唱歌如何有感情

那么如何才能把握好声音的情绪呢？

一、从歌词出发，理解创作主题

一首歌的基础感情都在歌词中，所以要想准确掌握情绪要好好的品味歌词，多读一读歌词，读懂歌词也就掌握了一首歌的基本感情。如果可以深入感受创作者想要表达的思想的话就更好了

二、把握旋律，抓住歌曲风格

除了歌词，还有大部分的情感的是蕴含在旋律里的。旋律可以说是决定了歌曲的感情，很多纯音乐，没有歌词却依然直达人心。要想把握旋律是需要具有一定的声乐基础的，才能更好的跟上歌曲的节奏和旋律。

三、歌曲技巧要和情感匹配

唱歌应该是一种情感的自然流露，如果只有演唱技巧，听起来就会很僵硬。但是过度的强调情感，就会让人觉得矫揉造作，适得其反。所以要想更好的把技巧和情感融合，可以多听听一些好歌手的演唱和专业老师的教学，才会分辨出如何才能最自然舒服得进行情感表达。

四、打好基本功，为情感打基础

当然不是说注重情感，就可以舍弃技巧。你唱歌再有感情，但是咬字不清晰、音准不正确、气息不足，只会显得不伦不类。唱好一首歌最基本的前提还是要掌握的。

唱歌，是一门抽象与具体相结合的艺术，所以唱歌的人只有把演唱技巧和情感表达恰当结合，才能准确唱出歌曲的情感。

如果还是觉得理解起来比较抽象的话，可以找个专业的老师指导一下。很多人唱歌有技巧，但是没感情，找个专业的老

唱是声乐的艺术。好的唱应该是声音优美悦耳，感情真挚动人，语言形象准确，技法运用自如，多种因素融汇于一个整体中的扣人心弦的完美艺术。换种说法就是，只有技艺结合，声情并茂，才能使唱达到感人的境界，产生沁人肺腑的艺术效果。一、 唱中技与艺、声与情的辩证关系。 技与艺、声与情、向来是唱中血肉相连的两个部分。发声的技能技巧与曲情感和内容的表达构成唱的整体，二者不可分割，好的唱不仅发声的方法技巧好，更重要的是，情感的内容表达要好。声乐是听觉的艺术，是唱出来给人听的，作品写得好，还要靠演唱者进行高超的二度创作，才能激发起听众强烈的共鸣。科学辩证地处理技与艺、声与情的关系，深入地探讨唱艺术的二度创作，显然是提高和发展声乐艺术的重要课题。 关于这二者，古今中外的唱论中多有论述。在艺术历史发展的长河中也曾有过"唱声"与 "唱情"的不同主张。 在17、18世纪的欧洲阉人手盛行的两百年间，声乐的美学原理就是"惟声论"。后来虽然经过了格鲁克的剧改革，但"惟声论"的观点对欧洲的声乐艺术还是造成了深远的影响。直到19世纪，意大利的剧演唱已经到了"美声学派新时期"这个阶段时，有人询问起当时著名的剧作家罗西尼，演唱剧需要什么条件，罗西尼回答说："第一是声音，第二是声音，第三还是声音。"唱艺术发展到现在，在理论上持这种观点的人好像是不多了，但在唱实践中，这种声乐重技术轻情感和艺术表现的唱者却依旧不乏其人。当然，有些唱者，因为声音修养的不成熟，技术的不完备，或在发声上还存在某些负担和障碍，使得他的演唱意识不能从声音观念中解脱出来，这自当别论。问题是有一些演唱者或声乐教育者认为，只要声音完美，就没有无情之声。也有人认为声伟曲即传情，没有无情之曲、无情之声和少情之声。在这些人的唱观念和唱思维中，主要是声音。实际上，他们自己已经把声音当作了一种形式，在演唱中，为声音而紧张，为高音而发抖，对唱意识的思维，停留在声音的圆润、气息的支持、声区的统一、共鸣的运用等方面，从而使它们的演唱在听众的听觉中有形无神，有声无情，甚至是生硬、机械的，他们这种外在的紧张和内在的空虚，必然造成艺术表现力的苍白和肤浅。 演唱艺术需要美好的声音，高超的技巧，这是很重要的条件，是这门艺术的物质基础。因此如何提高发声技巧、强化和美化嗓音是每个声乐工作者所努力追求的，但唱作为一门艺术，必须要通过声音，把情感和内容，深刻地体现出来，以感化听众，"心的唱"、"唱情"、"唱神"这都是指要把音乐的最深情感唱出来。 从唱艺术对人的感染作用来讲，唱必须先"入人"才能"化人"。你的声要"入人"，就必须与人"情通"；你的声要"化人"，就必须使人"神往"，也就是"声入而应，情交而感"。所谓"神往"应当是者与听众"情通"之后，达到的另一个更深刻的思想境界，也就是"同声相应，同气相求"的深刻感应。这既是唱艺术的社会作用的规律，也是客观的音乐美的欣赏规律，从这个意义上讲，人们的声乐艺术中强调唱情，当然是无可非议的。 我国的传统声乐艺术，比如戏曲、曲艺的演唱者，大多是沿用现实主义的美学原则发展下来的。有情有声，每位演唱的曲、段子，大都有故事情节，特别是说唱，唱的成分比一般唱要少一些，因而注重情感就特别重要，这是我国现代声乐工作者该继承下来下来的民族声乐艺术的优良传统之一。当然不是说在我国古代就无"惟声论"者了，唐代诗人白易有诗曰；"古人唱兼唱情，今人唱惟唱情。"就表达了诗人对有些人唱只唱声而没有情感所发出的慨叹。二、 在声乐教学中对二者的正确把握和具体要求 一提到声乐教学，大家想到的首先就是声音技巧的训练。没错，嗓音的训练在声乐教学中占非常重要的地位。但这不是全部,更不是最终的目的。声乐训练最重要的目的是要让学生用优美的声音唱出动人的声来。石惟亚教授在《声乐教学法》中对演唱水平的评价标准用了"正确、规格、动人"六字进行了高度概括。这里"正确"或"规格"还是处于学生学习的不成熟阶段,只有在"正确""规格"的基础上再加上"动人",他就已经步入了艺术成熟的阶段。可以这样说:"正确、规格"的目的是为了"动人",但是否在达到"正确、规格"这一标准的过程中就可以不要"动人"呢不是,其实达到前两项要求就意味着已在一定程度上达到了"动人"的标准,并且只要教师在教学中注意引导,学生在任何阶段,即便是学唱的初级阶段都能在不同程度上让情感参与体验并通过声音表达出一种情绪状态来。比如说用一条五度下行的音阶做为练声曲时,老师除了提出呼吸、声音位置等方面的要求外,还必须要求学生唱得"乐感"些,提示学生,让他想象着"我高兴极了"、"我幸福极了",让学生唱出来的声音显得有乐感,在很大程度,若使声与情二者互动起来了,学生就体验到了"情带声,声托情"的感觉。 声乐教师面对的所有声乐学生并不个个都是乐感非常好,音乐天赋极高的学生。那么对乐感一般,甚至很差的人,我们用些什么办法和手段来增强他们的唱表现力呢 首先,教师选择教学曲目要适人适时适难度。"适人"是指根据学生的声音、性格等方面去选择与之吻合的作品教学。"适时"是指根据学生的学习阶段去选择曲目,或者是在了解到他对某种情感刚好有了极强的体会后,比如说学生正在经受失恋的痛苦,你若布置他此时唱《悲叹小夜曲》,他可能会把这一作品的情感演绎得很感人。"适难度"则是根据学生的演唱能力来选择作品,演唱能力不仅指发声技术上的能力,同时也包括艺术表现上的能力。同时恰当地选择一些学生自己非常喜欢唱的去带动其唱欲望,不拘形式地让学生演绎一些他力所能及的作品。比如有些学生演唱一些美声风格的曲时,声音非常"硬",喉咙难以放松;有些学生演唱民族风格的曲时,声音习惯"挤"或"捏",用很重的基音来唱,给听者带来一种非常吃力的感觉。遇到这些学生,我通常给他们找一些很抒情的现代流行曲,并且是演唱者用了很多的"气声"来演绎的、音域及音乐的张力都较适当的这样一些曲来让他们昕,让他们去学唱。这样,他们往往能做得非常好,唱得松了,通了,感情也非常地投入。当学生再捡起以前唱得吃力的那首传统教学曲目时,我要他带着唱流行曲的那种"松"和"遇"的感觉来唱,"硬"或"挤"的问题往往就迎刃而解了。当然,这是通过教学曲目的选择来解决学生某个阶段的发声技术问题,或是唱缺少感情投入的问题,并不是让学生把任何风格的曲都演绎成流行风格,这是必须在教学过程中要让学生弄明白的道理。 其次,就是对比手法在曲艺术表现教学中的运用和强调。经常遇到这样的学生,比如在唱一首三拍子节奏的曲中,若拍子本身强弱弱的节拍规律都不能突出来,还谈什么音乐表现昵还有就是作品的谱面上标注的一些表情记,以及一些节奏型运用和表现中所蕴含着的规律,这都是些司空见惯的,几乎是只要有旋律就会有一些诸如强弱、快慢、轻重上的对比,我们的学生往往因为熟视无睹而把这些给忽略了,这是最基本的要求,在演唱中,没把它们给做出来的话,那就不是叫缺乏表现力了,那是属于"唱的还不如说的好听"呢。相反,若能恰当而巧妙地运用这些对比技巧,将会给你的演唱增添不少活力。 再次，就是要学生有感情的朗诵词。一首好的曲往往是由优美的旋律和富有诗意的词完美的结合而成的，那么，除了在旋律上多做文章外，还有一条途径就是通过对词进行研究来进行表现。在这种处理中，要求演唱者去细心地体会词所描绘的情感和整首要"说"的"事儿"。斯坦所斯拉夫斯基曾这样要求唱家："你们的唱应该出色到观众不再发觉你们在唱。"要让你的唱像在绘声绘色地讲故事一样，吸引别人。这就要求你在唱出语气、语感、感情起伏等方面狠下功夫才能做到的。 对一个作品进行教和学是要花很多心思的，就像是一个戏剧演员设计一个角色一样，认真研究他所需表现的东西，即使是一个小作品也不放过。独唱艺术和戏剧、剧或戏曲的演唱技巧不全相同，后者有一个故事情节连着，表演或演唱的东西有一个底子或线条可寻。而一首曲，就算内容比较曲折吧，也只那么几小段，若不用心演唱，就很容易唱得平平淡淡，故"简单"的曲更需要有缜密、细心的，合理安排布局，严格把握词曲所表达的内涵，做出周详的设计，声与情，技与艺有机的结合，才能使唱艺术达到日臻完美的境界。一个演唱者要达到艺术上的成熟阶段，的确不是件容易的事，也不是仅靠声乐老师的指导就能达到的，同时需要自身的不懈努力。 最后，希望所有的声乐学习者通过自己不懈的追求，不断的努力，对生活进行深入的观察、体验、感受，并化入自己的艺术创造中，再通过艺术实践的控索，对表现方式的反复钻研，并在唱"情"上狠下功夫，逐步到达成熟的境地。

唱歌表演的技巧

　声情并茂的唱歌表演,必须具备一定的心理素质和扎实的基本功,形式与内容的完美统一,才是艺术表演追求的最高目的。你知道唱歌有哪些表演技巧吗我就为大家介绍唱歌中的一些表演技巧，仅供参考。

　 唱歌表演技巧 一

　声乐演员站在舞台上演唱，自然离不开手势的表演。因为手势是人类的一种“无声的语言”,它不仅能帮助情感表达渲染气势,而且能够为形体造型。唱戏有唱戏的“架势”,唱歌要不要“架势”呢应该说又要又不要。声乐演员站在舞台上必须有一种控制力,并且要按歌唱的正确姿势来进行歌唱艺术的表演,因此是需要有一定的“架势”的,但这种“架势”要摆得恰到好处。在歌唱艺术的表演中,应该以歌唱为主,手势动作为辅,不可喧宾夺主,分散观众的注意力。手势动作应该是千姿百态的,根据歌曲的内容需要,灵活自如地做一些手势表演。大体可归纳为“引”“定”“开”“合”“托”“错”几种手势。声乐演员在演唱时手势不能太多,双手动作要求自然、协调,做到随情而动,把手势动作放在有意无意之间。如果为了做动作去故意摆弄手势,动作就显得生硬、做作,失去了手势辅助表演的意义。要把手势动作作为表现感情的一部分,形成辅助歌唱的“无声的语言”,使歌声、手势与感情完全融会在一起。

　 唱歌表演技巧 二

　眼睛是心灵的窗户,人的各种复杂的乃至细微的感情,均能通过眼睛表达出来。不同的眼光、眼神,反映着不同的心态与感情。京剧大师侯喜瑞老先生对舞台表演中眼睛的表现方法有着很精辟的论述:“‘眼是心中苗’虽然是句俗语,但可以说明眼睛对表演的重要性,因为人物的一切感情都要通过它看出来。所以说,手、步、身、口都对了,眼睛不精,不拢神,也没法抓住观众。”侯老先生论述京剧架子花的“眼法”,对于歌唱艺术表演有很重要的参考价值。声乐演员在舞台上表演,要懂得“眼法”的表现力。首先眼睛要有神,用眼神与观众交流,用眼光示意景物的高、低、远、近,用眼睛表达情感,总之,通过眼睛各种“眼法”表演,把歌唱活了,唱出“精、气、神”来,这样才能抓住观众,才能感人。歌唱艺术的核心是情感,艺术的魅力就在于表现情感,换言之,演唱者没有歌曲的情感审美感受,就不能表现美的感情,就没有艺术。“情之相通,美寓其中。”一首歌曲能否达到强烈的震撼人心的艺术效果,当然原因是多方面的,但演唱者是否能准确、深刻地揭示自己的真实情感,可以说是“美寓其中”的基本条件之一。演唱者既要传达感情,又要使别人得到美的感受,这就要求演唱者本人首先被作品中美的情感所震动,要有一种把自己美的情感非表达出来不可的强烈愿望,这样的演唱才能具有美的感染力。

　 唱歌表演技巧 三

　古人曰:“凡人声音不等,各有所长。”我国古代卓越的音乐家、诗人和思想家嵇康,在他的《声无哀乐论》中说:“夫喜、怒、哀、乐、爱、憎、惭、惧凡此八者,生民所以接物传情,区别有属、而不可溢者也。”(今译:“大凡喜、怒、哀、乐、爱、憎、惭、惧这八种情绪,是人们用以接触事物传达感情、区别对待各种属类而不可能溢出范围的呀。”)人的种种感情在产生时都会在面部有所表现,这就是表情。情生于内而表于外。感情与表情直接相关,真实的感情和表情的表现是统一的;虚假的感情则表里不一,“皮笑肉不笑”。人的感情不同,体现在面部的表情也应该是各不相同。声乐演员在舞台上表达歌曲中的感情,一定要从面部表情上有所体现,要敢“做戏”、敢表演,是什么感情就要有什么感情,感情不同表情不同,使面部表情有“春、夏、秋、冬”之分。一首好歌得以流传,大都首先激起歌唱者的心弦共鸣,这种共鸣的获得,并不是靠流畅的旋律和华丽的词藻,而是靠真实的情感和对生活的共同体会,演唱者在舞台上的表演就是演唱者的再创作。例如《大森林的早晨》,当演唱这首歌曲时,眼前就要立刻出现晨雾、青山、流水、树木、鲜花、飞鸟等一幅有动有静色彩明丽、像诗一样清新优美的画面。各种表象同样都会清楚地呈现在眼前。声乐演员在舞台上面部表情的表演,要掌握贴切、真实、自然的要领,切不可矫揉造作。要贴切,就要表里如一。因此,根据歌曲内容表达的需要来训练自己的表情是歌唱演员的基本功之一。

　 唱歌表演技巧 四

　声乐演员站在舞台上,一定要使人感觉这个演员落落大方、精气十足,毫无拘谨之感。当然,形体表演再带上“戏”,就更有艺术魅力了。声乐演员绝不能把生活中那种懒懒散散、随随便便的作风带到舞台上,要时刻注意自己的形体动作表演和感情表达、塑造人物形象的密切关系,努力使自己的舞台艺术表演达到“神形兼备”的境界。声乐演员一出场首先要“抖擞精神”。人有了“精、气、神”,一上场的“台步”和“身段”就透着一种振奋的感觉。有了“精、气、神”,神经系统就能协调全身松与紧的控制力和“台步”的节奏,使观众马上产生这样的想法:“这个男演员真潇洒、英俊!”“这个女演员真漂亮!”声乐演员就是艺术的表现者,一举手、一投足都要体现艺术的风度,就应该让观众感觉到艺术的美!

　由于歌剧演员舞台形体表演分量较重,为了能塑造有个性、有血肉、活生生的人物形象,就应该懂得并掌握按角色人物的不同特征,形象、生动、准确、自然地进行形体表演塑造形象的技巧。所有表演艺术包括声乐在内,都是以生活为依据的,声乐表演形式无论是独唱、合唱、歌剧、音乐剧,它们的感情呈现方式都是以激放、内省、缓急来表达。对独唱演员来说,在演唱歌剧咏叹调时也同样要注意如何塑造人物形象,要根据人物的身世、遭遇去塑造人物形象,而不能按固定的模式去表演,演员必须具有表演的才能和扎扎实实的表演功底才能演活演像角色。人类社会就是由各行各业不同职务、不同地位的人组成。不同的职业、职务,不同的学识、修养,不同的经历、遭遇,形成了各自不同的身份特征。声乐演员需要经常注意仔细观察,去积累创造人物形象的模特素材。只有这样,才能将角色人物表演得惟妙惟肖,使自己达到忘我的程度,这才是表演艺术的最高境界。声乐演员只要在生活中留心对人进行细致的观察,随时都能得到观察的结果。歌唱艺术的核心是情感,艺术的魅力就在于表现情感。例如当演唱《英雄赞歌》时,要被战斗英雄所感动;当演唱《牧歌》时,要被美丽的草原的景色所陶醉;当演唱《十里风雪》时,首先要激起对黄世仁残暴行为的愤怒等。演唱者要使人受感动,首先自己先受感动;要使别人陶醉,首先自己先陶醉。要想获得预想的艺术效果,演唱者必须动用想象来塑造艺术形象。

　总之,声乐演员在舞台上表演,必须具备神形兼备的舞台艺术表演,使表演更加形象化。作为歌剧演员,用恰如其分的演技和真实的感情,能将剧里的角色人物性格特征表演出来,才能算把角色演活了。声乐演员的高超技艺,必须以生活为依据,从芸芸众生中寻找创作的灵感。扮演角色不同,就要有不同的性格,成为个性很强的性格演员。这是声乐演员在表演上应该努力下功夫的课题。声乐演员上场演出,首先对观众要有一种热情服务的正确态度。同时,注意上场的动作要潇洒、自然,有适度感。因为,人的“第一印象”很重要。要想给观众留下美好的“第一印象”,声乐演员从一上场就要注意努力表现出良好的台风。让自己的演出有一个美好的开端。在演出的全过程中,从头到尾都应严格要求自己,树立良好的台风,全身心地投入到歌唱艺术的创造之中,去歌颂美、表现美,把美妙的歌唱艺术献给祖国和人民。

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如何将声乐演唱中的情感表达出来

　声乐艺术是音乐与文学语言相结合的艺术，它与语言的关系十分密切。下面是我为大家带来的关于如何将声乐演唱中的情感表达出来的知识，欢迎阅读。

　一、对歌词的内容要有深刻的理解

　声乐具有思想的细腻性和感情的确定性，正是由于有文学语言的帮助。语言具有传达和表现思想感情的功能，它通过内心体验到的每一种情感向人们直接倾诉。因此，演唱者拿到一首歌曲，应逐字逐句体会词作者的用意以及歌曲的时代背景和思想感情。

　因为每首歌曲都蕴藏着作曲家的深情厚意和对某一种事物的强烈感情。正确深刻地理解歌词的内涵，是演唱者首先要做的工作。可以说，歌唱者对歌词的内涵理解越深，感受就会越深，在演唱时的表达就会越纯真，越完美。同时，作为一名演员，平时也要加强自己的修养。一名演员如果知识不丰富，视野不开阔，单纯从声乐技巧来表现，这样是唱不出感情来的。

　因此，只有演员的修养提高了，才能更好地理解作品的内涵，从而把歌曲唱好。对于一般的歌曲，分析和理解其基本内容是不难的。比如《黄河怨》，这是《黄河大合唱》中的一个乐章，以女声独唱形式讲述了这样一个故事：“一个农村妇女，失去了丈夫和孩子，自己又惨遭日本鬼子的蹂躏欺侮后，万分悲痛，羞辱难耐，在一个凄惨的风雨夜晚，终于投入了黄河滚滚波涛之中。”冼星海指出：“《黄河怨》代表妇女被压迫的声音，被侮辱的声音。音调是悲惨缠绵，是含着眼泪来演唱的一首悲歌。”在演唱这一乐章时，歌唱者要牢牢抓住它的这一内涵。

　二、演唱时要注意运用作品中的音乐要素

　音乐中包括的要素很多，有节奏、旋律、音高等等，作曲家在创作作品时，对每个音符和乐句的安排都是经过认真思考的。因此，演唱者在演绎作品之前，要对这些要素有一个整体的、详细的了解，并在演唱过程中恰当地运用。首先，要结合作品的曲式曲调进行视唱，反复领悟旋律节奏的起伏变化，和声与伴奏的配置等。其次，要对作品曲谱的前奏、间奏、尾奏、速度、表情等做全面的了解，用心酝酿感情。最后，在整体把握的基础上，找准作品的感情基调，这样才能声情并茂地演绎作品。期刊文章分类查询,尽在期刊图书馆 仍以《黄河怨》为例，整首曲子总的旋律多数是在中高声区，情感就应该是在悲愤的基调上加上音量，这样能更准确地表达情感。比如，第一段节奏是有紧有松的，情感的表达就该抑扬顿挫，有收有放，才能充分表现多种情感的交加。第二段的节奏变得比较紧，在速度上就要快些，演唱者的情感也要表现得越来越强烈。后半部分是这首曲子的高潮部分，如：“我和你无仇又无怨……你要替我把这笔血债清还。”这部分的音都在高音区，情绪也要比前面两段还要再高涨，悲愤与凄凉在这里表现得更明显。

　三、善于运用呼吸表达情感

　吸气的过程会强化人的情感意识，激发人的歌唱欲望，还会极大地触动歌唱者的情绪记忆和情感体验，唤起歌唱者的情感动作，为歌唱情感的实现创造了有利的条件。因此，歌唱者在演唱时应当按歌曲的感情需要进行呼吸。这就要求歌唱者在平常的训练中从吸气入手，努力做出与歌曲所要表现的内容相同或相似的表情和情感动作。如唱喜悦欢快的歌曲时，可以像发现新鲜事物那样用“惊讶”的状态吸气;唱悲伤的歌曲时，可以用“哭泣”的状态去呼吸等。这些富于感情的吸气可以使演唱者在演唱时充分自如地表达情感，对演绎好整首歌曲是非常重要的。

　四、演唱时音色的运用到位

　在演唱时音色的运用要到位歌唱的音色就像绘画中的颜色，音色的好坏可直接影响歌唱的效果，是音乐中极为动人，并能直接触动感官引起听众感情共鸣的重要表现手段。不同的音色表现不同的音乐形象，也表现不同的音乐效果。徐大椿说：“唱曲之法，……盖声者众曲之所尽同，而情者一曲之所独异，不但生旦丑净，口气各殊，凡忠义奸邪，风流鄙俗，悲欢思慕，事各不同，使词虽工妙，而于曲子相背，不但不动人，反令听众索然无味。”就是说，每个演唱者都有自己独特的声音，不同的声音对作品的表现有着不同的韵意。演唱者不仅要有美妙的声音，还要有驾驭各种声音和音色变化的能力。如唱一首抒情柔美而又轻巧的歌曲时，要用甜美清脆的花腔来表现作品，这样的音色是令人愉快的，很好地传达了作品要表现的情感。总之，音乐是人类用以表现内心情感的一种手法。著名作曲家、钢琴家李斯特在论述“音乐能直接表达感情的内容和深度”时指出：“感情借着音乐中腾空直上的音浪，把我们带到超凌尘之外的高处。在那里，一片朦胧景色，在众星闪烁之下浮着几只小鸟，宛如天鹅般地在天空中遨游、歌唱，感情借着万古长青的艺术之翼，把我们带进一个只有它可以进入的奥妙境界。那儿的清新而自由的呼吸使我们心旷神怡，我们满怀预感地参加到无形的存在、没有躯壳的精神生活中去。超越我们的贫乏、可怜的尘世的躯壳之上，超越于我们的狭隘的小圈子之上，在我们面前展开一望无际的广阔天地，使我们啜饮极乐的清泉，使我们因幸福而感到心弦颤抖。”声乐演唱中的情感表达要追求真实与美感，它是演唱的艺术生命，没有真实的情感，就不可能使观众为之震撼。

　怎样准确理解作品

　歌唱的情感培养必须建立在正确歌唱技术的基础上，歌唱即要唱声又要唱情，只有声情并茂的歌声，才能正确揭示歌曲的情感内涵。歌曲要表达的基本情感首先是以歌词决定的，作曲家再根据歌词谱出与歌词情感表现相应的曲调。不同风格的作品，需要不同的情感来演绎。所以，要对作品有深刻的理解和正确的分析。

　一、了解作者的时代背景

　知道歌曲创作的意义和目的是唱好一首歌曲的首要前提。歌曲是作者用特殊的形式对当时社会生活和人们思想情感的反映。一定的社会政治、经济和文化背景必定有其环境下的作品。他的创作思想、风格、创作动机以及创作素材也不可能脱离当时的环境。因此说，作品不可能与现实生活相脱节，反过来说，作者的`音乐创作又能帮助人们认识时代和生活。所以，要深刻地领会歌曲的内容和思想情感，就必须了解作品产生的时代背景和特点。譬如有代表性的《黄河大合唱》、《大刀向鬼子头上砍去》、《游击队歌》等等都强烈地反映了时代特征，使我们能很清楚地明白当时的社会现象。

　二、熟读歌词

　有句古训说：“歌词为先、节奏次之、声音居末”由此可见歌词在歌曲中的重要作用。歌曲中的歌词都是即精练又具有概括性的。在演唱一首歌曲之前，应先反复咀嚼歌词，除了弄清楚其字面含义，还须清楚它的言外之意。通过分析研究歌曲的意义，在自己的头脑中形成一幅真切、生动的画卷，然后将这种情感理解与体验传达给听众。也就是说，演唱者首先是从歌词中获得情感的信息，再通过自身情感体验的经验对其进行充分的理解。但是歌词的长短是有限，它不能像小说或戏剧那样写得十分详尽具体，通常是概括性的。所以词面的背后往往有着更深的含义。如《江姐》中的《江梅赞》，如果单从字面上来理解是赞颂红梅的品格，而作品真正的含义是歌颂革命的忠贞，傲对反动派，对革命必胜的信心。可见，要想深入理解词义不能光看歌词的表面，要深入挖掘它的潜在内涵，对歌词内在的情感进行分析、感染和表现。

　三、按照句子和内容要求，正确安排好换气口

　换气是歌唱的重要技术方法，它不仅是为了保持足够的气息进行歌唱，还是演唱者表达歌曲思想感情的一种表达手段。在我们所演唱的歌曲中，大多数作品的旋律乐句与歌词的句子基本一致，较容易掌握。而有一些歌曲，特别是一些翻译成中文的外国歌曲，有时旋律与句子的气口会产生一些不一致的现象。经常会碰到句子的换气在旋律的一个节拍中间，使演唱起来有些困难，容易产生破句或来不及换气的现象。这样需要演唱者在演唱中给予充分的重视，了解这个特点，去正确安排句子的气口。

　艺术表演中如何追求感动别人，首先需要感动自己，这需要内心感染力，演唱者要想较好的演唱一首歌曲，除了具备良好的嗓音条件、声乐技巧和一定的音乐文化修养之外，更为重要的是要对演唱作品的内涵有深刻理解，这就需要演唱者对作品内容与艺术表现手法做认真的分析，从而更加充分、准确、富有创造性地将作品表现出来。

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