podelir X.O是什么酒？

法国科涅克2020年9月29日 /美通社/ -- 轩尼诗非常高兴地推出由世界著名建筑师弗兰克·盖里（Frank Gehry）设计的醒酒器杰作，以庆祝轩尼诗XO诞辰150周年。这位多产的创作大家使用他标志性的雕塑风格来重新诠释轩尼诗XO的标志性酒瓶，以黄金与玻璃相互融合来彰显轩尼诗酒庄的丰富传承。最终的杰作恰如其分地昭示出这款特陈干邑的一个全新时代，其醒目的设计将弗兰克·盖里特有的非常规审美与轩尼诗的大胆感性融合在一起。

发现轩尼诗XO就是发现意想不到的感官体验。 这种精神体现在150个超凡独特的、标有弗兰克·盖里签名并编有号码的限量发行醒酒器中。同样由弗兰克·盖里创作并在更大范围内发布的限量版轩尼诗XO酒瓶将在全球市场推出，以进一步庆祝这一非凡的合作。

在创立后150年的2020年收获之际，轩尼诗XO启动了一次非凡的世界奥德赛之旅，在9月25日向世界展示弗兰克·盖里大作。同一天还将在科涅克夏朗德河上举行一场由艺术家蔡国强主持的短暂而盛大的日间烟花庆典。作为轩尼诗XO诞生150周年世界奥德赛之旅活动的一个核心项目，这场烟火表演向全世界进行直播，这对于蔡国强和轩尼诗来说都是首次。在这个全球变革和团结的时代，这两位朋友兼创意大师对充满希望的未来表达出他们两人的愿景，呼应并弘扬轩尼诗酒庄“欢乐、乐观和坚韧”的普世价值。

弗兰克·盖里对此次合作评论说：“我很荣幸能被邀请庆祝轩尼诗XO的这一里程碑活动。倍感兴奋之余，我也意识到任务的艰巨，因为一瓶干邑白兰地本身已经是一件艺术品，您可以闻到、品尝到和感觉到它的强烈存在，不需要添加任何装饰。我们要在这样的一种背景下展示出创造力。这之中蕴含了创造者的震撼历史和倾情投入。这带来了一种令人想要与之结合及融入的共鸣。”

若需了解更多信息并观看由弗兰克·盖里创作的150周年杰作，请访问

要观看蔡国强轩尼诗“世界奥德赛之旅”烟花庆典并了解更多信息，请访问Hennessycom/en-int/stories/cai-guo-qiang-live-event

大师级匠心的闪耀灯塔

弗兰克·盖里的大量设计（包括毕尔巴鄂古根海姆博物馆、洛杉矶迪士尼音乐厅和巴黎路易威登基金会等）始终在推动着一种动态主题——地面起伏、墙面倾斜、反重力线条等等，想象出诸多的不可能，并以纯粹情感和视觉诗篇加以表达。

弗兰克·盖里以其在设计建筑杰作时一样的理念、激情和好奇心，创造了这款轩尼诗XO杰作。正如他一直尊重自己杰作的周围环境一样，弗兰克·盖里深入考虑了轩尼诗XO干邑的丰富传承、成分和蒸馏艺术，并考虑了轩尼诗酒庄的精湛技艺传统。

唤起联想的设计

以醇厚的轩尼诗XO混酿、充满生机的土壤、曲折的葡萄藤蔓以及贯穿轩尼诗酒庄的水光潋滟的夏朗德河为灵感，弗兰克·盖里创造了这件真正的感官杰作。标志性的轩尼诗XO酒瓶包裹在一个由24克拉浸金青铜制成的褶皱套层中，让人联想起水面反射光芒的闪亮动感。 雕塑感醒酒器放置于碎裂玻璃质地的增辉酒瓶座中，而酒瓶座的设计也同样彰显水与光的设计灵感。

盖里表示：“我想把它变成现实，所以从它的发源地汲取了灵感，并利用这种材料的压皱效果来营造一种动感。” “我选择的材料能够捕捉光线，使其本身即成为一件精美物品，但您仍会意识到它是一瓶轩尼诗XO。”

这项启发性和挑战性的设计由轩尼诗XO的包装制作工匠们变为现实。就像调酒大师传授专业技能一样，工匠们也传承着他们的技艺和工艺秘诀。 将盖里的创意变成现实的每一步都离不开细心、专注、高标准和耐心。

独到惊喜之笔

为提升这款醒酒器的体验，弗兰克·盖里设计了以黄铜和黄金制成的一种光亮闪耀同时精美低调的取酒器。 这种器具真切地反映出轩尼诗酒窖大师提取超陈白兰地的仪式。醒酒器、增辉座和取酒器采用一个保护性的包装盒盛装，带来更多惊喜和对比元素：包装盒本身就是设计作品，采用压缩纸板制成，上面压印有弗兰克·盖里的签名，致敬向弗兰克·盖里在1970年代设计的一系列瓦楞纸板家具。

1建筑的复杂性和矛盾性 建筑要演化,也要革命。----罗伯特文丘里文丘里有比较望完整的设计理论，但他的作品并没有拘泥与某钟固定的建筑风格，文丘里没有承认过自己的作品是后现代建筑，他的设计在20世纪后期对国际建筑界产生过很大的影响，他的作品虽然并不那么引人注目但却发人深思，他的理论和作品将会在今后发挥更大的作用。 2高技术派我承认我对创造性心醉神迷。----诺曼福斯特如果说早期高技派作品还是在盲目炫耀工业成就的话，那么作为现代主义思想的真正继承者，高技派们在保护生态环境，减少耗能，减低污染等各个方面，所走的是一条可持续发展的道路。 3都市主义的疯狂热情我热爱眼睛所能看到的东西。视觉的世界，包括其颜色、形式和运动，是我们人生经历和对生命理解的中心部分。作为我们人类的栖息地，建筑、城镇和城市与宗教、音乐、艺术或政治一样，是证明我们存在的最有力、最动人的要素。但是，城市从来就不仅与此，它还有其永恒性、大众性，以及在表现和成就上的兼而有之。------特里法雷尔法雷尔一直将建筑艺术看做是表达真实的人类体验，而不是人类可能或者应该有的经历。在这最具有社会性的艺术中，正式那些条出了条条框框、抄捷径、求变异并向多元化发展的建筑师找到了解除束缚的办法，他们的艺术作品也更加平衡与和谐。 4白派的学习者和背叛者我力图在设计中使人与自然产生共鸣。-----迈克尔格雷夫斯格雷夫斯的作品外形富有雕塑感，没有多余的装饰，保留着意大利民间建筑的朴实无华，不拘礼节的温暖而真挚的情趣。 5把痛苦收藏起来我们必须对历史保持清醒的认识，这做博物馆就是要告诉人们这一点。-----约翰内斯劳现代主义提倡的空间应是纯净的，空间的本体是空间本身。这种对空间形而上的认识不免将现代主义建筑带入了死胡同，就是到头来失掉了对空间本身的定义与追求的动力。后现代主义对空间，或者说对建筑本身的认识有别与现代主义。里伯金德打破了现代主义对建筑形而上的枷锁，新的立法使各种对建筑的解释合法化。建筑可以是符号，可以是隐喻，甚至可以什么都不是。因而，建筑师更加自由，可以从不同角度来对建筑加以宣释，可以运用各种语言来进行建筑创作。他对建筑并不是从空洞的现代注意教条出发的，而是更多的加入了文学化的解决市。而从形式本身出发，他的建筑语言又回到了他早期的构图研究。 6在观山和观海时融化在建筑师肩负的众多责任中，最重要的便是展示文化，最大的职责边是传承文化，要让大家都知道，每个国家都拥有不同的文化。----安藤忠雄他虽然深受现代主义影响，运用的手法也都是最典型的现代主义手法的延续；理性的混凝土、模数化网格，但精神上完全东方、完全日本的，他更关注建筑的精神性。 7哲学的边缘和建筑的ANTI后现代注意是一种意识形态，而不是一种建筑风格。-----P埃森曼埃森曼的理论比较玄妙，在国际建筑界像他这样的建筑师也是比较少见的理解他的观点许呀阅读一些相关学科的书籍，特别是哲学方面的理论。他研究的核心问题是建筑艺术，不断从更前卫的角度探讨建筑艺术。 8用最少的建最好的最使我不安的是建筑中的浪费现象，无论是用材还是用光。----阿尔瓦罗，西扎他的建筑具有雕塑美感，空间形式背后的意义更值得关注。 9建筑构成和艺术包装我从大街上获得灵感，我不是罗马学者，而是街角斗士。-----弗兰克盖里他的设计作品有鲜明的动感并增加了曲线，运用了一些交叉、重叠、扭转、断裂等当今国际建筑界流行的构成激发，当并不像有些建筑师那么过分追求刺激，以致忽视功能与工程技术的合理性。 10清醒的精神分裂20世纪60年代的新陈代谢运动以及我自己的对城市废墟的素描就是艺术的典型。---矶崎新事实上，他的主要兴趣已经不是设计中使用什么新技术和材料，而是为人么提供精神居所。他在逆反现代注意的清规戒律、探索新的审美价值观念方面；在对建筑形式字叫的体验和义勇方面；在兼容并蓄、交融渗透日本和西方的建筑文化的媒介作用等方面有突出的成就。他的建筑作品在简单的几何形式中表现了纯净幽雅的古典美，在错综复杂的构成，随意粗放的笔触中蕴藏着节律分明、严谨贺喜的秩序感，在表面的模仿引用中凝练着形象观念的升华和意义的深邃内涵。 11白色是一种精神现代主义的远大理想和一些宝贵的形式教条集合有无穷的可探索空间。-----理查德迈耶正式在与纯粹主义相融合的意义上，迈耶的立体主义是完全不同于柯布西耶的立体主义（经常是雕塑味浓厚），准确的说应该是一种综合立体主义，不仅渗透这一种历史的典雅气质，而且具有不朽的时代感。，白色，一种形式纯净而又内涵丰富的一种建筑精神。 12之间的艺术只有把技术功能的内涵加以扩展，直至覆盖心理范畴，才能真正使建筑成为人的建筑。---伦佐皮亚诺建筑的语言，是人与人之间、文化与文化之间的交流。 13严肃的戏法建筑是一种演示艺术。----C摩尔他认为建筑的演示艺术可以令人联想到相关的历史背景、地方传统、气候条件等等。 14揭示永恒关怀的建筑设计建筑是对物质和事实的沉思，建筑的原则很少并且是永恒的。----阿尔多罗西罗西的设计方法是罗西用以反对现代功能主义美学的用力武器，在这种设计方法中，抽象的逻辑演义只能起到辅助作用，类推的方法才是设计的关键。他的设计程序是：1引用存在的建筑片段；2图象类推；3换喻；4产生同源现象。他的上述四个步骤，显示了他运用旧类型创造新类型的核心理念。第一步引用只是设计的出发点和基础，是对旧类型的确认和选择。图像类推揭示了落系设计的一种历史绵延性，是寻找旧类型想新类型转化的契机。到第三步换喻时就进入了设计中的飞跃阶段，把建筑从历史的境遇中引向新的现实，是建筑在形式上超越旧类型，在内涵上有具有深邃的历史感，从而产生同源现象。他试图通过类推和换喻来获得一个抽象的意义，几瓦解生命的概念。建筑无的功能与意义全然被冰冷纯粹的几何体消解。功能与意义是建筑的生命，他的消解也就意味着死亡对生命的否定。 15有机建筑与新陈代谢观日本传统上并不把物质本身看得很重要，我们知道任何事情都不可能永远存在，然而，精神和建筑与它周围环境之间的关系却可以永存。-----黑川纪章 16建筑中的政治洞察力单纯追求建筑艺术不是解决问题的办法，没有社会任务就无法产生伟大的建筑艺术。---Z哈迪特动态构成不等于结构主义，动态构成是造型艺术，解构主义是哲学，这是两个不同的范畴的问题，借用动态构成搞建筑设计的人很多，而持有解构主义观点的人则很少。把哲学理论和建筑艺术简单的联系在一起是不恰当的。哲学对建筑的启示应当是更原则，更抽象，更广泛的。按解构主义的理论，建筑艺术风格要不断的变革，把解构主义固定为某种艺术形式违背起基本理论。 17隐藏在茂叶下的小构筑物就建筑学的社会性和形式创造的关联而言，建筑无法与发生在其中的事件相脱离。----屈米 18神庙的灵魂----斯特林斯特林应当算想古典学习的建筑师，他汲取古典符号，并在造型、比例、颜色上做了变化，形成丰富的细部。把古典符号作为装饰要素，或者彻底的破坏古典形成的规则，成为新的结构，建筑也应当和谐的存在与一个地区，与其周遭有联系。

原标题：欧洲的文艺青年，用一间博物馆救了一座城

虽然近八成赫尔辛基民众反对古根海姆博物馆对城市的“入侵”，但他们不得不承认，该博物馆在上世纪末完成了对毕尔巴鄂的“救市”计划。

救市，拯救城市。全球连锁的私人博物馆收起姿态，转向欧洲二三线城市，在日渐衰落的西班牙港口城市毕尔巴鄂建立分馆，靠毕加索、康定斯基的画作吸引游客，带动产业，拉动内需，刺激经济，惠及三产，复兴城市……

一切的一切，似乎都在对赫尔辛基隔空喊话：喂，博物馆能“救市”呢。在城市复兴的诱惑面前，赫尔辛基愿意接受古根海姆吗？

毕尔巴鄂景色怡人，同时拥有森林、山区、海滩和海岸景色，每年吸引无数游人前来观光休闲。图/图虫创意

“这就是欧洲文艺青年的文化苦旅。”

16世纪时，毕尔巴鄂与巴塞罗那、瓦伦西亚一道构成了西班牙海上霸权的三大对外窗口。随后，荷兰及英国的崛起，令伊比利亚半岛的西班牙倍显尴尬，于17世纪让出海域统治权，毕尔巴鄂也随之衰落。到了19世纪，这座城市误打误撞地与铁矿和煤炭挖掘结缘，由此大踏步迈入工业社会。

但工业城市产业结构的单一，以及自20世纪以来新能源、新燃料的冲击，毕尔巴鄂的经济发展欠缺新增长点。再加上1983年那场不期而至的洪灾，城市变得千疮百孔，环境恶劣。其时再谈起“欧洲钢铁、造船中心城市”的头衔，都会惹人发笑。

毕尔巴鄂是西班牙巴斯克自治区原来的航海人聚落，以出口铁矿石和制造铁器闻名。图/视觉中国

工业城市如何在后工业时代转型？学者冯原认为，自博物馆、动物园和博览会在19世纪陆续构成现代社会的文化开端后，多元文化取代工业体系，已成社会发展主流趋势。而与19世纪前博物馆相对隐蔽、只供国家皇室成员内部观赏的特点不同，大型公共博物馆的出现（如卢浮宫），表征性地宣示了现代社会发展文化趣味的大势已经来临。对于毕尔巴鄂这类工业衰落性城市来说，舍弃钢筋、水泥味的工业化跃进，拥抱全球化多元文化，就显得尤其重要。

“毕尔巴鄂毕竟与纽约、巴黎不同。”冯原说。在纽约，在巴黎，全球性大都市的定位已然成型，文化产业只是其中程序化的一环，而非能挽救城市于水火的杀手锏。“毕尔巴鄂不同。文化、收藏、艺术品甚至旅游，在工业化大干快上的节奏下被暂时抛弃了，现在是时候捡起来了。”

雕塑家路易斯·布尔乔亚的“大蜘蛛”已经成了毕尔巴鄂古根海姆的又一标志。图/hiart

于是古根海姆博物馆来了。这对于1300年才建市的毕尔巴鄂来说至关重要。由于历史不长、景点不多、名人甚少、风俗不佳，这座西班牙北部小城，亟需引进一项文化工程，为城市名片进行个性化勾芡。

“这就是欧洲文艺青年的文化苦旅。”多年之后，为毕尔巴鄂引进古根海姆博物馆的决策者们如此调侃。你可以在毕尔巴鄂的古根海姆博物馆看到其他展馆无法展出的画作：毕加索、康定斯基、保罗·克利、安赛尔姆·基弗……一个博物馆最吸引人的地方，不在于它策划和举办了多少场国际性展览，而是其收藏的展物及作品是否能够达到观展者的需求。显然，古根海姆博物馆能做到。

坐落在毕尔巴鄂古根海姆博物馆外杰夫·昆斯设计的“普利狗”。图/视觉中国

古根海姆博物馆对于毕尔巴鄂究竟有多重要？先来看一组数字：1997年古根海姆毕尔巴鄂博物馆正式投入使用，总耗资为127亿美元（约合人民币108亿元）。博物馆建成的第一年，毕尔巴鄂吸引了130万名参观者，区域经济活动因此增加21亿美元，当地政府将其中的3000万美元收入囊中。

世纪之交时，博物馆直接门票收入占毕尔巴鄂全市总税收的4%，带动的相关收入占比超20%以上。仅6年时间，博物馆启动项目的资金全数收回，还为毕尔巴鄂所在的巴斯克地区带来15亿欧元的收入。

毕尔巴鄂古根海姆博物馆堪称“我们时代最伟大的建筑”。

古根海姆博物馆改变毕尔巴鄂的现象，被称为“毕尔巴鄂奇迹”。其实更奇迹的，是这座博物馆的建筑本身。在建筑大师菲利普·约翰逊看来，毕尔巴鄂古根海姆博物馆是建筑史上不可多得的曼妙之作，甚至给出了“我们时代最伟大建筑”的最高评价。

有着张狂、直接性格的弗兰克·盖里，为毕尔巴鄂设计的古根海姆博物馆成为古根海姆全球连锁模式中的标准模板：华美、奇异、金光闪烁。博物馆位于内维隆河南岸的艺术区域，衔接毕尔巴鄂新老城区。建筑材料是玻璃、钢和石灰岩，并由外覆钛合金板的不规则双曲面体量群组合而成。

博物馆外部整体形态呈现出各个方向弯曲的双曲面，随着日光照射，各角度反射出不同的流光。在内维隆河水的映衬下，北侧的三层展厅更显曲线和动感。

毕尔巴鄂古根海姆博物馆内部的设计，完全不逊于外观，展现了西班牙的奔放与动态美。图/视觉中国

冯原曾以建筑的功能与形态为切入点，对不同时期的城市建筑进行分类。以法国凯旋门为代表的、彰显国家宏大精神的建筑，他称为“样式—意识形态对称”；以广州陈家祠为代表的、突出体现社会地位及等级制度的建筑，则称为“样式—等级对称”；而以CCTV大楼为代表，在20世纪末后现代主义思潮回炉的背景下，由明星建筑师设计出的建筑，被称为“样式—个性对称”。

毫无疑问，古根海姆属于后现代的“样式—个性对称”建筑模式，弗兰克·盖里的天马行空，让毕尔巴鄂古根海姆博物馆显得动静相宜。

与毕尔巴鄂古根海姆博物馆不同，广州陈家祠突出体现了社会地位及等级制度，被称为“样式—等级对称式建筑”。图/视觉中国

博物馆内部的设计，完全不逊于外观，展现了西班牙的奔放与动态美：顶层的曲面层叠起伏，不羁地奋力向上。灯光因此能够倾泻而下，打散了简单几何秩序性的冲力。

“到了这里你会有一种想把帽子摘下，往天花板上扔的冲动。”盖里解释道。这位1989年普利茨克奖获得者认为，建筑和艺术本应如此，“随意，灵动”。

设计意大利艺术家ANDREAMININI的插画艺术！

AndreaMinini出生于1979年,意大利插画师和平面设计师。2004年在米兰理工大学设计专业毕业。曾在许多博客,杂志,书籍和艺术展览上亮相。

线条的叠加与粗细的排列勾勒出物体的标志性特征,这些插图看似简单,但是每一笔都有它独特的魅力。

阿利耶夫文化中心C扎哈·哈迪德

米洛大桥C诺曼·福斯特

鸟巢C赫尔佐格和德梅隆

悉尼歌剧院-约恩·伍重

俄罗斯Dominion办公楼C扎哈·哈迪德

卢浮宫金字塔C贝聿铭

新加坡金沙大酒店C萨夫迪

毕尔巴鄂古根汉姆博物馆C弗兰克·盖里

迪拜塔

玛丽·吉巴澳文化中心C伦佐·皮亚诺

流水别墅C弗兰克·劳埃德·赖特

纽约古根海姆博物馆C弗兰克·劳埃德·赖特

除了建筑之外,AndreaMinini还做了动物的插画,每个动物的形态都完美的展现了其特征。

AndreaMinini插画的魅力你看到了吗

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这幅画是谁的？

丢勒的。

一、生平简介

阿尔布雷特·丢勒(AlbrechtDurer,1471-1528),德国画家、版画家及木版画设计家。少年时曾追随父亲习艺,他对绘画表现出特殊的才能,13岁时就能逼真的画自己的肖像,19岁时为父亲所画的肖像已充分显示他成熟的素描功力,可与达·芬奇遥相呼应。后来在画家沃格穆特(MichaaeelWolgemut)处工作三年。沃格穆特的大工作坊也为丢勒的教父、印刷商兼出版家安东·柯贝尔格(AntonKoberger)制作木刻插画。在当时,这家最大的厂子,对丢勒产生了很大影响,他在儿童时代初次接触到铜技巧,这个经久不灭的印象,对他后来在版画艺术方面创造性地发挥起了决定作用。师满后,年轻的画家走出画室沿着莱茵河游历德国主要工业城市,到过法兰克福,访问过科隆和巴赛尔。4年间的旅行学习考察对画家的世界观形成和艺术发展起了决定性作用。23岁的丢勒已是一位有影响的艺术家,在这一年里,他与故乡的一位音乐家的女儿阿格列萨·弗湟伊结了婚,此后丢勒作为首饰匠和画家开始了独立工作。

1485年,德国教育在人文主义影响下处于即将进行改革的前夕,丢勒进入了纽伦堡的一所公立小学。依照他家的传统,父亲让儿子在自己作坊里当学徒,想把他培养成一个首饰工人。丢勒在作坊里初次获得了绘画训练,并且很快精通此道,这就成为他从事艺术活动的基础,丢勒为学会首饰工艺所必需的装饰艺术,进一步开始临摹艺术家们的人物画,还临摹了马丁·桑恩古厄的雕刻等,这为他想做一个艺术家创造了条件。丢勒十三岁就用银针刻了第一幅自画像,并在画上写道:“1484年我还是一个孩子的时候,我照着镜子画了自己。”他第二年的钢笔画“宝座上的圣母玛丽亚和天使”为第二幅最早期作品之一,该画被保存至今。

在学习绘画的过程中,丢勒对人物结构和绘画法则感到很大兴趣,因此,他请求父亲允许他做一个画家。其父依从了儿子的愿望,送子到纽伦堡附近的画家迈克尔·瓦尔盖默特画室,契约规定学徒三年。丢勒临摹了老师的作品,还逐渐学会了多种绘画技巧,并以大自然,人体以及植物为对象开始进行研究,而且开始尝试创作。同时还精心研究色彩的调配和运用,所以,当他学徒期满是,就能够按照艺术法则,进行创作了。二十三岁的丢勒成家立业后,在离家不远的地方正式成立了画室,开始画肖像画。

后来,丢勒完成了第一部了不起的杰作---“启示录”的木刻组画。这本启示录起源于罗马帝国尼禄王朝旧基督教的神秘的幻想。他制作了一组十五幅不朽之作,表现了人类在十五世纪末叶,由于世界末日的到来而感到无可奈何的恐怖和失望的情绪。当时德国正处于资产阶级和手工业者之间的斗争,农民和封建主之间的斗争,饥饿和剥削之间的斗争,人民的激昂情绪终于发展成为无数次的宗教的,政治的和革命的群众运动。丢勒想把启示录中的幻想付于现实的形象,给予这些幻想以寓意的力量。其中几幅画,不隐讳的对统治势力进行了批评,他把自己的意见交给每一个人的良知。

自从“启示录”刊行后,丢勒被名列于当代大艺术家的光荣行列。腓特烈又邀请他绘制第二幅祭坛画。1498年丢勒以充沛的活力和初得声望的信心。画了一幅身穿华贵服装的自画像。(现存马德里的普拉多陈列馆1514年3月19日,丢勒在他母亲去世的前两个月,给母亲画了一幅肖像,在这幅木炭画里他创作了他一生中最活泼动人的作品,这就是传到现在的唯一的一幅丢勒母亲的肖像。当他母亲于5月17日逝世后,他在画上题了几句话:“这就是阿尔布莱希特·丢勒的母亲,1514年祈祷周前的星期二夜间二时逝世,享年63岁。”说明他终身对母亲的尊敬和热爱。

1490年至1507年,他先后游历巴塞尔、斯特拉斯堡及威尼斯等地,并拜会了他仰慕已久的乔万尼·贝里尼(GiovanniBellini)。他不但极力加强自己艺术知识层面,而且着手研究数学、几何学、拉丁语、古典文学等,他和学者的接触较之与艺术家的交往更为频繁、密切。1512年成为马克西米里安大帝(EmperorMaximilan)的御前画家。后到安特卫普、布鲁塞尔、马连、科伦、密得堡、布鲁日和根特等地旅行,备受礼遇。1521年7月返回故里,健康情形转坏,但他仍然笔耕不辍,直至去世。

丢勒是北部文艺复兴的代表人物。当时的德国正处于其历史上最为暗淡的一段时期。思想和信仰的混乱,饥荒和瘟疫(黑死病)无情地夺去大批人的生命,社会矛盾的激化。这使德国的文化与艺术疲弱不振,外于严重的低迷状态。与此同时,以意大利为首的欧洲各国却已经先后走出中世纪,进入了政治、经济和文化的开放与繁荣时期,人文主义的光辉已经照亮欧洲大陆。于是,作为一个德国艺术家,丢勒只能在一个代表着过去的落后国度里苦苦追求和传播着“现代”欧洲的先进思想。

这位天才少年已经准备好了要独自一人将现代文化引进德国。只是,他那充满好奇和疑惑的目光和基督式的指示性手指表明,不同于意大利文艺复兴对于人与人的世界的欣喜观看,也不同于荷兰文艺复兴对于外部世界的执拗关注,德国的文艺复兴将略带苦涩地凝视人自身。而这将使他成为一个充满矛盾的独行者和先锋派。

作为一个文艺复兴时期的人,丢勒相信艺术家必须要深入观察自然和竭力发现宇宙的秘密,以揭示和表现美。但与此同时,他又坚持其半中世纪的信念,认为艺术家连同其艺术应是上帝的工具。当米开朗基罗以大卫雕像(1501-1504)展现人的完美和新生时,丢勒以同样高超的技法创作了蚀版画《圣尤斯塔斯》(1501),将这位殉教者与神迹相遇的景象表现的如人间乐园。不过,他在那个时期的代表作则是稍早一点创作的《启示录》木刻组画,其在内容和表现风格上更明显带有哥特式教诲性小型画像的特征。

同达芬奇一样,丢勒也具有科学的头脑,因而曾深研数学和透视学并写下了大量笔记和论著,在透视法和人体解剖学方面,他创作了许多反映社会现实的绘画作品。他同时还研究建筑学,发明了一种建筑学体系。丢勒还是位美术理论家,著有《绘画概论》和《人体解剖学原理》。他使德国艺术摆脱哥特式艺术的影响和束缚,走向以人文主义思想为指导的现实主义艺术道路。他把当时幼稚的版画艺术推向完美的新阶段。他支持当时的宗教改革运动,同情农民战争,曾主动为宗教改革运动的领袖马丁·路德的宣传册子绘制版画插图,并以农民战争纪念碑的设计来终结自己的创作道路。

其画的动植物素描之精确完全可以同达芬奇所留下的相媲美,但同时他又对《启示录》中记载的各种怪兽的存在深信不疑。因此丢勒不仅是画家,而且是数学家、机械师、建筑学家,他曾创立了筑城学理论。

他平生不停的旅行,足迹之广,眼界之阔在当时几乎无人可与比肩,可又始终保留着一些农民式的愚昧和狭隘。他相信理性和知识会使人成为高贵的存在,却又对于人的不完美有一种深刻的意识。

他出身于一个中世纪的工匠之家并生活在艺术家地位最为低下的国度,却成为当时欧洲最为独立和骄傲的艺术家。作为“自画像之父”,他是欧洲第一位为自己的容貌和身份所吸引的画家,从而成为伦勃朗的先声。他多少已经意识到艺术会使其不朽,却终其一生为死亡正在迫近的念头所追索而无法摆脱肉体将要消失所带来的恐惧。就艺术风格而言,尽管他是意大利文艺复兴艺术的追求者和传播者,但其置身于其中的德国传统却使其艺术多少保留了一点中世纪哥特式遗风,同时又令人惊讶地率先展现出些巴洛克特征。

丢勒的作品包括木刻版画及其他版画、油画、素描草图以及素描作品。他的作品中,以版画最具影响力。他是最出色的木刻版画和铜版画家之一。主要作品有《启示录》、《基督大难》、《小受难》、《男人浴室》、《海怪》、《浪荡子》、《伟大的命运》、《亚当与夏娃》、《骑士、死亡与恶魔》等。他的水彩风景画是他最伟大的成就之一,这些作品气氛和情感表现得极其生动。

1523年末,丢勒开始写自传,不仅作了自己一生的回顾,而且叙述了他的双亲和他十七个兄弟姊妹及他自己的生平遭遇。当时在世的只剩下他的一个弟弟。

1525年,丢勒的重要著作“量度艺术教程”出版。因此,他跃居文艺复兴时期第一流艺术理论家之列。1526年,是丢勒创作杰出肖像的一年,如《伊司马斯·范·鹿特丹》,成为他最伟大的一幅人物杰作。

1527年,丢了第二部科学著作《筑城原理》出版。1928年,《人体解剖学原理》脱稿,这是他二十七年来对人体解剖学研究的结晶。可惜,他没有看到这部著作的巨大影响。五十七岁的丢勒,从荷兰归来后,体力衰弱,屡为病魔侵扰,这颗灿烂的文化巨星于1528年4月6日突然陨落了。

拜占庭艺术包括哪些内容？

拜占庭艺术拜占庭艺术(ByzantineArt),约5到15世纪中期在东罗马帝国发展起来的艺术风格和技巧。它成为希腊和罗马古典艺术与后来的西欧艺术之间的纽带。拜占庭艺术融合了古典艺术的自然主义和东方艺术的抽象装饰特质。早期基督教艺术与拜占庭艺术之间没有很分明的分界线。早期的发端时期,从330年君士坦丁堡成为首都开始到500年左右,被称为前拜占庭时期。在查士丁尼一世(527-65年)统治时期迎来了拜占庭艺术的第一个黄金时代。在8世纪和9世纪的一段时间,一场被称为反偶像争辩的纠纷反对圣像崇拜,许多绘画和雕塑被摧毁。随着843年反偶像主义的终结,对神圣人物的描绘再次得到鼓励。拜占庭艺术的第二个黄金时代,从9世纪持续到12世纪,将写实主义引进帝国宫廷艺术,将神秘主义引进宗教艺术。拜占庭艺术最后的辉煌发生在13到15世纪中期的巴列奥略王朝统治时期;它被称为拜占庭复兴。在后期阶段的宗教艺术表达了更多的情感和自然主义。风格特点从四世纪到十五世纪以君士坦丁堡(即古希腊城市拜占庭)为中心的拜占庭帝国(即东罗马帝国)和基督教会相结合的官方艺术。其思想内容是崇拜帝王和宣扬基督教神学,为巩固贵族阶级的统治服务。其风格特点是罗马晚期的艺术形式和以小亚细亚、叙利亚、埃及为中心的东方艺术形式相结合,有浓厚的东方色彩。如圣索非亚教堂的中央圆顶形的结构及其内部金碧辉煌的装饰,反映了政教合一的精神统治的权威。在基督教神像学体系的建立和利用、改造旧形式为基督教宣传服务等方面,在教堂建筑、圣像画、镶嵌画、壁画、细密画及工艺美术的风格创造上,都有较大的成果。由于教会的束缚。拜占庭艺术后期风格倾向于公式化、概念化。它对中世纪欧洲各国,尤其是东正教国家的艺术有巨大影响。1453年伊斯兰教的土耳其人攻下君士坦丁堡后,拜占庭艺术的历史已经终结,但其形式仍为东正教会所利用。成熟的拜占庭风格从早期基督教艺术後期古典形式的风格化和标准化倾向演变而来;以线条和平涂的色彩的动态为基础,不以形体为基础。人物形象的个性特征受到抑制,取而代之的是标准化的脸型,体型是平面化的,衣褶被处理为旋动的线条图案。整个画面予人以灵魂超脱肉体的感觉;人物的三维空间表现已为精神力量所取代,这种精神力量藉线条的力量和色彩的明度而表现出来。其人物形象取严格的正面姿势和拜占庭脸型、巨大的眼睛和锐利的眼神,以及典型的金色背景。这类背景在孤立人物的画面上,使形象宛若悬浮于墙壁与观众之间的空间某处。拜占庭帝国很少制作雕刻。最多见的小型象牙浮雕用于书籍封面、圣物箱之类。在君士坦丁堡的上层社会中,其他各种小型艺术品、刺绣品、金器以及彩釉制品也很盛行。手抄本装饰画则虽未达到巨型绘画和镶嵌画那样深刻动人的效果,但对在欧洲传播拜占庭风格和圣像画亦曾起过重要作用。编辑本段表现方面建筑拜占庭建筑继承了罗马的建筑技巧。在早期阶段有两种形式的教堂——长方形的巴西利卡教堂和平面呈希腊十字形的圆穹顶教堂。拜占庭是最早使用三角形穹隅来将圆顶置于方形区域之上的地区之一。建于第一个黄金时代的圣索菲亚教堂,是拜占庭建筑的杰出典范。到第二个黄金时代,几乎所有的教堂都是呈希腊十字形平面的。最早的拜占庭建筑以意大利长方形教堂的平面设计为蓝本,采用巨大的圆屋顶和拱顶。但在结构或视觉效果上,圆屋顶同其下的纵列墙壁之间存在著不协调。因此,在10世纪,大部分地区的建筑均已改用辐射状的设计,包括4座相同的有拱顶的臂状结构,其交叉处覆盖有圆屋顶,而臂状结构即以此为中心向外延伸。这类有中心的、辐射式的设计非常符合东方教会教阶组织的宇宙观。这种宇宙观可明显地见於教堂的圣像装饰设计、壁画或镶嵌画中。它们覆盖了教堂的圆屋顶、墙壁和拱顶,使建筑与绘画的表达语言充分地融为一体。这种圣像设计也反映著一种礼拜仪式:基督与圣母生平的故事性场面,不像在西方教堂中那样按其情节发展顺序铺列在壁上,以配合说教和感召的需要,而是根据节日的意义进行挑选,并按照其神学意义安置。这些镶嵌画和壁画的制作风格反映出它们只是表达神和上帝的静态象征的形象。拜占庭艺术马赛克插画拜占庭工匠将马赛克艺术发展到了新高度。彩色玻璃管和金色背景创造出闪亮的光色效果。马赛克装饰教堂的墙壁和天花板,美化上帝和君王。第一个黄金时代最好的马赛克作品有意大利拉文那的圣维塔雷教堂。在第二个黄金时代,在教堂装饰中形成了古板的图解(基督教主题安排)。中央圆顶是全能的神(作为万物之主的耶稣),穹隅是传福音者,穹顶后部是圣母。当拜占庭晚期壁画取代价值昂贵的马赛克时,这种精雕细琢的图画仍然得以保留。插画手稿常模仿马赛克,因为很多插画都以金色或蓝色为背景。被称为圣像的小型板画,经常将圣母子置于具有高度装饰性的正式场景。雕塑与装饰品拜占庭帝国很少制作纪念性雕塑。早期曾经雕刻了一些肖像,但主要集中于象牙板雕刻,用于祭坛活动和包装珠宝盒及其它物品。银器、珠宝和丝麻织品反映了拜占庭宫廷的盛大和辉煌。拜占庭工匠将景泰蓝上釉技巧发挥到了极致。

之前小编介绍了美国建筑学研究生排名top5院校，下面小编继续为大家汇总了全球大学建筑系排名top10榜单，建筑设计留学生看过来哦。

top1麻省理工学院

麻省理工学院（Massachusetts Institute of Technology），简称MIT，位于美国马萨诸塞州剑桥市的一所世界顶级研究型私立大学。成立于1868年的建筑系是麻省理工大学最早的四个院系之一，也是在美国第一个有正式建筑课程的学校。

麻省理工学院（MIT）尤其以自然及工程学享誉世界，位列2015-16年世界大学学术排名（ARWU）工程学世界第1、计算机科学第2，与斯坦福大学、加州大学伯克利分校一同被称为工程科技界的学术领袖。截止2016年，麻省理工共走出了19位图灵奖（计算机界最高奖）得主；先后有87位诺贝尔奖得主在麻省理工学院工作或学习过。

根据专业的分类，MIT被分成了如下六个学院，其中排名第一的为建筑及城市规划学院（School of Architecture + Planning）：建筑学、城市研究与规划、媒体实验室、不动产、艺术，文化+科技。

top2伦敦大学学院

伦敦大学学院创建于1826年，是伦敦历史最悠久最大的学院，与剑桥、牛津、帝国理工、伦敦政经并称“G5超级精英大学”，代表了英国最顶尖的科研实力、师生质量、经济实力，在经济危机时期政府财政预算不减反增，是英国金三角的名校之一。

巴雷特建筑学院隶属于伦敦大学学院，是其最负盛名的学院之一。1841年，伦敦大学学院创立建筑学院，学院以她最初的赞助人Herbert Bartlett爵士命名，巴雷特建筑学院由此成为英国最早的建筑院校。

在2015年QS世界大学建筑专业排名中，巴雷特建筑学院位列全球第二，是世界公认最顶尖、最具影响力的建筑学院之一。

top3代尔夫特理工大学

代尔夫特理工大学是荷兰历史最悠久、规模最大、专业涉及范围最广、最具有综合性的理工大学，其专业几乎涵盖了所有的工程科学领域，被誉为“欧洲的麻省理工”。其高质量的教学、科研水平在荷兰国内和国际都具有极高的知名度， 其化学工程，土木建筑等学科在世界上都具有领先地位和卓越声望。

top4加利福尼亚大学伯克利分校

加利福尼亚大学伯克利分校是美国顶尖研究型大学，伯克利在世界范围内拥有崇高的学术声誉，在其所拥有的100多个子学科里，有众多世界级的学术大师。曾在伯克利工作和学习的诺贝尔奖得主共有72位（诺奖数量世界第六），其中包括25位校友。

在UCB，建筑专业下设在College of Environmental Design学院下， 为了让学生体验到真正实践中的建筑是什么概念，项目为学生寻求第一专业学位认证提供了一个全面的和具有挑战性的教育。研究生可以根据先前的教育和经验灵活地选择2-3年的建筑项目。

top5苏黎世联邦理工学院

苏黎世联邦理工学院是享誉世界的顶尖理工大学，连续多年位居欧洲大陆理工高校翘首，享有“欧陆第一名校”的美誉。

建筑构造与建筑设计的紧密结合作为该校的重要教学特点之一，自一百五十多年前学院创立至今经过一代代教授们的不断发展，形成了一套独具特色的既相对独立、自成体系，又并非一成不变，而是始终在各个方向上保持着活跃的探索的系统。

其著名的“表皮”理论（Bekleidungstheorie）经由著名建筑师赫尔佐格和德梅隆(Herzog & de Meuron) 的进一步演绎，在上个世界末的几十年里再一次影响了整个建筑界。

top6曼彻斯特大学建筑学院

曼彻斯特建筑学院成立于1996，是曼彻斯特大学与曼彻斯特城市大学的一项创新协作。由两所学校超过一百年教学经验的建筑系联合产生的，英国最大的一所建筑学校。是一所规模小型(10000以下)的公立艺术/设计院校。

top7哈佛大学

哈佛大学的艺术史教授查理艾略特诺顿在1874年开始了哈佛大学的第一堂建筑课，而真正的建筑系则在1913年成立，后来直到1936年才以建筑学、城市规划与景观设计三大专业组建了设计学院，转年由格罗皮乌斯执教，并陆续培养出贝聿铭、菲利普约翰逊、保罗鲁道夫、桢文彦等众多杰出的建筑师。

top8剑桥大学

剑桥大学（University of Cambridge）是一所位于英国剑桥市的世界顶级研究型大学。始创于1209年，亦是英语世界里第二古老的大学。剑桥大学本身没有一个指定的校园，没有围墙，也没有校牌。

在剑桥学建筑，关注到的不仅仅是建筑物本身，我们还会关注到人文、地理位置、材料、哲学、历史，然后才到建筑物本身！无论是教学还是研究，剑桥大学的建筑都在英国排名顶尖。在这里，你被职业的建筑师和学术理论专家所教授。剑桥的建筑课程，既是着重于对文化的学习，也着重于对科学技术的学习，是科学和艺术的完美结合。

在整个课程教学中，将以设计实践、视频案例教学（从一个大城市到建筑小细节都有）为主，以人文文化、科学原理等内容的讲座、实地游览为辅。教学设施有图书馆、演播室、影印室、工作坊，还有制作模型的地方等。

top9清华大学

清华大学建筑学院的前身清华大学建筑系由著名建筑学家梁思成先生于1946年10月创办。至今经过了六十余年的发展历程，累计有5,000余名毕业生完成学业，成为活跃在国内外建筑前沿领域的专业帅才。

按照学科思想的演变可大致划分为两个阶段。前三十年以建筑学院的创办者梁思成先生提倡的建筑“体形环境论”为特色，后三十年以中国科学院和中国工程院两院院士吴良镛先生提出的 “人居环境科学”为指导，建筑教育学科领域不断拓展，始终引领中国建筑教育的发展。

top10哥伦比亚大学

哥伦比亚大学的建筑系成立于1881年，身处曼哈顿这个充满活力的大都会自然地在现代城市规划相关的领域有着先天优势。

师资方面也能够时常引进年轻的纽约新锐建筑师。最著名的教授有老牌评论家弗兰姆普敦，仍在进行活跃的建筑实践活动的史蒂文霍尔、弗兰克盖里，新生代的建筑师格雷戈林等等。

以上就是为大家介绍的全球大学建筑系排名top10榜单，学校的排名是大家择校的一个重要参考，但是小编觉得，地域、城市还有学校氛围同样也是需要考虑的因素。如果还想了解关于建筑设计留学的相关院校介绍，作品集案例等相关内容，欢迎咨询美行思远艺术留学顾问，我们将根据您的个人情况，为您制定个性化的留学方案！