19世纪50年代,库尔贝是法国最有争议的画家,他是反对布尔乔亚社会的公开反叛者,也是写实主义公认的领袖,围绕着他有一系列对他那些据称是“粗俗和丑陋画作”的揶揄,不过他的运气不错,有一位富有的赞助人一直支持着他,所以库尔贝从不为钱而烦恼,可以按照自己的个性去创作,虽然有人说库尔贝的画作粗俗丑陋,但是也有人肯定库尔贝的写实女人油画洋溢出浓重的朴实美感,事实上,的确如此。
库尔贝曾说:“让我见到天使,我才会画天使。”这句话贯穿于库尔贝的整个绘画生涯,很显然,没有哪个人见过天使,库尔贝也不例外,因为“天使”只有在神话故事里,在现实世界中是不存在的,因此,库尔贝笔下的油画女人都是普通平凡的形象,没有“天使”般的美貌仙气,虽然库尔贝对人物表面的华丽从来不屑一顾,不修饰女人的外在形态,但是他追求“随意自然”地描绘女人结实的线条、焕发青春气息的躯体,捕捉女人内在的活力,从而让普通平凡的女人洋溢出那“朴实的美感”,
值得注意的是,库尔贝选择的女模特跟比例协调、体态匀称的浪漫时期风格美女是截然不同的,他习惯选择丰满且有些肥胖的女人充当自己创作的模特,也就是生活中农村的女人,她们从骨子里就显的朴实,或者说是不懂打扮的女人,库尔贝以敏锐的色彩笔触如实的还原了女人的形态,而且不带任何一点修饰,比如,掩盖女人身上的赘肉。在库尔贝眼里,写实主义就是要忠实于生活,无论描绘女人还是风景,这也是库尔贝要让笔下的油画女人洋溢出浓重的朴实美感的原因之一。
“女人”题材自古以来都是西方画家的灵感缪斯,对于库尔贝而言,无论是描绘感官肉欲的裸体、有趣的寓言、着衣女人,还是童年记忆中的风景,他都以诚实的态度去呈现这一切;库尔贝认为唯有朴实的美感,才能体现女人的纯洁或是艺术的纯洁,不过,朴实不代表不能裸露,比如,那幅《世界的起源》画中的女人裸露尺度之大让人汗颜,其实仔细欣赏之后,也没必要惊讶,主要是因为整个画面没有任何想象的细节,她只是一个朴实无华的女人,人们在观赏时感受到现实生活中的女人也有这个样子,没任何修饰的真实,突然让人难以适应。
库尔贝作品
库尔贝堪称是写实主义的创立者和领袖,19世纪深有影响的文学和艺术运动家,关注普通的人、日常的主题和视觉的逼真,尤其对法国农民群体感兴趣(包括憨厚的男人、朴实的女人),他笔下的那幅《田园恋人》画中一对情侣亲密拥抱的画面,女人的脸庞透出热恋中的甜美光彩,依然给人浓重的朴实美感;还有那幅《画室》画中的裸体女人也并非理想的美,也是显的肥胖,她正在看画家画画,画的左右两边各有一群人,姿态各异,大部分人都是在看画家画画,似乎都没看见画家旁边还站着一个裸体女人……,《画室》这幅画库尔贝要表达的寓意很复杂,既是真实的隐喻,也是对写实主义背后的哲学的隐喻,或者简单说是“女人朴实的美感,让人性没有任何杂念”,这也是库尔贝将笔下的写实女人油画洋溢出浓重的朴实美感的原因之一。
油画人体的表现形式如下:
1构图表现
在油画人体中,构图表现十分重要,构图表现体现了创作者的艺术审美以及创作目的。例如,V形构图往往体现着一种动荡感,在《舟发西苔岛》这一画作中,V形构图将近景与远景组成时间轴,体现了画面的时间感与流动感。
又例如,金字塔形构图往往体现着一种稳定性,在《梅杜萨之筏》这一画作中,艺术家热里柯通过金字塔形构图呈现出遇难者在竹筏上等待救援的场面。
再比如,锯齿形构图往往表达着一种忐忑和艰苦,在《逃亡埃及》这一画作中,乔托画通过锯齿形构图呈现出了逃亡途中的千辛万苦。
2造型表现
油画人体离不开人体造型比例,创作者必须准确把握头身比以及躯干与四肢比例。创作过程中,创作者可以采用准确或者是形似这两种造型表现方式。
其中,准确的造型表现体现出一种写实的创作风格,而形似的表现则体现出一种抽象的创作风格。后者更多凸显的是创作者的个人情感,画面中往往展现着抽线的人物造型以及独特的色彩风格。
3色彩表现
在人体油画中,色彩表现也是关键的要素之一,创作者必须掌握好色彩的冷暖关系。在人体油画创作过程中,创作者应该借助色彩的搭配以及明暗的对比来展现其创作思路,例如艺术家雷诺阿,在其画作中,通过光斑闪烁的人体肤色呈现出一种独特的艺术风格。
值得注意的是,一些创作者为了保持画面干净,往往使用单色彩来表达人体肤色,导致了画面缺少色彩变化感,效果不尽如人意。因此,创作者在绘画过程中应大胆尝试,突破自我,尽量使用丰富的色彩来表达不同的人体部位,力求创作出生命力十足的画作。
4空间表现
在人体油画中,空间表现十分重要,空间表现的好坏决定了画面观感是否具备深度。为了强化人体油画的空间表现感,突出主体人物、丰富画面层次,创作者可以借助透视原理来进行创作。
以《画室》为例,库尔贝将画面中的人物左右分开,人物随着纵向延伸不断缩小,进而突出了位于中心部位的半裸女子。
聊一聊19世纪晚期法国画家波纳尔笔下的那幅有关女性题材的油画作品《浴缸中的裸女》,这是一幅抽象主义油画,波纳尔是抽象画家,他主要的特长就是以独特魅力的色彩来修饰笔下画中的人物,虽然这幅油画的画名叫做浴缸中的裸女,
但是我们通过这幅画却丝毫感受不到裸女的妩媚身姿,看起来更像是一具干尸,因为画家是以色块来修饰整个人物的形态特征,我们是几乎看不到线条的韵律,完全感受到的是笔触的变化,更何况人物的面目表情我们也看不清楚,因为已经被画家完全模糊了,我们只是大致上可以知道人物的头以及身体,以及脚在哪个部位,
画中的女人据说是波纳尔的老婆,波纳尔的朋友常常取笑波纳尔,娶得这么一个让自己很烦恼的老婆,因为他的老婆并不是很漂亮,不过呢波纳尔却非常尊重自己的老婆,在他的众多油画作品中都会以自己的老婆为模特,无论是肖像画还是人体油画波纳尔都是如此,
这幅《浴缸中的裸女》波纳尔其实就是向外人展示出他和妻子的温馨 情感 ,因为这是一个相对暧昧的场景是吧,画家在他老婆沐浴时描绘她的形态特征,更何况这幅画的场景是在室内里面,而不是在户外,这也是从某个方面说明了画家的居家情怀,他是一个顾家的男子,顾家的丈夫。
那么这幅画作的主体到底是浴缸还是浴缸中的裸女呢?这在当时引起了一些争议,有人认为这幅画的主体是浴缸,因为画家以大多数的绿色调稍微带些**调来描绘了整个浴缸,而且浴缸的空间立体感也非常鲜明;相比较这个浴缸,裸女的形态特征就显得非常单一了,
除了头部是一些红的绿的这样的色调,她的肢体,她的整个身躯啊,就是清一色的肉色,而且呢也并不光滑细腻,反而显得很平面,空间立体效果几乎是没有的,所以就有人认为这幅画的主体是浴缸,而不是浴缸中的那个裸女,这样的说法很容易理解,毕竟主体它的特征要非常鲜明对吧,而背景或者说陪衬的场景反而要显得比较单一,
虽然浴缸中的裸女它是肉色调显得单一也很平面,但是从整幅画的画面来看这平面的肉色调单一的形态特征反而显得更加鲜明,它是完全独立于画面之上的,也就是说它是这幅画的兴趣中心,噢,人们可以瞬间就看到这个画中有这么一个裸女,这主要是因为整幅画中的其他细节部位的色调,
不是肉色调而是红黄蓝紫橙绿等等,这些是掉自然就跟肉色掉有很明显的差异,对吧,而且呢,这么复杂的色调看起来让人眼花缭乱,反而那单一的肉色调让人看起来比较舒服,容易看懂,容易辨别;所以说我们从整幅画作的色调分布来看就知道了,这幅画的主体必定就是浴缸中那个躺着的裸女,
为什么画家要把自己的老婆以抽象的方式描绘出来呢?其实这并不是因为画家的老婆长得很丑不好看,这主要是因为风格的需求,因为它是抽象画,然后更主要是画家想在这幅油画作品中展现出他的色彩能力,我们都知道油画是以色彩为载体的,虽然油画是以素描为基础,但是画家他要表现的就是色彩的效果,而并不是说素描的效果,
如果是展现素描的效果,那么这幅画就不是抽象画了,而是写实画了;波纳尔通过色彩的价值效果来释放他自身对老婆的情绪 情感 以及整个画面所要表达的内涵,这个内涵就是艺术可以表现出一个充满虚幻神奇的世界以及空间,画面中那五彩缤纷的色彩,它就营造了一种很神奇很虚幻的氛围,而并不是说是真实的氛围。
波纳尔作品《浴缸中的裸女》
值得注意的是,我们在画作的下方也就是说中间处可以看到一只棕色的小狗,这只狗坐在地毯上,然后呢,他望着前方很安详的样子,很乖巧的样子,其实这就是在象征着一种狗忠诚于主人的现象,狗它本身就是忠诚的象征,也就是说明了波纳尔和自己的老婆他们的婚姻是很纯洁的,他们的 情感 是很纯洁的,他忠诚于他的老婆,
或者说他的老婆也忠诚于他,因为这只狗在画中的出现,导致这幅抽象油画多了一些写实的元素在里面,更何况这只狗呢,也没有很严重的被抽象化,反而还是存在一些写实的面貌,在狗和裸女之间她们的形态特征,很容易让人们辨认出来的是那只棕色的狗,反而浴缸中的裸女,人们却没办法一下子辨别出他到底是男还是女,所以从人、物的表象上来看,狗它就具备了写实的元素,
我们稍微将注意力望向整个室内的各个地方,比如墙壁,比如地板,我们在地板上看到许多的斑斑点点,在墙壁呢也是许多的色彩方块,它们的形成,是画家为了烘托整个画面的虚幻的氛围,导致我们看到浴缸中的水也是绿色的,这样五彩缤纷的色彩,它瞬间给人一种很浪漫的气息,
所以我们又能这么认为,这是一幅带有浪漫主义色彩的抽象画,整个浴室内的浪漫氛围,让我们让每个观赏者都很容易明白画家以这个裸女的亲密关系,他们是一对浪漫温馨的夫妻,这也从中说明了人性的和谐;不过呢,我们是在这幅画中无法看到任何透视关系的,只不过画家是以各种的色彩,墙壁,地板,浴缸,人物一系列的色彩结构来凸显整个画面的空间立体感,
或者是因为有了色彩所塑造成的空间立体感,所以我们就会感觉到画中的女人她的真实存在,虽然她是以色块的形式出现,肉色调的形式存在,但是我们依然可以感受到她的真实,因为我们可以通过她旁边的那只狗来感受到她的存在,毕竟狗是活的。
如果我们在欣赏这幅油画时,没有去留意画中本身具有生命的那只狗,我们是无法感受到这幅画它的真实含义的甚至会认为,这只是一幅没有目的没有意义的抽象画,原因很简单,因为我们看不到主体女人的面目表情,所以我们借助身旁的那只棕色的小狗,去感受到浴缸中裸女的真实存在,通过以上的简单描述,这幅画呢,总体上给人一种很神秘很虚幻的视觉效果和艺术感染力,以及男女两性的温馨情怀。
1、色彩的情感表现色彩的情感表现色彩的情感表现色彩的情感表现 在一幅画中,最能体现画家情感的是色彩的变化。如果说画家的情感表现是一幅作品的灵魂,那么色彩就是绘画手法中的灵魂。画家的绘画创作目的就是用作品来表达自我的情感,那么只有通过对事物的色彩研究、总结、归纳,才能完成这一创作目的。 在画面中,体现的往往是高兴的或悲剧的。爱德华·蒙克的作品体现的就是浓重的悲味,在他的作品中给人的感受往往是压抑的、悲惨的,在画面中有一种类似被抽干血肉的干尸或骷髅的感觉,他们像幽灵一样在画面上晃动。而他通过使用纯度较高的亮色与暗色的混合使用强化了这种感觉,使作品带有鲜明的个人情感。 在色彩情感表现的世界里,最具有代表性的就是毕加索,他的一生是可以用颜色总结的:忧郁的蓝色时期、快乐的玫瑰时期。在孤独无助的蓝色时期中,其所创作的作品中最具代表的是《人生》,以浓郁的蓝色调表示贫老与孤独的苦难;而在玫瑰时期的作品,画面人物表情虽依然冷漠,却已注重对和谐美感与细微人性的关注。整体除了色彩的丰富性外,又已从先前蓝色时期那种无望的深渊中抽离。摒弃先前贫病交迫的悲哀、缺乏生命力的象征,取而代之的,是对生活充满了兴趣、关注及信心。 所以我们在表现中,就要利用色彩的冷与暖、厚与薄、亮与暗寻找色彩的象征性和表现性,使其描绘的对象具有象征意义,让它们产生精神上的含义。
2、线条的情感表现线条的情感表现线条的情感表现线条的情感表现 线条的情感表现是多样性的,曲线表示优美,直线表示刚强。而在油画创作的世界里,线条的作用也是多样的,对于写实油画而言,线条服务于造型,更多的是一种辅助的效果,而对于表现性油画创作中,线条则是情感的抒发,在画面中也更加的具有独立性、生动性。 在创作中线条的应用中,概括来说,可分为两种:一是线条情感的艺术表现,二是线条情感的自然表现。两者是有着本质区别的:第一,线条情感的艺术表现是为了更好地服务画面效果,不会毫无顾忌地使用线条,在使用线条的时候更加具有目的性。而线条情感的自然表现则是更加随心所欲一些,他表现的是画家创作过程中的心理反应,也许当时线条的应用只是一丝丝的灵感,而恰是这一丝丝的灵感,创作出一个遐想的空间。第二,线条情感的艺术表现是丰富的、细腻的、繁琐的,也许会有一些共性的东西。而线条情感的自然表现则是单调的、狂野的、简洁的,拥有更多的是作画者的个性展现。而在创作过程中,只有把艺术表现与自然表现更好地融入在一起,才能创作出拥有自我真实情感的作品。 奥地利表现主义画家席勒,他的作品受蒙克、克里姆特等人画风的影响,注重线条的表现是席勒作品不同于其他艺术家作品最明显的标记。席勒的绘画作品充满灰暗、焦虑、扭曲、痛苦、让人感受到席勤的生命始终笼罩着死亡的阴影,极具艺术表现力的艺术语言和充满震撼力量的线条,使得艺术家的内心真实情感和对人生的感悟跃然纸上。他的作品《死神与少女》、《自画像》、《干洗房》等以扭曲的人物造型、神秘的自然风景表达对人类生存、对生与死的思考,运用颤栗紧张的线条和夸张变化的色彩加强感情的力量,致使画面笼罩着一种痛苦、憔悴、紧张和性压抑的气氛,体现出强烈的表现主义精神。
3、创作内容的创作内容的创作内容的创作内容的情情情情感表现感表现感表现感表现 如果说色彩是画面的灵魂、线条是画面的骨骼,那么创作内容就是画面的血液,时刻流淌在画面的每一个角落。只有选择正确的、合适的内容去表达,才能够在创作中表现出自己的真实情感,心甘情愿地为创作去付出、去思考。 在创作内容的选择上,往往有两种误区:一是“题材决定论”就是认为在创作题材的选择上,只有表现重大题材的艺术创作才具有崇高的艺术价值;表现平凡题材的艺术作品只能具有平凡的艺术价值。这是不正确的,它否定了油画创作的表现性和多样性。达·芬奇认为艺术可以表现任何题材。他说,宇宙中存在的一切,不论是可能存在、实际存在还是在想象中存在的,都能出现在艺术家的“心里”,“然后移到他的手上”,称为艺术作品的题材。其次,题材不能决定作品艺术价值。18世纪的英法艺术家认为,“历史画”是高贵的,“肖像画”、“静物画”、“风景画”是低贱的,这是不对的。19世纪德国画家马克斯·李卜曼有句名言:“画得好的白菜头比画得坏的圣母头更有价值。”艺术作品的价值,不完全取决于画什么,而是看画家的综合素质和在创作中所投入的真实情感。 二是“题材无差别论”,认为题材仅仅是艺术家表达思想感情的媒介,对艺术作品是无关紧要的。克莱夫·贝尔说,艺术作品的题材,如“叙述性绘画”,具有“历史方面价值的画像”,乃至连环画中所讲的动人故事都是非艺术因素,“不仅不能唤起审美感情,反而会影响它和干扰它”。这种观点是错误的,题材在艺术创作中不具有破坏干扰作用,也不是无关紧要的,题材在一定程度上制约着艺术作品的价值,只有符合时代背景下的艺术创作,才能更容易地唤起自身的情感,将之描绘在画布上。董希文的《开国大典》、达维特的《马拉之死》等题材都是一定程度上体现了作品的价值。 总之,创作内容在艺术创作中的作用是很重要的,它是构成艺术作品必不可少的内容之一,也是表现画家情感的基础,只有拥有好的创作内容,才能呼唤起画家对创作的兴趣和激情。
摘自赵君超、马信中《浅谈油画创作中的情感表现》,希望对你有用。
当代画家谢楚余的写实女人油画
当代画家谢楚余出生于上世纪60年代初,他笔下的油画作品始终比他本人还要有名气,比如,那幅人体油画《陶》曾被模仿盗版了100多万次,在各种商业广告、报刊杂志上以及娱乐场所出现,这样的现象在100多年的油画艺术史上是从没有过的,而谢楚余就开辟了这样的罕见怪异的现象,可见这幅《陶》的名气有多大,甚至人们会认为这是可以和达芬奇的《蒙娜丽莎》相媲美的画作,知名度如此之高,事实上,谢楚余的《陶》无法和达芬奇的《蒙娜丽莎》相提并论,
如果说当代画家谢楚余的写实女人油画具有清新的写意画风,这似乎还真有这么一回事。自古以来,油画注重写实,“写实”最能体现油画艺术的魅力,“写实”是油画艺术的文化。不过,“写实”元素有深浅、浓淡之分,有些画家的油画作品从内容主题寓意到人物形态都极度写实;有些画家的油画作品只是人物形态写实,而内容主题寓意不够写实;有些画家的油画作品连人物形态都缺乏写实了,内容主题寓意就更不值一提了。然而,谢楚余的油画作品是人物形态不是极度写实,内容主题寓意也不是足够写实,整个画面给人清新的写意画风,
为何谢楚余的写实女人油画具有一种清新的写意画风呢?原因是谢楚余以写意国画的“装饰感”塑造油画人物的形象,导致油画画面没有反差强烈鲜明的色彩光影对比,画面人物也没有强烈的情感情绪,而是显得温和宁静,略显古典的装饰打扮,画中女人给人一种“不食人间烟火”的亲切感,让人们觉得整个画面很清新,谢楚余将色彩烘托氛围的功效“淡化”,稀释了色彩的纯度,用国画般的写意背景陪衬画作主体人物,“写意”原本就是强调抒情,一幅写实油画融入了抒情元素之后,其“写实”的情感情绪就被“弱化”了,
值得注意的是,谢楚余并非是以国画的表现形式描绘油画,他是借鉴国画的视觉感受,从而柔和的处理色彩笔触的效果,无论冷色调还是暖色调都以“浅淡”为主,同样,冷暖色调的反差也不明显,所以整个画面就洋溢出一种淡雅清新的写意画风。正是因为谢楚余笔下的写实油画充满了淡雅清新的写意画风,而成一种罕见的特色,这种罕见的特色让观赏者赏心悦目,而且缓和焦虑的心情,享受其中,
从油画艺术的“写实”文化层面来讲,当代画家谢楚余写实女人油画充满写意画风,这只是显示谢楚余处理色彩的技巧能力,并没有显示出他对写实油画艺术的领悟认知能力。还要注意的是,谢楚余油画作品中的写意画风,更多的是给人的一种视觉感受,并不是油画画面真的有国画的写意元素,他只是稀释了色彩的纯度,得到的效果,比如,红色有深红、浅红之分。还有就是,谢楚余注重油画女人的轮廓线条的修饰描绘,这和国画线条似乎有“异曲同工之妙”。
西方国家宗教信仰势力消弱,法国的皇宫势力扩张,资本提升,奢靡之风的洛可可艺术在上层社会流行了下去,在其中,弗拉戈纳尔便是洛可可艺术的艺术家之一,他书中知名的油画有《快乐情人》《秋千》《带土拨鼠的女孩》《恋爱系列进程》《渔夫拖网》《男孩扮小丑》《爱之泉》《被偷的吻》这些,这种著作都是有一个相同的特点,那便是全部界面具备丰富多彩的特色,飘渺萦绕的环境,光影效果极其细致,人物的皮肤色彩很艳丽喧嚣,造成整副美术作品充斥着色情含义,
但是,弗拉戈纳尔的知名古典油画也蕴含了一些有趣的事情,终究美术作品含有不一样真实身份人物角色的人物,而并不是仅仅人迹罕至的景色,例如,一幅《秋千》画中有3个成年男女,在其中一个女性坐在秋千上,一个男士神父在后边拉着荡秋千,另一个男士在女生的正门口的部位,这二男一女是“三角恋”的关联,但是女士的老公却不知道另一个男人是自己妻子的情人,因此画中人物的神情都很开心,美术家让她们共处在一个很优雅和睦的环境氛围中,画中也有爱神的塑像,那样一幅人物关联盘根错节又有神话传说寓言故事的古典油画,其主题思想故事是非常有趣的,
美术家弗拉戈纳尔以荡秋千的晃悠,女士漂落的鞋、被折弯的树技、刮起连衣裙的风,来显出著作界面的“炫酷美”,一切都看起来生意盎然,富有节奏感,刚好符合对肉欲的颂扬,那样,为什么弗拉戈纳尔要这样构图法构思呢?用那样带色情含义的色彩画笔勾勒装饰画中人物情景呢?实际上这一切都是圣朱利安伯爵官网规定美术家这么做的,由于画中的女性是他的恋人,圣朱利安伯爵官网期待用一幅画满足自己在感情中上的爱慕虚荣,证明自己是花心的男人,以美术作品纪念,而刚好弗拉戈纳尔也是善于风流气息画的美术家,同时也十分想要写作这种主题,何况获得的提成也很高。
在弗拉戈纳尔的诸多古典油画著作中,最有名的莫过勾勒《秋千》那样爱欲场景的美术作品,例如,《被抢走的亵衣》《门闩》《被偷走的吻》,弗拉戈纳尔都以精湛的方式,把礼法下不可以具象化的物品表现出来,恰好是他色情美术绘画最引人注目的造就,特别注意的是,弗拉戈纳尔为了防止别人说自己是色情美术家,只想画“风流气息画”,因此常常在著作中增加一些宗教信仰神话传说人物,或证物,例如一幅《秋千》中的爱神,他是丘比特,爱情是纯洁高尚的;《门闩》画中桌子上的一颗苹果,代表世外桃源中亚当和夏娃的宗教信仰证物,这也是宗教神学观念“禁欲主义”的代表。
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