　　美术创作方法与美术创作的具体表现方法并不是同一个概念。表现方法指美术表现（传达）中的具体的手段和方法，称艺术手法。艺术手法是某种创作方法的一般原则的具体表现或特殊表现，它所表明的是创作主体的独特审美趣味以及创作风貌和技巧特点。如客观记录的方法与主观抒情的方法，写实再现的方法与浪漫表现的方法，具象的方法与抽象的方法等。

　　摄影的风格

　　摄影的风格以及一些趋势

　　1 自然风格 Natural style

　　都市的快节奏给人们的身心带来了巨大的压力,压抑和冷漠的市场影响到人们的情绪人们渴望彻底的放松和发泄,希望回归自然中,怡然自得,取得心理平衡

　　2 新现代主义风格 New modernism style

　　这种风格是对早期现代主义的一种"优化",它主张人物与环境,人物与空间的对话理念

　　3 新古典主义风格 Neoclassicism style

　　一种古典主义文艺思潮,崇尚古典的质朴与简洁,借助18世纪至19世纪的视觉艺术元素加以表现的摄影风格

　　4 画意风格 Pictorial art style

　　顾名思义,一种融入绘画元素的摄影表现手法,也是目前商业人像摄影中最多使用和表现的风格之一

　　5 混合风格 Complex style

　　这是一种更为宽容的风格,也可以说是不具风格的流派它不刻意追求一种模式,只要整体协调,中西古今为我所用,显示文化的互助与交融的拍摄手法

　　鉴于当今城市信息的快速传递及其多样性,加之国人的"跟风"习惯风格的演变也是多姿多彩的从摄影文化的角度讲,摄影风格的流行呈现出一种传播性但是在摄影风格流行传播的同时,不应是简单的模仿,抄袭,而应在流行传播的大趋势中做出新的时尚变化,从而表现出一种新的风格只求其外在形式的模仿,不求其精华,只会越抄越差,越拍越滥,最终毁掉原有的味道与风格

　　当然,并不是反对模仿在绘画的学习中就有模仿--临摹这是一中学习的手段在学习大师表现手法的同时去体会其中的内涵取其精华融入你的思想,倾注你的情感但不可拿"习作"当"大作"摄影也是如此,并不是用笔画一幅背景拍一组照片就是画意摄影那么简单

　　摄影的表现技巧看看下面的书:

　　图解摄影表现技巧

　　作者：鲁争编著 作 者：鲁争编著 丛编项：无 装帧项：19cm / 164页 出版项：万里书店 / 1984 ISBN号： / J41 原书定价： 主题词：摄影艺术

　　图书简介 - 图解摄影表现技巧

盛行于２０世纪初摄影领域的一种艺术流派，发端于１９世纪中叶的英国第一个绘画主义摄影家是英国画家希路（１８０２—１８７０），他擅长人像摄影，其作品结构严谨，造型优美绘画主义摄影家追求作品的情感、意境和形式美，强调摄影家的艺术修养，认为要使摄影在艺术上有地位，摄影家就必须首先培养起审美的能力和充实的艺术修养这一流派的历史功绩是把摄影从机械地摹写对象引导到造型艺术领域中去，促使了摄影艺术的发展主要的摄影家和作品有：普莱斯的《男爵之宴》、罗宾森的《当一天工作完了的时候》、雷兰德的《两种生活方式》、金马伦夫人的《汤姆士卡莱尔》、尼达的《弥留之际的嚣俄》等大多数作品都脱离现实生活，常预先打好草图，然后利用模特儿、道具，安排场面拍摄，以追求绘画效果随着摄影器材的日益改善，人们的审美趣昧的变化，受到“自然主义”冲击绘画主义摄影在摄影艺术发展史上有一定的地位，至今仍有一定影响 Prevalent in the early 20th century photography of an artistic genre, originated in the mid-19th century Britain The first painting is a British painter, photographer doctrine Greek Road (1802-1870), who specializes in portrait photography and his work structured and elegant painting works of Marxism photographers pursuing emotion, mood, and formal beauty, emphasizing the art of cultivation of photographers that make standing in art photography, photographers must first develop the capacity and enrich the aesthetic from the artistic culture This the historical achievements of schools is to photography to depict the object from the mechanical guide to the plastic arts areas as well, prompting the development of photography The major photographers and their works are: Price, the "Baron's Feast," Robinson's "When the day of When the work finished, "Leland's" two ways of life, "Ms Jin Malun's" Tom Shikalaier ", Nida's" dying of the clamor Russia "and so on most of the works are detached from real life, often pre - fight sketches, and then using models, props, arrange filming the scene in pursuit of paintings With the increasing improvement of photographic equipment, people ignorant of the changes in the aesthetic interest by the "natural-ism" impact drawing photography art photography in the development of Marxism in the history of a certain status, there are still a certain extent

对艺术创作者来说，绘画过程与情感表现主要体现在以下几个方面：

1 创作方向和题材选择

创作必须是自己全身心投入并通过一个画面来表达自我情感的过程。首先你要让自己看得见，感动自己，再让别人看得见，感动别人。灵感的到来往往是偶然中带着必然，肯定中带着否定的。外界环境因素提供的养分往往属于偶然，储存在脑海中的思想感情是必然。

对于艺术创作者来说，题材往往是表达个人思想的媒介。每个艺术创作者都有自己独特的艺术风格和情感表达，每个作者对自然生活的理解都有个人见解。选题目就是选自己的心思和灵魂，选自己应该对别人做什么样的表达。艺术创造最忌讳的就是虚情假意、矫揉造作，艺术作品可以通过艺术家本人注入自己的真情实感诠释着美的真谛。艺术源于生活，一旦脱离现实生活，脱离自然规律，就会失去生命力。画家需要通过他们的艺术修养和独特的艺术视野进行筛选，把自己的情感和感悟同现实社会发展进行有机结合，融入到创作作品中。

2创作过程和表现手法

在绘画创作的早期阶段，首先要做的是充分准备，再进行实地考察、拍摄、后期制作、整理等一系列复杂的工序，在准备阶段也需要结合自己的情感和愿望。在最初选定题材的过程中，绘画艺术创作者往往是摇摆不定的，他们需要通过细致的观察和切身的体会，将自己的感情进行分析以及一系列强化，逐步激发创作灵感，而不单单是机械式地临摹素材。

反之，如果对绘画对象的本质不了解，那么这种创作就失去个性。没有个性的作品就没有生命力，失去了存在的价值和意义，没有任何情感共鸣。因此，绘画创作者的自我情感表达很有研究意义，只有一个十足的情感生活体验，才能创造出震撼人心的作品。

综上所述，在艺术实践过程中，绘画对象经过艺术家加工后，与原始事物大相径庭。通过艺术创作者的情感表达，创造出一件有灵魂的艺术作品，正是因为这种创作欲望，才会激发艺术创作者的表达激情，观者所看到的不再是真实存在的物象，而是艺术家在自我情感和奇妙灵感的催化剂下，产生的一种新的抽象形式。

蒙太奇（Montage）在法语是“剪接”的意思，但到了俄国它被发展成一种**中镜头组合的理论，在涂料、涂装行业蒙太奇也是独树一帜的艺术手法和自由式涂装的含义。

当不同镜头拼接在一起时，往往又会产生各个镜头单独存在时所不具有的特定含义。写作时采用这种方法写作的方式也叫蒙太奇手法。

扩展资料：

蒙太奇一般包括画面剪辑和画面合成两个方面。图画构成：将图画或图案并置或叠置的统一作品。

**摄制通过在不同地点、从不同距离和角度、以不同方式拍摄一系列镜头来描述情节和刻画人物的**制作的行为或过程

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摄影应如何构图？构图和取景是一个意思。

摄影画面构图的基本要求

一、主体突出，画面要有主次之分，不能杂乱无章。突出主体方法很多。如明暗对比法即主体亮背景暗，或相反。色彩冷暖对比，大小对比等等。

二、画面平衡

是画面构图的基本要求。所谓均衡是指以画面中心为支点，画面的左右上下呈现的构图诸元素在视觉上的均势。具体地讲，就是使画面中左右上下的视觉形象不要一边太满，另一边太空，或一边感到太重，另一边又感到太轻。均衡构图则给人以稳定、舒适、和谐的感觉。不均衡构图则给人以不稳定、异常的感觉。电视画面构图一般应使画面均衡。但画面均衡是可以突破的，在开放式构图中画面不均衡是它的表现特点。常常以此表现异常的心理状态。

画面为什么要均衡对此，有很多不同的解释。“快乐说”认为，人类的一切行为就是追求幸福和快乐，避免那些令人不愉快的事情。均衡能使人快乐。另一种解释是构图所以要均衡是因为人体是平衡的，维持人体的均衡是人类最基本的需要。不均衡构图看了会使人产生不舒服的感觉。还有一种比较普遍的解释，认为在人类生活中，普遍存在着均衡状态，比如我们布置房间，总是把床、桌子、电视、沙发等大件摆在适当位置使其均衡，谁也不会把它们统统放在房子一边，让另一边空着。这种生活中对均衡的要求，是人们普遍的审美心理。因为生活中存在均衡，人们审美心理要求均衡，构图的均衡就有了客观依据。但构图作为一种表现形式还有强烈的主观性，均衡是一种方法，不均衡也是一种方法。均衡和不匀衡各有各的表意特点，比如，你报导某地下食品加工厂的脏乱不堪的情景，采用不平衡，混乱，拙劣的构图，也许更有利于对这一事件的报道。相反，当你要表现长城的建筑美时，就需采用平衡完整优美和谐的构图。所以画面均衡和不均衡完全看你表现什么和如何表现而定，并不是要求每幅画面都必须达到均衡。 画面的均衡和不均衡是相对而言的，画面均衡是手段不是目的，手段是为表现内容或主题服务的，画面均衡和不均衡处理，都要有一定的目的性。在影视作品中为了表达特定的涵义，有意处理成不均衡状态。虽然均衡与不均衡构图都能表达特定的含义，但是大量的普遍地画面处理应在均衡上下功夫。尤其是初学者不要一开始就不顾内容是否需要故意追求画面的不均衡，使人看了很不舒服，这是应该避免的。

三、、注意选光，摄影是光画艺术，必须选择适合主体表现的光线，用光的笔触画出最美的图画。

四、多样统一

多样统一又称和谐，是一切艺术形式美的基本规律，也是画面构图的总规律。多样统一是对立统一规律在艺术上的运用。对立统一规律揭示了一切事物都是对立的统一体，都包含着矛盾，矛盾双方又对立又统一，充满着斗争，从而推动事物的发展。多样统一是矛盾的统一体，用在画面构图中，指画面既要多样有变化，又要统一有规律，不能杂乱。只多样不统一就会杂乱无章，只统一不多样，就会单调、死板、无生气。简而言之，就是构图要繁而不乱，统而不死。拍摄不景别的镜头画面都应力求做到多样统一。多样统一在画面构国中的运用，具体地讲就是把众多零散的表现对象，按照实出主体的原则把各个对象合理地安排在画面里，进而达到内容和形式