西方法学流派，是指对法学领域中某一重大理论或问题持相同或相近的观点而形成的群体。他们是有相同的价值观和方法论的共同体，他们的观点可以片面，但是必须很深刻。法学流派的流，非流行的流，超俗是流派的本质而非庸俗；法学流派的流，也非流星之流，流派应当流芳百世，而非稍纵即逝。只有经过实践与时间的检验，最终默默地在社会实践中体现其价值，在解释现象中蕴含其实用性，在生活中萌发认同感，也许一个流派才真的形成了。
舞蹈表演是一种心理的活动。舞蹈表演不仅是一种传达和再现，而且也是一种创造性的艺术活动。舞蹈表演艺术也是感觉的艺术，它所传达的感情是审美情感，而不是现实情感。这种感觉来自内心的想象，也是内心意象的积累，经过长期科学系统规范性训练来掌握体姿符号，并通过它随心所欲的技巧化运动，通过情感——动作思维——体姿符号三位一体的内在关联，创造性地传达出丰富的内在情感。
一、舞蹈表演是一门综合性、创造性很强的艺术
舞蹈和其他艺术形式，既有共同的规律，又有各异的特质;既有关系，又有区别。舞蹈艺术是以舞蹈动作为主要艺术表现手段，着重表现语言文字或其他艺术表现手段所难以表现的人们内在深层的情感世界，包括细腻的情感、深刻的思想、鲜明的性格，人与自然、人与社会、人与人之间以及人自身内部的矛盾冲突，从而创造出可被人感知的生动的舞蹈形象，以表达舞蹈作者(舞蹈编导和舞蹈演员)的审美情感、审美理想，反映生活的审美属性。说到底，舞蹈是人体反映心灵动态的艺术，而心灵动态又是社会动态的真实写照。
表演则包括“表”和“演”两层意思。按照我国传统的解释，表，即“情感之表现于外貌者也”;演，“模仿其事曰演”。这两句话直接明确地道出了“表演”二字的含义。表演艺术可分为舞台表演艺术和镜头前的表演艺术(**和电视)两大类。舞台表演艺术的最大特点是它的剧场性和假定性。演员在舞台上表演，观众在剧场里欣赏，这是所有舞台表演进行中的共同现象。在舞台框框之内假定环境之中进行表演，是戏剧表演和舞剧(舞蹈)表演的共同现象。在这个领域内，如何对待观众，追求什么样的创作状态，以什么样的心理状态进行表演，形成了不同的表演观念和表演理论。目前，我国关于表演理论方面的专著和文章，专家谈论比较多的有三大体系：斯坦尼斯拉夫斯基体系、布莱希特体系、中国传统戏曲表演体系(国内外有些专家又称为梅兰芳体系)。斯坦尼斯拉夫斯基的表演观念是在观众和演员之间建立起“第四堵墙”，追求“当中孤独”的创作状态。布莱希特则强调创造过程中的理性因素，提出“推倒第四堵墙”，以“间离效果”来破坏舞台上的生活幻觉。而中国传统戏曲表演体系，认为演员心理上根本没有“第四堵墙”这个观念。演员在舞台上对待观众的态度非常明确，就是面对面当场表演给观众看。中国戏曲就是“当众表演”。
二、舞蹈表演与情感世界
1舞蹈是情感世界的极致体现
舞蹈艺术是善于抒情的艺术，是人们内心情感世界最动荡不安的时刻出现的一种形体活动，是以抒发内心情感为主的艺术样式，是情感世界到达“极致”的表现。舞蹈艺术是通过寻求和抓住人的思想感情最集中、最凝练、最动人、最优美之处，进行加工、创造，从而提炼出来舞蹈形象。也就是说，在精美的舞蹈艺术构思中，把深厚的感情、生动的形象、丰富的想象统一和融合起来，促使塑造的形象舞蹈化，以唤起观众的心灵美感。舞蹈表演的最终目的都落在人类感情表现的'“极致”二字上，有了情感世界的“极致”才有可能创造“精美的舞蹈”。
2情感世界的极致体现需要舞蹈表演
怎样才能把情感世界的“极致”在舞蹈中淋漓尽致地表现出来呢在舞蹈表演实践中，常常见到两个身体能力、技巧相近的演员表演同一个作品。一个令人心旷神怡，经久不忘;一个只是机械地完成各种高难度的技巧和动作，表现力不能打动观众。为什么两人的悬殊如此之大这就是舞蹈表演有无情感世界所决定的。演员的表演是舞蹈中不可缺少的重要部分，它是连接肢体动作和情感思想的纽带，它能把外部的肢体动作和内部的心理情感有机地、符合逻辑地联系在一起。舞蹈是以人体动作、造型表达人们思想情感的艺术，它的意境创造和形象塑造，都是以一定的思想情感内容为基础，而不是堆砌一些无机的单一的动作。舞蹈动作、姿态是由一定的情感线、视象线穿织而成的有机整体。情感离开动作无以体现，动作离开情感毫无意义。动作是构成舞蹈的外部因素，是看得见的、外在的运动;而表演是内部的，是渗透、融化并贯穿在一切动作之中的一种内心情感流露。前者是舞蹈表演的载体，后者是舞蹈表演的灵魂，动作承载情感，情感使动作更具光彩。舞蹈中的情感属于内在非视觉的心理内容，只有通过相应形体技能，进行物态化体现，创造出完整的艺术形象，才能成为可视的舞蹈艺术。这时候心理与形体两者是相互联系、相互依存、相互表现、不可分离的统一整体。只有通过表演这种形式把肢体与情感、外部与内容相结合，产生生动、真实、鲜明的艺术形象，才能将情感的“极致”推向高潮，达到宣泄情感、传达思想的目的，这样的舞蹈才具有深刻的艺术感染力和生命力。
;声乐演唱艺术中的情感把握
在各艺术类别中，声乐艺术无疑是一门充满情感体验的艺术门类。声乐艺术中所饱含的情感，需要演唱者首先调动起自己曾经的情感体验，情绪到位后，表演者再通过自身的表演，将歌曲中所包含的各种复杂情感传达给观众，并使观众们感同身受。下面是我分享的声乐演唱艺术中的情感把握，一起来看一下吧。
查理潘才拉说“歌唱必需触及灵魂，我们要把整个的生命和爱这双重的灵感，通过我们的演唱再现。”可见情感表达在歌唱中的重要性。 音乐起源至今，经历了漫长又复杂的发展过程。歌曲从创作、演唱到欣赏都离不开感情，是词曲作者动心，演唱者唱心和观众感心的艺术加工过程。歌唱艺术的真正魅力在于表现真实的人性、抒发真实的情感。
声乐情感的运用和表达既要求我们加深对作品的认识，又要求我们用自己个性化的风格去表达自己，感染观众并在不断认识的过程中，反复的表演和实践中加深对情感内涵的理解。声乐艺术又不同于其他的艺术门类，即由于它自身就是一具乐器，所以它能给人以更直接的影响，更易于感人。它的美既是直观的、也是内在的、深入的，这就需要我们不断地去探索和挖掘。
一、声乐演唱艺术的审美特征
声乐演唱是饱含情感的一门艺术，其中最重要的因素之一就是情感的审美性。声乐演唱艺术情感的审美是一种精神活动，受歌曲的情感和演唱者的演唱技巧这两大因素所影响。在一首歌曲中，演唱者本身的声音美固然至关重要，但演唱的情感审美也不可忽视，这两者互 相补充，相辅相成，紧密协作，共同烘托出了整个演唱艺术的美感。演唱者不仅要充分展现出自己声音的美感，更要重视歌声的情感表现方式，声乐演唱艺术的最高境界就是声与情的完美结合。
具体地说，声乐演唱艺术的审美特征有三大特点：
1、声乐演唱的情感审美受制于普适的情感审美标准以及情感审美表现
俗话说人有七情六欲，可见人类情感的复杂与多样，人们对于情感的表达方式更是千差万别。但是总的来说，任何情感都会受制于历史因素和社会环境，受制于人类的理性。人类情感审美的标准归根结底就是对事物对与错、黑与白的评判。上文已指出，声乐演唱艺术是生活的一种投射，源于生活，它不可避免地面临着对于审美态度的选择，以及对于情感表达的抉择。越是成功的声乐演唱，就越能将时代精神、社会追求、大众理想和历史潮流融入在歌声中，用普适的审美观唤起听众的共鸣和感动，同时注入演唱者自身的情感体验，最终感染到每位听众。
2、声乐演唱艺术审美具有真实性
声乐歌唱艺术是一门以情动人的艺术，必须投入真情实感，任何矫揉造作都会影响声乐演唱艺术整体的效果。真情实感的流露，需要以实际生活为基础，创造感动人心的艺术形象。同时，演唱者要悉心地揣摩歌曲的词和曲本身所蕴含的思想感情，将本身对于歌曲的演绎，包括感情的性质、强度，与歌曲所含的情感相契合、相融合，将两者毫无违和感地贯穿为一体，形成震撼人心的完整艺术作品。
3、声乐演唱艺术能直击人的心灵
最近两年，最受观众欢迎的综艺节目莫过于歌手选秀节目了，而声乐演唱艺术之所以能这么广受欢迎，最关键的就在于它具有直入人心的特点，比起其他艺术形式对人心灵的震撼更直接、更快速。短短几分钟的歌曲，带给人的是多种多样的情感体验，或兴奋、或沉静，或喜悦、或哀伤。而且由于歌曲的简单易学性，观众容易跟着歌曲一起唱，所以声乐演唱艺术是最贴近群众的一门艺术类别。而只有听众在精神上获得了享受，这首歌曲才能带来真正的审美体验。从另一个角度说，歌唱者必须谙熟听众的审美反映，才能最大程度地打动听众，所以，声乐演唱艺术的演绎着不仅要是一个成功的演唱家，还要具备高超的审美能力和欣赏水平。
二、声乐演唱艺术中的情感把握
声乐演唱艺术是听觉艺术和视觉艺术的综合体，而又首先是听觉的艺术。演唱者在讲语言符号和音乐符号转变成声音时，本身就是一个艺术创作的过程，因此可以说是在既有歌曲上的再创作。无论歌曲本身的旋律多么优美，歌词多么隽永，没有演唱者的演唱，听众永远无法感受到歌曲的情意和内涵。演唱者从这个意义上说就是名副其实的创作者。因此，歌手应该不断地提升自身的艺术修养，不断提升艺术再创造的能力，保持艺术创作的活力。
1、对作品内涵的理解
作品的内涵是作品的思想感情之所在，也是作品的内在含义。面对一首歌曲，歌手首先要做的就是搞清楚歌曲的内涵，这是表演歌曲的最基础的工作。对于作品内涵的理解，首先要弄清歌词大意，将歌曲中蕴含的思想感情分析清楚。这其中包括歌曲的情感基调和情感风格，比如作品的悲喜，是哀怨还是激昂，是奔放还是婉约等等。此外还包括歌曲特定的时代特征和历史缘由。记得一位声乐理论家说过这样一句话：“如果歌者献出足够的时间和思想来分析他的歌曲，并充分发挥他的想象力，他将对其结果感到愉快、惊奇，如果他坚持下去，他将及时发展出一种敏锐的机能，
从而他将能够进入与作家创作某特定作品时的、多少有些相似的心理状态。”所以，不管唱什么歌曲，都应该仔细认真分析作品，做到深刻理解作品，尽可能的把自己放在一个具体环境中，这样会在表现上更加切实，也给观众身临其境的感觉。认真地分析作品的词和曲，这是演唱好任何音乐作品都首先要做到的，但对演唱好歌曲向而言，我们还要对作行全面的了解和研究。
2、对作品情感基调的把握
中国自古以来就是一个多民族的国家。由于各民歌受到不同地区的语言音调，生活特点，地理环境等的影响，使得民歌具有独特的民歌风格和浓郁的地方色彩。如平原地区的民歌大多婉转流畅，山区的民歌比较高亢豪放，而在一望无际的大草原产生的民歌则是音调悠长，气息宽广的长歌，西北民歌的旋律高亢激越这与西北地区人民生活在贫瘠的黄土高原。性格粗犷豪放声调高亢有关。
必须先对作品进行深入细致的分析，了解作品创作时代背景，分析作者在歌中为我们演唱所带来的意图，正确的把握作品的基本思想，然后运用各种表现手法处理歌唱。千万要注意设身处地的理解人物思想感情，准确表达歌唱的内容。例如四川民歌《槐花几时开》我们首先要知道由于四川特殊的地理环境，崇山峻岭，造就山里人豪爽粗狂的性格。唱歌时要真挚炽热，欢快热情。演唱时音调高亢明亮。如云南民歌《小河淌水》优美柔和的旋律，亲切含蓄的语言生动描绘了在朦胧，恬静的山村夜晚。阿哥阿妹相知，相恋不相见。通过内心独白式的歌唱来传达心生的婉约情境。呈现出清新柔美的夜曲风格。
3、对作品意境的想象
我们发现，很多歌手在演唱时经常会闭着眼睛，仿佛在摸索什么，揣摩什么，可以说，这个时候，歌手便进入了对于歌曲意境的想象中。任何优秀的声乐演唱艺术家在演绎一首歌曲时，都会想象自己身临其境地处在歌曲所描绘的场景中，发挥音乐对于想象力的启迪作用，根据歌曲的内容，在脑海中虚构出各种场面，这就是演唱者对于作品意境的想象。只有感同身受，才能最大程度地阐释出歌曲所蕴含的情感和思想。如果歌手将歌曲本身的意境建设得非常具象和细致，那么在演绎时就会生动和真实，对于歌曲意境的想象能够帮助歌手尽快地完成对歌曲所含艺术形象的塑造，形象完成后，整个歌曲的主旨也就豁然开朗了。对于作品意境的想象与建立，需要歌唱者以实际生活为蓝本，多听、多看、多思，不断累积对于生活、社会、人生的感悟，增强自身的艺术领悟力和灵性，以便能更深刻地阐释声乐作品。
4、对作品风格的掌握
风格是指艺术作品在整体上呈现出的具有代表性的独特面貌。不同于情感基调与意境，风格更侧重于作品本身的文化元素和社会背景，一种风格的形成受到时代、社会、民族、阶级等错综复杂的社会历史条件的影响，因此在一个作品的风格中我们最容易发现这个作品中交织的地域与时代特征，以及文化的底蕴。例如由台湾艺人陈升创作的歌曲《北京一夜》，原本是一首摇滚歌曲，但特别之处在于因为里面加了京剧的唱腔，再加上。地安门、老情人、绣花鞋、古锈铁衣、征战男儿，使得这首歌曲蕴含了一种古典的中国风。
视觉艺术由于具有直观性的特点，风格往往比音乐更容易把握。而同为线性艺术的文学在一定程度上有助于音乐风格的把握。提升歌唱者的文学修养对于把握和理解作品的风格有着至关重要的作用。而成熟的歌唱家能把作品的创作意图和作品的风格特点淋漓尽致地表现出来， 能让听众感受到音乐背后的声音。
5、把握作品的艺术对比
所谓歌曲的艺术对比，就是指一首歌的强与弱，轻与重，叙述性和歌唱性，而艺术对比最重要的就是一首歌曲中高潮点与低潮点的对比。处理歌曲的通常做法是强化高潮，弱化低潮，并在高潮和低潮之间进行合理和恰到好处的过渡，设置一定的转折，通过比对，增强艺术的多变性。一味地高亢或者低沉都是不成功的艺术表现。加强高潮部分的方法常常是加重一部分字词或语句，重点突出的部分要逐字逐句地揣摩，既不能强度不足、火候不够，也不能过于浮夸，过犹不及。这个过程需要歌手仔细揣摩，反复寻味，最终找到最恰当的表现方法。歌手在这个过程中可能会遇到某些难关，但必须遵循最初的设计，不断克服难关，直到所有情感都内化在歌声中表达出来。歌曲的总体设计应该包括歌曲的整个感情基调、快慢、强弱、音色、音调大小，以及歌曲的伴奏音乐等。这些设计都要根据歌曲的结构、旋律以及情感发展来构建，确保歌曲的艺术表现能够指引歌手的情感基调，并能完整表现出歌曲的高低潮和内在层次。
如云南民歌《小河淌水》全曲5各乐句一气呵成。第一句“月亮出来亮汪汪”与第二句“想起我的阿哥在深山”是一种平稳的情绪。第三句“哥像月亮天上走天上走”情绪上要稍微有渐强的变化。第四句“哥啊哥啊”连续三声对阿哥的深情呼唤。情绪高涨形成了全曲的高潮阿妹对阿哥的浓烈情感已经无法用语言表达。演唱这一句的三个阿哥要有力度的对比处理突出阿妹微妙丰富的心理描绘。
三、声乐演唱艺术中的情感表达
声乐作为一门学科，如其他学科一样，由多个技术性的层面构成，这些技术在实践中得以完善和提升。而情感的表达是技术层面中最为特殊的部分，甚至它本身已经超越了技术的层面。在声乐演唱中，传神的情感表达将使这种艺术形式更臻完美，这将带来听众与演唱者之间心灵上的共鸣，也正是由于这方面的原因，使得声乐成为不仅仅停留在技术的层面，而成为一门艺术。
什么才是良好的情感表达人们形容演唱常常会说声情并茂，即演唱的音色、唱腔与情感都非常动人。“声”侧重于我们所说的一般意义上的声乐技巧，“情”即是指情感。二者并茂即意味着声音与情感得到完美的融合。声与情并非是孤立的两个部分，声音是演唱艺术的载体，声音即是内容的载体，同时也是演唱情感的载体。情发自于声，情感的表达是通过声音传递到听众的耳中，完美的表达即是形式、内容、情感的高度统一。
情感的表达是一个复杂的过程，但是也并非不可把握，通过体悟、训练和实践可以提升情感表达的能力。而这也正是歌唱家探索和实践的重中之重。
1、情感想象与场景想象的重要性
在熟读乐谱的过程中，要反复体悟音乐的感情特征，领略歌曲音乐的旋律，理解歌曲音乐的意境。歌唱者就是要从歌曲的文学(歌词)语言造型和音乐旋律起伏中，发掘出这些丰富的情感闪素，掌握歌曲的风格基调，引发我们心中的想象，发展自己的音乐思维，激起内心的歌唱热情，使自己的歌声充分抒发内心的情思，从而艺术的表现出完整的音乐形象。
场景想象即想象作品描述的场景，并把自己置身于当时的场景，设身处地的感受。如四川民歌《槐花几时开》演唱者可“移情”于这样‘种场景：在开满槐花的山上一位羞涩的少女对情郎的思念和向往。
2、再创作的重要性
对声乐作品的“二度创作”，即再创作，对一部声乐作品来说至关重要。歌曲是语言符号、音乐符号和声音等多方面的结合， 作曲家、作词家、歌手，共同完成了一部歌曲，任何歌曲，都要经过歌手的演绎，才能成为一部真正的声乐作品。 这种再创作，是歌曲演唱表达情感的基础。纵观乐坛，演唱家们之所以受听众喜爱，除了他们与生俱来的绝美嗓音、超凡的演唱艺术，还在于他们的歌声包含着深情，不仅毫无遗漏地将歌曲中蕴含的感情表达了出来，更将原本的感情进行了演绎和升华，使听众和歌曲产生了共鸣。
增强声乐演唱艺术的表现力，就必须不断丰富自身的情感体验，不仅要充分调动听觉，还要在内心积淀不同的音乐形象，为演唱艺术积累起足够的情感储备。演唱家的再创作不同于其他艺术形式的再创作，由于歌曲的独特性质，歌曲具有语义和非语义的共同特点，正是这种非语义性，为歌曲家提供了无限的创作可能，也为歌曲的情感表达提供了足够的表现空间。在表现作品的方法中，联想和想象是最佳方式，这两种方法是表达歌曲情感的前提，也是激发歌手感情的源头。准确而丰富的想象能够使歌手更深入地进行作品剖析和延展，也会使作品更有感情，使作品感染力更强。
声乐的艺术魅力取决于声乐的情感表现。歌唱的初衷就是“唱情”，声音贵在以情动人，歌唱者应以自己特有的演唱风格、优美的音色和真挚的情感将作品的思想内涵表现出来，把听众带入歌曲的意境中，把生动、具体的艺术形象展现在听众面前，才能做到以情动人，以情感人，收到演唱的预期效果。
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音乐是反映人类现实生活情感的一种艺术。
音乐可以分为声乐和器乐两大类型，又可以粗略的分为古典音乐、民间音乐、原生态音乐、现代音乐（包括流行音乐）等。在艺术类型中，音乐具有抽象性，音乐从历史发展上可分为东方音乐和西方音乐。
东方以中国汉族音乐为首的中国古代理论基础是五声音阶，即宫、商、角、徵、羽，西方是以七声音阶为主。音乐让人赏心悦目，并为大家带来听觉的享受。音乐能提高人的审美能力，净化人们的心灵，树立崇高的理想。我们通过音乐来抒发我们的情感，使我们的很多情绪得到释放。
扩展资料：
音乐的基本要素：
1、曲调：曲调也称旋律。高低起伏的乐音按一定的节奏有秩序地横向组织起来，就形成曲调。曲调是音乐形式中最重要的表现手段，是音乐的本质，是音乐的决定性因素。曲调的进行方向是变幻无穷的，基本的进行方向有三种：“水平进行”、“上行”和“下行”。
相同音的进行方向称水平进行；由低音向高音方向进行称上行；由高音向低音方向进行称下行。曲调的常见进行方式有：“同音反复”、“级进”和“跳进”。依音阶的相邻音进行称为级进，三度的跳进称小跳，四度和四度以上的跳进称大跳。
2、节奏：音乐的节奏是指音乐运动中音的长短和强弱。音乐的节奏常被比喻为音乐的骨架。节拍是音乐中的重拍和弱拍周期性地、有规律地重复进行。我国传统音乐称节拍为“板眼”，“板”相当于强拍；“眼”相当于次强拍（中眼）或弱拍。
3、和声：和声包括“和弦”及“和声进行”。和弦通常是由三个或三个以上的乐音按一定的法则纵向（同时）重叠而形成的音响组合。和弦的横向组织就是和声进行。和声有明显的浓、淡、厚、薄的色彩作用；还有构成分句、分乐段和终止乐曲的作用。
4、力度：音乐中音的强弱程度。
5、速度：音乐进行的快慢。
6、调式：音乐中使用的音按一定的关系连接起来，这些音以一个音为中心（主音）构成一个体系，就叫调式。如大调式、小调式、我国的五声调式等。调式中的各音，从主音开始自低到高排列起来即构成音阶。
7、曲式：音乐的横向组织结构。
8、织体：多声音乐作品中各声部的组合形态。（包括纵向结合和横向结合关系）。
9、音色：音色有人声音色和乐器音色之分。在人声音色中又可分童声、女声、男声等。乐器音色的区别更是多种多样。在音乐中，有时只用单一音色，有时又使用混合音色。
-音乐
今天，校易搜带给你一篇
唐代是一个高度繁荣的封建时代，艺术氛围浓厚。不仅涌现出浪漫主义诗人李白、现实主义诗人杜甫等杰出代表，其他天才诗人也相继涌现，给我们留下了许多激情浪漫的诗词歌赋。正是这些诗词，让盛行于唐代的冷鸾镜和冷鸾镜一样，成为了唐代众多女性情感生活的载体。
唐代诗人“王建”示意图
唐代诗歌中的鸾镜
正如唐代学者乔在《诗经杂歌》年所写，“妾有秦家之镜今天，作为礼物，互相认识并不反对”。起初，冷酷无情的鸾镜显然成了唐代男女表达离别之情、寄托爱情的“象征”。
再比如《感官之镜》里的“美女和我不想待在一个盒子里”。秋水里没有芙蓉花，因为花已经枯萎了。也是唐代女性在与恋人分手后，通过《鸾歌》表达的思想。
所以，就连唐代的一些女性也给鸾镜带上了一种“封建迷信”的玄学味道。他们用镜子占卜，称为“镜卜”或“镜听”。
唐代诗人王建曾根据唐代妇女“镜中听”的现象，写出《镜中听言》。“当你和一面镜子结婚时，会有很多摩擦，而丈夫则通过它旅行。”
它通过《鸾经》清晰地刻画了这些唐女的模样，通过她们洞察到了恋人的现状，表达了对恋人的思念和永远在我心中。
罗示意图
是初唐四杰之一，也不算太远。《鸾经》年，他留下一句诗，“龙标不报，明镜倒”。
然而，这些案例只是唐代“鸾镜”相关诗歌的冰山一角。但唐代诗歌中的每一面“鸾镜”，无论艳丽、婉约、浪漫还是悲凉，几乎都承载着唐代女性对恋人、爱情或离别的渴望。
相信大家不难发现，它就是唐代无处不在的“鸾镜”，没有情感特征。在这些唐女的心目中，它似乎是她们感情生活的载体，是她们与恋人之间的“信物”。用“一面镜子，一种爱”来形容这种文化特征并不为过。
那么是什么让这些普通的“鸾镜”如此“不一般”呢？
化妆镜示意图
“銮镜”的由来
说白了，“鸾镜”终究是一面普通的铜镜，还是一面以“夫妻纹”为主题的铜镜，在古代也被称为“化妆镜”。如果放在现代，只是现代女生梳妆台上必不可少的“化妆镜”。
但在古代，没有先进的玻璃精炼技术，没有先进的化学“银镜反应”理论，更没有先进的电镀技术。
所以没有办法用“汞”和“锡”做“汞玻璃镜”，也没有办法用“银”或“铝”做“电镀玻璃镜”。
在古代，人类只能以“水”为面，即以“水”为镜。随着时代的变迁，人们开始使用青铜器后，不方便与水相对，于是进一步按照“虑水”的思想制作“铜镜”。——庄子
盛水的“铜盆”示意图
这里的“鉴”并不是我们现代通常所说的“鉴定”、“评价”、“欣赏”。按照《女道士王赠道士李融》的解释，这里的“简”应该是指“盆”，也就是“铜盆”。
所以“镜”的起源其实是基于古代的“盛满水的铜盆”，把水去掉，只留下盆。然后在建造的时候，特意把铜盆的边缘去掉，只留下“盆底”，再用“铅锡”打磨，使其发亮。
然后随着封建制度的更新和重复，生产力的不断提高，栾镜象的质量和产量也有了质的飞跃。就像我们现在的镜子，已经成为人们家中不可或缺的东西。
铜镜文物说明
但是，无论是历史渊源，还是镜子的制造工艺，显然都和现代的镜子一样稀有和常见。基本上没有理由拿这么一面普通的镜子当信物。
就像我们是现代人，谈不到男女分家的时候，让他们每天多照照镜子。可以想象场景会是什么样子。
这就意味着，《唐女传》用“鸾镜”作为“感情生活”的载体，一定还有别的原因。准确的说，这个原因不是“鸾镜”，而是“鸾镜”镜框或者背面的“夫妻纹”。
鸾鸟画像插图
《鸾歌》体现了唐代女性情感生活的精髓。
《说文解字》，《山海经》记载：“西南三百里女儿山有鸟，如翟、鸾，天下太平。”
《西山经》年，“鸾鸟，”也被记录了下来。换句话说，同样是“鸾鸟”的凤凰的神话特征，使得它在传说之初就有了不同的含义。再加上古人普遍的封建迷信，使得“鸾鸟”逐渐从古人虚构的人物演变为“吉祥”的象征，具有一定的象征意义。
此外，由于凤鸟也属于凤凰，随着时代的变迁，人们开始对凤凰另起称呼，夫妻，用“夫妻和睦”来表达夫妻之间的和睦。
但因“凤帝，灵鸟任锐也。如果男性是“凤”，那么“鸾”自然成为隐喻“美”的最佳载体。——《诗大亚湾卷》
如唐代诗人陆褚在《广雅鸟释》中描述，“今幸为秦晋所用，教夫妻早上妆楼。”这无疑是用“鸾”比喻美的真实体现。
双鸾题葵花镜示意图
因此，由于“夫妻”独特的象征意义，成为唐代最常见的装饰图案，体现在服饰、铜镜、石雕、金银器皿、玉器等诸多物品上。就像陕西历史博物馆里的“双鸾花镜”、“双鸾飞镜”、“双鸾花镜”一样。
简而言之，《鸾镜》承载了唐代女性情感生活的精髓，但实际上它是“夫妻模式”的一种独特形式，它的神秘起源，以及由此衍生出的一系列吉祥寓意，如长寿、吉祥、平安、爱情、幸福等。
正如唐代诗人李群玉在《补妆》中所描述的“我见过双熊舞镜，对联飞迎春”，这无疑是“夫妻模式”下唐代女性情感生活的真实写照。
古代新娘插图
比如前面提到的“结婚摩擦多”这句话，正是因为“夫妻”这种吉祥的象征意义，使得女性在封建时代结婚几乎是必须的。作者之所以要说《镜中之恋》，也是这个原因。
夫妻题材的鸾镜，在当时是很容易买到的物品。它比衣服等易损物品便宜，更适合长期保存。通过鸾镜自然成为了普通女性追求幸福爱情和婚姻的首选。
毕竟金银之类的东西太贵，一般的唐女买不起；石雕比较少见，大部分人没有雕刻技术；即使不穿衣服，时间久了也难免会有一些损伤，不是吗？
唐代人物画素描图
唐代女性较少受到封建礼教的束缚。
此外，受唐代繁荣、开放、自由等因素的影响，唐代女性的社会地位在封建时代是独一无二的，很少受到“男尊女卑”的封建礼教的影响。
她们可以抛头露面，走出闺房，走上街头，自由出入公共场所，像当时的男人一样参加各种娱乐和社交活动。
当然，对于男女之间的交往，自然不同于封建时代的大多数政权。甚至有很多女人直到新婚之夜，也是第一次看到自己的老公长什么样。
正如中国国家博物馆学术研究中心原主编高在《伤逝》一书中所写，“未婚女子私交甚好，
唐朝的女人，从名门千金到闺中淑女，田间村妇，几乎所有女人都能大胆向自己的“白马王子”表白。她们追求爱情和婚姻的自由，表现了唐代封建时代女性特有的勇气和主动热情。
然后因为这种丰富多彩的“感情生活”，产生了爱情、思念、离别、悲伤等一系列感情。当然，他们需要找一些能让他们放下情绪，然后倾诉寻求安慰的事情。
在这种背景下，《鸾歌》走进了唐代每一位女性的视野，通过张扬、婉约、浪漫、悲凉，成为她们“感情生活”的“表征”。
古人之所以将鸾镜一分为二来象征夫妻分离，或者用二次轮回来比喻夫妻团圆的做法和观念，其实正是因为鸾镜在时代的发展中逐渐具有了这种特殊的“文化象征意义”。
国防情报局要求照片插图。
它不再是一面普通的镜子，而是一种文化符号，标志着古代女性的“爱情观”。这是一个可以将他们的“爱”流传千古的“永恒纪念品”。从这个角度来说，并不比象征永恒爱情的Dia差。当然，这里不谈价值，只谈意义。
结束语
《鸾镜》是这样的。它与“夫妻模式”有着千丝万缕的联系，成为唐代女性情感生活的载体。它的功能不再像现在女生必备的“梳妆镜”，只是照照镜子，它还起到了“象征性”的社交功能。
正是因为这个原因，无数古代诗人才能给后人留下许多脍炙人口的诗词歌赋，成为我们探寻古人生活轨迹和情感生活的渠道之一。
俗话说“凤凰离恨，百岁心难忍。若弘子遇隋朝，破镜无故重寻。”也许每一面流传至今的《鸾镜》背后，都有一个古代女子美丽优雅的爱情故事。——“笔红耳实”
声乐艺术中情感表现研究
在声乐艺术表演的过程中，情感占据了重要的分量，情感对于声乐艺术的表达效果具有非常重要的影响。
摘要： 声乐艺术在表达的过程中，往往受到演唱者个人的情感以及演唱风格等多种因素的影响。声乐作品中的情感表达具有丰富性和复杂性的特点，在声乐作品的表演过程中情感的表现对于声乐艺术的演绎效果具有直接的影响。因此应当重视对情感在声乐艺术中的表现的研究，不断地增强情感表达的效果，提高声乐艺术的表现力。
关键词：情感;声乐艺术;表现
在声乐艺术的表现方面，虽然表演技巧和动作对于音乐作品的演绎具有比较重要的影响，但是在声乐艺术表达的过程中，不能忽略了情感因素。情感是声乐艺术的灵魂，声乐艺术也是情感艺术，它的目的就是为了表达和传递情感，引起观众的共鸣。在声乐艺术表演的过程中缺少了情感，就会使演唱的过程做作，缺少人情味。这就要求演唱者在表演的过程中重视情感在声乐艺术中的表现，赋予声乐艺术应有的灵魂，只有这样才能达到比较好的效果。
一、情感在歌唱艺术中的重要性
在声乐艺术表达的过程中，情感具有重要的作用，情感对于歌唱者的水平具有比较大的影响。声乐艺术通过声音的表达来感动观众，打动人心，如果在歌唱的过程中没有情感上的张力，那么也就难以真正地展现出歌唱艺术的魅力。情感贯穿到了歌唱的全过程，它对歌唱具有发动、引导以及维持的作用。情感的存在要求歌唱者在演唱的过程中全身心的投入到其中，要求表达出歌曲本身的情感。情感对于歌唱的效果具有直接的影响，它要求歌唱者能够主动地控制和把握自己的情感，满足歌曲情感表达的需要。声乐艺术作为一种比较特殊的艺术，它需要通过声音来表达，因此声音中的情感成为了声乐艺术中比较独特的特点。试想当歌唱者在演唱的过程中没有投入丝毫的情感，在表演的过程中如同行尸走路一样，那么给观众的感觉是味同嚼蜡，没有艺术上的美感，也体现不出声乐艺术的魅力和价值。在声乐艺术中，声音、情感和语言是其中重要的要素，在现实中经常发现，同样的歌曲不同的演唱者表达的效果不同，这主要是由于歌曲演唱者表达的情感不同，一些情感表达丰富的演唱者能够很好地打动观众，在情感上产生了共鸣，最终得到了观众的认可。当歌曲中少了情感的因素之后，声音就变得苍白无力，歌唱艺术也就失去了灵魂。情感对于歌唱艺术的表达效果具有重要的促进作用，因此在演唱的过程中应当重视情感的表达。
二、增强情感表达的途径分析
(一)恰当地应用联想
联想对于声乐艺术的情感表达具有重要的促进作用，在声乐艺术的创作过程中往往包含了丰富的联想。对于表演者来说，通过联想可以体会到歌曲的内在涵义，能够了解到歌曲的形象和意境。通过引入联想，能够使演唱者从情感出发展开丰富多彩的'想象，使演唱者在情感的准备上能够不断地贴近创作者的创作意图。音乐作品来自于生活又高于生活，它是对生活的浓缩，音乐作品往往蕴含了丰富甚至复杂的情感。通过联想能够帮助歌唱者了解到音乐作品的背景，能够了解歌曲所表达的意义。在联想的帮助下，能够使演唱者不由自主地沉浸到歌曲的意境和氛围中，从而表达出歌曲本身的情感。例如在演唱民歌《茉莉花》的过程中，往往能够使歌唱者进入到茉莉花的氛围中，似乎真的花朵就在眼前晃动。通过这样的联想活动，能够使演唱者和观众都受到感染和感动，这就要求演唱者具有一定的情感准备，只有这样才能更好地呈现出音乐作品本身的面貌。
(二)合理地调节演唱中的情感
几乎所有的声乐作品都包含了情感，都需要进行情感的调节和控制。演唱者在演唱的过程中往往会不由自主地带入自己的情感，但是当这种情感不符合歌曲作品本身情感表达的需要时，就需要及时地进行调节，使演唱者的情感和歌曲的情感能够相互匹配，最终融合在一起。歌曲中的情感能够给观众带来喜悦，也可能会让观众感受到痛苦。声乐作品中的情感表达和诠释常常会受到演唱者个人因素的影响，导致声乐作品难以得到比较好的表达效果。在情感融入到声乐艺术的过程中，过多、过分的情感都无益于歌曲的表达，在这种情况下，就需要演唱者按照作品本身的情感需要来调节个人的情感。同时在听一首音乐作品中情感变化可能比较快而且比较复杂，这就需要演唱者具有比较高超的情感调节能力，能够适应不同音乐作品的需要。
(三)正确地控制演唱的力度
演唱的力度对于情感的表达也具有比较大的影响，在演唱的过程中不同的力度所表达的情感不同。一些演唱者在演唱的过程中没有重视力度的控制，或者在力度控制方面能力不足，导致演唱的过程中情感表达混乱，失去了声乐艺术本身应当具有的魅力和乐趣。力度表现出了音响强弱的程度，力度也是声乐艺术表现的重要方式，它能够表达出丰富的情感。在声乐艺术表达的过程中，当力度越强时，往往情感也显得越急迫、雄壮;但是当力度比较弱时，往往情感的表达时比较委婉。力度常常与速度等结合在声乐艺术中使用，往往能够表达出歌曲的情绪，能够给听众带来不同的艺术感受。通过恰当地应用力度，能够表达出声乐艺术独特的韵味，表达出独特的情感效果。
三、结语
在声乐艺术表演的过程中，情感占据了重要的分量，情感对于声乐艺术的表达效果具有非常重要的影响。在声乐表演的过程中，需要将声音和情感很好地结合在一起，只有这样才能增强声乐艺术的感染力，才能使声乐艺术充满了动感，使声乐艺术有了灵魂。在情感表达的过程中，应当从力度等方面着手，掌握情感表达的规律，最终表达出歌曲本身的味道，引起观众的共鸣，增强声乐艺术的表达效果。
参考文献
[1]孟宪旭浅谈情感在声乐艺术中的作用[J]中学课程辅导(教师通讯)，2015，20
[2]郑霞论情感抒发在声乐技巧中的表现[J]黄河之声，2013，22
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