贝多芬《悲怆》奏鸣曲的风格特点及在演奏时情感把握的处理。要详细一些。

《悲怆》是贝多芬早期钢琴奏鸣曲创作的顶峰之作，史科托把这部作品与《罗米欧舆朱丽叶》比较，指出两者间存在共通的《青春哀伤感》第23号钢琴奏鸣曲由于前后两个乐章如暴风雨般有万钧一发之势而为出版商命名为热情，而《华尔斯坦》是在贝多芬制作最辉煌阶段的作品，给人以一种辉煌与壮丽的效果，钢琴大师54年在美国录制的这盘唱片，淋漓尽致地表现出作品中动人心强的人生激情。

《悲怆》奏鸣曲是反抗残酷命运与黑暗势力，追求美好理想和幸福人生的雄伟诗篇。全曲充满着斗争的力量和热烈追求的激情。第一乐章是奏鸣曲式。悲壮的慢板引子揭开了全曲的序幕。第一小节严峻阴森的和弦象征着残酷命运的威胁，级进上行附点音符的哀求音调与之形成强烈的对比，这两种因素的矛盾冲突，奠定了引子发展的基调。这个戏剧性动机是整个引子发展的核心： 接着，阴暗的减七和弦一次次鸣响，痛苦哀求的音调在高4度、高8度处反复模进出现，当曲调上行到高音"降A"时，一串下行的快速音型飘忽而过，使人仿佛听到轻轻的叹息。在引子结束处，从高音倾泻而下的一连串快速半音且蕴积着反抗的情绪，为后面爆发的涛涛怒潮作准备。 呈示部的主部主题，以奋发向上、奔腾不息的音流反映了人们向命运挑战的气势、与黑暗势力搏击的决心： 右手笔直上升的音型、坚定有力的节奏、左手分解八度的主音持续音一出现就具有召唤人们进行斗争的力量。 副部活泼、抒情的主题在低音区和高音区一唱一和，感人动听。左手舞曲性的伴奏织体，充满生气，表现了人们对幸福的向往和欢乐的遥想： 活跃的上行跳音，带有倚音的附点音符和轻巧的三连音下行音调具有幻想的意味。浓重低音与明快高音的色彩对比更增加了欢乐的气氛。它表现了厄运的幽灵无法阻挡人们对美好生活的追求，对幸福理想的憧憬。呈示部的结束部在降E大调上开始，以主部的材料变化写成，左右手连续不断的半音反向进行，掀起了更汹涌的反抗热潮。这股音流从低到高、从弱到强，把主部的斗争情绪推向高潮。整个呈示部在高潮出现的强劲和弦中结束。 展开部以引子的素材在g小调上开始，集中凝练的音乐形象，描绘了阴暗势力、残酷命运的威胁依然存在，受伤的心灵仍在隐隐作痛。接着激昂奋进的上行音调在左手分解八度持续音衬托下与引子中哀求音调的轻吟形成对照： 这两种冲突因素互相交替先在e小调上出现，又在D大调、g小调上重复。接着，滚滚向前的分解和弦不断蠕动象远处传来的雷鸣，昂扬激进的音调反复插入与之交替，掀起一个个浪潮。 第一乐章的再现部一往无前、坚定有力，以秋风扫落叶之势奏出了胜利的凯歌，最后几个所向披靡的和弦宣告了光明战胜黑暗的胜利，显示了人"扼住命运的咽喉"的力量和气概。

c小调，第八号钢琴奏鸣曲《悲怆》， 这是达到了贝多芬早期钢琴奏鸣曲之顶峰的杰作，也是因其戏剧性的优美旋律而为世人所熟悉的作品。本曲无论在内容、旋律和结构等诸多方面，都渗透着一种日耳曼民族特有的理性，这也是贝多芬等德国音乐家共有的特质。本曲的演奏技巧并不太难，因此被演奏的机会也非常之多，更是许多钢琴初学者爱不释手的曲目。在贝多芬的钢琴奏鸣曲中，《悲怆》是第一首由他本人亲自写上标题的作品。关于"悲怆"这个辞汇，与贝多芬后半生那感人肺腑而又凄怆深刻的悲剧性生活还有相当的一段距离，因为这毕竟是他的早期作品。

全曲共分三个乐章：

第一乐章 极缓板，转辉煌的快板，c小调。开头是一段相当长的充满悲怆情绪的极缓板，后转为快板，依旧悲怆的旋律中透露出一丝坚定。

第二乐章 如歌似的慢板，降A大调，2/4拍子。本乐章是极为优雅的慢板音乐，也是充满祈祷的一首抒情性歌曲。本乐章的主题是人们非常熟悉的一段旋律， 它曾被现代轻音乐队改编为轻音乐曲，成为通俗音乐中的精品。

第三乐章 快板,c小调，2/2拍子，回旋曲形式。乐章主题与第一乐章主题动机有相通之处，优美的旋律中带有欠稳定的游移情绪，似乎处于一种徘徊不定的心态之中。

速度。

音乐语言包括很多要素：旋律、节奏、节拍、速度、力度、音区、音色、和声、复调、调式、调性等。一首音乐作品的思想内容和艺术美，要通过多种要素才能表现出来。

　　旋律又称曲调，它是按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的音的线条。它是塑造音乐形象最主要的手段，是音乐的灵魂。

　　节奏各音在进行时的长短关系和强弱关系。由于不同高低的音同时也是不同长短和不同强弱的音，因此旋律中必须包括节奏这一要素。

　　节拍强拍和弱拍的均匀的交替。节拍有多种不同的组合方式，叫做"拍子''，正常的节奏是按照一定的拍子而进行的。

　　速度快慢的程度。为使音乐准确地表达出所要表现的思想感情，必须使作品按一定的速度演唱或演奏。

　　力度强弱的程度。音的强弱变化对音乐形象的塑造也起着很重要的作用。

　　音区音的高低范围。不同音区的音在表达思想感情时各有不同的功能和特点。

　　音色不同人声、不同乐器及不同组合的音响上的特色。通过音色的对比和变化，可以丰富和加强音乐的表现力。

　　和声两个以上的音按一定规律同时结合。和弦进行的强和弱、稳定与不稳定、协和与不协和，以及不稳定、不协和和弦对稳定、协和和弦的倾向性，构成了和声的功能体系。和声的功能作用，直接影响到力度的强弱、节奏的松紧和动力的大小。此外，和声的音响效果还有明暗的区别和疏密浓淡之分，从而使和声具有渲染色彩的作用。

　　复调两个或几个旋律的同时结合。不同旋律的同时结合叫做对比复调，同一旋律隔开一定肘间的先后模仿称为模仿复调。运用复调手法，可以丰富音乐形象，加强音乐发展的气势和声部的独立性，造成前呼后应、此起彼落的效果。

　　调式从音乐作品的旋律与和声中所用的高低不同的音归纳出来的音列。这些音互相联系并保持着一定的倾向性。而调性则是调式的中心音（主音）的音高。在许多音乐作品中，调式和调性的转换和对比，是体现气氛、色彩、情绪和形象变化的重要手法。

　　音乐语言的各种要素互相配合，具有千变万化的表现力。旋律尽管是音乐的灵魂，但其它要素起了变化，音乐形象就会有不同程度的改变。在一定条件下，其它要素甚至可起重要作用。

中国情缘

肯尼G的现场演出，一向受到乐迷的欢迎，也是肯尼G本人的最爱， 因为现场伴演的方式让他觉得更加接近音乐和声音，情感的表达也更为真实。在台上吹奏着萨克斯的肯尼G被人们认为是最为性感的，他本人也对这种说法表示完全认同，称自己的性感来自于心灵深处情感对外的自然流露。

喜爱音乐的肯尼G热衷于听各国家、各地区风格迥异的乐曲，特别是当一位友人把收集到的一些中国乐曲带给他听时，他简直爱不释手，硬是在专辑快出版前以最快的速度制作录制了一首中国乐曲收录在专辑中，并迫切期待有朝一日能和中国的音乐家们合作，共同创作自己专辑的乐曲。

正因为如此，在多年前，肯尼G就梦想着到中国这个文明古国演出，但都由于种种客观原因未能成行。2002年10月，“肯尼G非凡音乐中国之旅”音乐会是他首次访华，也是其踏入乐坛20年的一次很有纪念意义的演出。肯尼基的中国之旅，是在上海、广州、北京进行四场演出，上海是第一站。为了此次的中国巡回演奏会，肯尼G带来了多达25人的乐团随行。肯尼G在上海大剧院首场演出的亮相使观众欣喜若狂。一开始，只闻萨克斯耳熟能详的《回家》的优美旋律，不见台上的演奏家。但蓦然回首，演奏家已在观众席入口处。聚光灯下，肯尼G狮毛般的鬈发成了一束金色的光环，与金色的萨克斯相映成辉。演奏家在与观众的近距离接触中，随着悠扬的乐声，姿态优美地登上舞台。肯尼G在第一支乐曲的演奏中就亮出了他的绝活：居然将一个音符一连十几分钟不换气地从观众席吹奏至舞台，其间还腾出手来和观众握手。

肯尼G确是一位煽情高手，他将他那融入爱的感悟、情的体验的演奏风格与他独特的人格魅力完完全全地通过他手中的萨克斯释放了出来。肯尼G轻摆身体，微皱眉头，那极富感情色彩的颤音便流淌而出。音乐会上，富有情感的萨克斯将观众的心燃烧和融化……

《追梦赤子心》是国漫《那年那兔那些事儿》的主题曲，诠释的是我们国家这些年来的风风雨雨，带来的也是满满的感动，如果说这些年来有哪些出色的励志神曲，GALA的《追梦赤子心》我一度认为是最成功的。摇滚乐队唱励志歌曲我一直认为就很励志，零点唱过《想信自己》，Beyond乐团的后期作品更是满满正能量，而GALA的这首歌无意是这些年来最让人感到热血沸腾的歌曲，那种歌唱时候的那种疯狂破音到撕心裂肺很有感染力，GALA用这首歌表达了对梦想的追求与坚持。

歌词里有一种我们凡人拼尽全力去追逐梦想的热血感，很容易地就打到听众心里边去，正能量，非常好，赞。同时，这首歌还获得了第三届中国摇滚迷笛奖最佳年度摇滚歌曲。所以不管是听众层面，还是专业层面，这首歌都得到了肯定。在这里，阿犬不挑这首歌曲的刺，纯粹就说说苏朵的唱功问题。有些人说，就是苏朵这种全程跑调破音的唱法，塑造出了一种歇斯底里的紧迫感，这种感觉完美地契合了这首歌“追梦”的主题，为梦想嘛，谁不是拼尽全力、血泪横流？

但其实，GALA乐团一直在出新歌，而且也不只是那两首经典曲目。**《少年班》主题曲《骊歌》也是GALA乐团的作品。可见，他们的歌也不只是扯破嗓子大喊，其中也有这样深沉婉转的曲风，聚散分离，淡淡的忧愁。经历过乐队成员的新旧交替，写出了“人生是一场错过，愿你别蹉跎。都知欢聚最难得，难耐别离多。”这样的句子也不难理解。还有人质疑，GALA乐团的唱功，破音，发音不清。但你想，《追梦赤子心》这样一首歌曲，你用正常的唱腔来唱，你是体会不到那种尽管撕心裂肺也还是怀揣赤诚之心的感觉，正是这种唱法才让听者更有代入感，不是吗？

这种时候你最想做的是什么，就是怒吼、发泄，向命运和所有人宣誓永不低头，然后继续努力向前跑，在这种情况下你想的不是唱歌，并且一定不是在唱歌，就是在呐喊，喊到声嘶力竭就破音了。所以这里的破音是应该存在的，正常唱歌中你破音是实力不行，而这里的破音是你情绪到了的最好说明。这首歌的道理与《浮夸》一样，陈奕迅最后的高音在纯科技范畴上是完美的吗？不是，我们相信他完全有能力让声音不嘶哑，不那么夸张。我们说音乐是情感的表达，情感表达的意义就是能得到响应，让观众有共鸣，GALA乐团做到了这一点，这是粉丝喜欢他们，喜欢这首歌的现场的理由。

你说的这个是听音乐的技术而不是境界。

如果从技术上讲，那么在你说的这些基础上还有很多。比如细微的节奏变化、调式、和声、配器等等。但是这些都算不上境界，只能算是专业。一个听音乐能听出境界的人未必是专业的人，专业的人也未必是能听出境界的人。

如果说听音乐的境界，那在于感悟作者的内心世界。一首曲子能表达出的东西绝不仅仅是音符，更多的则是情感。无论音乐家还是民间艺术家再或者仅仅是爱好者的一小段即兴，这些都是作者的有感而发。能真正的感悟到这些的人才算是听音乐听出了境界的人。当然，有些沽名钓誉的人，听了一段音乐然后百度了一下作者写这首曲子时的背景，之后便开始各种评论好像很高端大气上档次的样子，不在有境界的范围之内。另外，我们听音乐，演奏者往往未必是作曲者，那么演奏者在演奏时的心情状态等等也都能体现出很多内容。如果您听的是大型乐团，无论是交响乐还是民乐的乐团，都是有指挥的。如果这只乐团是一只高水平的乐团，那么不同的乐团指挥也能让乐曲表达出不同的东西。不同的乐手不同的指挥演奏不同的乐曲，那么表达的情感也就各不相同，能听出这些，才算是能听出境界。至于能否听出是什么乐器演奏的用了几种乐器这种事情，不知道也罢。就算是把小号听成了吉他又能怎样？关键是意境。