鲁迅的《风筝》一课中,那个句子最能体现作者“惊异和悲哀”的感情

鲁迅《风筝》解读

鲁迅先生的散文《风筝》，写于一九二五年，时年鲁迅先生44岁。生活的经历和思想的深广，使鲁迅先生对过往的事情有了深沉的思索和深刻的反省。想起儿时因不许放风筝而扼杀了弟弟的玩的天性而倍感悲哀。善于解剖自己的鲁迅先生，通过对这一事件的反思，抨击了旧中国封建家长制的罪恶，引发了一个令人深思的问题，那就是，我们应该如何保护孩子的天性，如何让孩子在自由的天地中自由地生活和生长。

文章从在北京看风筝写起，由眼前景回忆起儿时江南放风筝的境况。而写北京的风筝只是一笔带过，却用浓笔写出了故乡放风筝的细细的情景。从时间和季节入手，写出了风筝的姿态颜色、形状。虽然“显出憔悴可怜模样”，但周围的春的景色分明是一片“温和”。文章的一二两段构成了一个层次，引起了下文对不许小兄弟放风筝一事的具体描写。

由于我的“不爱”甚至“嫌恶”，便也将这一心情转移到弟弟的身上，因而也就顺理成章地反对弟弟去做。我是兄长，当然有着兄长的威严，弟弟也就只好“张着小嘴，呆看着空中出神”。看着小兄弟因风筝的落升而惊喜的情形，我却只有感到“可鄙”。

这一段是后面事情发展的主要原因，也是整篇文章的关键。鲁迅先生一方面写出了小兄弟的“弱小”，一方面又写出了“我”的“强大”，兄长的“威风”和小兄弟的“无奈”的强烈的反差，为后文的发展和结果埋下了伏笔。

因而，当“我”发现小兄弟在偷偷地瞒着自己去做风筝的时候，便以兄长的威严毫不留情地折断了风筝的“翅骨”，“又将风轮掷在地下，踏扁了”。于是，我似乎是得了胜利，傲然地把他扔在了小屋里。这一段叙写很具体很细致。这是由上一层的原因而导致的必然的一种结果。

鲁迅先生虽然淡淡写来，但我们分明看到了字里行间浸透着的懊悔和悲哀。儿童的天性是纯洁的，而游戏是儿童的天性，而玩具则是儿童的天使。当鲁迅先生感受到这一点的时候，已是中年以后的事情了。

接下来的，文章有了很长的篇幅，写出了我的懊悔和补过。但当我想了若干的方法终于可以得到这补过的时机的时候，得到的，却是更深一层的悲哀，那就是，小兄弟在长大之后，早已将这一切忘记了。时间和生命永不会给我这一赎罪的补偿，“我的心只得沉重着”。

人世最大的悲哀莫过如此，过往的错误或许永无改过的那一天，这是悲哀中的悲哀呢！

文章的主题似乎是多面的。有对兄弟间浓情的抒发，有对封建家长制的鞭挞；有对自我的不留情面的解剖，也有着对过往的罪责的“无可把握”的悲哀。

对比手法的运用是此文的一大特色，有以下几个层面。一是环境的对比：北京二月的肃杀寒冷和江南二月的热烈和温和。这一对比增强了文章的浓烈的悲情和深重的无奈。二是人物的对比：小兄弟的弱小和我的强大。这一对比构成文章叙事的主体，也贯穿文章的始终。三是时间的对比：这时又可以从两个方面来分析。一是我的前后的变化，一是小兄弟的前后的变化。我的变化是主要的方面，小兄弟的变化是次要的方面。但又是相辅相承，缺一不可的。

三个层面的对比在文章中交织成深沉的叙事点，使得文章含蕴极深而感人极强。

文章的另一特色是以我的情感变化为线索展开，给读者以清晰可寻的脉络，并成为打动读者的抒情的线，和三个层面的对比交织成一个浑然的整体。我的感情变化的线索是：对放风筝的“嫌恶”，对小兄弟看放风筝的“可鄙”， 看到小兄弟做风筝时的“愤怒”，折断风筝离开时的“傲然”，反思后的“沉重”和不得原谅后的“悲哀”。

首尾的呼应也是此文的一个特色。

文森特·凡高的绘画是以绚烂的色彩、奔放的笔触表达狂热的感情又不失引人深思的象征内涵而为人们熟知的。凡高开始其艺术生涯的年代正是西方绘画艺术在诸多层面都发生根本性变革的年代，而色彩的解放就是其中最明显且极具本质影响的变革之一。印象主义画派受西方现代光学发展的影响和启发，主张室外作画，注重外光分析，追求瞬间光色印象的表现，把文艺复兴以来的静态的色彩再现转变为动态的色彩再现。而凡高从印象主义出发，并超越印象主义，将这种动态的色彩再现发展到由主观体验所控制的感情色彩的表现，从而成为现代绘画色彩全面解放过程中的不可或缺的环节和有着重要的影响及意义。

一、凡高绘画中的色彩语言的形成

凡高油画作品中的这种强烈的情感色彩也并不是在他刚开始其艺术生涯时就具备的，他对于自身这种感情色彩本质的觉醒也经历了一个漫长的过程。它的形成首先是与凡高那苦难的人生经历、独特的性格密切联系在一起的。

凡高1853年出生于荷兰的一个新教牧师家庭，他早年做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士。他充满幻想、爱走极端，在生活中屡遭挫折和失败，最后他投身于绘画，决心“在绘画中与自己苦斗”。

凡高在学画的初期，感受到德拉克罗瓦绘画的“头脑里的太阳和心中的风暴”的强大震动和滋养，他也分外敬重米勒，他朴素而充满强烈的宗教意味和道德意识的绘画艺术，引起了凡高的强烈的感情共鸣。在他学画的早期就大量临摹了米勒的印刷品。虽然后来的艺术风格已经与米勒大异其趣，但他仍然梦想着画一件像米勒一样深深触动人们心灵的作品。《食土豆的人》是他早期的代表作品，在画中表达了自己对跟他一样生活在苦难之中的农民的同情和尊敬。在绘画表现上重视农民形体和姿态的塑造、环境氛围的营造，以粗犷的笔触，浓重的色彩去填充他的画稿。颜色由于反复涂抹，显得厚重混浊，缺乏透明度。

很明显，这一时期光和色彩并不是他关注的重点，它所追求的这种“真实”也并不是学院式的视觉再现的真实，而是一种他的主观感受的真实。就像在给他弟弟泰奥的信中所说：“如果我的人物是准确的，我将感到绝望，你应该明白，我不愿意他们是学院式的准确……这些话告诉我们，凡高的绘画从一开始就有着非常强烈的主观表达的意识，这种主观感情的表达并不是通过色彩来实现的，但这种情感倾向使他得以牢牢把握住自己以后的发展方向。

不可否认，凡高作品中这种强烈的情感色彩表达的形成得益于印象主义画派的色彩理论和实践，但是值得注意的是，凡高在荷兰期间——即在正式接触印象主义画派之前——就已经（即使仅仅是在直觉上）认识到色彩解放的可能性。“色彩自身就能表达某种东西”，这是1885年，也就是他创作《食土豆的人》的这一年，他在他所居住的荷兰小村期间所写下的。

1886年是凡高绘画艺术的一个转折点。这一年，他来到法国巴黎，被印象主义画风中的那种明亮且极具动感的色彩所吸引。在印象主义绘画光色理论和实践的启发之下，他逐渐改变了他的色彩感觉方式，由以前的那种传统的静态的色彩感觉方式转变为印象主义画派的动态的色彩感觉方式。色彩感觉方式的改变，大大地改变了他的绘画作品的面貌。他兴奋地说：“……法国的社会指导着我的思想，显得这么有益，非常有益，也有益于全世界。”他抛弃了荷兰时期的那种灰褐色调子，画面色彩开始变地鲜亮起来。原来画面中一直保持着的黑色不见了，也没有了灰色和褐色，画面所呈现出来的是印象派并置笔触的红黄蓝三个原色和由他们混合而成的绿色、紫色、橙色，特别注重色彩中的补色关系。

凡高从印象主义绘画中吸取自己所需要的营养，但是他从来都没有像印象主义画家那样完全沉溺于光与色的表现之中。就像我们前面所讲的，凡高是一个有着强烈的主观表达意识的艺术家，他的绘画不是为了再现视觉的真实，而要表现他对事物的真实的感受和自己的感情。这种强烈的自我表现的愿望和他心中所蕴藏的那股强烈的激情，使他必定要抛弃荷兰画派的那种灰色调子，也注定他会迅速远离印象派。凡高几乎在接受印象派的同时就已经开始对印象派的绘画理论产生质疑。他们在实现视觉的真实，追逐光与色的过程中往往忽视了感情的表达，这与凡高那充满主体意识的精神状态相去甚远。凡高的绘画中独特的审美力量并不单单是视觉印象的强烈，而还有蕴涵在视觉因素之中的情感体验的深刻。在他给泰奥的信中曾明确提到这一点：“我在巴黎所学到的东西现在离开了我。我恢复了在我知道印象派之前我曾有过的理想，如果印象派画家不久就指责我的创作方法的话，我不会感到惊讶。因为滋养我的创作方法的，与其说是他们，不如说是德拉克罗瓦的思想。因为我并不力求精确地再现我眼前的一切，我自由而随意地使用色彩，是为了更有力地表现自我。”凡高不再满足于像一个印象主义者那样仅仅去表现自己的感觉色彩，而是将色彩看作是非自然主义的表现因素的直接工具，看作是精神领域（诉说人类命运的真相）的预言者，试图在色彩和感情之间找到一种契合的方式。

凡高通过各种色彩实验来研究色彩强度增加和减弱的自然规律，但是他的目的并不在于这些研究和实验本身，而是为了挖掘色彩自身所具有的那种强大的表现力。他对他的这种探索的前景充满了希望，在给他弟弟的信中说到：“我相信，一个新的色彩家画派将会在南方扎根，我越来越感到北方画家们只是把他们的理想寄托在用笔功夫和所谓的绘画性上，而不是依赖色彩本身来表达事物。”的确如他所说的那样，一种新的和感情紧密结合着的色彩表现形式开始出现在他绘画作品当中。他于这个时期所创作的《向日葵》、《夜间咖啡馆》以及众多的肖像作品中，可以明显地看到这种强烈的情感色彩的存在。凡高从自然物象中抽取颜色，然后通过色彩的对比或交融，来增强色彩的精神性，使颜料和深藏于心的真实感情达到了直接的重合。这不只是一个如何使用色彩的技巧问题，而是色彩观念从物到人的色彩本质的一种深刻变化。

二、凡高情感色彩语言的表现

从印象主义到后印象主义，凡高发展了一种有着清晰运动感的线条和强烈色彩的绘画表现形式，形成了自己的独特的情感色彩语言。因为，不论是古典主义对色彩的静态观念（固有色），还是印象派对色彩的动态观念（条件色）的认知，都只是把色彩作为观察的结果来表现，有意无意中阻隔了心与物的直接通联，而凡高则把动态的色彩观念引向观察过程本身的表现，这样，他就在绘画中真正引入了心灵世界的直接表达。

凡高绘画作品中的色彩具有明显的象征性倾向，这是他的情感色彩语言的特殊性之一，也是他与印象主义画家在色彩运用上的本质区别。色彩在印象主义者那里多半还只是一种物性表面的光色存在，只是对客观世界的光色变化进行“准确”描绘的手段。他们看重的仍然是色彩视觉的真实，并不关注色彩所具有的情感及象征意义。而凡高由于强烈的主观表达意识的介入，往往使色彩具有某种暗示性的力量。凡高对于色彩的暗示性力量有着浓厚的兴趣，在这方面他可能是受到了德拉克罗瓦有关色彩理论和实践的影响，他说：“我不知道在我之前是否有人谈过示意性的色彩，德拉克罗瓦和蒙蒂切里虽未谈及过，却实践过。”

凡高对于色彩的这种暗示性力量的运用，突出地体现在他的那幅《夜间咖啡馆》中，他说：“我在《夜间咖啡馆》里用红色和绿色表现人类的可怕的情调。这些色彩，不是呆板的按照现实主义立场的字句来说，是眼睛的欺骗者；而是一富暗示性的色彩，他表现出人们火热的情绪活动。”《夜晚的咖啡馆》是由深绿色的天花板、血红的墙壁和不和谐的绿色家具组成的梦魇。金灿灿的**地板呈纵向透视，以难以置信的力量进入到红色背景之中，反过来，红色背景也用均等的力量与之抗衡。这幅画，是透视空间和企图破坏这个空间的逼人色彩之间的永不调和的斗争。结果是一种幽闭、恐怖和压迫感的可怕体验。作品预示了超现实主义用透视作为幻想表现手段的探索。能有如此震撼人心的力量，一方面是熟练地应用了透视技法，但更主要的是由于画面中的极具暗示性、精神性的色彩关系的组织运用。凡高的创作始终是以一种感情上的“现实主义”为目标，是一种感情的集结和疏导，由此而产生的情感色彩形式往往显得更为单纯和强烈，因此具有更强烈的情感影响力。

笔触和色彩的密切结合是凡高情感色彩语言的另一主要特色，他将印象派的色点发展成色线，他的这种色线不再仅仅服务于形体，它本身就是画家的感情的一种直接的表现。他画面中的无处不在的跳跃的、疯狂转动的笔触和着那饱含感情的色彩，暴风雨般地铺陈在画布上，形成一种强大的精神和视觉冲击。

三、凡高的色彩表现对现代绘画的影响及意义

从历史的角度来讲，凡高的作品中包含着深刻的悲剧意识、其强烈的个性和在形式上的独特追求,远远走在时代的前面,的确难以被当时的人们所接受。但凡高的绘画中独特的审美力量并不单单是视觉印象的表述，而是蕴涵在视觉因素之中的深刻情感体验、表现，以求达到实实在在的真实。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。

综上所述，凡高及后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统，建立了自己独特的审美原则，引发了两大现代主义艺术潮流萌芽，即强调结构秩序的抽象艺术(如立体主义、风格主义等)与强调主观情感的表现主义(如野兽主义、德国表现主义等)。在艺术史上，后印象主义被称为西方现代艺术的起源。

同时凡高也以自己的艺术实践，向后来的画家展示了色彩自身所具有的强大的精神表现力，为他们的进一步的探索指明了方向。以马蒂斯为代表的法国野兽派画家以及德国的表现主义画家在绘画中更加全面地展开了对色彩的情感本质力量追求，从而实现了现代情感色彩本质的全面解放。

《雨中的我》是一幅非常富有情感和心理表达的画作。从画中可以看出，画家通过这幅画在表达自己内心的某些情感或思考，而这些情感和思考可能与雨水有关。

首先，雨水本身可以被解读为一种象征，代表着悲伤、痛苦、挫败感或者其他可能的负面情绪。画中的我可能正处在这样一种情感的雨中，因此被深深地笼罩在雨中。这种情感可能是由一些生活事件、人际关系问题或者是一些内在的焦虑所引发的。

其次，画中的我也许正在寻找一种逃避或者解脱。雨水可能代表着我所面对的负面情绪，而我所呈现出的姿态则可能表明我正在尝试寻找一种方式来逃避或者缓解这种压力。这可能是一种自我保护机制，也可能是我对这些情感的反应方式。

此外，雨中的我也可能在表达一种内心的渴望或者希望。雨水可以象征着清洗、净化或者新的开始。画中的我可能正在寻求某种形式的净化、救赎或者新的开始，以摆脱负面情绪或者面对生活的挑战。

总的来说，从这幅画中可以看出画家的内心自我分析可能涉及到对情感、压力和挑战的探索，以及对自我保护和寻求解脱的渴望。这幅画是一种情感的表达，同时也是一种内心的反思和自我理解。

情感素描是作者经过作者的加工画出作者理解的情感的画像。

素描往往是正式的作品创作前期的草图。记录灵感或者尝试不同的想法，尤其是在制作大型或昂贵的作品时尤为重要。

例如伦勃朗与荷尔拜因的素描就常常是为油画做研究工作。素描也是画家出门走向街市和大自然收集创作素材的好方法，现在依然有很多艺术家喜欢用手绘的方法来记录亲身感受到的事物。

有些精品素描画已经不是简单的草图，例如达芬奇和门采尔的许多素描作品已经成为他们的代表作，而且大师们也非常擅长以素描的形式来表现对象。

文艺复兴时期人们大多使用钢笔、木炭和墨水等工具画素描，而用铅笔绘画则是人类近期的发明。

如今在各种文化交织繁荣下素描已经从课堂和艺术家的创作草图中慢慢走出来，越来越多的人喜欢把素描当作自己主要的绘画手段，而且出现了各种新颖、独特的艺术风格。

素描的操作定义：使用单一色彩表现明度变化的绘画。绘画工具而在画面载体上按照一定的绘制原则而有意塑造物体形态的美术活动。速写是素描的一种变式。素描水平是反映绘画者空间造型能力的重要指标之一。

由木炭，铅笔，钢笔等，以线条来画出物象明暗的单色画，称作素描。单色水彩和单色油画也可以算作素描；中国传统的白描和水墨画也可以称之为素描。

通常讲的素描多元化指铅笔画和炭笔画。素描是一切绘画的基础，这是研究绘画艺术所必须经过的一个阶段。

素描通常采用可于平面留下痕迹的方法：如，炭笔，钢笔，画笔，墨水，及纸张等。轮廓和线条是素描的一般称谓。

素描具备了自然律动感。不同的笔触营造出不同的线条及横切关系和节奏、主动与被动的周围环境、平面、体积、色调、及质感。

素描是一种正式的艺术创作，以单色线条来表现直观世界中的事物，亦可以表达思想、概念、态度、感情、幻想、象征甚至抽象形式。它不像带色彩的绘画那样重视总体和彩色，而是着重结构和形式。

感情画上句点的那一刻，趁早想通才不至于太狼狈，你知道吗？

人生道路最尴尬的事，就是高估自己在他人心里的位置。在一起的时候，天真地认为另一方不会离开自己；断了联系，又固执地觉得，另一方不太可能彻底放下自己。

认识一位姑娘，就有过这种经历。她和相处了两年的男朋友分手后，总发现对方还会来挽回自己，因此一边拒绝一个人的向往，一边自信地等待上一任和好如初。最后出不来大半年，她就在他人那边得知了上一任将要定亲消息。一番苦等，换得一个笑话，都是可悲无比。

不得不承认，深爱冲昏的人，就是容易太天真。两个人在一起时，我都掌握不了对方的心，断了联系，又哪来的自信评定他还会念着你？归根结底，你之所以感觉他放不下，都是因为你感觉你的过去太幸福，那一段历经对你来讲难能可贵，你舍不得忘却。但另一方面，你忽视了一件事，那便是视若珍宝的，不一定能被人一样对待。

你将分手视作一种缺憾，可对那个早已要离开的人来讲，分手是美好生活的开端，这才不容易为你转身。如同三毛说：有的人离开了就再也没有回来过，因此，等候和迟疑，才算是这个世界上最无情地凶手。情感画上句点的那一刻，你早已没有在他人关于未来的方案里，尽早相通，才不会过于狼狈不堪。

若真的放不下，怎么可能不联系

分开后，他若真的忘不掉你，又怎么能保证对你漠不关心。想念一个人的觉得，彼此都曾有过，想念无可救药时，你能情不自禁的，想去问一问另一方在干嘛。那时候，你肯定不会在乎什么所谓脸面。

何况，大家以前在一起过，他若想约你，多的是方法，也不多的是托词，一切其实没你想象的那么难保证。可现在呢，自从各自后，你从此没有收到过他的消息。有超数次，你在朋友圈发动态性告诉自己过的不好，但是他依然不曾在意过一句。

他就好似消失了一样，完全从这个世界没有了，没留有一丝音信。你要清楚，之所以可以做到这般，就是因为他对你并没有眷念。他不在意你是否会想他，也不担心你是否会和其他人在一起，它的不联系，就是最好的答案。

没有你的日子，人家在认真生活

感情的事，永远都是恋旧的人被耽搁，决然的人更加幸福。仔细想一下，自各自后，你不敢向前走，害怕他想回头的情况下找不到你，但也正因如此，你的生活方式一天不如一天。

我们每天依靠追忆度日，把所有的时间和精力，用于反复咀嚼这些或甜蜜或伤感的往日。你没办法正常运转，也没有兴趣和别人往来，所有的一切，都会变得很不好。更加悲哀的是，你高估了自己在他心中的位置，你觉得他目前的状态跟你一样，正在为分手这件事情痛不欲生，可现实并不是这样。

离开你，他活得很好，他能够长期不联系你，就说明了这一点。其实他没你想象中的那么恋旧，反倒是一个特别实际的人，和你分手这件事情，对于他来说，宛如卸掉一个负担。现在的他，不乱于心，减少了羁绊，每日吃的好睡个好觉，全部人的状态比你好太多。

别再荒废自己，你也应该朝前看

人与人的关联，既结实又敏感，两相情愿时，地久天长轻轻松松，可若有一方信心放手了，剩余那人再偏执也无济于事。想对你说，别太自信，没有任何人放不下你。有的人，在考虑走的时候，就不打算再重来，就算两个人之间，仍有一些断断续续联络，这也绝对不是还放不下的相关证明。别低估时间的力量，再难以忘怀的情感，一旦分离，一旦长期不联系，必然会变得冷淡。

感情离开，日子还得继续过，别为了一个人的离开，而荒废自己生活。岁月悠长，人们总是要长大的，因此还是得朝前看。你的未来再长着呢，之后还会遇上很多新鲜的有意思的人，千万别把那一个更好的自己弄丢。你要给自己换个心情，必须努力工作中，认真生活，来体验大量美好的事，这般，一定会越来越美好。

绘画情感就是通过绘画的形式来表现自己的情感，或者是一幅画中所体现的作者的情感。这种绘画情感常用在儿童绘画心理学里面，通过儿童绘画来研究孩子的心理。还有就是画家通过绘画来展现自己的情绪或者感情，这也是常见的一种形式。

色彩，是西方绘画中最重要的创作因素，而油画作为西方美术艺术的代表，更是在其创作中起到了灵魂的作用。但一幅好的油画风景创作，并不是简单的色彩堆积，而是依据色彩的变化规律，淋漓尽致地将油画风景中的情感表达出来。同时，色彩在油画风景创作中的运用，也应注意影响色彩变化的关键因素，进而科学地进行色彩运用，这才是色彩运用中情感传达的主导形态。

1色彩规律中的情感传播

油画风景创作中的色彩规律，是指进行作品创作时期，应注意“色彩的和谐性”。无论是两种、亦或者是三种、甚至是更多种色彩，出现在同一幅油画风景中，都应符合欣赏者的视觉规律，这样作品中的情感传达才不会出现“断层”。比如，莫奈《日本桥》作品中，作者运用到了绿色、红色、紫色、灰色、白色五种颜色，通过日本桥角落的描绘，表达舒适、自由、恬适的情感。虽然这幅油画风景中包含了诸多色彩，但作者首先是从画面整体色彩角度上进行勾勒，再局部进行各类色彩的补充，从而使画面整体看上去一气呵成。画作不仅在视觉欣赏上具有“耳目一新”的效果，情感表达上更是由点到面地展开，这就是油画风景创作色彩自然衔接性规律特征的体现。

2色调变化带动情感的改变

油画风景创作中的情感表达上，色调层面是否运用得当，也会对不同物体的情感变化产生干扰。一般来说，油画风景创作的色调主要包含了明暗程度、冷暖变化、纯度变化以及色相改变等因素。创作者通过色调的改变，体现油画风景创作中的理解力、控制力的差异。比如梵高《星夜》创作主要以蓝色为主，但远处和近处的色彩明暗度变化不同，所表达的情感层面也有着一定的差异。近处的蓝色与**给人一种开阔、自由的遐想之感，而远处、暗处的蓝色则展示出紧张、迷茫的情感表现效果。这幅作品中色调层面的变化，直接体现了油画风景创作中的情感表达与油画色调之间的关联。

3风景画面感中的情感表达

油画风景创作中的情感表达，也能够借助油画风景画面感特征，将其中的情感传达出来。这是由于油画风景创作过程中，作者对于颜色的把握方式不同，所展示出来的风景情感传达特征，自然也存在着一定的差异。比如莫奈《睡莲》系列作品中，就主要是从点的色彩传达上，对自由、舒适等方法层面的要点进行绘画创作。而梵高的《星夜》中，更凸出以线条等因素的变化，以跳跃式的色彩变化形态，展现自由、空旷的情感。

4色彩表达中的情感表达

油画风景创作作品中，色彩中情感的传达与表现，也体现为色彩情感表达特征的展现。

其一，色彩情感的表达，是借助某一种单纯的颜色，将整幅画作中的情感都传达出来。

其二，油画风景创作中的情感表达，在于利用多重情感的汇合进行情感表达。

油画风景创作《远逝的年代》与《韦启美采石场图》两幅画中，前者主要是借助蓝色和绿色，对青山绿色环境进行描绘，画面中不仅有远处的山川，还有近处的水源以及山上树木和小屋，多重因素之间的相互交融，不仅能够将其中的山水画面很好地展现出来，更将喜爱自然、盼望的情感一点一点地勾勒得更加清晰。后者则是以**为主导颜色，空旷的采石场中，景色异常唯美和画面中简洁的光线变化，很好地将采石形式上的美感表达出来，这是对资源开采中的喜悦情感的传递。

对比而言，前后两者均属于运用色彩进行内在情感的表达，但其色彩运用上，核心色彩的传播和表达，更注重色彩本身情感的传递，而不是刻意的画面创作，用色彩修饰即将表达的情感。