绘画中常用的笔触有哪些表达了哪些情感

绘画的情感主要体现在创作过程中情感的表达是艺术家不断探索研究，深入社会生活中，才能表达出绘画作品中想要表现的真挚感人的情感，能打动观赏者的心灵。艺术作品的灵感来源现实生活的体验。能打动人的作品具有震撼人心力量。在一幅绘画作品表现出的情景，画面，人物的构图，动作等等交融互渗，表达出画家内心最真的情，同时也渗透到了画面中去，画面中体现的全是情，情又以具象的形象体现出来，让观赏者有直观的感受，产生心灵的碰撞。人类的情感是丰富多彩的，是复杂的，细腻的，而且每个人对待事物的认识都有自己特有的感觉和感受。艺术家观察自己身边的事物，表现出属于自己的情感，情感同时是对自己人生的一种直接反应状态。绘画作品创作过程中的情感表达是指画家通过绘画中的点、线、面、构图、颜色、笔触、肌理等等表现自己对周围事物独特的看法和认识，绘画作品创作在画面中起支撑主要的是情感。绘画中的情感是画家对自己周围熟悉事物的观察，通过分析，研究，认识，总结，概括以及自己的生活经历等等通过绘画的形式表达出自己的感情。每个艺术家的情绪、技巧不同，对色调的感受就不一样。所以反映出来的情感也就不同。本文着重从绘画创作过程中解读情感的表现。

画家眼中的物象不是照相机中的物象，而是画家对物象的形象感觉和认识。画家绘画作品中的色调也不是自然对象色调的翻版。在绘画作品中物象与色调不应是冷冰冰的客观记录，而应是作者感情的形象表达。下面来看看美术知识：绘画中的色调与感情。

客观存在的色调本身，无所谓情绪和感情。日出东方，万物苏醒，给人类带来了光明，温暖。人们热爱它，用最美好的语言来形容它、歌颂它。而对太阳的歌颂喜爱，与随之产生的“万道金光”、“朝霞”以及日出时的金红色调，日升时的金**调也都产生了喜悦的情绪。这种色调与某种情绪的联系，是从生活中得来的，是人类在长期实践中感受到的。

这种色调与情绪的联系，不是无缘无故产生的。因此，不能凭主观臆造或任意捏合。只有确实反映了人们的共同感受时，它才能得到承认，才能引起共鸣，才有可能在艺术品中产生感人的威力。

画画的方法如下：

1、首先自己要有一定的基础。想好自己要画什么，先把需求想好，多看艺术类书籍找到灵感。

2、要学会整体观察，心里要想着整体，心中有数，下笔前有整体的规划。

3、画画时心要静，心无杂念，一步到位。要画出自己的风格。

4、必须要抓住事物的主要特点以及线条的形态，通过简单的线条开始，才能会画出更好的效果。

5、不知道你是什么基础所以很难说，如果没有基础的话，还是从素描色彩开始学，要是有一定基础我建议开始学电脑绘画，就是用数位板画画。

6、学习画画是需要大量临摹和思考的，对结构的认识是在画画中慢慢理解的，画的越多越能够灵活运用，画各种画布局可能都不一样，但是整体的观念都得有，从整体到局部这是个大概的步骤。

7、对于美术来说，最关键的是基础，基础打牢才行，首先要型准，还要有整体感，无论是素描色彩都要从整体去看去画，在追求细部刻画。

8、画画展现的是眼前的世界，对于孩子，如果从小学习绘画，首先培养的是自身的观察能力，细节决定一切，细节定成败，对于今后的成长会有诸多好处，学习中如果细心，会避免很多错误。

对艺术创作者来说，绘画过程与情感表现主要体现在以下几个方面：

1 创作方向和题材选择

创作必须是自己全身心投入并通过一个画面来表达自我情感的过程。首先你要让自己看得见，感动自己，再让别人看得见，感动别人。灵感的到来往往是偶然中带着必然，肯定中带着否定的。外界环境因素提供的养分往往属于偶然，储存在脑海中的思想感情是必然。

对于艺术创作者来说，题材往往是表达个人思想的媒介。每个艺术创作者都有自己独特的艺术风格和情感表达，每个作者对自然生活的理解都有个人见解。选题目就是选自己的心思和灵魂，选自己应该对别人做什么样的表达。艺术创造最忌讳的就是虚情假意、矫揉造作，艺术作品可以通过艺术家本人注入自己的真情实感诠释着美的真谛。艺术源于生活，一旦脱离现实生活，脱离自然规律，就会失去生命力。画家需要通过他们的艺术修养和独特的艺术视野进行筛选，把自己的情感和感悟同现实社会发展进行有机结合，融入到创作作品中。

2创作过程和表现手法

在绘画创作的早期阶段，首先要做的是充分准备，再进行实地考察、拍摄、后期制作、整理等一系列复杂的工序，在准备阶段也需要结合自己的情感和愿望。在最初选定题材的过程中，绘画艺术创作者往往是摇摆不定的，他们需要通过细致的观察和切身的体会，将自己的感情进行分析以及一系列强化，逐步激发创作灵感，而不单单是机械式地临摹素材。

反之，如果对绘画对象的本质不了解，那么这种创作就失去个性。没有个性的作品就没有生命力，失去了存在的价值和意义，没有任何情感共鸣。因此，绘画创作者的自我情感表达很有研究意义，只有一个十足的情感生活体验，才能创造出震撼人心的作品。

综上所述，在艺术实践过程中，绘画对象经过艺术家加工后，与原始事物大相径庭。通过艺术创作者的情感表达，创造出一件有灵魂的艺术作品，正是因为这种创作欲望，才会激发艺术创作者的表达激情，观者所看到的不再是真实存在的物象，而是艺术家在自我情感和奇妙灵感的催化剂下，产生的一种新的抽象形式。

中国美术作品中人物的情感表现，从作品的人物造型、动态、表情，理解人物的真实情感，从而更好地理解作品的内涵。

知识与技能：感知中国美术作品种人物的面部情感及动态表现，了解中国美术作品的相关历史知识及艺术表现的形式美。学习美术中的比例知识，初步认识、了解比例，知道黄金比例，能够有意识地发现生活中的比例。

通过学习学生会测量出黄金分割点，并运用比例知识对简单的物品进行分析，从而学习运用比例美化生活的方法，学习比例关系，设计一个花瓶，提高设计能力。通过本课的学习使学生感受比例的形式美感，了解比例在美术作品中的关系，培养学生的创造精神。

学习画画的注意事项

很多同学在线稿还没有画好的一个情况下，就开始上色了。因为很多同学只想着展现最后的结果，却忘记过程的重要性，不要去跟风学习这些后期的内容，后期颜色的体系那都是建立在基础练习的强大之上的。

不要沉浸在自己的思想当中。练习很重要，但是也要学习他人的优秀之处，要不断的尝试新的事物。也要互相分析优秀的作品，这样可以可以让我们更快的进步。速写的时间不长，这样不仅可以练习人的心态，还可以练习线条，每天练习的话，没多久就可以看到明显的改变。

　　摘要：绘画作品之所以会深受大众的青睐，除了作品中极富表现力的线条、颜色以及笔法，还有作品背后艺术创作者融入其中的个人情感。这些都离不开艺术创作者在日常生活中所进行地大量的观察和积累，他们将自己对生活的理解和领悟注入到作品之中，并且通过创作实践的过程将自己的情感表达出来，从而创造出极具生命活力的优秀作品。

　　关键词：绘画创作;情感表达;感染力;表现力

　　中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2019）08-0181-01

　　绘画作为艺术的一种表现形式，有助于提升人们的审美修养并且能够陶冶大众的艺术情操，具有一定的社会价值。绘画创作不仅仅是一种技术表现形式，更是个人内心情感的真实表达。在绘画艺术发展的进程中，情感表达是一种比较独特的表现形式，它可以使创作者与作品间形成某种情感共鸣，这种情感随之也会转化为创作的动力和源泉进而激励着创作者创作出更加优秀的作品。

美术教学中的情感培养

美术教学中的情感培养，孩子的心理健康问题越来越被社会所重视，培养宝宝的这种意识是要从小抓起的，所受到的陪伴与教育影响会伴随一生，培养孩子会让孩子在未来成长得更好。下面我分享美术教学中的情感培养方法。

美术教学中的情感培养1

巧设悬念，培养学生感知美的情趣

教师巧设悬念，经常变换不同的教学方法，就能激起学生对绘画的一种愉悦的情趣，所要达到的效果则是“似难实易”。

有一次，为了激起孩子们对绘画的兴趣，抓住他们的好奇心，我设置了一个小小的悬念：让学生带镜子来上课，课前我没有告诉他们要画什么，以及为什么要带镜子。上课一开始，我让学生对着镜子仔细观察自己的眼睛、鼻子、嘴巴、耳朵长在头部什么位置，启发他们给自己画像……孩子们二话没说，一个劲儿地给自己画像，并对对称知识有较深刻的理解。这一创作过程，促进了学生思维的发展，不仅给学生增加了愉悦感和审美刺激，而且提高了学生审美和创造的情趣。

欣赏指导，激发学生欣赏美的激情

我们知道，优秀的'艺术作品所表现的美总比现实生活中的美品位高。

例如，在欣赏表现自然美的北宋画家王希孟画的《千里江山图卷》山水画时，展现在面前的画面是：绵延的崇山峻岭，幽崖深谷，流溪飞泉，危树竹林，寺观庄稼，桥亭舟楫，行旅人物……学生在欣赏之后，受到感染，不知不觉地对我们祖国的一山一水、一草一木产生了由衷的热爱之情。这样既激发了学生欣赏美、热爱美的激情，产生了学习兴趣，又使他们受到了潜移默化的思想教育。

启发诱导，熏陶学生内在美的情操

对学生进行内在道德品质教育是美术教学法中又一重要课题。要提高学生的绘画技能、技巧，陶冶情操，就必须在教学中贯穿道德品质的教育，培养学生严肃认真、虚心好学、刻苦训练的学习态度和敢于创新、勇于进取的好作风。

例如：中国画大师齐白石一生对待艺术是极其严肃的，无论是字画、作诗，他都下工夫，从不取巧，他认为：“要知天道酬勤”。功夫这东西来不得半点投机取巧。我经常给学生讲吴昌硕、徐悲鸿等老一辈画家经过锲而不舍的努力，才获得丰硕艺术的成就。通过这些例子，培养学生刻苦学习、勇于克服困难的精神，锻炼学生高尚的内在素质。

美术教学中的情感培养2

在当今的社会，高智商并不能代表成功，让我们的孩子在头脑聪明的同时，培养良好的社会情感也是很重要的。

智商：是用来反映一个人智力水平的比值。它体现了一个人的记忆力、观察力、思维力、想象力、创造力和知识面。

情商：是用来反映一个人社会适应性、社会交往能力的比值。它体现了一个人的同情心、情感表达能力、自控力、适应性、独立性、人际交往能力、受人欢迎的程度、是否善良、友爱、尊重他人、是否能承受压力、坚持不懈等。

培养孩子良好社会情感，可以帮助他和谐地与人交往，并懂得关心爱护他人，体谅、宽容、同情、尊重别人。还能使他适应未来社会的环境竞争与压力，在逆境和挫折中充满自信，并积极进取。一个情商高的宝宝应做到，无论周围的环境如何变化，都能保持平和、开朗、快乐的心态和强烈的责任心。

不利于社会情感培养的几种现象：

过度保护，家人对孩子的过度保护会让宝宝失去参与实践的机会;

过度称赞，过份的赞扬会让宝宝失去正确评价自己的是非观;

过度溺爱，过份溺爱会让宝宝害怕进入社会生活中锻炼成长。

建议父母应注意的事情：

时时给予孩子信任和关爱;

教给孩子方法，并鼓励孩子自己解决问题;

生活中不要将孩子放在首位(至少表面不要一切以孩子为中心);

家庭内的生活法则应符合社会公德;

注意满足孩子的情感需求;

教孩子学会表达“谢谢你”，这是人际交往第一节课的内容。 教孩子学会表达“谢谢你”，这是人际交往第一节课的内容。

1、色彩的情感表现色彩的情感表现色彩的情感表现色彩的情感表现 在一幅画中，最能体现画家情感的是色彩的变化。如果说画家的情感表现是一幅作品的灵魂，那么色彩就是绘画手法中的灵魂。画家的绘画创作目的就是用作品来表达自我的情感，那么只有通过对事物的色彩研究、总结、归纳，才能完成这一创作目的。 在画面中，体现的往往是高兴的或悲剧的。爱德华·蒙克的作品体现的就是浓重的悲味，在他的作品中给人的感受往往是压抑的、悲惨的，在画面中有一种类似被抽干血肉的干尸或骷髅的感觉，他们像幽灵一样在画面上晃动。而他通过使用纯度较高的亮色与暗色的混合使用强化了这种感觉，使作品带有鲜明的个人情感。 在色彩情感表现的世界里，最具有代表性的就是毕加索，他的一生是可以用颜色总结的：忧郁的蓝色时期、快乐的玫瑰时期。在孤独无助的蓝色时期中，其所创作的作品中最具代表的是《人生》，以浓郁的蓝色调表示贫老与孤独的苦难；而在玫瑰时期的作品，画面人物表情虽依然冷漠，却已注重对和谐美感与细微人性的关注。整体除了色彩的丰富性外，又已从先前蓝色时期那种无望的深渊中抽离。摒弃先前贫病交迫的悲哀、缺乏生命力的象征，取而代之的，是对生活充满了兴趣、关注及信心。 所以我们在表现中，就要利用色彩的冷与暖、厚与薄、亮与暗寻找色彩的象征性和表现性，使其描绘的对象具有象征意义，让它们产生精神上的含义。

2、线条的情感表现线条的情感表现线条的情感表现线条的情感表现 线条的情感表现是多样性的，曲线表示优美，直线表示刚强。而在油画创作的世界里，线条的作用也是多样的，对于写实油画而言，线条服务于造型，更多的是一种辅助的效果，而对于表现性油画创作中，线条则是情感的抒发，在画面中也更加的具有独立性、生动性。 在创作中线条的应用中，概括来说，可分为两种：一是线条情感的艺术表现，二是线条情感的自然表现。两者是有着本质区别的:第一，线条情感的艺术表现是为了更好地服务画面效果，不会毫无顾忌地使用线条，在使用线条的时候更加具有目的性。而线条情感的自然表现则是更加随心所欲一些，他表现的是画家创作过程中的心理反应，也许当时线条的应用只是一丝丝的灵感，而恰是这一丝丝的灵感，创作出一个遐想的空间。第二，线条情感的艺术表现是丰富的、细腻的、繁琐的，也许会有一些共性的东西。而线条情感的自然表现则是单调的、狂野的、简洁的，拥有更多的是作画者的个性展现。而在创作过程中，只有把艺术表现与自然表现更好地融入在一起，才能创作出拥有自我真实情感的作品。 奥地利表现主义画家席勒，他的作品受蒙克、克里姆特等人画风的影响，注重线条的表现是席勒作品不同于其他艺术家作品最明显的标记。席勒的绘画作品充满灰暗、焦虑、扭曲、痛苦、让人感受到席勤的生命始终笼罩着死亡的阴影，极具艺术表现力的艺术语言和充满震撼力量的线条，使得艺术家的内心真实情感和对人生的感悟跃然纸上。他的作品《死神与少女》、《自画像》、《干洗房》等以扭曲的人物造型、神秘的自然风景表达对人类生存、对生与死的思考，运用颤栗紧张的线条和夸张变化的色彩加强感情的力量，致使画面笼罩着一种痛苦、憔悴、紧张和性压抑的气氛，体现出强烈的表现主义精神。

3、创作内容的创作内容的创作内容的创作内容的情情情情感表现感表现感表现感表现 如果说色彩是画面的灵魂、线条是画面的骨骼，那么创作内容就是画面的血液，时刻流淌在画面的每一个角落。只有选择正确的、合适的内容去表达，才能够在创作中表现出自己的真实情感，心甘情愿地为创作去付出、去思考。 在创作内容的选择上，往往有两种误区：一是“题材决定论”就是认为在创作题材的选择上，只有表现重大题材的艺术创作才具有崇高的艺术价值；表现平凡题材的艺术作品只能具有平凡的艺术价值。这是不正确的，它否定了油画创作的表现性和多样性。达·芬奇认为艺术可以表现任何题材。他说，宇宙中存在的一切，不论是可能存在、实际存在还是在想象中存在的，都能出现在艺术家的“心里”,“然后移到他的手上”，称为艺术作品的题材。其次，题材不能决定作品艺术价值。18世纪的英法艺术家认为，“历史画”是高贵的，“肖像画”、“静物画”、“风景画”是低贱的，这是不对的。19世纪德国画家马克斯·李卜曼有句名言：“画得好的白菜头比画得坏的圣母头更有价值。”艺术作品的价值，不完全取决于画什么，而是看画家的综合素质和在创作中所投入的真实情感。 二是“题材无差别论”，认为题材仅仅是艺术家表达思想感情的媒介，对艺术作品是无关紧要的。克莱夫·贝尔说，艺术作品的题材，如“叙述性绘画”，具有“历史方面价值的画像”，乃至连环画中所讲的动人故事都是非艺术因素，“不仅不能唤起审美感情，反而会影响它和干扰它”。这种观点是错误的，题材在艺术创作中不具有破坏干扰作用，也不是无关紧要的，题材在一定程度上制约着艺术作品的价值，只有符合时代背景下的艺术创作，才能更容易地唤起自身的情感，将之描绘在画布上。董希文的《开国大典》、达维特的《马拉之死》等题材都是一定程度上体现了作品的价值。 总之，创作内容在艺术创作中的作用是很重要的，它是构成艺术作品必不可少的内容之一，也是表现画家情感的基础，只有拥有好的创作内容，才能呼唤起画家对创作的兴趣和激情。

摘自赵君超、马信中《浅谈油画创作中的情感表现》，希望对你有用。