世界十大名画之一：日出印象的作品赏析

　《日出·印象》，是法国印象派画家莫奈于1872年在勒阿弗尔港口画的一幅写生画。其诞生时间已经被确定到一个精确的时候，由此可见印象主义绘画在世界美术史上的重要地位。下面，就让我们一起到 世界十大名画 中了解其作品赏析吧。

　《日出·印象》描绘的是在晨雾笼罩中日出时港口景象。在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中，一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙**的波光，冉冉升起。海水、天空、景物在轻松的笔调中，交错渗透，浑然一体。

　近海中的三只小船，在薄雾中渐渐变得模糊不清，远处的建筑、港口、吊车、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现。这一切，是画家从一个窗口看出去画成的。如此大胆地用“零乱”的笔触来展示雾气交融的景象。这对于一贯正统的沙龙学院派艺术家来说乃是艺术的叛逆。

　该画完全是一种瞬间的视觉感受和活泼生动的作画情绪使然，以往官方学院派艺术推崇的那种谨慎而明确的轮廓，呆板而僵化的色调荡然无存。这种具有叛逆性的绘画，引起了官方的反对。

　这幅名画是莫奈于1872年在阿弗尔港口画的一幅写生画。他在同一地点还画了一张《日落》，在送往首届印象派画展时，两幅画都没有标题。一名新闻记者讽刺莫奈的画是“对美与真实的否定，只能给人一种印象”。莫奈于是就给这幅画起了个题目——《日出·印象》。

　它作为一幅海景写生画，整个画面笼罩在稀薄的灰色调中，笔触画得非常随意、零乱，展示了一种雾气交融的景象。日出时，海上雾气迷朦，水中反射着天空和太阳的颜色。岸上景色隐隐约约，模模糊糊看不清，给人一种瞬间的感受。

　他对光色的专注远远超越物体本身的形象，使得物体在画布上的表现消失在光色之中。他让世人重新体悟到光与自然的结构。所以这一视野的嬗变，以往甚至难以想象，它所散发出的光线、色彩、运动和充沛的活力，取代了以往绘画中僵死的构图和不敢有丝毫创新的传统主义。

　“如果你弄个《日出·印象》的黑白版本（如图），会发现太阳基本消失了……没错，太阳本身没有光，只是凭色彩的映衬，才制造出这样的效果！”

　当1874年莫奈和一群青年画家举办展览时，这幅《日出·印象》遭到了诽谤和奚落。

　有的评论家挖苦说：“毛坯的糊墙纸也比这海景完整！”更有人按这幅画的标题，讽喻以莫奈为首的青年艺术家们为“印象派”，于是“印象主义”也就成了这个画派的桂冠。

　该画1985年被抢劫，据法国被盗艺术品侦缉处1990年12月6日，在科西嘉岛一座别墅中查获。

月华图和星空是两幅非常美丽的画作，它们都可以表达出当时画家内心的某些情感和心情。

月华图通常描绘的是月亮的光辉和华丽的景象，可能代表着画家对月亮的崇敬和热爱，也可能表达出对夜晚的向往和宁静心情的追求。

而星空则常常描绘出繁星点点的夜空，可能代表着画家对宇宙的敬畏和好奇，也可能表达出对广阔天地和无限自由的向往。

总的来说，这两幅画作都表达了画家对自然之美和宇宙之妙的追求和崇敬，可以被认为是画家当时心情的写照。

这位梵高同学去世多年了，我们谁也不知道他想的是什么。我们只能猜测。这幅画起初是风景画，但气势宏伟，光线耀眼，给人视觉冲击。而且你会发现这幅画很混乱，很混乱。让我感觉梵高内心不是很平静，甚至已经有点疯狂了。(威廉莎士比亚，《哈姆雷特》)因为梵高在精神病院的时候，好不容易出去写生。而且，从这幅画可以看出精神错乱的人好像在看星星月亮在天空画的乱七八糟的画。

但这是不可能的。因为梵高画这幅画的时间是白天。所以我们可以把这幅画理解为精神世界、梵高眼中的世界、颠倒时差的世界、与现实不同的世界。梵高的《星月夜》传达了不向命运低头的精神。天上飞来飞去的星云就像旋转和跳舞，像花一样盛开，它灵活的枝条虽然力量微弱，但却无畏地向天空抽去。爬到云层上的巨大柏树像黑色的佛说一样，竭尽不屈的力量伸展着枝叶。传达了作者内心的苦恼和忧郁，也展现了人类的挣扎和奋斗。

这棵柏树我不好评价什么，但以我的理解，这棵柏树好像是梵高的朋友，和他谈心。在现实生活中，梵高几乎没有朋友，所以他在自己疯狂的世界里只能用一棵柏树和自己交流，就像和自己交流一样。所以我们可以暂时认为这棵柏树，这棵纠缠在一起的柏树是他自己。这个树顶就是指天上的树。就是梵高自己热情的爱情灵魂。在这幅画中，梵高用夸张的手法生动地描绘了充满运动和变化的星空。

夜晚的天空又高又远，大星星和小星星在夜空中盘旋，金色的满月形成巨大的漩涡，星云的短线纠缠着，盘旋着，仿佛向人们展示了时间的流逝。深绿色棕色的柏树像巨大的火焰一样，是星夜狂欢的回答者。天空下安睡的村庄是那么安静和寂静。浅蓝色色调，动态的线条，给人自由的施工感觉。而且整幅画有很多和太阳相似的光，右上角是一个巨大的月亮。那耀眼的光芒照亮了村庄白树和天空。不难看出，在那个漩涡和没有轮廓的粗糙线上，梵高发挥了极度不受束缚的能力，表现出了自己火热的性格。

波提切利的名画《春》是根据波利希安的一则寓言故事创作而来，故事大致意思是说众神在春天的清晨一同漫步在林荫草坪之上。

一、 《春》展示出来的故事。

波提切利的代表作当属《春》，画中共有九位神，除了长了小翅膀的爱神丘比特，其他八位神依次从左自右排开，依次是墨丘利、美惠三女神（美丽、青春和幸福）、维纳斯、花神、克洛丽丝以及赛菲尔。波利希安的故事是：在早春的清晨，当晨光微亮，周边树木都没被阳光“淹没”时，众神聚集在一起，为了在给民众在早春施予美好的祝愿。

为了施予祝愿，身穿红衣且戴佩刀的墨丘利在驱散冬天的阴霾，预示着春天的到来。“美丽”女神身上的珠宝闪耀这光辉，挥舞着手臂；“青春”女神背对着画面，流露出羞涩的容颜；“幸福”女神扭动着腰肢，展现出曼妙的舞姿。维纳斯端站在画面中央，等待晨光亮起的那刻将为春举行盛大的欢迎仪式。盛装打扮的花神翩翩而来，将手中的花瓣洒向大地，唤起还沉浸在冬日中的人们。最后是克洛丽丝与赛菲尔相互追逐，还有丘比特依旧拿着爱神之箭瞄准着即将沉浸在爱河中的人们。

二、 波提切利创作《春》的原意。

这幅《春》创作的背景是西方的文艺复兴时期，当时的艺术家们重新审视了过往，开始明晰了唯物主义并且看到了人的重要性，他们大胆反对虚无缥缈的宗教，立志要从宗教神学中彻底走出来，为了解构当时的神话，艺术家们创作了非常多众神形象，并且用他们来鼓励人们勇于去追寻更自由的灵魂。《春》本身的意思就像作品本名一样，波提切利希望通过对寓言故事的形象展示，给大家营造出早春那种朝气蓬勃的气息，以此来愿人们能重新开始自己的人生，不至于被神学禁锢于此，不再被信仰给禁锢，那或许，众神也是这样祝愿你的。

三、 文艺复兴带给当代人的艺术财产丰盛。

文艺复兴时期涌现了非常多优秀的作品，几乎奠定了现代美学的基础，比如波提切利另外的作品《维也纳的诞生》，达芬奇的《最后的晚餐》《蒙娜丽莎》以及米开朗琪罗的《创世纪》。这些作品无不体现出极高的美学价值和人文取向，蛋彩画的《春》整体线条流畅，色彩表现鲜明，气氛的营造应该是波提切利的巅峰，而且九位神的动作、生态以及衣着没有重复、各有特点，几乎已经完全定义了神话中神的形象，让人印象深刻，或许是当代美术学子顶礼膜拜的存在吧。

几百年来，意大利文艺复兴巨匠达芬奇的传世名作《蒙娜丽莎》以其神秘的微笑倾倒世人。至于这微笑背后的真正含义，由于世人各有解读，从而成为艺术史上的一大谜团。据法新社12月14日报道，最近，荷兰阿姆斯特丹大学的电脑通过一种运算法则，测算出蒙娜丽莎微笑中的秘密。

微笑中包含4种情绪

借助计算机“情绪识别软件”，

科学家发现，“蒙娜丽莎”的微笑中共包含4种情绪：83％开心、9％厌恶、6％害怕、2％生气。

该软件首先根据数据库中年轻女子脸部制出一个“一般表情”模本，再通过与此模本比较嘴唇和眼部周围皱纹的弧度等脸部关键特征，识别人类情绪。目前这款软件能识别6种基本情绪：开心、惊奇、生气、厌恶、恐惧和悲伤。

笑容真实含义仍是谜

对于“蒙娜丽莎”为何同时拥有这些矛盾情绪，参与此项研究的黄煦涛教授坦言，“要更精确地解读‘蒙娜丽莎’的微笑，还需要和心理学家及艺术家共同探讨人类面部微妙表情背后的真实含义。”

英国格拉斯哥大学心理学家辛西娅·麦克维伊尝试从心理学角度解析“蒙娜丽莎”的矛盾情绪。“达芬奇想给她画像，这让‘蒙娜丽莎’挺高兴。但她又有些厌恶由一名老男人为自己画像。生气的原因是，她已经坐在那里许久了，可达芬奇还没画完。”

英国伦敦大学唐纳德·沙逊教授则认为，达芬奇有意隐藏模特的真实情绪，从而给人们留下巨大的想象空间。

达·芬奇认为人是最神圣的。人体是自然界中最美的形象。他曾反复多次地测量证明，人体各部分之间的比例都是整数比，因此人体呈现出最为和谐的美，称之为“神圣的比例”。他说：“谁不尊重生命，谁就不配享有生命。”《蒙娜丽莎》正是他以一个真实的女性的微笑歌颂着人自身的美丽，呼唤着人性的觉醒，颂扬生命的可爱之处。体现了他的人生哲理。

《蒙娜丽莎》的右手被誉为是世界美术史上最美的一只手。尽管科学发达的现代摄影技术无比高超，但如果把这只手与现代摄影作品相比，人们仍可以看出这只手更有体积感，更有重量，更有生命力。几乎完全临空的中指指缝隙中，人们似乎能听到音乐的美妙，感觉到蒙娜丽莎那瞬间的愉快。现代摄影是很难记录下这种内在的神韵的。

16世纪初的许多画家往往把精力放在形体正确、轮廓严密、线条准确、细节清晰上，结果在他们笔下的形象往往缺乏生气。出现了僵化的“睡美人”，只有达·芬奇，才把生动性提到了更高的境界；并创造了众多充满活力的形象。然而，自《蒙娜丽莎》问世以来，人们对之赞叹不已而又争论不休的，则是蒙娜丽莎的“神秘微笑”。究竟什么是蒙娜丽莎“神秘微笑”的原因？她微笑的含义是什么？有人说这是“魅惑的微笑”，有人说是“邪气的微笑”，有人则认为是不可理解的神秘的微笑，是一个永恒之谜。其实，从画面上看到的蒙娜丽莎的微笑，是一种心安理得的自信和乐观从容的气度。而这一点，正是那个经过漫长的中世纪的黑暗，人们正从基督教神学的重压下觉醒过来，去追求新生活的时代特征。

画中的蒙娜丽莎，从微笑中不仅显示出她的温雅、高尚和愉快，也显示出对新世界和新生活的欢欣和喜悦。这里没有丝毫的怀疑和恐惧，没有中世纪画家笔下人物的呆板、僵冷和对世界充满恐惧的踪影。也不像中世纪画像中那种作为神的奴仆的毫无生机的人，蒙娜丽莎是一个充满着青春和生命力的有血有肉的形象。达·芬奇用他的“蒙娜丽莎”，展示了那个伟大时代的人们新的精神风貌，揭示了人们对新生活的向往、乐观与自信。同时，也表达了他对解脱神的枷锁后的人以及人的美的热情赞颂。蒙娜丽莎的微笑，使这一人物形象具有了无限深广的意境。无论是其自身的和谐的诗意，还是其深厚广博的社会学、历史学涵义，都达到了无与伦比的高度。从这一点来说，蒙娜丽莎的微笑也是一曲千古绝唱。在蒙娜丽莎的身上，理性的原则和高度的诗意，崇高的精神和生动的肉体，情感和理智、科学和艺术，都和谐而完美地统一于一身。这正是文艺复兴时期人的完整的形象。是人类历史进程中出现的一个全面发展的杰出范例。《蒙娜丽莎》表现了时代的巨大思想蕴含和艺术造诣的惊人深度，因而几个世纪以来，人们对它永恒的魅力怀有持续不减的热情。达·芬奇画成这幅画后，一直带在身边，视为珍藏品。直到他死后，才为法兰西国王弗朗西斯一世所收藏。现在这幅画珍藏于巴黎卢浮宫博物馆。

爱德华·蒙克（Edvard Munch）这幅关于存在性焦虑（Existential angst）的画作，是美术史上的第二名作。然而这一画作是怎样达到这一高度的呢？阿拉斯泰尔·苏克（Alastair Sooke）将为您讲述此画背后的故事。

沸腾的天空，如著了火一般：红、黄、橙三色的烈焰布满了天际。天空下面，站着一个雌雄难辨的人。只见那人身穿一件波浪纹的蓝色外套，蓝色的外套很像要汇成急流，流入他身后深蓝的河流一般。那人光秃秃的脑袋就如一个头骨，一双拉长了的手托在脑袋的两边。

那人的眼睛因恐惧而大开，他爆发出了骇人的尖叫！除了远处的桥上的两个人以及峡湾中的那条船尚属正常外，画面中的所有事物，都弥漫着一股原始的、难以阻挡的恐惧。

这就是出自挪威艺术家爱德华·蒙克之手的名画《呐喊》（The Scream），美术史上的第二名作——仅次于达·芬奇（Leonardo Di Serpiero Da Vinci）的《蒙娜丽莎的微笑》（Mona Lisa）。

存在性焦虑

蒙克来自一个穷困潦倒的军医家庭，是家里五个孩子中的次子。他出生于1863年，于1944年去世。本次在纽约新美术馆举行的展览，旨在探讨蒙克与20世纪初发生在德国与奥地利的先锋派表现主义艺术运动（avant-garde Expressionist art movement）的关系。尽管本次展览主要展示的是蒙克艺术生涯后期的作品，却仍为1895年版《呐喊》留有一席之地。1892年，蒙克首次到达柏林（Berlin），非常快就在那里名声大噪。

在德国，蒙克度过了疯狂而又富有创造力的几年。在那几年间，蒙克在一家名为小黑猪（the Black Piglet）的酒吧中，结交了一些志趣相投的艺术家以及作家，其中就有其密友奥古斯特·斯特林堡（August Strindberg）。也是在那段时间，蒙克创作了他生涯中主要的，也是日后最为有名的几幅作品，其中包括《吸血鬼》（The Vampire）以及《麦当娜》（Madonna）。这两幅画日后都成为了《生命的饰带》（The Frieze of Life）这一史诗级半自传式组画的一部分。在《生命的饰带》组画中，蒙克将关于爱、性以及死亡的强烈情绪，化作了世界性的象征。而最初版本的《呐喊》，即1893年版《呐喊》，也是此系列22幅组画中的其中一幅。

在德国的那段时间，蒙克创作了他生涯中主要的，也是日后最为有名的几幅作品，其中包括《吸血鬼》以及《麦当娜》（图源：《吸血鬼》1895/爱德华·蒙克）

1892年，蒙克创作了《呐喊》的前身——《日落下的黯然：绝望》（Scream called Sick Mood at Sunset， Despair）。该画的构成与《呐喊》极为相似：不管是画中血色的天空、蓝绿色的湖泊及风景，还是桥上的三人。尽管该画在那个时代已算是比较创新，然而相比较而言，该画在画风上还是不如《呐喊》一般颠覆传统。《呐喊》是蒙克的一个突破，表现出强烈的存在性恐惧，完全压倒了前者所流露出的那种温和的忧愁。

在蒙克日记中，1892年1月22日的一篇记录了他创作《呐喊》的灵感来源。日记中写道：「当时正当日落，我和两位朋友走在路上——突然我感到一阵悲伤——眼前的天空也突然变得血红。我停下脚步，身子靠在栏杆上，感觉疲劳得要死——红红的燃烧的天空如同血与刀剑一般，笼罩在蓝黑色峡湾与城市之上——我的朋友们继续向前，而我却站在那里——我因焦虑而颤抖——然后我感到一声巨大无穷的呐喊划破自然。」

《呐喊》大概是蒙克的自画像，也有大概是其在1889年巴黎世博会上看到的秘鲁木乃伊（图源：爱德华·蒙克）

蒙克的姐姐索菲（Sophie）在他13岁那年去世。《呐喊》中的人物，大概是蒙克对自个得知姐姐去世时表现的自画像。而一些艺术史学家也表示，《呐喊》中的人物来源大概是蒙克在1889年巴黎世博会上看到的秘鲁木乃伊。

在纽约新美术馆的展览中，《呐喊》被安排作为游客观赏的最后一幅画。策展人劳埃德表示，这样的安排是因为「《呐喊》中的一切都展现了表现主义的精髓」。