色彩情感的西方绘画中的发展

文森特·凡高的绘画是以绚烂的色彩、奔放的笔触表达狂热的感情又不失引人深思的象征内涵而为人们熟知的。凡高开始其艺术生涯的年代正是西方绘画艺术在诸多层面都发生根本性变革的年代，而色彩的解放就是其中最明显且极具本质影响的变革之一。印象主义画派受西方现代光学发展的影响和启发，主张室外作画，注重外光分析，追求瞬间光色印象的表现，把文艺复兴以来的静态的色彩再现转变为动态的色彩再现。而凡高从印象主义出发，并超越印象主义，将这种动态的色彩再现发展到由主观体验所控制的感情色彩的表现，从而成为现代绘画色彩全面解放过程中的不可或缺的环节和有着重要的影响及意义。

一、凡高绘画中的色彩语言的形成

凡高油画作品中的这种强烈的情感色彩也并不是在他刚开始其艺术生涯时就具备的，他对于自身这种感情色彩本质的觉醒也经历了一个漫长的过程。它的形成首先是与凡高那苦难的人生经历、独特的性格密切联系在一起的。

凡高1853年出生于荷兰的一个新教牧师家庭，他早年做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士。他充满幻想、爱走极端，在生活中屡遭挫折和失败，最后他投身于绘画，决心“在绘画中与自己苦斗”。

凡高在学画的初期，感受到德拉克罗瓦绘画的“头脑里的太阳和心中的风暴”的强大震动和滋养，他也分外敬重米勒，他朴素而充满强烈的宗教意味和道德意识的绘画艺术，引起了凡高的强烈的感情共鸣。在他学画的早期就大量临摹了米勒的印刷品。虽然后来的艺术风格已经与米勒大异其趣，但他仍然梦想着画一件像米勒一样深深触动人们心灵的作品。《食土豆的人》是他早期的代表作品，在画中表达了自己对跟他一样生活在苦难之中的农民的同情和尊敬。在绘画表现上重视农民形体和姿态的塑造、环境氛围的营造，以粗犷的笔触，浓重的色彩去填充他的画稿。颜色由于反复涂抹，显得厚重混浊，缺乏透明度。

很明显，这一时期光和色彩并不是他关注的重点，它所追求的这种“真实”也并不是学院式的视觉再现的真实，而是一种他的主观感受的真实。就像在给他弟弟泰奥的信中所说：“如果我的人物是准确的，我将感到绝望，你应该明白，我不愿意他们是学院式的准确……这些话告诉我们，凡高的绘画从一开始就有着非常强烈的主观表达的意识，这种主观感情的表达并不是通过色彩来实现的，但这种情感倾向使他得以牢牢把握住自己以后的发展方向。

不可否认，凡高作品中这种强烈的情感色彩表达的形成得益于印象主义画派的色彩理论和实践，但是值得注意的是，凡高在荷兰期间——即在正式接触印象主义画派之前——就已经（即使仅仅是在直觉上）认识到色彩解放的可能性。“色彩自身就能表达某种东西”，这是1885年，也就是他创作《食土豆的人》的这一年，他在他所居住的荷兰小村期间所写下的。

1886年是凡高绘画艺术的一个转折点。这一年，他来到法国巴黎，被印象主义画风中的那种明亮且极具动感的色彩所吸引。在印象主义绘画光色理论和实践的启发之下，他逐渐改变了他的色彩感觉方式，由以前的那种传统的静态的色彩感觉方式转变为印象主义画派的动态的色彩感觉方式。色彩感觉方式的改变，大大地改变了他的绘画作品的面貌。他兴奋地说：“……法国的社会指导着我的思想，显得这么有益，非常有益，也有益于全世界。”他抛弃了荷兰时期的那种灰褐色调子，画面色彩开始变地鲜亮起来。原来画面中一直保持着的黑色不见了，也没有了灰色和褐色，画面所呈现出来的是印象派并置笔触的红黄蓝三个原色和由他们混合而成的绿色、紫色、橙色，特别注重色彩中的补色关系。

凡高从印象主义绘画中吸取自己所需要的营养，但是他从来都没有像印象主义画家那样完全沉溺于光与色的表现之中。就像我们前面所讲的，凡高是一个有着强烈的主观表达意识的艺术家，他的绘画不是为了再现视觉的真实，而要表现他对事物的真实的感受和自己的感情。这种强烈的自我表现的愿望和他心中所蕴藏的那股强烈的激情，使他必定要抛弃荷兰画派的那种灰色调子，也注定他会迅速远离印象派。凡高几乎在接受印象派的同时就已经开始对印象派的绘画理论产生质疑。他们在实现视觉的真实，追逐光与色的过程中往往忽视了感情的表达，这与凡高那充满主体意识的精神状态相去甚远。凡高的绘画中独特的审美力量并不单单是视觉印象的强烈，而还有蕴涵在视觉因素之中的情感体验的深刻。在他给泰奥的信中曾明确提到这一点：“我在巴黎所学到的东西现在离开了我。我恢复了在我知道印象派之前我曾有过的理想，如果印象派画家不久就指责我的创作方法的话，我不会感到惊讶。因为滋养我的创作方法的，与其说是他们，不如说是德拉克罗瓦的思想。因为我并不力求精确地再现我眼前的一切，我自由而随意地使用色彩，是为了更有力地表现自我。”凡高不再满足于像一个印象主义者那样仅仅去表现自己的感觉色彩，而是将色彩看作是非自然主义的表现因素的直接工具，看作是精神领域（诉说人类命运的真相）的预言者，试图在色彩和感情之间找到一种契合的方式。

凡高通过各种色彩实验来研究色彩强度增加和减弱的自然规律，但是他的目的并不在于这些研究和实验本身，而是为了挖掘色彩自身所具有的那种强大的表现力。他对他的这种探索的前景充满了希望，在给他弟弟的信中说到：“我相信，一个新的色彩家画派将会在南方扎根，我越来越感到北方画家们只是把他们的理想寄托在用笔功夫和所谓的绘画性上，而不是依赖色彩本身来表达事物。”的确如他所说的那样，一种新的和感情紧密结合着的色彩表现形式开始出现在他绘画作品当中。他于这个时期所创作的《向日葵》、《夜间咖啡馆》以及众多的肖像作品中，可以明显地看到这种强烈的情感色彩的存在。凡高从自然物象中抽取颜色，然后通过色彩的对比或交融，来增强色彩的精神性，使颜料和深藏于心的真实感情达到了直接的重合。这不只是一个如何使用色彩的技巧问题，而是色彩观念从物到人的色彩本质的一种深刻变化。

二、凡高情感色彩语言的表现

从印象主义到后印象主义，凡高发展了一种有着清晰运动感的线条和强烈色彩的绘画表现形式，形成了自己的独特的情感色彩语言。因为，不论是古典主义对色彩的静态观念（固有色），还是印象派对色彩的动态观念（条件色）的认知，都只是把色彩作为观察的结果来表现，有意无意中阻隔了心与物的直接通联，而凡高则把动态的色彩观念引向观察过程本身的表现，这样，他就在绘画中真正引入了心灵世界的直接表达。

凡高绘画作品中的色彩具有明显的象征性倾向，这是他的情感色彩语言的特殊性之一，也是他与印象主义画家在色彩运用上的本质区别。色彩在印象主义者那里多半还只是一种物性表面的光色存在，只是对客观世界的光色变化进行“准确”描绘的手段。他们看重的仍然是色彩视觉的真实，并不关注色彩所具有的情感及象征意义。而凡高由于强烈的主观表达意识的介入，往往使色彩具有某种暗示性的力量。凡高对于色彩的暗示性力量有着浓厚的兴趣，在这方面他可能是受到了德拉克罗瓦有关色彩理论和实践的影响，他说：“我不知道在我之前是否有人谈过示意性的色彩，德拉克罗瓦和蒙蒂切里虽未谈及过，却实践过。”

凡高对于色彩的这种暗示性力量的运用，突出地体现在他的那幅《夜间咖啡馆》中，他说：“我在《夜间咖啡馆》里用红色和绿色表现人类的可怕的情调。这些色彩，不是呆板的按照现实主义立场的字句来说，是眼睛的欺骗者；而是一富暗示性的色彩，他表现出人们火热的情绪活动。”《夜晚的咖啡馆》是由深绿色的天花板、血红的墙壁和不和谐的绿色家具组成的梦魇。金灿灿的**地板呈纵向透视，以难以置信的力量进入到红色背景之中，反过来，红色背景也用均等的力量与之抗衡。这幅画，是透视空间和企图破坏这个空间的逼人色彩之间的永不调和的斗争。结果是一种幽闭、恐怖和压迫感的可怕体验。作品预示了超现实主义用透视作为幻想表现手段的探索。能有如此震撼人心的力量，一方面是熟练地应用了透视技法，但更主要的是由于画面中的极具暗示性、精神性的色彩关系的组织运用。凡高的创作始终是以一种感情上的“现实主义”为目标，是一种感情的集结和疏导，由此而产生的情感色彩形式往往显得更为单纯和强烈，因此具有更强烈的情感影响力。

笔触和色彩的密切结合是凡高情感色彩语言的另一主要特色，他将印象派的色点发展成色线，他的这种色线不再仅仅服务于形体，它本身就是画家的感情的一种直接的表现。他画面中的无处不在的跳跃的、疯狂转动的笔触和着那饱含感情的色彩，暴风雨般地铺陈在画布上，形成一种强大的精神和视觉冲击。

三、凡高的色彩表现对现代绘画的影响及意义

从历史的角度来讲，凡高的作品中包含着深刻的悲剧意识、其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在时代的前面,的确难以被当时的人们所接受。但凡高的绘画中独特的审美力量并不单单是视觉印象的表述，而是蕴涵在视觉因素之中的深刻情感体验、表现，以求达到实实在在的真实。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。

综上所述，凡高及后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统，建立了自己独特的审美原则，引发了两大现代主义艺术潮流萌芽，即强调结构秩序的抽象艺术(如立体主义、风格主义等)与强调主观情感的表现主义(如野兽主义、德国表现主义等)。在艺术史上，后印象主义被称为西方现代艺术的起源。

同时凡高也以自己的艺术实践，向后来的画家展示了色彩自身所具有的强大的精神表现力，为他们的进一步的探索指明了方向。以马蒂斯为代表的法国野兽派画家以及德国的表现主义画家在绘画中更加全面地展开了对色彩的情感本质力量追求，从而实现了现代情感色彩本质的全面解放。

、视觉艺术与美术作品

视觉艺术是一种传达信息的“语言”，和我们日常使用的口头语言及书面文字一样有着自身的结构和规则。这就要求我们通过自己的视觉来理解与领会艺术作品所传达的信息和意蕴，要在一定程度上来认识与感受艺术作品所传达的视觉形象语言。通常，艺术家在传统的视觉艺术形式下，采用娴熟的技法将大自然中被认为美的人和物描绘下来。视觉语言是由视觉基本元素租设计原则这两部分组成的一套传达意义的规范与符号系统，视觉基本元素基本上有：质感与空间、线条与形状、明暗与色彩，等等，这些是组成一件美术作品的基本。视觉设计原则有：布局和对比、节奏和平衡，等等，这些是艺术家们用来组织与运用视觉基本元素进行艺术作品表达的原则和方法。所以，艺术家们会根据需要，运用相应的素材以及表现形式，采用相应的原则和方法，从而形成一件能够表达一定内容的艺术作品。美术也是视觉艺术的一种表达形式，它也是采用视觉语言来表达艺术家感情的艺术。所以，欣赏美术作品是欣赏者通过视觉对于美术作品的外在表现形式、美术作品的感情内涵的认识过程，以及自己的内心情感与作品中所要表达的感情进行融合的过程。因此，无论是对一般的民众，还是对艺术家来说，运用视觉的心理感受来对美术作品进行欣赏，是一种不错的感情体验。所以，艺术家在创作美术作品的时候，如果只是注重展示表现手法、物质材料和作品结构等方面，而没有内在感情投人的话，那么他的美术作品就不能给予欣赏者视觉上的感受。一位有经验的英国美术教育家曾告诫说：“除非你也有过达芬奇画《蒙娜丽莎》时激动的感觉，或是认为你也有这种情感，你才有权利说你欣赏她。”L2美术是艺术家用来表达内心感情的艺术，在美术作品中蕴含着多彩且丰富的情感内涵，因此，当欣赏者在欣赏美术作品时的视觉心理感受与其内在蕴含的感情有交集的时候，才能称之为真正的美术欣赏。

        艺术是人类情感符号的创造。艺术家通过艺术作品来传达个人的情感，那么艺术家怎样把个人情感通过外在的形式表现出来，艺术形式是艺术家情感的体现，情感需要艺术家通过艺术技术来实现。如何将个人情感和外在形式完美的结合起来是艺术家所追求的，通过传统技法、个人经验来完成。艺术的本质在于艺术家把释放的个性、情感通过一种属于自己的有意味的形式传达出来。作品创作的核心是个人情感的表达，艺术家情感意识的产生、发展、升华是艺术家艺术创作的生命线。那么个体情感转化为有意味的形式是艺术家需要思考的问题，也是艺术家艺术创作的根本问题。如何解决这个问题，就要从两个方面入手来处理好情感和形式的关系。首先，艺术源于生活，艺术家通过对生活的感受而产生有意味的形式，有意味形式产生的源泉来源于艺术家对生活的体验：其次，艺术家通过有意味的形式来传载个人情感。

        例如传通中国画与西方现代绘画传统的中国画和现代西方表现绘画在情感的表现形式上却大相径庭。中国绘画，在对主观情感的表达上，依然努力地接近自然，对自然不失其基本的相似性与可理解性。西方经由古典的再现绘画转入现代的表现绘画，情感的表达可以完全脱离客观具象，是在对物象的否定中形成的，强调艺术是一种创造，把情感表现置于主要的地位。

        艺术用符号形式表现普遍经验或对生命的情感，因此艺术的含义就在符号形式自身，而艺术也可以称为有意味的形式，一句话形式创造了艺术。除了外在形式以外，情感也是艺术创作中重要的决定因素。情感是艺术创作的源泉，没有情感就无法创作；情感是判断构思是否“合理”的标志；情感与其他因素结合起来可以丰富艺术的表现力。但都以形象与情感的结合为最重要基质，任何审美创造都离不开这两个方面，即使是再冷静的作品，艺术家的主观判断与相应的情感也是隐减在作品中可以仔细捕捉山来的。总之，个人认为现当代的艺术创作必须在艺术家的情感、形式两者统一协调的推进中得到形成，才能使艺术获得健康和好的发展。在人类的艺术世界的召唤下，艺术家需要不断激活审美情感，努力把这种情感转化成恰当的形式，从而创造出伟大得艺术作品。

        例如中国古典音乐与西方现代音乐。西方音乐往往主客对立，往往是通过音乐来表现一个客观的事物，一个故事，一个人物，或一个画面，然后通过这个事物的本身或悲怆或滑稽或优美的特点来给人以启发和触动，影响听众的主观情绪。然而中国音乐往往旷达悠远，情景交融，主客融合，有乐曲和演奏者精神上的和合，透过乐曲自身流露的情感去感染他人

对艺术创作者来说，绘画过程与情感表现主要体现在以下几个方面：

1 创作方向和题材选择

创作必须是自己全身心投入并通过一个画面来表达自我情感的过程。首先你要让自己看得见，感动自己，再让别人看得见，感动别人。灵感的到来往往是偶然中带着必然，肯定中带着否定的。外界环境因素提供的养分往往属于偶然，储存在脑海中的思想感情是必然。

对于艺术创作者来说，题材往往是表达个人思想的媒介。每个艺术创作者都有自己独特的艺术风格和情感表达，每个作者对自然生活的理解都有个人见解。选题目就是选自己的心思和灵魂，选自己应该对别人做什么样的表达。艺术创造最忌讳的就是虚情假意、矫揉造作，艺术作品可以通过艺术家本人注入自己的真情实感诠释着美的真谛。艺术源于生活，一旦脱离现实生活，脱离自然规律，就会失去生命力。画家需要通过他们的艺术修养和独特的艺术视野进行筛选，把自己的情感和感悟同现实社会发展进行有机结合，融入到创作作品中。

2创作过程和表现手法

在绘画创作的早期阶段，首先要做的是充分准备，再进行实地考察、拍摄、后期制作、整理等一系列复杂的工序，在准备阶段也需要结合自己的情感和愿望。在最初选定题材的过程中，绘画艺术创作者往往是摇摆不定的，他们需要通过细致的观察和切身的体会，将自己的感情进行分析以及一系列强化，逐步激发创作灵感，而不单单是机械式地临摹素材。

反之，如果对绘画对象的本质不了解，那么这种创作就失去个性。没有个性的作品就没有生命力，失去了存在的价值和意义，没有任何情感共鸣。因此，绘画创作者的自我情感表达很有研究意义，只有一个十足的情感生活体验，才能创造出震撼人心的作品。

综上所述，在艺术实践过程中，绘画对象经过艺术家加工后，与原始事物大相径庭。通过艺术创作者的情感表达，创造出一件有灵魂的艺术作品，正是因为这种创作欲望，才会激发艺术创作者的表达激情，观者所看到的不再是真实存在的物象，而是艺术家在自我情感和奇妙灵感的催化剂下，产生的一种新的抽象形式。

山水画的创作过程无时无刻不体现着画家们的个人心理与情感，将个人情感与客观物象联结，达到情与景合一的境界,这个创作过程是观察、感受、表达的过程，这个阶段的情感融入，是创作不可缺少的部分。通过山水画创作中的情感表达分析，对于创作实践有一定的现实意义，情感的融入，对于改变绘画僵化模式，让作品充满强烈的个人情感符号有重要作用。

1山水画创作中色彩与情感分析

山水画中颜色的使用一方面和“儒道释”“五行说”有一定关联，使山水画发展存在一定的局限性，但对于墨色与水的效果运用以及画面“留白”的处理也从另一方面也给了山水画另一种面貌。王维的“破墨”山水画一直有很多人推崇，他的作品体现着水墨的魅力，蕴含着禅意与诗意，表现着超然的人生情感。“随类赋彩”也要求着在创作赋色时要注意情感因素，不是完完全全真是地描摹客观物像的颜色，而是要融合画家的内心情感和创作经历以及创作设想融汇后形成的理想的画面效果。

2山水画创作中构图与情感分析

构图要根据所要表达的主题，把画面中安排的东西很好地组织起来，尤其是安排好位置和前后穿插关系和整体与前后的关系，从而更好地表达作者的主观想法。在这里，我认为最重要的是达到画面的和谐与均衡。中国山水画的构图中讲究画面中各种客观物象的连续性与气势贯通，通过物象的联系把整幅画的气息贯通起来的和谐的表现。山水画中不关用笔墨达到和谐，用印和提款也有着相同的效果，例如八大山人的提款和篆刻都有着强烈的个人色彩，这都是为了他的主观情感表现服务。

3山水画创作中皴法与情感分析

皴法是不同时期的山水画家通过实践总结出来的，具有很多个人特色，贺天健先生曾说：“中国画艺传统的山水画,是以山石的皴法美为主要艺能，除掉这个表现，便不是山水画，而是一种风景画”[3]。皴法能在细节上表达作者不同的风格，不同的皴法可以形成不同的效果，也代表着不同画家的审美和个人情感的不同表述，也有不同的情感表现，很多作品都会注重使用不同的笔法，例如李思训和李昭道父子的大青绿山水的“空勾无皴”、荆浩的勾和皴结合使用等，都能在山水画创作上表现情感的方式，也能让欣赏者感

4创作中情感表达的深层理解

创作中情感的缺乏，其实与对客观物象的观察和表现方式有着必然联系，大自然是鲜活的，任何的植物、树木、水流、云朵、空气等等这些元素都是运动着的并且拥有鲜活的生命力。创作的时候是否只是单纯地描摹物象，而不是仔细观察物象在空间中远近高低的不同姿态，再经过思考，融汇自身的情感和经历、经验，最终再落实在笔上。