[浅谈古筝在戏曲中的艺术作用]北京戏曲艺术职业学院中专

　　中图分类号: J616 文献标识码：A　　古筝，是民族乐器中的瑰宝，雅俗共赏的奇葩，它源于秦而盛于唐，已有近三千年的历史，是我国古代最有代表的乐器之一。从戏曲艺术的特点来说，它的任何一种精神内涵都离不开声音的艺术组合，它的美就蕴含在声音的艺术组合之中。古筝演奏中有着丰富多彩的音乐变化，形成多层次的表达音乐内涵的音乐线条，在戏曲的伴奏中更是把古筝的作用表现的淋漓尽致，这些客观存在的音乐美震撼着听众的心弦。

世上有一种乐器可以把思绪如抽丝般悠悠地扯出。然后在缠在一个锭子上，一圈一圈地绕起来，那就是古筝，在喧嚣的城市，你感觉不到它的真韵；在浮躁的人群中，体会不到它的宁静；在繁忙的空间，品尝不到它的空是；只有当演奏者和聆听者都沉浸在一种宁静、忘我的境界中的时候，左手抚琴，右手或拢，或挑，或拨，或撮，或滑，当琴声与空气中的气流发生碰撞后，便会有一种叫音的东西在耳边振荡，有一种叫乐的感觉在心里流淌。

在戏曲的舞台上离不开古筝，古筝在戏曲中的运用很是广泛，能使古筝在戏曲中更有特点，更有魅力。这就要求设计者的创作灵感和弹奏者本身的技巧，它能使一场戏曲升华到顶端，更能在伴奏中激发演员的声腔效果，使声音听起来更加浑厚有节奏有律感。古筝的艺术特点不仅仅是这些，下面我们谈一下古筝在戏曲中最具艺术特点的元素。

古筝在戏曲中最具艺术特点的元素——韵。

经过两千多年的发展，古筝形成了“右手主音，左手主韵，以音补音”的演奏特点。可见左手在古筝演奏中掌握的就是戏曲音乐的“韵”。

古筝中在戏曲中的致“韵”手段有哪些呢？

颤音是左手在筝码左侧弦段做均匀的颤动，使纯净的音变成有规律的变化波形，从而增加音的美感，是古筝演奏常见的、普遍的技巧之一。颤音的方法很多，有以手腕为轴心的颤音，以肘为轴心的颤音，腕肌紧张的颤音，有点颤、按颤、滑颤等等。在戏曲的演奏中要根据表现内容的不同，情绪的变化来选择颤音的方法。同一曲伴奏乐点，也要根据需要选择合适的颤音方法，不可千篇一律。另外还要考虑地方特点：北方的筝曲，曲调跳跃，颤音粗狂，振幅宽，力度强，情绪热烈；南方的筝曲，曲调古朴，典雅，流畅，颤音振幅较小，纤巧细腻，缠绵委婉。选择正确的颤音方法，不但能美化旋律，柔和音色，也使乐曲更加有韵味，使戏曲听起来更能拨动观众的心弦。

滑音是左手将右手弹弦后的余音，下压或放松做出二度至小三度的滑奏，是左手的主要技巧，也是“以韵补音”的重要手段，也是戏曲中必不可缺的元素。

基本的滑音有以下三种：上滑音、下滑音和回滑音。滑音是古筝区别于其他固定音阶乐器的重要特征。滑音在古筝演奏中赋予了音乐表情色彩，不仅美化了右手的音，更增加了在戏曲中的声腔感，同时也能充分体现演奏曲谱的地方风格和演奏者的个性特征。经过滑音装饰，使古筝奏出的乐曲旋律更加优美，细腻，赋予韵律。

按音是左手按出来的音，而不是筝弦的自然定音，是指原来音列中有却不用，另按其下方相邻弦使之升高的音。这种音是为了满足不同风格形成的，在按音上，总是带有微笑的上滑，听起来不是一个乐音，而是风格很强的音。如果不用按音，用弦列音，难免会听起来干瘪、生硬，也就更谈不上韵味和风格了，在戏曲的伴奏中发挥着重要的作用。

就是右手弹弦的同时，左手快速轻按，按后迅速离开。在戏曲中的运用很是广泛。

以上这几点均详细的表达了“韵”在戏曲伴奏中发挥的作用，是最主要最鲜明的艺术特点。

在戏曲中特殊音色是根据乐曲作者的创作意图和要求来使用的。如戏曲《青山情》当中表现雷电交加的使快速的练习显得协调，并为快速的手指运动提供了非常宝贵的休息、换位的时间。而呼吸的规范、练习和运用在合奏、协奏中显得尤为重要，远远超出了独奏时的地位。而作为演奏古筝的伴奏者一般会有以下三种选择，一是放弦准备，抬头，等待指挥的落手；二是吸气，将手悬空准备，一样是抬头等待指挥的落手；三是与指挥的起手同时起手，落手同时落手刮奏。我们现在来讨论一下出现的不同效果。第一种，大家的手都是放在弦上的。在演出时由于一定的紧张度，就难免有人在指挥的下一次起手才奏响——晚了，这样就在无形中延长了第一拍刮走的时值，会有两种后果，一种是指挥灵活机动，等待团员，另一种是团员的自我调整，但都是混乱的。第二种，和第一种有异曲同工之妙。所以就不详细阐述。第三种，指挥与团员是同步的，而且伴奏者提前跟指挥确定的速度，更有益于后面的演奏。同时，在这里阐述个人的一个美学观点，笔者以为，静止的坐在舞台上是不美观的，诸如手静与弦上、手悬于半空都会给人以紧张、呆板的感觉。而在第三种的起手与落手之间加入不同的闭气组合，就会产生不同的视觉、听觉效果。

古筝的运用是整场戏伴奏中的一个亮点。在讲述故事发展过程时它能娓娓道来，描绘故事情节中的高潮时它让人怦然心动。在戏曲中，古筝的伴奏打破了传统的民族戏曲在音色上一成不变的模式。它声色并茂的讲述，打动着每个观众的心。

如戏曲《仁昌药号》，较为明显的是在曲始，一拍的休止后突进快板。古筝就相当于指挥，要带领这个乐队不足为外人道的切人（当然不排除指挥手势的重要性）。那么在休止时的呼吸就显得极端重要，否则乐队很难整齐的切人。整体上在休止的一拍中完成了一个大的提手动作，借以提醒伴奏团员在落手时候的进入。在整场戏的伴奏过程中，古筝尤为重要。在此，还获殊荣。当然，这样的例子还有很多，这里就不再一一列举。

古筝的艺术博大精深，在戏曲的舞台上它不仅是一场戏曲的点睛，更是一场戏曲的升华，为整场戏曲带来振奋人心的视听效果。当然，这只是戏曲的一些特点，更多的需要我们不断地去学习，去探索，去发展，去领悟。小小的一个古筝能使戏曲站在最高的艺术顶端。

1缓解压力，学习古筝不仅可以练得一技之长，更重要的可以让你修身养性，陶冶情操，特别是在工作压力大的时候，心烦气躁，练练古筝，更是能让你静下心来。还可以培养自信心，学古筝的时候，每天认真学，认真坚持，等到你完全学会一首曲子的时候，你就会很有自信心。潜移默化地，个人也会因为音乐的熏染会变得更加有气质、更加自信。

2·培养毅力，注意力，想象力，可以提高学生的智力，特别是逻辑思维能力，古筝音乐是声音的表现艺术，其音符的表现背后蕴藏着无限的意义，这便给想象力、逻辑思维能力、跳跃性思维提供了无限的空间。

3作为一个业余爱好，人的爱好来自于兴趣，而人的兴趣又来自于心里。有一个高雅向上的爱好，是人生的一大幸事。

4意志力的发展，俗话说：“勤能补拙”。由于勤奋，即使基础稍差，也能提高能力出成果，而且勤奋的关键在于意志力。古筝学习中技能技巧的熟练，需要坚持不懈的练习，一个难点有可能要经过上百次的正确的重复练习才能掌握，因此，古筝练习有利于培养儿童有坚忍不拔的意志品质和持之以恒的良好学习习惯。

5锻炼身心健康，古筝演奏是需要全身心投入的，身体配合综合指法全身发力和运动，常弹对身体极好的锻炼。而弹好古筝，是需要培养良好的心态与情感，同时优美的乐曲，对心灵是滋养，培养仁和之气。总之，古筝是一种有益锻炼身心健康的乐器。

筝，是我国古老的弹拨乐器。它始于秦汉，盛于隋唐，在我国已流传两千多年，是具有悠久历史的传统民族乐器之一。其发音浑厚，明亮，音韵优美华丽，善于表现行云流水的意境和细腻委婉的情调，又能抒发慷慨激昂、气势磅礴的情感，以其独特的艺术魅力和浓郁的民族特色，受到了越来越多人的喜爱。

近年来，随着时代的变迁与发展，我国古筝事业发展迅速，古筝的形制不断改进，筝曲作品的大量涌现，筝的影响力在不断的扩大。筝的技法随着时代的发展，广泛地借鉴和吸取其他乐器的技巧来丰富自身的表现手段。从双手弹奏到特殊音响的表现，从五声和七声音阶的排列到特殊音阶的排列，都大大丰富了筝的表现能力。当然，不管是专业学习古筝的学生，还是对古筝有兴趣的学生，都要打好基础，掌握正确的演奏方法，在以后的演奏中才能更好地把握音乐作品。

初学者一定要抓紧基本功，要耐得住枯燥、大量、充分的练习。所谓基本功,应包括手型，左手的滑、揉、按、颤流畅自然等。指尖的力度同样需要你以放松的平稳的标准手型去弹奏练习。在练习时要达到眼、脑、手合一,并且处于最放松的状态。

1 基本演奏姿势的自然和松弛

自然指的是要求符合客观自然现象，演奏基本姿势的自然是指手形、手臂、肩以及整个形体的自然。松弛是相对而言的，它符合生理规律，自然感觉与视觉的舒服就是松弛，即自我的松弛与客观自然的一致性。在基础训练中，老师要特别注意松弛与紧张的交替循环，也就是弹弦时紧张后的松弛。人为造成的技术障碍和心理因素引起的不自然的紧张现象，久而久之会严重影响技术发展，造成肌肉疲劳，肩、手疼等现象。当老师发现类似于高抬肘、鹰爪手形等因紧张而引起的一些不良演奏形态时应及时纠正。

如高抬肘，也就是“架着膀子弹筝”。手肘高抬大臂就会紧张，手臂也易僵化，这种姿势对演奏影响很大。长期高抬肘，习惯成自然，错误也难察觉。随着技术学习的深入，速度的不断加快，紧张度也会不断加大，甚至引起肌肉损伤，手臂疼痛等症状。造成高抬肘的现象，不少是筝架与琴凳的高低不适当所引起的。古筝是平置演奏的乐器，筝架和琴凳的高低很容易被忽视，常常出现筝架高、琴凳低的现象。这样在演奏时为了触弦的方便，手肘就要上台，从而形成了高抬肘姿势。筝架和琴凳的高低要因人而异，高低要合适，过低过高均不可。

鹰爪手型也是常见的错误演奏姿势。鹰爪手形是指手形僵硬，手腕高耸的手形状态。这种手型也是因紧张造成的，不可取。自然手形，就是放松状态的手形、即人站立时两手自然下垂时的形态。根据演奏的需要，大指自然展开，手指自然弯曲，手呈半握拳状。这种放松的自然手形、不仅展示在静止的状态，也呈现在演奏的过程之中。这种放松的自然手形，不仅是右手弹弦的基本形态，也是左手按弦、弹弦的基本形态。

2 弹弦位置

很多初学者忽略弹弦的位置，在琴弦的任意位置弹奏，这是不可取的。初学者在练习时右手基本弹弦位置应在距前梁3公分处，而弦段(前梁至筝柱)的八分之一处则是发音干净明亮的最佳触弦点，此位置弹弦后产生的泛音数量少，声音纯净响亮，是基本音质的最佳弹弦点。介于筝柱的排列、弦的长短不等，八分之一的最佳触弦点的变化就比较大。

3 左手按弦

古筝演奏中,左手恰到好处的“吟、揉、按、滑”是筝乐表现力的“灵魂”所在。左手吟揉滑按的传统技巧美化了余音，丰富了音色的变化，富有独特的韵味，是古筝之最大特色。“以韵辅声,音韵相成”是古筝音乐的特色所在,缺乏了左手的按颤运用,筝乐就淡而无味的失去了光彩。由于左手按颤技巧和表现手法不那么具体,又富于美学性质,要想练习好左手按颤技巧其实又是最困难的。因此,在练习中必须认真仔细的琢磨左手按颤技巧,决不可忽略。

古筝左手的按弦方法看上去很简单，要练好并不是一件简单的事情，它是通过按抑琴弦来控制琴弦的张力和音高，变化右手弹弦后的余音，达到“按弦补韵”、“以韵补声”的效果。按弦时的动作要领也要讲求放松，在按弦中为了追求效果，很多学生通常把大臂抬起，造成胳膊的僵硬，给人一种紧张的感觉。所以，在按弦的过程中，肩膀要放松，肘自然弯曲，手臂与手腕平行，食指中指自然弯曲放于弦上，用指尖肉垫按抑琴弦，手腕切记下压。

此外，左手按弦位置的恰当，对技巧的表现起重要作用，易不可忽视。理想的按弦位置应距筝柱左侧约16公分处。这是根据琴弦的张力和左手伸展的适度来决定的。距筝柱越近，琴弦张力大，弦紧按不下去；距筝柱越远，弦就越软，按弦的张力就小些。很多学生为了按滑时用力轻松，左手伸展得远，可是左手伸展长了，按弦位置就变了，同时增加了手臂的负担，演奏形态变得不自然，而按滑又往往触及面板、常见一些筝左侧面板上按有不少指甲印迹，也就是按弦位置不当所造成的现象。要通过基础训练保证按弦位置的准确自如，这样左手技巧才能得到充分的表现。

4 摇指技法

摇指是比较难掌握的一种技法。摇指类指法要求手臂放松，手指保持不动，固定指型，用手腕摇动，形成快速密集的来回拨弦，手臂的放松是摇指中最重要也是最难的一点。在学习摇指的过程中，很多学生急于求成，没有耐心，从而造成手臂的僵硬，摇指不均匀，碰到长摇时很紧张，十分吃力。在练习的过程中一定要注意手臂的松弛和自然，手指触弦的角度和触弦的深浅及来回拨弦速度的统一，力度要均匀。练习时可使用不同的节奏练习，速度一定要由慢渐快，循序渐进，再由快到慢，力度要由弱到强，又由强到弱。

腕力微薄的学生初学摇指时一般都是手腕僵硬，不会动，只是靠大臂的力量来回拨动琴弦，这样弹出来的摇指密度小，连不成线。我们可让学生五指打开，手腕做左右摆动的动作，先训练手腕的灵活性，再把食指、大指以握笔的姿势捏在一起，先在平面的物体上作为弹弦点练习，动作不要大，经过一段时间的练习，学生就能轻松自如地把基本的摇指做出来了。以后再逐渐增加力度、速度、耐力的练习，坚持持之以恒。

此外，基本功的练习还有不容忽视的力度学习。对于初学者，老师为防止手指僵硬，一般强调放松多点，这样弹奏的力量相应小点。当学生手指运用自如时，就要借以手指向内独立动作力量，同时把握运力角度，手指弹弦前后离弦不宜太远，触弦不宜过深，并集中指尖力量以点发音而来达到所需力度。这种通过大臂、小臂、手腕直通到指尖暴发出的声音集中有力，浑厚、明亮，同时也避免力点使用不当而导致演奏中出现的问题。

古筝教学应系统化、理论化、规范化，同时，古筝是也感知的艺术,审美的艺术,传情的艺术,踏踏实实地练习,做到既有熟练的技巧,又有丰富的情感,学习古筝是一个循序渐进的。

回答这个问题我们要先了解什么是“古筝触弦”，古筝触弦：在我们古筝弹奏的时候，正确的触弦方式是我们表现古筝乐曲音色的主要因素，不管哪一首古筝曲都会表达自己独特的思想和情感，这个就需要我们演奏的人通过运用各种的技法去表演从而呈现出这个作品，这也属于我们的二度创作，我们根据自身对乐曲的理解从而表现出来的风格也是不一样的。古筝有很多的触弦方式，也就会得到不同的音色。

在古筝演奏中,恰当的触弦方式是正确表现乐曲音色的关键。在原曲的基础上,演奏者的二度创作中,要根据作品的内容、情绪、风格等需要,理性地设计不同的触弦方式,以求获得不同的音色来表现作品的内涵与意境。古筝触弦的方法,是音色的命脉。同样的琴,不同的人弹奏,听起来音色不一,不用看,肯定是触弦的方法出了问题。

表达了那种深深的思念之情和急切的盼望团聚的心情。

《秦桑曲》这首作品体现了强增抗和周延甲两位曲作者对秦地文化的理解和热爱，其中融进了陕西地方音乐风格特点和特色的技法。

旋律如泣如诉、催人泪下，深刻地表达出“盼妇思夫伤悲切，一曲‘秦桑’泪万行”的情感，通过对外派筝曲的学习、继承、借鉴并根据陕西地方音乐风格表现的特点，采用诸派技法之所长，运用了诸如左手大指压按弦，右手大指压按弦，右手大指大关节长摇等陕西筝曲独特的演奏技法，是陕西筝的代表曲目之一。

扩展资料

该曲的创作手法简洁精炼，曲式结构严密紧凑，它继承和沿用了戏曲板腔体的各种板式转换，全曲有“苏板”（引子部分）1-8小节、“慢板”9-60小节、“紧板”（快板部分）61-115小节、“闪板”及“散板”等多种板式的变化。

引子部分运用了多变的节奏转换，借以表现激越的思绪，犹如潮水拍打着心弦。渐渐地音乐由激动转为平静，慢板部分以委婉、柔和的音调，深情地倾诉了思念远方亲人的悲切心情，如泣如诉，扣人心弦。

在转到快板部分之前，运用了碗碗腔音乐中常见的七度音程大跳，作为承前启后的连接和感情由悲转激的纽带，使音乐急骤转化，情绪激昂，节奏变紧，使思念的急切情感进入高潮。乐曲的尾声与快板部分是一气呵成的，在节奏上比较自由，具有散板性质，但散而不松，激动的情绪给人以渴望急切之感。

摘要:古筝是一种极富表现力的乐器,其音色清悦、高洁、委婉动听并富有神韵。它丰富的表现力细致微妙地刻画人们的内在情感,无论是如泣如诉、还是高歌吟唱它都可以表现的淋漓尽致。古筝的音色的好坏直接关系到它整体的音响效果和乐曲的表现,鉴于此,通过多个角度对古筝音色的研究,使古筝的演奏日臻完美。

关键词:音色;影响因素

音乐,无论是声乐还是器乐,都是声音的艺术,因此必须讲究声音的美感,也就是良好的音响效果,而这很大程度是由音色的好坏所决定的。音乐的基本要素包括音的高低,音的长短,音的强弱和音色,音色是最抽象、最难把握的。音色,即音品,声音的属性之一,是声音的个性特色,有明亮、暗淡、清脆、沉闷、圆润、干涩、浑厚、单薄、柔和、刚劲之分。音色(timbre或tone color)是由发音物体所产生的谐波(harmonic wave)决定的,发音物体的性质、形状不同,所产生的谐波也不同,因而音色也不同。

影响古筝音色的客观因素主要有乐器形制、演奏中手指对触弦的控制;而影响音色的主观因素有作曲家音乐作品的一度创作与表演者的二度创作中的审美认知、内心听觉等。

一、客观因素

(一)乐器形制与义甲的选材对音色的影响

乐器本身的音色对古筝的演奏有一定的影响,所以先从乐器的选材制作对音色的影响谈起。“不同的乐器,由于材料与结构的不同,发音体的组织条件就不同,在发音时产生的自然泛音列的多少也就不同,音色也不相同,即使在演奏音高、强弱相同的音时,也会有不同的音色效果。而即使同是古筝,但用不同材料做成,也可细分出它们之间的不同音色效果。”专业演奏者对古筝的音色要求主要是:声音很集中,能够立起来,高音亮,有穿透力,声音清脆,余音要长;中音区过渡好,不能发散,音质集中,饱满;低音区浑厚,共鸣好,各个音区对比鲜明,不能像白开水一样。

1古筝的选材对音色的影响

古筝的选材非常关键,直接影响到古筝的音色、音质。制作古筝的材料,主要是梧桐木、红木、花梨木、紫檀木、乌木和其它较硬的木料(一般称硬质木)等。梧桐木的材质松软、易于振动,一般用来制作面板。底板、琴首和筝尾多用硬质木制作,它们胶合的琴身,能产生良好共鸣、增大音量。红木等硬

一、合理安排练习时间 合理安排练习时间是有效练习的起步和关键。 （1）按时定点：因为人的生理机能常常是受到生物钟控制的，所以按时定点训练可以养成定时对感受音乐的兴奋习惯。这样能够让练习者快速进入训练状态，从而达到省时、高效的作用。不言而喻，所谓的抽空练习的效果就完全相反了。 （2）连续不断：连续不间断地上课和练习是始终保持学习进取心理状态的唯一方法。间断了的学习和练习再要继续时，都需要有一个“热身”过程才能重新进入状态。这样的学习只能是浪费了大量的时间，并大大的降低了学乐器的效果和作用。 因此，最节省时间的学古筝就是：工作再忙、学习再紧、生活再累，那怕是进度慢一些，练习时间少一点都应该做到“按时定点”，“连续不断”。常言道：“不怕慢，只怕站”，就是这个道理。 二、明确练习的目的 要想练习的既省时，又有效果，就必须明确练习目的。漫无目的地练了几个小时没有丝毫进展，不但会令你苦恼，并且会使你因怀疑自己的能力而失去自信心。 因此，在练习前应静静地思考一下：这次练习的技术难点是什么？要解决哪几点问题？上课时老师的提示是什么？乐曲所要表达的思想内容是什么？然后，再根据你的能力和这次所练习的时间，能解决多少问题就解决多少问题。这样的练习要比那种无目的地反复练习有价值得多。 三、学会默练 默练就是不用乐器进行练习。默练是依靠内心体验的练习方法，其作用是非常惊人的。由于默练时没有演奏技术上的负担，因此可以完全按照乐曲的速度、强弱、表情等细节在头脑中想象。这样的练习不但能增强乐谱的记忆力和找出自己在练习中的薄弱环节，而且还能加强对乐曲的理解和丰富音乐的感觉。此外，默练不受地点、时间的局限，可以随时进行练习。默练可以使你的练习达到事半功倍的效果。 四、视谱练习与背谱练习相结合 我们在学习一个乐段时，一定要清醒地认识到，这反复奏了无数遍的乐段是否正确无误。错误的重复只能是养成了改不掉的坏习惯。 “视谱练习”为的就是把每个音，每个节奏，都弹的准确无误。“背谱练习”为的是做到“胸有成竹”地把乐曲潇洒自若的表现出来。因此，在学习器乐演奏中视谱练习和背谱练习都不可少。 初学某个乐曲时，在通过了练习前的默练后，就可以进行认真仔细地视谱练习。待视谱能完整的演奏该乐曲时，即可进行背谱练习了。为了确保其正确性，在能够背谱演奏后，应再次视谱练习，从中发现错误，并加以纠正。 五、慢练与快练相结合 在练习到速度快，技巧又较复杂的乐段、乐句时，用把速度放慢一倍或二倍的慢练来练习是很有必要的，也是行之有效的训练方法。但在练习技巧并不复杂的乐曲时，不根据具体情况而一味的运用慢练的方法，那就不太合适了。因为，从本质上来说：如果把一首乐曲放慢来演奏，这时它已经成了似是而非的另一首乐曲。长期如此，不仅会让练习者丧失了正确了解这首乐曲的能力，而且还会逐步减弱他们对音乐表现的积极主动性和乐感。 正确练习方法是慢练与原速演奏相结合。在学习一首新作品的初期，一旦完成了指法、节奏时，就得考虑正确的速度要求。再把一些技巧较复杂的乐句通过慢练，确定了指法的正确和协调了左右手动作后，就应该开始用原速进行练习。只有原速演奏，才能真正理解乐曲，才能真正发现所存在的不足和技巧的问题，也才能找到真正需要慢练的地方。要记住，练习时应该做到：困难点重点练，易错点仔细练，慢练与快练结合练。 六、不可忽略的左手的按颤技巧练习 在演奏中左右手拨弦发音的作用是明显的，出现的错误也容易被察觉的，因此人们往往在练习时把全部精力都放在左右手的拨弹上。这并没有什么错，但由此而忽略了左右手按颤技巧的练习那就大错特错了。 古筝演奏中，左手恰到好处的“吟、揉、按、滑”是筝乐表现力的“灵魂”所在。“以韵辅声，音韵相成”是古筝音乐的特色所在，左手按颤技巧运用的好坏，很大程度上决定了一个古筝演奏者的艺术水准的高低。缺乏了左手的按颤运用，筝乐就淡而无味的失去了光彩。由于左手按颤技巧和表现手法不那么具体，又富于美学性质，要想练习好左手按颤技巧其实又是最困难的。因此，在练习中必须认真仔细的琢磨左手按颤技法，决不可忽略。 七、不要轻视演奏技巧“简单”的乐曲或乐段 有的筝乐作品，一看乐谱就知道其技巧比较简单，因此人们往往都会忽视对它的练习和细致地分析研究。 其实在古筝曲中，一些看上去演奏技巧很简单的乐曲恰恰是风格、特点、韵味十足的曲目，稍不注意就会弹得“驴头不对马列嘴”了。由于这些乐曲一般速度比较慢，在练习时不但要把握好风格特点表现的左手按揉技法，还应该注意其节奏的准确，句法的呈现，音色的纯净，强弱的控制。因此，在学习这类乐曲时，练习重点只是不同于那些快速度、大力度的技巧练习罢了，更多的是要多加强对乐曲的风格和表现手法的分析。 八、重视练习曲的训练 在古筝的学习中，人们往往只重视弹几首乐曲，而忽视了练习曲的训练。这是存在在学习古筝人群中一个非常突出的问题。 而今，由于古筝艺术的不断发展，弹奏的力度、速度、技巧和乐曲表现内容都有了更高的要求，传统的“以曲代功”的练习方法已很难适应了，练习曲的训练也必然的成了我们提高演奏技巧不可替代的一种重要手段。因为，练习曲一般都具有一定的针对性，通过反复的、专门的进行某种单项练习，可以从中学会、巩固、或改进某种弹奏技巧和方法。加之，训练练习曲时通常都是纯技巧的练习，没有旋律和乐曲表现方面的负担，就能有更多注意力放在准确的掌握触弦的角度、音色的追求、力度的控制等技术要求上，从而技术训练的成效就特别的高。所以说，只有通过专门的练习才能有效的克服高难度技巧的技术负担。 九、温故知新有助于不断提升 目前在众多的学筝族中“狗熊掰玉米”的现象非常普遍，很多人都是学了后一个曲子，却丢了前一个曲子，无论是用价值观来分析，还是用学习效果来衡量，都可以说是得不偿失的。在学习过程中，我们应该把复习旧曲作为不断提升的一个重要手段。复习旧曲不但可以为我们积累大量的表演曲目，还能够训练和提高我们的记忆能力。更重要的是通过复习，我们可以在那些旧曲目中得到新的体会和认识，从而在演奏的技术能力上、乐曲的理解能力上得到不断提高。 例如：即使是初学者都不会在意的山东板头曲《凤翔歌》，是一首仅有二十几个小节的小曲，可其中的上、下滑音就有近三十个。我们在初学时，通常只要能掌握好节奏和按滑音音准就很不错了，而有了一定基础后通过对它反复的温习，就可以从中体会到滑音有着不同的推进速度，怎样才能使滑音的滑动过程圆润等种种感受，并能真正的认识到这是一首绝好的滑音的练习曲。这种演奏能力绝非是一朝一夕就能掌握好的，只能是通过温故知新才能得到不断提高。 十、调整心理状态 学会激情练习 练习的目的就是要演奏，而演奏和练习又有着很大的不同。如：在家自己练习时，错了可以反复的去改正、去练习，在舞台上演奏则完全不一样了，根本是没有反悔的机会的。 由于舞台上演奏者的内心都会十分激动，心理上和肌体上都比平时练习时紧张得多。平时已练习得滚瓜烂熟的乐曲，这时往往由于紧张会使演奏者大脑一片空白，或错音百出。因此，我们在努力创造上台的表演机会之外，还应注意在平时练习完整的乐曲时调整心态，想象自己正在音乐厅的舞台上演奏，练习时使自己处于表演的兴奋状态。经常进行这样的精神性训练不仅能改善肌体的和心理的紧张状态，提高正式演出的效果，还能由于练习时精神集中的兴奋状态提高练习效果和增强信心，以及改进自我的意识。这一举多得的事何乐而不为呢？ 这里还要说明两点的是： （1）老师手把手地教，学生人云亦云的死板学，从表面上看学生学得循规蹈矩是按部就班，但这并非是好事。过多的包办代替，只能使学生对老师产生了依赖性，不善于独立思考，学习被动等。还有的老师（或者是家长）为了让学生能在比赛中获奖，不遵循教学的规律，而一年半载的只给学生磨一个曲子。这种急功近利的做法，只能给学生造成音乐情感的麻木，兴趣丧失等不良影响。这样的学习方法都是非常不利于学生学习的进步、心理的成长和人格的树立。 （2）弹奏技巧是演奏乐器必不可少的能力。所以，有了一定的弹奏基础后，应该回头去检查一下自己在弹奏技巧上还有哪些不足之处，重视以练习曲做针对性的训练，脚踏实地进行改进、调整。 对于练那些长期只是“手把手”情况下的学习者，还应该回过头去认真学习乐理知识，熟悉各种记号、音乐术语，培养读谱习惯，增强节奏感和音乐的心理感应能力等。只有这样为今后的学习打好坚实的基础，才能在现有的基础上有所突破，才是不断进步的唯一出路。对自己估计不足，拼命的想拨高，这种自我提升意识，挑战困难的行动是无可非议的，但是，这种违背循序渐进的学习规律的做法最终只能是事与愿违。因此，我在这里要强调的是：要学会自己教会自己和培养科学的学习方法。