试析舞蹈表演中情感表达的重要性论文

试析舞蹈表演中情感表达的重要性论文,第1张

试析舞蹈表演中情感表达的重要性论文

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试析舞蹈表演中情感表达的重要性论文 篇1

 论文摘要:

 舞蹈是用自己的肢体动作来表达情感的一种艺术表现形式,从而表现出舞者内心世界。舞者只有在舞蹈中赋予感情的时候才可以表现出舞蹈的活力,使舞蹈具有生命般具有灵性。所有的舞蹈表演都要建立在情的基础上,只有将最真实的感情用于每一个动作中,用自己的心灵舞蹈,用舞蹈表达自己的感情,就能表现出最能打动人的舞蹈。

 论文关键词:

 情感表达 舞蹈表演 联系 重要性

 舞蹈表演是一种带给观众视觉享受的艺术,观众通过观看舞者的肢体动作来感受舞者的内心,只有充满感情的舞蹈才可以使观众得到震撼。因此在舞蹈中赋予感情就是整个表演中重要的一部分,舞者必须具有良好的情感表达能力,这就要求舞者在生活中对于每一种情感都有深刻的理解,从而用在舞蹈的创作中,就可以将舞蹈中的喜怒哀乐表现出来,给观众呈现出高质量震撼人心的表演。

 一、对舞蹈表演中情感的解释

 舞蹈表演是建立在情感基础上的视觉艺术,舞蹈的表演需要技巧,但是再高超的技巧都需要有情感的表达。舞蹈中的情感并不是指自己的个人感情,而是应该具有普遍意义上的有价值的情感,这些情感可以是人们对国家的热爱之情,可以是对未来的美好向往。舞蹈表演中的情感还和舞蹈创作的背景有关,比如一个以少数民族为背景的舞蹈就应该有少数人民的生活习俗,还有少数人民的生活乐趣。这样舞者在舞蹈表演时就可以生动的表达出自己的思想,将自己对舞蹈的理解表现在肢体动作上,表演出具有情感的舞蹈。

 舞蹈表演要想表现中其中的情感,只通过单纯的动作,语言和视觉等方面上的变化是不够的。舞蹈表演所表达的情感需要你去塑造完整的艺术形象,然后通过这艺术形象去把所蕴含的情感鲜活的映衬出来。不同的舞蹈表演需要你塑造的艺术形象也不同,当你在表演中你的每个动作、每个表情,犹如立体的影像一般完整的映射在了观众的眼中,让你所表达出来的情感饱满感人。这种塑造艺术形象的方式,不仅让舞蹈表演所表达出来的情感让人更容易去体会、理解,还可以让人们更容易去挖掘深层次的情感。

 二、情感表达同舞蹈表演之间的联系

 舞蹈表演的过程中,情感表达是最重要的部分。在很多时候舞蹈表演的过程和情感表达的过程是等价的。舞蹈表演要求舞蹈者在表演中要善于去抒发感情,尤其是要去抒发存在于人类内心深处那百位陈杂的感情。我们在欣赏舞蹈表演时,可以清晰的感觉到舞蹈者的每一个动作,每一个表情甚至每一个眼神都有着别样的韵味,那其实是舞蹈者情感表达的过程。要想将这种技能练到最好那是极为不易的一件事,这就要求舞蹈者的身体的每一个部分,甚至于小到每一块肌肤到能够成为表达情感的工具。当在表演时,舞蹈表演者在每一个细节上都是情感的表达,这充分表现了情感表达在舞蹈表演中的重要地位。

 舞蹈表演是情感表达的外在表现形式。舞蹈的编导者在创作舞蹈的时,通过多种方式的编排,将自己所要表达出来的情感以及在技术上的追求都融入到了舞蹈中。可以说舞蹈表演的每一个动作、每一个细节都有着编导者在艺术上的思考以及追求,因此要想将情感表达的淋漓尽这,这就需要舞蹈演员与编导者的情感表达达成一致。舞蹈者和编导者双方在交流的过程中,让一个舞蹈形象不断的进行着完善,让一个舞蹈形象所蕴含的情感更加饱满,让一个舞蹈形象给人的印象更加深刻、生动。舞蹈者和编导者在各自的思想空间中进行着思考、进行着创作,相互传递着各自的艺术思考和情感追求,最后相互融合。编导者将自己所有精力融合在了舞蹈中,为舞蹈者在舞台上释放感情提供个最初的源泉。

 三、情感表达在舞蹈表演中的重要性

 舞蹈表演是一种让人们在视觉上享受的艺术,通过肢体上的动作和语言带给人们以美的享受。舞蹈表演不仅仅只是表面上的动作,其内在的情感的传递才是舞蹈表演的真正艺术所在,世界上最让人感动的舞蹈表演都是融入了丰富的情感的,所以舞蹈表演其实是一个情感丰富的世界。如果一个舞蹈缺少了在情感上的表达,那就好比一个没有灵魂的躯壳,毫无生机可言,所以情感表达在舞蹈表演中是多么的重要。

 舞蹈者在于舞蹈上素质的高低由情感表达能力所决定着。舞蹈表演的过程是十分复杂的,它需要舞蹈者能够去塑造一个具体的人物形象,去抒发所要表达的情感,所以,舞蹈者表演的是否成功由情感表达直接决定着,也可以说是没有情感表达所支撑的舞蹈表演是一个失败的表演。观众在观看舞蹈时,他们看不到编导者在最初始的时候将情感融入舞蹈中的过程,也看不到舞蹈者对于这个舞蹈的描述和理解,但是观众们可以从无熬着的表演中感受到那所蕴含的情感。对于舞蹈者来说情感表达无疑是一种艺术,同时对于观众们来说,情感表达也是一次零距离接触艺术的机会和享受。如果舞蹈表演离开了情感表达,那就会变成像武术、体操这些肢体上的动作。

 舞蹈表演的感染力在很大程度上是依靠情感表达来体现出来的。单单的舞蹈技巧是体现不出来舞蹈在艺术上的感到染力的,如果一个舞蹈让观众们在观看之后受到深深的震撼甚至于久久不能忘怀的话,那么这次的舞蹈表演一定蕴含着极为丰富的情感,才让人们回味无穷。舞蹈者在表演中带着丰富的情感,将这些情感融入到自己的每个动作、每个表情,在舞台上尽情的挥洒着自己的情感,将这些情感传递给观众,达到情感的传递。舞蹈不仅仅是艺术,它也是我们现实生活中很多生命力的体现,这样表达出的情感感染力是非常巨大的,让人们感觉更加贴切、真实。

 四、结语

 情感表达在舞蹈表演中有着非常重要的作用,它不仅对于舞蹈者来说是自己艺术价值的体现,同时对于在舞蹈背后默默创作的整个团队来说也是有着非凡的意义的,还让观众在视觉和心灵上得到了双重满足。舞蹈表演不仅仅是一次视觉上的表演,而成为了一次情感上的交流和共鸣,可以说是舞蹈表演给与了情感表达传递的媒介,而情感表达给舞蹈表演赋予了灵魂。在舞蹈表演过程中,只有将最深层次的情感表达出来,传递给观众,才能说是真正的成功。一次真正成功的舞蹈表演,不能只让观众们过足眼瘾,还得让观众在精神上得到启发和享受。

 参考文献:

 [1]颜晓燕试论学前教育新师资的职业培养导向[J]学前教育研究,2006,(Z1)

 [2]陈洁学前教育专业的舞蹈教学[J]邯郸学院学报,2006,(01)

 [3]李文琦浅谈对幼师专业学生的舞蹈教学[J]江西教育,2008,(15)

 [4]田静中国舞蹈名作赏析(1949-1999)[M]北京:人民音乐出版社,2003

试析舞蹈表演中情感表达的重要性论文 篇2

 1、引言

 舞蹈的细化分类,以舞蹈生态学的角度,即为“舞词”。舞词为单位构成舞蹈,很显然,舞词的动作特点就是细部的舞种动作特点。中国古典舞的肢体动作,是来源于戏曲、武术、芭蕾以及史籍、壁画等方面的资源,“广采博收”之后,形成了其动作的基本特点。古典舞身韵有“动作从反面做起”之说,即“逢冲必靠、欲左先右、逢开必合、欲前先后”的运动规律,一个动作和动势是往左,但却必须变成从右起势,起势的过程必以呼吸为带动,意识起,呼吸起动作。

 中国古典舞身韵的呼吸,不单单是气在体内的运行方式,更是中国古典舞中动作走势的牵引主体。例如:身韵中的元素训练“提、沉、冲、靠、含、腆、移、旁提”,“提、沉”是由呼吸带动躯干做上下的直线运动,在做“沉”时,由呼吸气沉丹田下沉,同时它的动势是先由“提”起法儿,在做“提”时,则是在“沉”的基础上再深呼吸,由“沉”的微弯状态变成“提”的直立状态,气息要有往上的感觉,其动势变成了先由“沉”起势,“提沉”训练最后所要达到的目的是“提”不止“沉”不完的贯通阶段。如果只立足于运动的角度,中国古典舞的动势实质,其实就是一种“气象”,即“气之循环往复、无始无终”的运动意象。

 2、中国古典舞肢体表达特点与其情感特性

 还有,中国古典舞具有其动作体系当中独特的轴心点一腰。腰,不止在中国古典舞中具有轴心点的作用,在人类身体也处在中线位置,其本来的作用就是上下身的节点和某些动作的旋转轴心。中国古典舞相比较于其它舞种,更为明显和合理的运用了人类的腰的特点,并将美感与柔韧发挥到极致。中国古典舞动作的运行规律是动律元素由心意带动呼吸,再由呼吸支配腰部而体现的。也就是表示,意识带动精神,精神转化为意图,再由意图产生物质动作,而最为重要的转化过程,是以腰为点发散到全身以实现。

 “平圆、立圆、8字圆”三种最基本、最典型的运动路线和轨迹就是以腰为轴所产生的,是整个肢体运动造成的圆线轨迹,不止是形要圆,也是运动时线路要圆。平圆:上肢动作运行时展现在观众面前的是一个圈状的圆线运动,如磨盘状,典型动作“云肩转腰”。立圆:上肢动作运行时展现在观众面前的是一个平面的圆线运动,如车轮状,典型动作“摇臂转肩”。

 8字圆:肩部或者双臂同时进行相反方向的两个圆线运动,形成前后或者左后两个相对称的车轮式的圆线运动,如8字状,典型动作“风火轮”。中国古典舞的相当一部分基础动作都要在此三圆基础上产生,例如:主干动作之一“云肩转腰”,是古典舞中一切“平圆”动作的基础,因为它包括了“提、沉、冲、靠、含、腆、移、旁提”的全过程,其自身的“形”与“神”也极富有风格性和韵律性,“云肩转腰”不仅为圆的多变走向作好腰部的能力准备,而且还可以由此派生出更丰富、更典型的以圆为特征的动作形式,平圆与传统动作中鲜明的横向动势相结合,形成了中国古典舞动作在整体上具有横向动势的特征。

 上文已说中国古典舞动作的运行规律是动律元素由心意带动呼吸,再由呼吸支配腰部而体现的。何为心意?想要动作想要表达的意图。为何想动作想表达?摒弃世俗的动因,主观来分析,是因为有表达有动作的欲望和情绪,而正是这欲望与情绪,促成了动作的生成,舞蹈的生成。情感是肢体动作产生的主因,也是驱使一个动作继续发展的动因。在中国古典舞的肢体动作中,情感在很大程度上具有整体性、连贯性和从一性。

 气的牵引作用引导情感在肢体动作的行进过程中灌注于全身,形成了情感表达的一致性,也就是说,呼吸牵引身体向_[发展,带动的情绪也是整体往上,在这种动势之下,情感不可能逆全身而动,去发展下行规律,也就只有随之往上。同时,情感对于动作具有反作用力,情感基调是往下的,动作就不能往上,这就保证了一个动作的整体协调和情感完整。也正是因为中国古典舞的呼吸,其肢体动作具有相应的连贯性,带动了情感表达的连贯。呼吸是有规律可循的,舞蹈时,只能欲左先右,却不能在左到一半时忽然往右,呼吸的牵引、气的循环是不允许此类动作的突然变异的。

 这就决定,情感跟随呼吸完成一个动作的连贯表达之后,刁一能切换进入下一个动作的场景和情感。情感在中国古典舞肢体动作中的从一性,情感的表达是多层次多方面的,人类在瞬间可以表达数种不同的情感,但是,在肢体动作的单一行进过程中,情感是具有从一性的,也就是说,在一个动作里,情感是单一的,不能多元对立存在,就算是某一个舞蹈作品表现的是爱恨交织的情感,但在一个单位动作里,是没有办法也不存在统一情绪两方的。整体性、连贯性、从一性,情感在中国古典舞肢体动作中的表达的三个特点,是相互依存的。从以上分析可以看出,在某些程度上,三个特点都依附中国古典舞所特有的肢体动作特点而存在,不以具体作品为转移;它们是以单一的动作为依托,与物质性动作相互作用,互为影响;并且三个情感特点之间包括其与动作之间并无矛盾关系,无戏剧冲突性。

 3、结语

 凡是舞蹈艺术的范畴当中,不论国家区域的区别,舞种的不同,都是由肢体语言来进行表达的,肢体语言构成一连串的动作,动作相互串联变成一个相对完整的体系,而后构成完整的舞蹈作品。一个舞种的特点,完全可以从肢体动作、动作体系当中体现出来,本章将从这几个方面出发,以肢体动作的情感表达,动作体系的情感表达再到舞种本身的情感表达,去了解中国古典舞中情感表达的特点、形式、风格等。

试析舞蹈表演中情感表达的重要性论文 篇3

 一、舞蹈中情感表达的重要性

 舞蹈是一种视觉上的艺术,需要的便是舞者利用肢体上的动作给人带来的视觉上的冲击以及灵魂上的启迪。舞蹈表演需要舞者利用动作进行人物形象的塑造以及情感的抒发。说实话,对于专业的舞蹈演员来说,所进行的动作没有什么差别,而最终舞蹈的表演存在差别的话,便是舞者的动作的感染力存在差别,进而影响了舞蹈的情感表达。而没有感情的舞蹈动作就像一个没有灵魂的躯体,观众无法从舞者的表演中体会那种情感,无法引起思想上的共鸣,当然了,无法触及观众深处的灵魂。而这样的表演无疑是失败的,舞蹈表演中情感表达的重要性也要求每一位舞蹈教师对于情感表达的重视。

 二、加强舞蹈中聋生情感表达的措施

 情感表达是整个舞蹈的灵魂所在,是整个舞蹈表演中不能缺少的部分,而聋生在这个方面由于自身听不到的原因,便对于情感的理解以及情感的表达上存在着一定的间题。这便是舞蹈老师在对于聋生进行教学的时候需要注意的。加强学生眼睛方面的训练眼睛是心灵的窗户,我们内心情感便是通过眼睛进行传达的,而聋生由于生活环境的单一,对于眼睛中传达的感情大多数是十净的、纯洁的,但是这种清澈的眼神对于舞蹈中的一些情感的表达会出现妨碍,无法将舞蹈中的感情进行有效的传达。

 而此时便是需要老师进行相应的眼神的训练,可以采用老师讲解、示范、观看影片等多种形式,帮助聋生加强对于眼神中感情的传达的能力。J卜且老师所进行的情感的讲解也应该是多方面的,因为舞蹈表演中所涉及的情感是多方面的,这就需要老师讲解多样化,学生能够融会贯通

 三 、结语

 在舞蹈中进行情感的表达是相当必要的,是整个舞蹈表演的灵魂所在,所以说对于舞蹈中情感的表达是相当重要的。而聋生在这一个方面存在的他们自身无法避免的劣势,但是这也并不是说是没有必要的。

 所以说,在对于聋生舞蹈表演中情感的表达需要教师在眼神、面部表情、动作以及各个方面进行指导,让聋生能够全方面地理解整个舞蹈动作的精髓,从而在进行舞蹈表演的过程中,能够将自身的情感能够更加收放自如地带人,能够为观众带来更多富有感染力的舞蹈作品。

试析舞蹈表演中情感表达的重要性论文 篇4

 舞蹈的美离不开内心情感的表达,而音乐与舞蹈模块的教学离不开情感表达的培养。使学生充分认识情感表达是舞蹈作品表现与完善必不可少的一部分,通过模块的教学引导学生认识、体会和把握舞蹈中的各种情感,辅之以创编的教学手段,向学生全面展示情感在舞蹈中的深刻含义,是音乐与舞蹈模块教学的主要目的。

 舞蹈是用肢体动作和面部表情表达内心的情感,是美的艺术,动作是舞蹈的生命,情感表达是舞蹈的灵魂。高中音乐与舞蹈模块教学中,教师主要是培养学生在舞蹈中的情感表达,只有了解情感表达,才能更好地了解、表演和感受舞蹈。因此,教师要加强学生情感表达的培养,让他们在学习舞蹈、欣赏舞蹈作品时产生深刻的体会和共鸣,以便更有效地推动舞蹈教学。

 一、认识情感表达

 民族舞蹈情感表达的元素包括生活习惯、地域特色和体态等,民族舞作为我国艺术教育的主要组成部分,在高中舞蹈教学中起着至关重要的作用。民族区是我国民族数百年来创造的文化成果,每个民族都有其各自的特色和特点。比如,人音版高中音乐第五节的《飘逸的南国风》,这是一首带有独特民族风情的曲目,教师可以就此与云南傣族的孔雀舞相结合。傣族人民在大自然的沐浴下亲近大自然,形成舞蹈的风格也就与大自然相关,孔雀舞表达的是傣族人民心目中对孔雀的崇敬,他们认为孔雀是圣鸟,是善良、智慧、美丽和幸福吉祥的象征。在学习《飘逸的南国风》这节课中,教师可以采用对比教学方式,把傣族人民的生活与学生的生活作对比,让学生认识到傣族的音乐风格和舞蹈风格来源于生活,感受民族间的文化特点以及文化差异。在此期间,对比教学手段要多样化,从有趣的角度切入教学,充分调动学生的积极性和主动性,为以后学习情感表达做铺垫。舞蹈还具有故事性,这也离不开情感的表达,例如人音版高中音乐与舞蹈教学中的中国古典舞蹈,这一教学目标是让学生了解中国古典舞的基本知识,学习中国古典舞的手形、手位,并能够初步掌握其中的要领。

 二、学习情感表达

 1肢体动作的培养

 舞蹈教学应培养学生对舞蹈的喜欢和热爱之情,发自内心的喜欢才能够真正地表达内心情感,舞蹈情感主要是通过肢体动作表现出来的。学生学习舞蹈中的情感表达必须培养肢体动作,情感表达需要协调、优美和灵活的肢体动作。在高中音乐与舞蹈模块教学中,舞蹈中的肢体动作的培养不容忽视。由于许多学生的舞蹈基础和协调能力各有差异,教师需要根据这些特点在舞蹈教学中因地制宜。高中生不适合专业的舞蹈训练,应尽量减少基本功枯燥的训练,增加有趣的舞蹈学习,通过学习基本的舞蹈动作来提高学生的感受力,这样才能让学生在学习舞蹈的同时更好地感受舞蹈中的情感。掌握舞蹈的肢体动作是培养情感表达的基础,因此,在教学中教师要严格要求学生,规范动作要领,与此同时,运用生动的语言以及幽默的肢体动作教学,提高学生学习兴趣,营造轻松和谐的学习氛围。

 2内在情感的培养

 所有舞蹈都是发自内心的情感表达,教学过程中,许多教师一味地追求学生的表现力,忽略了其内心的情感反映。没有发自内心情感表达的舞蹈是没有生命力的舞蹈,难以引起共鸣,因此,在高中音乐与舞蹈教学中,学生内在情感的教学尤为重要。例如,我在播放人音版高中音乐第二十三节的《爵士乐》时,让学生试着跟随音乐自己舞动,但是由于学生羞于表现,都只是跃跃欲试而不敢真正表达出爵士乐的舞蹈。这时,我就把学生分为三个小组,以斗舞的形式展开让其进行表演,只见学生一个接一个主动地上台表演,过程中他们有说有笑地进行交流与借鉴。这样的教学使学生的内心情感调动起来,避免了直接把教师的情感强加给学生。

 三、善用创编舞蹈深入体会情感表达

 舞蹈教学中让学生模仿原有的舞蹈作品限制了学生的情感表达和自由发挥,学习创编舞蹈动作表达心中情感,使学生化被动为主动,有感而发地去创造。通过利用创编舞蹈的形式,能够帮助学生学习、体验情感的表达,是培养其创造力的有效途径,是体会情感表达的重要手段,与此同时,教师还要启发学生在创编的舞蹈中自由表达情感。引导学生创编的过程中,教师可以创设情境让学生创编舞蹈,情境中的动作不需要过多,只要让学生能够感受其舞蹈渲染的情感即可。学生创编的舞蹈能够恰到好处地表达自己的情感,给其他学生留下深刻的印象,感染他们并引起共鸣,达到我们舞蹈情感表达的教学目的。

 总而言之,情感表达是高中音乐与舞蹈模块教学中的灵魂,常规的舞蹈教学不适用于高中的特殊教学环境,长期枯燥的基本功训练也达不到教学目的。教师只有通过引导学生领悟舞蹈中的情感表达,才能更好地感受舞蹈的美。

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乐曲演奏过程中的停顿也有情感表达的作用:

白居易的《琵琶行》中,表达奏乐就算停顿,也能表达感情的一句式诗是:此时无声胜有声。

诗人用“别有幽愁暗恨生,此时无声胜有声”的佳句描绘了余音袅袅、余意无穷的艺术境界,令人拍案叫绝。“此时无声胜有声”,意思是默默无声却比有声更感人。

比喻有时候不说话比说话更有用。像另有一种愁思幽恨暗暗滋生,此时声音暂歇却比有声更动人。

诗人描写琵琶声,有落玉盘的大珠小珠,有流啭花间的间关莺语,有水流冰下的丝丝细细,有细到没有了的“此时无声胜有声”,有突然而起的银瓶乍裂、铁骑金戈,它使听者时而悲凄、时而舒缓、时而心旷神怡、时而又惊魂动魄。

音乐演奏中的轻重指的是乐曲的力度变化,缓急指得是演奏中的速度变化,抑扬顿挫则是演奏家的情感表现。正是这些变化和表现赋予了音乐作品以鲜明的特色和感人至深的各种情趣。

在突破了单一基本功练习的障碍后,演奏者才可以真正把握长号演奏技巧、曲风,从而通过乐曲的表面风格,深入把握音乐内在情感,领悟到曲子更是一种情感语言的表达,更是表演者内心故事和思想意识的表达。

演奏家与听众沟通的方式就是演奏音乐,但是每个人的经历不同,对乐曲的理解不同,运用的技法不同,所以就算是同个曲子,不同的演奏家演奏的版本是不同的。LZ所说的音色与情感的关系实际上就是演奏家传达给听众的他自己内心的东西。表达压抑,悲伤的情感,就用低沉的曲调,这时候演奏的力度在保持音色清晰的同时不能太重,明亮轻快的曲子反应快乐的心情就用明快的调子,手指触键的时候大多带有弹跳的感觉,这样出来的音符会像断了线的珠子,音色清亮透明。。。简单说就是这样,但是,最重要的一点是,弹钢琴也好,演奏其他乐器也罢,是用心来演奏的,而不是用手,就算是技法上炉火纯青,弹得时候没有用心去体会音乐,那出来的曲子也没有灵魂,也是失败的

二胡演奏中情感的把握以及力量的使用

 一个好的二胡演奏者可以很好地把握演奏时的情感表现,同时演奏的力量使用恰到好处,那么我们在二胡学习中如何把握这种演奏情感和力量使用呢下面我带大家了解一下。

 在众多的民族乐器中,二胡的发展历史可谓短暂,远远不如笛、箫等。但自唐宋以来,它一直深受人们的喜爱,发展至今,它已成为世界艺术中不可缺少的一部分。

 我国是多民族国家,千百年来,由于时间的推移、地域的划分、时代的发展等一系列的变化形成了大量不同种风格的二胡作品。所谓音乐风格就是指音乐作品所表现的主要思想特征和艺术特征。了解这一点,我们才能对作品进行更深入的分析,更淋漓尽致地表现音乐。那么怎样掌握各具特色的二胡作品,敲开风格的“大门, 如何正确把握作品的情感表现呢

 一、了解作品

 从哲学普遍联系的观点来说,世界上的任何一件事物都不是孤立存在的,它们是一个普遍联系的有机整体。二胡作品当然也不例外。当我们拿过一首作品,首先必须对它有所了解,不应盲目地去演奏乐谱。这里的“了解”不只是力度,表情术语……更重要的是它的背景,其中包括作品产生的时代、作曲家的生活经历、艺术道路、创作个性以及作品的创作意图。这些才是作品的“根”。另外,我们还应该了解作品的“双重性”,即地域性与时代性的统一。地域性,就是指不同的地区、不同的生活习惯、不同的地理环境所形成的具有地方特色的乐曲。我国民族众多,各有各地的方言、各地的民歌、各地的地方戏曲。“一方水土养育一方人”,同时也为二胡作品的创作提供了多样化的`地方音乐素材。例如:江南的语调柔和,自然环境优美,它所形成的音乐都有着细腻、柔和的特点;那么相对于南方来说的北方音乐,由于北方人的语言粗犷、性格豪爽,那里没有江南水乡的秀雅,但却有冰天雪地的北国风光,这便形成了刚劲、有力、豪放的北方音乐风格。所谓时代性,它是指不同的乐曲在不同的时期、不同的社会背景下所突出的时代意义。例如,有控诉了黑暗旧社会的不平等,憧憬着美好未来的;也有歌颂祖国大好河山,激励人们永远向前的。它所反映的是时代的脉搏,时代的精神。

 从“双重性”来说,任何一首作品都有其地方风格,而这种风格又离不开与时代性相结合;反过来说任何一首时代性的作品都呈现出其地域上的风格特征,所以二者是相辅相成、不可分割的。因此,我们在了解作品时一定要注意地域性与时代性的相互结合,忽略任何一方都不能完整地表达乐曲的内涵。以《二泉映月》为例,从题目上看是在写江苏第二泉的优美景色,感觉宁静、优美,但作者却是“醉翁之意不在酒”,他寓情于景,情景交融;寓情于乐,以乐言志。向我们展现了他饱经沧桑的一生。从地域性来看,作者华彦钧是江苏无锡人,此乐曲具有浓郁的江南韵味,乐句中也呈现着江南小调的色彩及细腻的演奏技巧。从时代性来看,当时阿炳所处时代是军阀混战、日寇入侵的战乱时期,政局腐朽、民不聊生。作为社会最低阶层的民间艺人,他的一生是痛苦凄凉的,而在这种情况下,他却表现出了宁折不弯的坚强性格,向黑暗的社会提出控诉,他是处于阶级压迫、民族压迫之下的反抗精神力量的代表。这首作品苍凉中见挺拔,凝静中见刚直,蕴含着大气朴实的美感,有强烈的时代意义。所以,我们在学习这首作品时既应抓住作者的心理,又不能忽视江南地区所特有的风格,注意两者的相互统一,这一点对于表现作品的完整性是极为重要的。

 二、抓住特色

 在已经了解作品的前提下,我们还要对作品进行进一步的分析,看它具有什么地方性的特殊技巧、特殊的语调和特殊的旋律线条,这些都是构成区域性特色的重要组成部分,要掌握这一点,笔者认为最有效、最科学的方法就是多听、多唱。演奏二胡也应像说话、唱歌一样,有呼吸、有语气、有各种表情,无论是活泼、欢快、委婉、优美的乐曲都表现出一定的内容,即使是最简单的几个音也是有生命的,有的坚定有力、有的轻捷跳跃,一定要表现得地地道道、有声有色。只有“心声相融”,才能掌握作品中的乐感和旋律的起伏流动,从而得到最美妙的“声”。

  二胡演奏时力量的使用:

 尽量保持自然状态。二胡演奏中的放松取法于自然。我们说的放松并不是肌肉的完全松弛,如:坐时哈腰、驼背,好像比坐姿正直要松弛,但并不自然,也不利于演奏,因此不符合科学放松的原则。科学的放松原则,是指绝不把劲使在不该用的地方,而要将力量集中用在必要的点上,具体举例讲,演奏时两腿放平,两脚着地是符合自然坐态的,但有些演奏者却将左腿高高抬起,以脚尖点地,这部分的力量对演奏没有起到什么辅助的作用,得到的却是不雅观的演奏姿态。

 又如,演奏时两肩应该自然下垂,这样既轻松、美观,又便于充分利用手臂的重量,但有的演奏者将两肩抬起,浪费了这部分力量不说,还抵消了手臂下沉的重量,且姿态不佳。再如:持琴时在上把位,左大臂与体侧应保持45 度角,这是一个最佳的角度,既自然松弛,又利于演奏,可有些演奏者将大臂高抬成近乎90度角,这个抬臂的力量纯属浪费。当把位换至中、下把时,大臂应该随之而下降,与体侧的角度变小,这是自然的,也是正确的,但如果大臂不随之下降,仍保持与体侧45度角,这就属于紧张了。

 反过来讲,如果在上把位,大臂就下垂,与体侧角度过小,好像是松弛了,但不利于演奏,也不自然,回此也是不正确的。人的手呈半握拳状是最自然松弛的,在按指时能保持最接近半握拳状的手型是符合科学放松原则的,但如果强调用手指尖按弦,而不是用指尖与指面交界肉多处按弦,必然导致手指过度弯曲,只能引起手指紧张、不灵活、发音薄等不良后果。

 在拉弓时,右大臂过早抬起,或推弓时大臂不能及时收回,使大臂架起,既浪费了抬大臂的力量,又抵消了手臂下沉的重量,还使右半弓的发音难于控制,所以它也是不符合科学放松原则的,但有些二胡技巧非手臂紧张不能奏出,如:伸展按指、飞弓、弯柱法等等,这种为演奏所必须的紧张并非错误。总之,在演奏状态上,包括坐姿、手型、动态等方面,讲放松就一定要把握住自然与必须这两个前提。

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1、理解作品的内涵与情感

演奏的首要条件是忠实于原作,凭借空想是不能演奏好一首乐曲的。这就需要我们了解并理解作品,理解作者的创作意图,与作者产生共鸣,再进行二度创作的时候就非常容易了。首先可以赏析音像资料。通过各位大师的音频或视频资料对作品有大概的认识,也能从他们的演奏中体会到作者想要表达的内容。然后,可以通过查阅文字资料,对作曲家生平,对作品的写作年代,对作品创作的时代特征及当时的音乐风格,以及对作品的国家、民族,作品问世以来的评价等进行仔细研究,使演奏者对关于作品的一切有全方位的了解,更易与作曲家的创作形成情感上的沟通, 更利于演奏者对作品情感内涵的把握。亨利伍德曾说:“人们能够给演奏者提出的唯一劝告是:在盲从的依附不适当的标记和那种过于自由地偏离作曲家的明显意图之间,寻找一种巧妙的平衡。”这种“巧妙的平衡”就需要变化的演奏技巧与丰富的情感相结合。

2、处理好音色与情感

音色是指声音的感觉特性。声音是由发声的物体振动产生的,分为基音与泛音。音色的不同取决于不同的泛音,每一种乐器、不同的人以及所有能发声的物体发出的声音,除了一个基音外,还有许多不同频率的泛音伴随,正是这些泛音决定了其不同的音色,使人能辨别出是不同的乐器甚至不同的人发出的声音。人们喜爱某位音乐家的演奏,通常是记住这个音乐家的演奏音色。这种演奏音色即是钢琴家所特有的情感音色,是钢琴家在了解了作品内涵、风格等之后用适当的演奏方法对钢琴音色的一种理想的控制。所以处理好音色与情感极为重要。

首先,音色的调控依赖于人们敏锐的听觉。在演奏乐曲时,合适的音高,均匀的时值,恰当的音量,变化的音色等等,都需要耳朵仔细地辨别,并让大脑控制手指的活动。所以演奏者需要时刻用耳朵去聆听自己横向的旋律是否优美,纵向的和声是否恰当、纵横结合的复调是否相融,以及弹出的音色是否符合心中想要表达的情感。

其次,音色的调控取决于不同的触键。触键方法的不同会带来不同的音色效果和情感表现。有了对作品和对作曲家的深入了解,也有了对演奏乐曲的基本把握,接下来重要的就是怎么样把想要投入的情感通过钢琴这个媒介表达出来,所以情感因素的技巧化就显得极为重要,触键就是其中的一位重要帮手。如弹奏欢快活泼的乐章时,需要明亮的音色,这时的触键就需要干净利落,以手指抬高垂直触键的方式较为妥当;当弹奏一些温柔细腻的乐章时,需要圆润的音色,这时的手指要紧贴着琴键,轻轻地按动;当弹奏一些刚劲有力、激情澎湃的乐章时,需要洪亮的音色,这时全身应该发力,透过手指猛击到琴键,将全身的力量注入指尖,弹出强而有力的音响。不同的情感处理需要不同的触键方式。一首作品有起有伏,时而激情澎湃的地方,时而宁静优美。所以,一首乐曲中通常是几种触键方式的综合运用。

 我为大家整理了一篇关于竹笛演奏艺术的论文,感兴趣的可以参考我整理的论文哦。

 竹笛演奏艺术有2000多年的发展历程,主要以线性思维为主,在单音的天地里追求变化,音色作为基本元素,就成为竹笛演奏中极其重要的表现手段。但仅有好的音色是不够的,演奏者还应具有良好的综合素质和丰富的内心情感。如何发出好的音色,主观上取决于演奏者要有正确的吹奏方法及在不同音乐表现中所酝之内心情感。俗话说“声情并茂”,我们要重视音色与情感之间具有的相互依存、相互制约的辩证统一关系,使音色与情感达到完美的结合。

  一、竹笛演奏中音色的掌握

 明代徐上瀛所著《溪山琴况》中,提出琴演奏的音色标准:“润”如水、“圆”如珠、“洁”如玉、“坚”劲有力、“轻”而不虚、“重”而不躁等。吹笛同抚琴,演奏的基本音色就是用符合竹笛发音原理及人体生理运动规律的演奏方法,发出既符合美的声音基本规范,又符合竹笛基本音响特性——纯净、明亮、圆润、甜美、丰满而有穿透力的声音。好的音色,要经过长期的练习之后,才能达到一定的熟练程度甚至是自觉性的条件反射。例如,演奏中口型的控制、气息的运用、手指的配合等,它们之间相互制约、相互关联。只有经过刻苦的练习,才能满足在演奏乐曲时各种音色及情感充分表现的需要。

 首先,要熟练掌握口型与呼吸的正确方法。口型的控制主要依靠唇部肌肉和面部肌肉伸缩力的大小。面部肌肉要放松,口型似含蓄的微笑,口腔达到自然放松。与其相配合采用胸腹式混合呼吸的方法,即胸腹同时扩张,最大量地吸气,气归丹田,而后,将气流以适当的直径、宽度、速度及角度吹出。恰当地使用口型与呼吸,才能使不同音区的发音达到平稳、结实、嘹亮、不虚不浮的理想效果。

 其次,舌的运用也是竹笛演奏的要点之一,舌在口腔内的位置与发音的高低有直接关系,靠后靠下适于吹奏低音,靠前靠上适于吹奏高音。

 再次,气、唇、指、舌各部分能够熟练掌握时,配合的`平衡性、统一性是对演奏技法更高层面的追求。如气流吹出,对笛管施力,人的身体与笛体合起来也是一个上下的纵重心轴,其前后左右都应是平衡的。各环节的运用相通相连,身体各部分与笛管相融,最终做到支点放松,力点集中,纵横对称,气身贯通。这样,对音色才能自如控制,达到圆、亮、厚的标准。

 二、竹笛演奏中的情感表达

 “凡音者,生人心者也,情动于中,故形于声;声成文,谓之音”①。情感是人在认识世界和改造世界的过程中,由于对客观现实对象和现象持有不同态度,而产生出各种各样的内心体验。而这些体验又是以人的感官对事物个别属性的反映即感觉为基础的。人们常把音乐称为情感的艺术,在演奏者内心情感调动下,发出的音响流动能够激起听者的情绪活动,产生共鸣。音乐虽然不是情感,却是情感的最佳载体。在音乐中,情感被直接模拟,这种情感的源头,来自于演奏者的内心感觉和想象。

 根据不同的情感表现需要,通过一定的演奏手法而奏出不同色彩的乐音,它不仅能表现情绪的紧张与松弛、激动与平静,而且还能表现情绪的积极、增力和消极、减力的变化,因而饱含了不同的感情因素。

 如乐曲《秦川抒怀》(马迪作曲)引子的第一句,表现西北人民坚强、豪迈、刚毅、倔强的性格特征时,要采用“刚”的音色,音头清晰有点,保持较强力度,具有穿透力和震撼力。技术上要求丹田鼓劲较足,重心靠前,力量传递直接,呼吸速度加快,气流加大,手指多用打音、叠音配合。相反,在演奏乐曲《向往》(曲祥作曲)第一段慢板时,则要采用“柔”的音色表现委婉、细腻的情感。音头较软而润,一般用中弱或中强的力度,具有流动性和抒情性。技术上要求重心相对靠后些,力量传递较慢,呼吸速度平和,气流较缓。采用柔和的音色,更适合表现憧憬的思绪。

 当乐曲表现饱满情绪和敦厚形象时,演奏的音色则要浓厚、丰满,共鸣充分,立体性强,富于张力和动感。其技术上要求使气流成束,胀满笛管,使笛管充分振动,支点位置靠后,重力相对较大,有时加以气颤音,使持续感加强,弧度感加大。乐曲《三五七》(赵松庭编曲)引子的演奏宜采用此种音色。

 在表现回忆的情感和幽静的意境时,薄淡的音色更为适合,其特点是频响范围窄,无须丰满浑厚和太多的立体感,更侧重清淡、平和。技术上要求发力位置靠前,重力相对减少,口风变小,气流较缓,方向略微向前、向上,手指无过多修饰。

 此外,有些乐句、乐段需要表现空远、虚幻的意境,那么,就要采用标准音色以外“虚”的音色或泛音来演奏,气流要求小而浅、缓而轻,呼气方向靠前、靠上,音头不甚清晰,音腹振动不很充分,给人若有若无、虚无缥缈的感受。

 “琴者一器,声色无穷”②,音色的变化无穷无尽,我们在演奏中应以情感表达为法,以情感音色为用。音色变化是情感表达的基础,而无论什么样的音色变化,都要以艺术表现的需要、情感的需要为轴心,使竹笛演奏艺术在横向的线的形态中获得变化和发展。

  注释:

 ①中央音乐学院中国音乐研究所中国古代乐论选辑[m]北京:中央音乐学院中国音乐研究所,1962:71

 ②赵晓生钢琴演奏之道(修订本)[m]北京:世界图书出版公司,2000:394

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