黑光人像摄影作品

　摄影始于黑白摄影，黑白摄影将五彩斑斓的现实世界抽象成简朴、素雅的黑、白、灰三种色调。下面是我整理的黑白人像摄影论文，供大家参阅。

　黑白人像摄影论文(一)

　摄影是科技与艺术的结合体，是人类观察和记录世界的一种方式，摄影师通过影像传达自己的精神感受和对社会的看法，是他们的“语言”，黑白人像摄影是摄影世界中的重要组成部分，独特的表现形式使其具有特殊的魅力，纯粹的光影变化和形态变化使其更易表现与营造想象的空间。本文将从创作设想、光影的营造、形体线条的变化这三个方面对黑白人像摄影的基本因素进行探讨。

　关键词光线;造型;线条;黑白人像

　一、创作设想

　摄影创作中的构思过程是一项复杂的精神活动，它体现在整个摄影过程中。在创作摄影作品时，摄影师要认识到自己拍摄的兴趣点并运用摄影语言与观看者进行情感上的交流，其次要慎重的选择拍摄的主题和所要表达的情感，最后根据以上两点来选择合适的拍摄对象，这样才能保证作品的品质。因此创作设想是决定黑白人像摄影艺术成败所在。

　(一)寻找拍摄的兴趣点

　在日常生活中，对于没有兴趣的事物人们通常是没有热情的，正如人们谈论没有兴趣的话题一样，人们也可以拍摄不感兴趣的事物，但只会造就枯燥无味的影像。因此在黑白人像摄影创作时摄影师要先找到拍摄的兴趣点。真正的人像摄影师具有一种共同的特质，观看他们的作品会让人身临其境。观看者之所以有这样的感受，是由于影像让观看者产生视觉和情感的瞬间交流与激荡。伟大的摄影师知道什么是他感兴趣的，什么是他感觉乏味的，也知道自己的强项和弱项，并专注于自己的强项。他们也会在其他的领域进行一些大胆的尝试，来扩展自己的兴趣范围并改进自己的强项。

　(二)选定拍摄主题和情感基调

　主题和情感基调是摄影作品的灵魂，一幅好的摄影作品必须是打动人心的。黑白人像摄影中的主要对象是人物，确立什么样的主题要根据我们拍摄的人像题材而定。题材和用途的不同，主题也千变万化。如纪实类摄影，摄影师在拍摄这类题材时主题的确立要围绕记录和表现真实的人类社会。首先，纪实摄影所反应的主题往往是社会重大事件和历史人物，黑白摄影是表现历史性事件和人物的绝佳手法。其次，纪实摄影最吸引人的地方在于他的人道主义精神，在表现战争、疾病、自然灾害时往往较多地采用黑白摄影，彩色照片过于真实地还原了颜色会使得观看者产生厌烦的心态。黑白人像摄影的主题很大程度取决于画面中的主要对象，而情感基调则大多由主题形象和画面构成决定，因此摄影作品中人物形象的面部表情、服装造型、肢体语言都也是决定该作品主题和情感基调的关键因素。

　二、光影的营造因素

　摄影是光影的艺术。光影不只是纯粹的抽象的影调，它既可以让人们准确的看清物体，又可以用来传达信息和情感。利用光影的目的就是为了创造美，光影只有准确表达了人们的情绪和心灵感觉才能真正达到效果。黑白人像摄影抛去了绚丽的色彩，使得人们更加注重效果的表现，与此同时不同的光影对摄影作品中人物表情、性格、心理的影响也是不容忽视的。因此光影是黑白人像摄影的生命。

　(一)光线的运用

　阳光随着时间的变化会不断地改变其入射方向、角度以及强弱，这些会给摄影作品带来不同的效果。根据拍摄时采光方向的不同我们一般把采光方向分为顺光、侧光、逆光、顶光和底光五种。顺光下人物的整体轮廓清晰，能全面表现人物的质感。侧光使得人物的五官更清晰更立体，画面中的明暗配置和反差对比清晰，有利于表现人物外在的轮廓立体感和复杂的内心情感。逆光状态下人物形象大多处于暗部，阴影部位的立体感也较弱，有利于勾勒人物的外轮廓，也有利于人物和背景的区分。摄影师常常会利用逆光的条件拍摄出剪影的效果。顶光会使得人物的皮肤纹理平顺骨骼轮廓明显;底光在戏剧、**中常见用在妖魔鬼怪或者恶人的灯光上。一般而言这样的灯光较常作为一种补光形式，除非是摄影者要制造出特殊的灯光氛围。

　(二)影调的配比

　黑白人像摄影的影调主要是由黑、白、灰三大色调组成。通常，高反差的影像会具有较强的张力和艺术表现力，而低反差影调则会显得更加平静，黑白灰三大影调所具有的情感因素都是相对而言的。当影调的配比不同时三大影调所表达的情感也会发生很大的变化。中间色调往往因为其较低的反差而被人们所忽视，但是它们也可以成为影像的核心。在许多优秀的黑白人像作品中，中间影调清晰而权威的揭示出了人物的精神面貌。在人像摄影中，中间色调更利于表现皮肤的质感，它能展现脸颊上的每个毛孔，面部的每一条皱纹和棱角。影调的不同对人像摄影的影响也是至关重要的。

　三、形体线条的变化因素

　造型艺术都非常重视线条的概括力和表现力，它是造型艺术的重要语言。线条是构图的重要组成部分，是人们视线的指引者。因此，摄影师们可以充分利用线条，把人们的注意力引向被摄物。由于黑白人像影像纯粹的色调使得人们能更集中在人物的形态变化和表达上。要想再现人的表情、动作、姿态，就必须选择合适的角度和光线，将人物的面部线条和动作姿态的外轮廓线勾画出来，这样人们才能感受其表情、姿态、动作的视觉内容，并受到感染，否则，形象就会失去吸引力。

　(一)人物的明线条表达

　人物的五官、发型以及皮肤的质感和纹理都是构成画面的重要线条。人物的表情神态也要与肢体相配合，这样才能更好地突出主题。服装与配饰则是人物外表形象的装饰。选择与被摄人物年龄、性别、性格、职业、外形相得体的服装，有助于被摄人物形体特征、生活习性、职业阶层、神韵气质的映衬和流露。造型独特的帽子，质地各异的围巾，闪烁光亮的饰品等都可以作为被摄人物外表形象的装饰与点缀。不同材质和形式的服饰所形成的线条大相径庭，它们有时也会成为画面的主要构成因素。服饰对于黑白摄影的影响并没有随着时间而消散。

　(二)光影和色调的间接线条表达

　现代摄影语言是一种包含了视觉传达、现代形式语言、现代图像传播等为基础的视觉语言，因此现代黑白人像摄影也包含现代美学。在光线的运用方面我们既要从勾勒人物肢体线条和塑造身体形状方面考虑，也要注重画面整体的影调气氛。光影不像人物和服饰那样利于控制，而它的魅力也正在于此。光影的变化多端使得不同时刻拍摄出的同一事物产生出千变万化的效果。对光影进行有效的控制和巧妙的利用是多方面的，它不仅能以各种方式增加照片的艺术效果和美感，还可以丰富影像的精神内涵。黑白人像的魅力也在于摄影师采用了无色彩干扰的黑白影像来表现人类一种天赋的美感。它给观看者提供了最大的想象空间，这也正是黑白人像的魅力所在。

　现今，摄影已经揭开了神秘的面纱走向了千家万户，摄影师就应该更加注重保留自己的个性，选择恰当的摄影手法来表达主题。科技的进步带动了摄影艺术的飞速发展，黑白人像摄影作为摄影艺术的一个重要组成部分，因其高度的概括和抽象能力而备受人们的喜爱。黑白人像摄影的真正魅力还是在于它能以一种全新的面貌展现人们司空见惯的人物形象。因此黑白人像摄影还将长期存在下去并在摄影艺术中占有一席之地。

　黑白人像摄影论文(二)

　摘 要：我们周围的世界，色彩斑斓、变幻莫测，令人赏心悦目。在这样一个充满彩色的世界里，黑白摄影以其独特的表现力和持久的生命力，显示了黑白照片所能包容的丰富多彩的艺术创造性和想象力。

　关键词：黑白摄影;影调;魅力;情感

　用黑白去概括世界是一件有趣的事，也是一项富于挑战性的工作。黑白摄影作品不能象彩色照片那样可以通过色彩去吸引人的注意力，而完全要靠黑白灰的过渡和层次的细腻来表现事物。在黑白的画面中，被摄体的层次和质感，被极为细致的记录和再现的同时，从作品中渗透出来的摄影家的内在精神也会令人为之叹服和感动。

　自1839年8月19日，达盖尔摄影术在法国科学院公诸于世之日起，摄影已经走过了170多年的历史。当今，世界正步入一个高速发展的信息时代，彩色更能适合时代的要求，更能准确地传达信息，更为大众所喜闻乐见。但正是在这样一个充斥着彩色的世界里，黑白摄影以其独特的表现力和持久的生命力，深深地吸引着许多摄影爱好者。一方面是因为它不存在褪色问题，能够长久地保存;另一方面，从体现摄影家的思想内涵和创作意念来看，黑白摄影更具有象征性，更显得单纯化，更富有想象空间，也许这正是黑白摄影的最大魅力所在。

　一、黑白摄影的情感区域

　黑、白、灰三种调子有着自身的特性，影响着人们的视觉感受。白色具有膨胀性和炫耀性，容易引起观赏者的兴奋情绪;黑色深邃、浑厚、凝重，有助于营造一种沉静的气氛;灰色是平静的，有着细腻、朴素的情感特点，能使人的情绪产生一种宁静、平和的感受。作用于视觉时，只有当白色兴奋、黑色沉静、灰色平和三者有机地配合起来，并且互相烘托，才能形成画面中的兴奋、沉静和平和三大情感区域，这也正是黑白摄影特有的魅力和意境所在。

　影调是黑白摄影造型的基础，影调的处理和运用，关系着景物的形态、质感、立体感、空间纵深度和整体气氛的表现，关系着画面的均衡与对比、和谐与统一的形成，以及创作构思的实现。

　高调作品以大面积的白色为主，画面最为醒目，最能引发观赏者明快、轻松的生理感受。高调中的黑色，则会由于产生了对比和映衬的关系，显得异常突出而富于跳跃感，往往会成为画面的趣味中心。低调作品以黑色为主，能使人产生一种庄严、深沉、神秘的心理感受。画面中的白色显得相当活跃和兴奋，一般也是作品的灵魂所在。高低调的摄影作品实际是摒弃了一定面积的灰色，减小了平和区的范围，相应强化了兴奋和沉静的特殊影调。从而营造出一定的情绪氛围来影响观赏者的感情。

　中间调以灰色为主，给人以柔和、安宁的感受，画面的影调细腻而丰富。中间调里的黑色多趋向低调，白色多趋向高调，只有努力扩展灰色的阶调，才能使作品达到真正的“平和”。充分运用黑白摄影的影调，既可以增强画面的空间感和透视效果，还可以使观赏者产生强烈的视觉感受，并由此而引发情感上的共鸣。

　二、黑白摄影创作的艺术语言

　摄影的艺术语言是画面结构的因素，黑与白是对五彩缤纷的世界的高度概括与提炼。在平面造型艺术中，黑与白是最朴素、最单纯、最强烈、最有生命力的语言。黑与白相辅而成、相互依赖，离开了一方，另一方也就不复存在。黑白摄影把一个现实的彩色世界，置换为黑、灰、白的单色影象，可以更准确地体现创作者的美学意识和思想内涵。

　黑白摄影作品在内容上，反映的是摄影者对生活的审美评价以及具有审美价值的生活本身;在形式上，黑白摄影作品所表现的是符合美的规律、符合人们审美需要并且能给予人们美感的艺术形象。

　黑白摄影以灰阶的形式呈现物体的色彩变化，以浓淡深浅的方式造型，再现的客观物象已经不是原生态了，这种“失真”恰好是艺术的特征。任何艺术都不可能是生活的再现，都必须是一种表现，这也是生活真实和艺术真实的分野。摄影艺术是瞬间的凝固，是具象的写真。因此，再现和表现之间的差别容易被人忽略，甚至误解，黑白摄影正是通过寻找与现实的距离，形成视觉差异来表现现实。黑白影像以自己特有的创作方式延伸了摄影艺术的魅力，给了摄影人广阔的创作空间，使得摄影作品更具艺术气韵。

　三、黑白摄影作品情感的接受

　摄影艺术接受是以摄影艺术作品为对象的审美活动，摄影作品的潜在美学特性，只有在接受者的欣赏和理解的审美活动中方能得以显现，摄影艺术接受过程始终伴随着接受者的情感活动。托尔斯泰在《艺术论》中说：艺术是建立在人们能接受别人感情的感染这一基础上的。黑白影像舍弃了视觉中的外界所固有的色彩，使影像处于“似是而非”的疏离状态，拉开了与现实的距离，正所谓距离产生美。这里的距离其实是心理距离，是欣赏者认知艺术、沟通情感的历程，也是欣赏者驰骋想象的自由空间和参与创作的平台。

　在黑白摄影艺术接受活动中，接受者在感受和理解的基础上，会突破作品画面空间的局限而展开联想和想象，赋予作品更多的审美内涵，对作品中的艺术形象进行再创造。在翻拣历史记忆的时候，褪色泛黄、划痕遍布的老照片显得更亲切、更真实，可以使欣赏者在情感上有一种浓浓的怀旧情结。

　黑白影像与彩色相比更具“距离”优势，在彩照充斥着世界的今天，欣赏者观赏同样题材的黑白和彩色照片，会觉得黑白更艺术，更具有表现特征，更容易令人浮想。安塞尔·亚当斯曾经说过，在表现画意的摄影中黑白优于彩色。

　黑白摄影是一个充满魅力的世界，更是一个富于个性的世界，当人们徜徉其间，用细腻的心灵去接受世界、感受万物时，一定会有更多的感动。

　黑白人像摄影论文(三)

　[摘 要] 黑白摄影在这个广阔的大自然中寻求光与影的组合，运用黑、白、灰的影调表现力，对大千世界五彩缤纷的色彩进行提炼，压缩，对形体，质感，情调等进行更富有的表现能力，使画面效果高雅明快，更为凝练，集中和简洁，在彩色摄影成为普通老百姓手中文明游戏的今天，黑白摄影重整雄风，这是黑白摄影艺术的回归。

　[关键词] 黑白、抽象、凝练、超越

　摄影始于黑白摄影，黑白摄影将五彩斑斓的现实世界抽象成简朴、素雅的黑、白、灰三种色调。与纷繁的彩色摄影相比，它更加简洁、凝练、也更具纯粹的意味。黑白摄影是一种高度提炼的影像语言，它剥离了十五色彩的浮华表面，表达出事物的本质和内涵，塑造了影像与现实之间的抽象之美和距离之美。在黑白摄影拉开于现实之间的距离同时，也赋予了摄影者无限的创作空间。黑白摄影艺术是相对于色彩摄影而言的，通常以黑、白、灰三种影调表现摄影作品，抽象和凝练是黑白摄影艺术的最大特征。黑白摄影中白色高调的魅力，灰色的微妙，黑色的低调的神秘和深沉，带给人们视觉的和思想上的超越，让你感受与它的抽象与独特魅力的世界。黑白摄影它决不单简于黑、白、灰的色调，从心理角度来说，黑、白、灰具有优先唤起视觉神经感知的特性，特别是黑与白最能引起人们的视觉关注。在摄影中，黑、白、灰表现景物与彩色表现的景物带给人的视觉效果与心理感受完全不同。黑白摄影那神秘的影调能增加照片本身内容的深度。从艺术的角度看黑白摄影，由于需要把五彩缤纷的彩色世界转换为单纯的黑白灰天地，把各种的彩色关系概括和凝练成多种黑白灰的阶调关系来表现被摄物体，这就构成了黑白摄影独有的特殊语言。黑白摄影的特殊语言涉及到黑白灰的造型语言、情感语言和关系语言三个方面。

　(一)黑白摄影中黑白灰的关系

　黑、白、灰作为黑白摄影艺术的基本语言，三者共同构成了黑白摄影作品的影调美，然而三者又各具独特的审美属性。在人们的日常生活中，黑色已经形成了具有重量感和后对干的心理暗示。如果画面中多用黑丝，那么作品往往蕴藏着较为深刻的主题思想，营造出货深沉、货恐惧的心理气氛。白色则多带高洁、飘逸感，如画面中采用大部分的白色，最易诱发观者轻松活亢奋的心理感受。灰色影调的最大视觉恶性是平和。

　(二)黑白摄影的影调美

　现代科技，早已把我们带入到一个用彩色载体表现世界的时代。当我们轻而易取地用彩色相片记录我们的生活回忆时，当彩色让我们眼花缭乱的将一切事物展现于我们眼前时，黑白摄影似乎已渐渐离我们远去。但在我们意外地发现点缀于彩色世界里的几幅黑白作品时，黑白摄影并没有象昨日星辰那样暗淡无光，相反，它们以独具的审美价值和艺术魅力，给我们强烈的视觉冲击和丰富飞联想空间。古希腊哲学家赫拉克利特说：“相互排斥的东西结合在一起，不同的音调造成的最美的 和谐，一切都是斗争多产生的。“黑白摄影艺术正是通过黑和白、灰这三种影调在对比中取得某种和谐表现出来的。这两极色放在一起，最容易吸引人的视线，牵动人的感情。黑白摄影通过影调的变化来解释自然景物的本质，寄托摄影家的思想感情。因此，黑白摄影这种特有的影调美更容易吸引人，感动人，能给人以强烈的审美感受。种着影调的对比，和谐之美。美在单纯的丰富、同意的变化、抽象中的具象、开阔中的具体、美在情感的丰富性。

　(三)黑白摄影的抽象、联想世界

　我觉得想要深层次的表现出一个人物特征的摄影，黑白摄影和彩色摄影存在着很大的异同。彩色摄影充满朝气和缤纷，彩色会给予人很多色彩的选择空间，你可以变换色彩的主题，色彩的色调。而黑白摄影似乎更加倾向于真实，在纯色调的影像中，它能更加真实的反应出人物及其人物的内心世界，让你更加的渴望去了解与观察给予人的信息内涵。它抛开一切缤纷的外衣，不加任何改变的真实色调，真实的“裸露”于镜头，一个眼神，一个笑脸，一个表情，似乎都那么“一览无余”真实的崭露于眼前。我个人认为那是真实的表达，那是真实的世界，那是真实的自己，那是真实的内心。不可否认黑白摄影给予人充满幻想的空间，三色的影调中，它给予你内心世界的向往，似乎内心世界不能达到的，它都能给予你满足。我个人认为这样的抽象与幻想，是色彩摄影不能给予的。色彩摄影的色彩斑斓与黑白摄影三色影调的对比，似乎那么鲜明也那么不可比较，各具特色。色彩摄影大多给于人的都是色彩的斑斓，颜色的鲜明，给人一种童话般的幻想世界，而黑白摄影的不但也能表现出快乐，更能给于人心灵上的认知，似乎一下子就走进了内心的世界，让观者找到更多共同的认知。首先，我个人认为黑白摄影在视觉上它就比彩色摄影略胜一筹，因为黑白摄影更加能吸引人的注意与关注。黑白摄影具有优先唤起视觉神经感知的特性，最能引起人们的视觉关注，而且能打动他们的内心世界，给人的视觉效果和心理感受和彩色摄影完全不同，因为人的眼睛对黑白灰的敏感程度比其他色彩的程度高。黑白摄影的抽象与幻想性在这里就表现的淋漓尽致。它能引发观者的联想与想象，大大地扩展了画面的信息内涵量，充满幻想的思绪与抽象性。相对于彩色摄影相比，黑白摄影更加严肃，庄重，它似乎更加认真的表现于你，不加任何的修饰和包装真实的崭露于你。黑白摄影是对现实世界的一种抽象的，主观性的表达。与彩色摄影相比，它迫使摄影师关注作品背后的意义，走进作品，表达作品。因而它更能赋予表现对象一种灵魂，更加靠近人们的心灵，从而使观者获得更加广阔的视觉与心理空间。黑白摄影独特的原始美、生命美以及画面当中蕴藏着的情感，使我们自然的发生内在的关乎生命与内心的思考，以及对美与内心世界的共鸣。

　很多人都认为黑白摄影给人一种压抑的感觉，似乎总是有种悲情在里面。我想那是他们还没有真正的走进黑白摄影，黑白摄影也可以拍出欢快开心的画面，只是它要表达的东西更加丰富一点，不单单的只是画面给人的第一印象，它有更多的思想在里面。光线是摄影中功不可没的因素。光线决定着影调效果，对同一个被摄体，采取不同的光照，效果也截然不同。在黑白摄影中，光线的运用尤为重要。低调作品较适合侧光拍摄。同时，光线的运用，不仅体现在画面明暗给人的感受，也影响着整体的质感。在视觉可辨的范围内，任何光影、明暗变化都会影响视觉上的质感效果。而从心理学的角度来说，质感不仅影响着视觉形象，而且会使人产生强烈的情绪效应，这种情绪效应甚至比光、色带来的更为直观。黑白摄影能赋予景物一种气魄，能强调它的重要性，在人像摄影中更是如此。在表现人物时，黑白摄影以独特的色相展示个性。黑白两极，构成强烈的对比和反差，无极变换的各种灰，在黑白之间过渡，形成黑白人像摄影丰富细腻的语言。

不同的内涵造就不同高度的人格、不同深度的作品。内涵是面对人或事物所表现出来的涵养，包括一个人的品德、眼界、，以及心中随时随地的思考。内涵也很能影响一个艺术创作者的作品所呈现的气质与深度。摄影也是一种选择，你决定选择什么样的影像呈现，那个影像就代表你个人。一个人的眼界深度到哪里，人们从作品中便可略知一二。

比如时下拍摄女孩子性感题材的摄影作品很多，通常这类题材的拍摄者绝大数是男性。但他们大多以一种男性沙文主义思想的物化角度去诠释女人的性感，抑或是用赞颂女性优美体态与身段来呈现性感之美，这些在形式上同为性感但感觉上差别很大。

广义而言，不管是美或是艺术，都没有一个确切的评判标准，但相信美是一种共同的价值，也必定是众多人的共识。如果美的优劣毫无标准可以辨别，那么世界名画是如何被确认的？艺术家又是怎么被定义的？

有些人常理直气壮的以自我感受论断艺术品，明明自己是外行人，却拿美感一切都是见仁见智这种话为自己贫瘠的美学涵养当借口。如果你的美学认知够深、眼界够广、感觉够敏锐、情感够丰富，就可以一直往里看，感受到别人感受不到的意境。如果你同样是创作者，当然也会画出，拍出，塑造出有深度与有品位的作品。

作为一个拍摄者，首先要对自己的作品定位分清楚，是设计还是摄影？是摄影艺术，还是用摄影搞艺术？

艺术家们用摄影这个媒介来传递要表达的意义，就是用摄影来表达艺术。重点不在于图像本身，美感也不是最重要，重要的是图像背后艺术家所传递的概念和信息。例如：袁广鸣《城市失格》。而艺术摄影则趋于单纯性的表现，不管拍摄何种题材，多半是追求画面本身的视觉平衡和美感。一张成功的摄影作品没有任何一件事是特别重要的！比如一张照片仅仅是构图别致，丝毫不考虑光线、引导、人物表情等因素，这张照片算不上成功。

真正的好景俯拾即是，用俗话讲，自然就是美。湿地、海边以及朴实的建筑周边都是适合拍照的好，也许就在你家附近，也许就在山边田间，甚至只是在马路边。要善于用生活中最普通的景，去打造有张力有感觉的画面。记住， 重点不在于你到了哪里拍，而是你在哪里拍到了什么，拍到了光线，还是拍到了颜色！

印象派画家莫奈说过：试着忘却你眼前的一切，不论他是一棵树，或是一片田野；只要你想象这是一个小方块的蓝色，这是长方形的粉色，这是长条纹的**，并造你认为的去画便是…它的绘画里重视的并不是物体的形象，而是色彩变化的过程。在拍摄户外人像的选景过程中，我重视的也是景物元素能在画面中创造什么样的视觉张力和特色，至于他们本身是什么，不是什么，这些并不重要。 绘画是创造画面中的元素，摄影则是发现和截取，两者都是为了满足视觉美感可以互相理解和运用。美可以说是一种感情，全新的东西缺少一种记忆的深情少了人们使用过的痕迹，人们的感情没有加进去。

①不管在哪里拍摄都要充分掌握场景的特色。

②要维持画面中各元素的协调性（配色元素造型）。

③人要融入环境中与环境互动，达成人景合一。

④抓准瞬间快拍的节奏呈现出来的人物便更能融入到画面的情境中，用旁观者的角度、记录的观点，表现人像写真在画面中的存在感！

⑤运用群体结构：有很多小元素组合成的大对象值得我们注意，这种结构具有视觉张力使画面不会松散使空间感更扎实。

⑥善用艳色：人类的视觉天生就容易被艳丽的色彩所吸引！

用眼睛看是一种框，而用心体会是一种宽。——柯锡杰

我们生活中有太多的平凡，万物都藏着伟大的不平凡。重点是你能不能去看到这些不平凡，发现这些不平凡。

协调的色调可透过景深、时间性、耀光、灯光、天气、环境、滤镜和后期修色等多种方式达成。

色随光走。

不同的时段、不同色温的光线反射在同一个对象上，会产生不同的颜色变化。

①利用景深：用某种媒介贴近镜头，在被景深模糊掉。这种颜色笼罩在画面之上，自然就会产生一种浪漫有层次的色调。

②掌握时间一天中最适合拍照的时间就是黄昏和早晨，阳光温润厚重，大地的色彩和色温都跟随光变化，所拍摄的照片当然也就呈现统一的暖色调！

③利用环境：不同场景有不同的环境配色，细心观察各种元素本身的颜色，如果都属于相同色系那么画面中也会形成统一的色调。

④利用天气：阴天相比于晴朗的天气更会具有一致的色调性！色彩度降低对比减弱彼此颜色接近

⑤利用灯光：我们周围充斥着不同色温的灯光，有时候不一定是干扰，他们反倒可以成为创作的色调

⑥后期：重要的不是后期处理，而是观念，观念基础没有打好，后期处理再好也是枉然。一张成熟的照片，在选景构图引导等因素上都要到位，这样才能综合成一张作品的风格和视觉感受，后期不过是锦上添花。

拍摄人像时，被摄者任何肢体动作都是构成画面张力的元素，而眼神与神情则能带出画面的感情深度。拍摄者就是导演，被摄者则是演员，两者不管是眼神的传递还是情绪的表达都非常重要。

摄影也可以说是拍下一种证据，记录正在发生的动态，主要表现什么事实。所以我比较喜欢纪实摄影（婚礼也算），通过纪实摄影的练习，还能把纪实的特色和技巧带入人像摄影。因为纪实摄影会训练你的观察力和反应力，即使迅速的捕捉重点和人物的表情。拍摄人像时，可引导模特自由发挥做动作，拍摄者用抓拍捕捉瞬间，这比刻意摆拍要自然的多。

学会抓住不经意的瞬间，在最恰当的时候按下快门，为了能抓住最自然的表情，我常常随时紧盯取景器保持自然的距离，一边聊天让对方放松，一边快速寻找视角遇到有感觉的画面便按下快门。

引导的方法和态度

大部分的美女模特并不是专业艺人，背后也没有团队支持，很多时候完成一些刻意的摆拍，反而会东施效颦！不到万不得已我不太会刻意设计动作，而是设计情境。经过充分的沟通，给对方一个情境就像你是导演，对象是演员。 比如，让对方表现出放松、带走慵懒的动作和神情，或假装身旁有动人的旋律，想要随之起舞。或是假装很无聊的在等人，然后不要让对方停下动作，可以随意的摆动身体，乱走，乱跑转圈都可以。就算对方做的不好也不要把责任推到被摄者的身上，只要对方心情放松，拍摄的过程是愉悦的，那么呈现出来的表情或肢体动作是自然就好。

不经意的瞬间必定是自然的，在拍摄前，每个模特都会做些准备动作，整理头发或调整位置和姿势。此时不要拿着相机呆呆的望着，可以拍几张。

每个模特的个性都不同，有的比较文静，有的比较活泼，拍摄者应该根据模特的个性来确定拍摄的风格，而不是为了表现自己的风格而去限制被摄者的情绪和个性。

设计情境只要简单的去引导对方根据当时的环境做合理的反应和动作就可以了。觉得设计情境是很困难的事，那么就让模特做平常的动作就好了，比如上下楼梯，跑过去跑过来，蹲下起立总不会很难吧？ 经验：可以请模特在原地旋转体现动感，往同一个方向，在转动过程中，头的方向与身体的方向不能一致，随时处于一个回头的姿势，一边旋转一边回头由慢至快。

大多数情况，我不会让模特的头直对着我，我会和他们说，如果我叫你看我的镜头，永远不要让鼻子正对着我，把眼神看过来就好了。

从生活的角度去拍，反而更自然、不做作。一个画面美是要美到心里的，能让人感受到真实的情感。

摄影的意义

因为真，所以美，美丽要构建在真挚的基础上，才会美的扎实，美的有意义，真实是拍摄者要追求的第一要素，我们要引导出属于被摄者的真实情感和人格特质，并把这些环节摆在最重要的位置，在用我们习惯的方式去呈现。拍摄者的任务是要抓住被摄者的神韵，而不只是形象！

如何拍出自然的笑容，摄影师必须要去制造机会和可能。并不一定要逗对方开心。拍摄前必须要事先进行充分的沟通，我认为可以用一些图像让对方了解你的构想，还要进行深入的讨论，让对方有时间揣摩和准备，最后就要看模特的天分以及拍摄者的引导和技术了。

如果说构图是画面平衡的重要基础，那么光就是制造气氛的最佳要素。

对于我来说，“光可载舟，亦可覆舟”。 有了阳光，当然摄影的表现方式就会有更多的可能性。不过，如果光线控制不好或是与照片的主题氛围不搭，也会影响作品的呈现。 相反没有光线也不见得就完全不好。 如果偶尔想拍比较阴郁的风格，我期望的便会是一个阴天。所以，如何掌握和应用光线才是重点，拍摄时心态放自然最重要。

我整理出几种 常见的光线形态 ：

① 凝聚光 集中照射在物体表面

② 光影造型 光线被物体阻挡，从而形成各种形状的阴影

③穿透光 光线穿透各种对象并使其透亮

④ 空气光围 阳光弥漫使整个空间都能感到光的温暖，并形成一种色调

⑤ 逆光 被拍摄物体位于光源和拍摄者之间

⑥ 人造光源

⑦时间光感 光线因为不同时间而表现出不同的色温特性

就地取材，是我在户外拍人像写真的习惯，有什么拍什么，不必强求，重点是我们要去找别人没有看到的；别人没想过，也要思考。

光线的合理性

光线如果要讲究自然，首先要合理。光的色温要合理，来源也要合理，所以我要我会尽量用自然光拍摄，不打任何光板，除非有特别的创作目的。 如果我们已经拥有很多清楚又漂亮的大头照，又何必张张都要把人脸孔拍的那么清晰，为什么不让拍摄出来的影像跟眼睛所见的是同一种感觉！

阳光最富变化的时刻是清晨和黄昏，那时的光线较为柔软温润。早上九点前和下午三点之后，光线的色温看上去都比较舒服。冬天的黄昏色温比夏天黄昏更加温暖厚实，因此冬季也是拍摄的好季节。

构图没有法则，更没有固定的标准，只要符合美感，能够引起 共鸣 ，就是成功的构图。

无论绘画还是摄影，构图永远决定着画面成败最关键角色。各种摄影书籍网络文章提到摄影必定深究构图，每一个看起来都很有道理。但我认为，构图只是 创作的一种直觉。

平衡中的不平衡

对于构图来说，平衡绝对是关键，它是成就一个画面的重点。平衡是让构图看起来安定的基本要素。不过太过于完美的平衡又会过于严肃。适当的平衡感觉会比较自然。绘画是创造画面，从无到有，一个画面等于一个世界，而摄影则是真实的截取，我们只需要选择不同的角度和位置框住我们想要捕捉的影像即可。相比较而言我认为摄影中的构图可以更随性大胆有趣。

尽量练习在构图时不要超过 三种 构成元素。构图减法的观念也不是绝对的，并非越少越好，因为还要考虑到平衡协调透视等因素。

去掉妨碍被摄主体的其他背景和物体，才可以凸显出被摄主体，去除对画面氛围毫无帮助的元素，才更能凝聚力量。

沙滩、美腿、椰子、人字拖，这些元素的组合你会想到什么？我想必定是夏天的气味、热带海岛的感觉。其实这些元素就是一种象征。你选择什么样的象征物，就是要以这些 象征物来表达图像的内涵 。

在照片平面上营造空间深度。

西洋绘画中表现空间深度常见两种方式，一种是透视法构图，另一种是色调。无论是绘画还是摄影的都是在二维空间内营造三维空间的假象。在人景合一的同时，利用画面中景物元素和前中后景，拉出空间的层次感和透视效果，使画面更有穿透性的无限延伸。

在选择服装之前，必须先考虑拍摄地点和主题，因为服装、拍摄风格和场景三者之间密不可分。 我比较先决定其中的一项然后然后让另外两者与其配合。 必须注意整体的协调，包括发型，、衣着、配饰以及鞋子等，在色调和款式上都要相互搭配。

风格就是人格，人格则是个人种种特质的总和。在树立个人风格之前，请先了解自己，发现自己。

摄影是一个记录的动作，你可以只做为一个记录者，当然也可以做一名摄影创作者。既然用摄影来创作我们都希望能独树一帜，与他人有所不同，也就是能有属于自己的风格。如果无法表现自我风格，那将称不上是有创意的作品，只能说是模仿罢了。当然在初期我们都会通过模仿循着前人的经验不断练习，这个时期的作品通常被称为习作，而非创作！

最开始我会关注几个特别喜欢的摄影师，研究他的方法，自己在重新去拍一遍，然后自己沾沾自喜的当成自己的创作与大家分享。后来的我不止关注一位摄影师的作品，而是接受所有拍摄者的作品，大量研究，甚至不去关注作品的作者。 大部分情况，我只对影像感兴趣，而且是不同风格、不同来历的各种影像，这样可以避免对其过度崇拜，而产生不自主的模仿心态！因此要学会找出那些作品的优点，转化为可用的灵感资源储存在心里，并加以沉淀！

我们常看到有些人，因为自我美学养成不足见识不广，还喜欢以主观喜好高谈阔论，批东批西，以自己贫瘠的观点和狭隘的认知来决定艺术的价值，在我看来这是非常可笑的行为，当我们面对非自身专业领域时，虚心学习才是基本的态度。

美也许没有优劣对错的问题，但是却有品味高低的问题！！

1、小清新风格

这是一种常见的照片风格，很适合表现青春、朝气、阳光，这类照片都以亮色调来表现，在自然环境中打造令人怦然心动的画面，所以此类照片通常称为糖水片。

2、复古港风

现在所谓的港风，就是大多是模仿的八九十年代香港女明星的一种特殊风格。首先在妆容上，强调英气、率真、自然，浓眉大眼、大红唇、蓬松卷发等是可以抓住的几个重点要素。其次是在服装上，色彩的强烈视觉冲击也是港风一大特点，要大胆运用红、黄、青、蓝等颜色的冲撞。

3、文艺风格

这一类的照片通常以日系胶片风格为主，与清新风格有一些相似之处。它通常来表现人物的忧郁、思索，伤感。自然光线下较弱的明暗关系来烘托怀旧气氛，画面内容具有纪实性，以便传达人物的心境。

4、古风人像

古风人像和现代人像在拍摄手法上有很大的区别，古典韵味十足并且带有浓郁的中国古典文化风格元素，古风人像摄影不仅注重画面的古典，同时还需要和中国传统文化相结合，以求获得唯美的意境和细腻的画面感。

拍摄现代人像时，为了突出人物，摄影师往往喜欢把背景虚化掉。但是古风人像不仅要突出人物，还需要人物和拍摄环境相结合，换句话来说就是环境人像。

5、黑白风格

黑白的人像的照片可以有效的清除那些打乱画面内容的色彩信息，让气氛更具有感染力。因此如果作品需要强调的是人物的情绪，那么黑白风格更容易放大那些情绪，这也是很多纪实摄影会以黑白风格来表现，黑白照片由于只有黑白灰组成，它的画面对比感觉会更加强烈。

扩展资料：

拍摄人像注意事项：

1、情绪要符合拍摄主题

拍摄人像，被拍者的情绪表达是非常关键的，情绪要符合拍摄的主题，比如要表现阳光开心的主题，那么忧伤的情绪肯定不适合。

2、画面构图要讲究

构图是画面表现形式上非常重要的一点，好的构图让作品更加完美，如果构图不好，严重影响画面的视觉表现力。

3、光影表现要到位

摄影是玩光的艺术，如果光影没把控到位，拍出的人像视觉效果就没到位，包括人像的立体感、画面的层次感。

4、色调风格要统一

画面的色彩色调风格，对于人像主题的表达，也是不可忽视的，是古典风格，还是现代，色调必须与之吻合

人像是不是必须要采

在摄影领域，拍摄人像是一项非常受欢迎的摄影类别。无论是拍摄个人照片、家庭照片、商业宣传或是艺术作品，人像摄影都是必不可少的。但是，人像是不是必须要采呢？这是一个值得探讨的话题。

人像摄影的艺术性

摄影艺术是一种表现力极强、有很多创意的艺术形式。人像摄影便是摄影艺术中的一种重要形式。通过人像摄影，可以表现人物内心的情感、个性、瞬间的美丽和生动的表情。人像摄影可以使用不同的光线、背景、构图和表现手法来描绘不同的情感和情境。因此，人像摄影是一项非常有艺术性的摄影形式。

人像摄影的商业价值

在商业方面，人像摄影也是非常重要的。许多公司和机构需要摄影师拍摄人像照片来进行广告宣传、杂志封面、产品介绍等。无论是拍摄企业高管、演员模特、还是普通人，拍摄人像照片总是需要的。因此，人像摄影也可以创造巨大的商业价值。

不得不拍摄人像的情况

在现实生活中，有时候必须拍摄人像照片。例如，政府目录照片、学生证照片、驾照照片等。这些照片的目的是为了个人及社会的需要，为证明个人身份提供便利。因此，在某些情况下，人像照片是不可避免的。

人像摄影的道德问题

然而，人像摄影也存在一些道德问题。在拍摄人像照片时，需要尊重当事人的隐私和权利。如果拍摄者没有事先征得被拍摄者的同意，或者在有意或无意间损伤了被拍摄者的形象和尊严，那么这种拍摄行为便是不道德的。因此，当进行人像摄影时，拍摄者需要遵守相关的法律和道德规范，尽可能地保护被拍摄者的权益。

纪实性拍摄与艺术性拍摄

最后，人像摄影需要分清楚纪实性拍摄和艺术性拍摄的区别。纪实性拍摄是指记录大众生活、纪念重要时刻、证明自己经历等等。这时，摄影者需要尽可能地还原真实情况，将被摄者的真实生活呈现出来。而艺术性拍摄，则是重在表现的艺术性和创意性，摄影者需要注重造型、灯光和背景等方面的艺术处理。因此，在进行人像摄影时，需要根据拍摄的目的和需要，选择适合的拍摄方式。

总之，人像摄影是一种非常重要的摄影形式。无论是从艺术性还是从商业价值上看，人像照片都有着重要的作用。然而，摄影者在进行人像摄影时，需要时刻铭记法律和道德的规范，尊重被拍摄者的权益。

拍人像摄影有艺术感关键在于“留白”。

人像摄影与一般的人物摄影不同：人像摄影以刻画与表现被摄者的具体相貌和神态为自身的首要创作任务，虽然有些人像摄影作品也包含一定的情节，但它仍以表现被照者的相貌为主，而且，相当一部分人像摄影作品只交待被摄者的形象，并没有具体的情节。

人物摄影是以表现有被摄者参与的事件与活动为主，它以表现具体的情节为主要任务，而不在于以鲜明的形象去表现被摄者的相貌和神态。这二者之间的重要区别，在于是否具体描绘人物的相貌。

拍人像近景介绍：

近景人像包括被援者头部和胸部的形象，它以表现人物的面部相貌为主，背景环境在画面中只占极少部分，仅作为人物的陪衬。近景人像，也能使被摄者的形象给观众较强烈的印象。同时，近景人像比特写能在画面中也包括一点背景，这点背景往往可以起到交待环境、美化画面的作用。当然，拍摄近景最好还是使用中长焦距的镜头拍摄。

拍摄近景人像，同样要仔细选择拍摄角度、“光线的投射方向、光线性质的软硬，并注意观察被摄者的神态，掌握适当的拍摄瞬间。

这张照片在世界广为流传，成为丘吉尔照片中最著名的一张。大师人像摄影作品赏析五《旋转的温达》这张照片是杜瓦诺1953年在一条大街上拍的。这期间，他拍摄大量温达的照片。

国外人像摄影大师作品图5摄影技巧教学冷暖色颜色能使照片具有强烈的情绪。蓝色属于冷色调，特别是有紫色倾向的蓝色。当蓝色占据支配地位时，观众会感到颤抖。

卡什对人物双手的刻画，把肖像照从单纯拍摄头像的模式中，解放了出来，丰富和扩大了照片的表现力。卡什在拍摄时，喜爱用暗调的背景，从而使人物形象显得庄重和高大。他的主光和辅光的光比，达到1∶3甚至1∶4。

对焦青春，留下美好，趁着年轻把自己最美的一面用相机留下来吧，一起来学习人物摄影技巧，下面是我整理的优秀的人物摄影作品鉴赏。

用拍摄角度来着重强调主体。但须注意，不应用极度的俯角或仰角。

而这种时候，如果你之前用RAW格式拍摄的话就能轻易地拯救照片，因为它允许你对图像的原始颜色进行修复。