让寻常的风景焕发光彩 —— 杨先行油画创作解析

      在美术创作中，题材选择的重要性不言而喻，给予充分的重视也是无可厚非，但这些年来，随着主题性创作的大加提倡，这种重要性被庸俗理解，层层加码，似乎成为画作主题表现的同义语，成为参展和获奖的必备条件。于是，那些直接对应热门主题的热点题材，那些得到主流意识形态推崇的亮丽风景，一时门庭若市，应接不暇。然而事有例外，任凭各种迷人的景致从眼前飘然掠过，杨先行的油画创作却始终视而不见，不为所动，我行我素，好似在说“你热闹你的，我画我的”。在他看来，题材选择固然与画作的主题表现不无关联，但绝非决定性的因素，反过来说，如果只是想着怎样去蹭题材的热度，画作呈现出来的精神内涵必定是浅表的、花里胡哨的。从另一方面来看，题材选择又不仅与精神内涵的表现相互关联，还与个性风格、技法语言等诸多要素息息相关。所以，杨先行的创作题材避开了众多同道趋之若鹜、乐此不疲的热点，更多地关注和亲近平淡无奇的、抑或是即将逝去的寻常风景。

      比如，因为写生教学的需要，杨先行曾经连续20多年前往徽州。面对春花秋月的山川风光，以及烟火万家的村落和粉墙黛瓦的民居，他感到这么多年来，无数画家都在画，都在赶所谓地域文化特色这趟车，还是不凑热闹为好，于是另辟蹊径，热衷于收集徽州小马车与马夫们的相关素材，后来画成《徽州小马与马夫》系列。因为徽州小马车是当地人的传统运输工具，随着机械运输的普及，现今变得相当稀少，以至于很多人看了，竟然不知道取材于徽州。再比如，上个世纪70—80年代，那时没有建造芜湖长江大桥，每天都有成千上万的旅客经由无为二坝（现属芜湖市鸠江区）渡江，面对江边的景色，其中不乏画家身份的旅客们大多熟视无睹。只有杨先行，作为匆匆过客的一员，在渡江的循环往复中关注到这里的江滩、江上往来的渔船和船工、曾经在这个交通要塞来回轰鸣的火车渡口和汽车渡口。90年代末，他带着相机来此收集素材，此后画出《江滩》系列，《船工》系列以及《废弃的火车渡口》、《废弃的通向渡口的铁轨》等作品。又如，《泳者》系列多次入选《中国百家金陵画展》，还入选过第八届中国北京国际美术双年展、第十三届全国美术作品展，堪称杨先行的油画代表作。但就题材选择而言，海滩度假则是许多画家非常熟悉的寻常风景，只是别人没有感受到其间的闪光之处，他却感受到了。

      关于创作题材，杨先行在他的《艺术杂感》中表达过自己的理解：“一切可视的事物都有可能成为我们绘画的题材，没有必要跟风，去遥远的地方描绘异域风情，最美的东西也许就在你身边、就在你心中。”基于这样的理解，对于那片看上去并无不同凡响之处的二坝江滩，他从安静中捕捉到某种声响，从天然淳朴中感受到急切的诉说欲望，进而在他的画面上，江边的树林、草丛、晨雾和停泊的渔船，无不洋溢着难以言表的诗意。从上个世纪末收集素材，到这个世纪初画成油画作品，这段时间，中国发生了狂飙突进的城市化进程，而随着这个进程，宁静质朴的田园牧歌和江岸船歌正在受到挤压，显得断续、破碎，不再完整。杨先行此时创作的《江滩》系列，让我想起两百年前的法国巴比松画派笔下的枫丹白露森林，那里没有遭到城市化进程的冲击，仍然是城市中逐渐消失的纯洁净土。反复寻味这些画作，可以在科技的进步中找寻珍贵的原生态记忆，可以在社会的变革中进行城市、乡村命运共同体的深入思考。再看《泳者》系列，画面呈现出城市生活的另种侧面，那些再也平常不过的游泳爱好者们，或者做着入水前的准备动作，或者刚从水里上来，享受着搏击海浪之后的轻松和愉悦。但是，这种平常蕴含着深意，当我们被总是闪烁着霓虹灯、回响着手机铃声和汽车马达声的都市场景裹挟的难以脱身时，转而亲近这些泳者，多想把节奏放缓一些，多想把眼光拉长一些，多想与他们一起，共享面朝大海、春暖花开的岁月静好。

      原本是我们身边的、司空见惯的生活现象和自然现象，经由别样视角的审美观照，便可能成为独具审美价值的创作题材，这是《江滩》系列、《泳者》系列给出的创作启示。杨先行擅长此道，还表现为深切关注那些正在远逝的、甚至很快就要消失的风景，就像《徽州小马与马夫》系列。杨先行非常清楚：“这些小马夫的后代，或正在读书，或是正在忙着其它工作，他们以后会接过父辈手中的缰绳和马鞭吗？我想，在这现代化城市化进程快速发展的时代，答案会是否定的。”他明明知道，随着现代化运输工具的不断涌现，徽州小马车和马夫的历史使命已经终结，却忍不住还是喜欢怀旧，还是喜欢追忆，还是被这些马夫们身上所散发的朴实无华的美感所深深感动。实际上，杨先行在画作中表达的情绪，又不是单纯的怀旧，或者追忆，而是很复杂、很纠结的惋惜和留恋。可以想象，在“八山半水半分田，一分道路和庄园”的古徽州，交通运输是何等的艰辛劳苦，又需要怎样的吃苦耐劳，马夫们看似平凡，实则为地域发展做出过重要贡献，他们的平凡行为中体现出来的负重前行、不屈不挠等精神内涵，将会在现代化进程中继续发挥着重要作用。还有《惠安女》系列，可谓与此异曲同工。对于惠安女这道愈行愈远的民俗景观，杨先行当然关注到了她们的美丽着装，但是更为关注的，则是她们的健美身姿和勤劳禀性。在画面上，惠安女正在从事渔业劳作，总是与渔船、渔网和渔篓亲密相伴，那些极富特色的传统服饰所包裹的，是含辛茹苦的高尚品质，永远不会过时。我在欣赏上述作品时，总能联想到著名女诗人舒婷的同名诗作里的句子：“你把头巾一角轻轻咬在嘴里，这样优美地站在海天之间，令人忽略了你的裸足，所踩过的碱滩和礁石，于是在封面和插图中，你成为风景、成为传奇。”

      如前所述，让平淡无奇的、或者即将远逝的寻常风景焕发光彩，源自于直面这些风景时的深刻认识，以及当这些风景作为创作题材之后，对其间的内在意蕴的深入发掘。另一方面，杨先行所具备的精深艺术造诣、所掌握的极为娴熟的绘画技巧，足以熟练处理各种造型因素和审美关系，形成了个性突出、风格鲜明的油画面貌，也是使得寻常风景、平凡题材能够熠熠生辉的重要原因。例如，我们都能体会到，杨先行笔下的油画形体极其概括简练，特别是塑造人物形象时，无论是都市海滩的泳者，还是无为二坝江滩的船工、徽州的马夫，都会舍弃琐碎细节的描绘，用酣畅、豪放的大块笔触加以表现。他很赞赏罗马尼亚画家科尔纳里乌·巴巴的见解：“绘画作品首先应当引起联想，少加描绘。”所以，即便是刻画人物面部，他也不像大多画家那样，为了充分表达情感，专注于眼睛的细致勾绘，往往只有寥寥几笔的非常简化的处理，有的人物甚至没有画上眼睛。他的不懈追求是，在画与不画之间，提供更多的深思和联想；借助概括性与丰富性的艺术辩证关系，渲染这些人物身上闪耀的绚丽光彩。又如，我们还能体会到，杨先行的创作呈现出线条较为硬朗、色彩较为单纯、空间分割和组合带有平面化的构成倾向等特征，形式感较强，萦绕着现代气息。他所以这样画，或许要表达一种既往与未来相互衔接的良好愿望：徽州的马夫也好，闽东南的惠安女也好，无为二坝的平静江滩也好，江滩上那些已然废弃的火车渡口、通往渡口的铁轨也好，应当都属于既往，带给我们“追忆逝水年华”的感慨，与此同时，当它们被置入颇具现代意味的画面里，似乎又在滋生新意，又在闪烁着启迪未来的光华。

      杨先行早年读大学时主攻中国画，毕业后改画油画，这种经历影响了他的艺术思维，也影响了他的创作取材和技法。因为画过中国画，所以熟悉传统绘画题材及其包孕的美学观念，后来学习油画，近年创作常常取材于本土的山水画和花鸟画，却用油画语言表现出来，进行油画民族化的尝试，《云山图》系列和《芭蕉》系列都是这种尝试的可喜成果。前者采取干画厚涂手法，突出油画媒材的粗砺、厚重的肌理特质，画面上的传统山水显得更加大气磅礴、浑厚华滋；后者则采用薄涂画法，用松节油稀释颜料，让油彩在画布上自然流淌，同时用笔顺势画出芭蕉叶的意象形态，画面上的传统花鸟显得更加意境悠远、意趣横生。而在思想发现方面，舶来绘画语言与本土绘画题材相互叠加，使得这些常见题材的内涵得以扩张和放大。原本，中国的古人描绘可以行旅、栖居、获取精神慰藉的山水世界和花鸟世界，是要表达寄形自然、卧游山水的深厚情结。如今，大自然得到过度开发，保护地球，保护生态环境，已成为刻不容缓、迫在眉睫的重大现实命题。此时此刻，杨先行融合了东西方绘画元素，泼洒出纯洁无瑕的美好画卷，从中寄托着全人类的共同愿景，愿山岭青翠，江河澄澈，花影婆娑，鸟儿欢歌，愿我们的家园永远惠风和畅，生机勃勃。

                                2022、2、12、

《生活的欢乐》也许是马蒂斯漫长的艺术生涯中最重要的作品。这幅画，比他的其他作品更为清楚地体现出野兽派绘画的特质。画中平涂的色彩、弯曲起伏的线条以及那些富于原始稚趣的人体造型，显示出高更的影响。甚至连画中的主题——人在大自然中的生活状态，也让人联想到高更在塔希提岛所向往的那种理想生活。其实，这幅画直接源于马蒂斯1905年夏季在西班牙边界附近的柯里欧尔渔村的生活，它同时也与多少世纪以来一直在欧洲人头脑中萦绕的，摆脱尘世丑恶与烦恼的神秘乐园——阿尔卡迪亚乐土的古老梦想，有着极为密切的联系。 在这幅画上，马蒂斯描绘了他汜忆中柯里欧尔附近森林中某个空旷·地的景色。画面的远景是深蓝的大海，近景的海滩及草地上，点缀着各种姿势和动态的人体。画中人物的造型．让人联想起希腊瓶画上的人物形象，以及修拉的《大碗岛上的星期天》中倦怠无力的巴黎人的姿态，这幅画看起来象足信笔勾画．实际上却隐含着画家对于欧洲造型艺术中古老传统母题的深刻理解。画中的一个个形象，使人联想起一长串欧洲画家笔下酒神巴克斯狂欢闹宴的画面——从贝尼尼、提香，到鲁本斯、普桑，再到华托及安格尔。　 这幅画的富于革新性的地方，是对形象的高度简化的处理。早在马蒂斯在莫罗的画室做学生的时候，他的老师就对他说：“你是为简化绘画而生的。”在这个画面上，凡是可以简化的东西，都已被马蒂斯彻底简化了。他舍弃了对形体繁琐的刻画，放弃了明暗和体积的塑造，。所有形体都以平涂的色面和几笔轻盈流畅的曲线来表现，似乎对人们讲述着绘画的真谛：绘画，就是在一块平面上，有韵律地安排线条和色彩。画中扭曲的形体与蜿蜒起伏的曲线，显示出与新艺术运动的某种联系；在画面的最左边，那个被常春藤所缠绕的、水蛇形的女人体，看起来不象一个人而更象是一座新艺术风格的台灯；而右边前景的一对拥抱、热吻的情人，则似乎是共有着一个头部。画中的色彩也得到厂自由而简化的运用。画家将自然物象杂芜的色彩进行高纯度提炼，并将平涂的色块根据某种内在的需要进行组合、对比，使之产生音乐般的节奏。画中纯净而明亮的色彩，表现出画家的精神世界与自然的内在和谐。 这幅画充满着抒情性，反映了马蒂斯绘画的表现主义倾向。马蒂斯曾说：“我所追求的，最重要的就是表现”。而对所谓的表现，他解释道：“表现，在我看来，并不是由人的面部表情，也不是通过一个强烈的动态所反映的激情所组成。我的画面的整个安排是富有表现力的。人物或物象所占有的地位。他们四周的空白，比例，都起着作用。所谓构图就是把画家要用来表现其情感的各种因素，以富有装饰意义的手法加以安排的艺术。”(赫伯特·里德著《现代绘画简史》．上海人民美术出版社，1979年，第25页)。在这里，马蒂斯其实是要通过色彩、线条、形体来组织一个传达着某种欢快情感的画面。对他来说，那些绘画性的要素给他带来无穷的快意，他要将那种令人喜悦的清新感通过他的画传达给观众

　　70年代后期，詹建俊沿红军长征路写生，画出不少风景与人像画的佳作。“文革”结束后，詹建俊的艺术创作进入旺盛时期，所创作的作品流露出一种经历风雨后的人生感悟和高尚的道德情操，呈现一种平静淡定的人生柔情和积极向上的健康的人生态度，而《回望》就是此类代表之一

1、色彩的情感表现色彩的情感表现色彩的情感表现色彩的情感表现 在一幅画中，最能体现画家情感的是色彩的变化。如果说画家的情感表现是一幅作品的灵魂，那么色彩就是绘画手法中的灵魂。画家的绘画创作目的就是用作品来表达自我的情感，那么只有通过对事物的色彩研究、总结、归纳，才能完成这一创作目的。 在画面中，体现的往往是高兴的或悲剧的。爱德华·蒙克的作品体现的就是浓重的悲味，在他的作品中给人的感受往往是压抑的、悲惨的，在画面中有一种类似被抽干血肉的干尸或骷髅的感觉，他们像幽灵一样在画面上晃动。而他通过使用纯度较高的亮色与暗色的混合使用强化了这种感觉，使作品带有鲜明的个人情感。 在色彩情感表现的世界里，最具有代表性的就是毕加索，他的一生是可以用颜色总结的：忧郁的蓝色时期、快乐的玫瑰时期。在孤独无助的蓝色时期中，其所创作的作品中最具代表的是《人生》，以浓郁的蓝色调表示贫老与孤独的苦难；而在玫瑰时期的作品，画面人物表情虽依然冷漠，却已注重对和谐美感与细微人性的关注。整体除了色彩的丰富性外，又已从先前蓝色时期那种无望的深渊中抽离。摒弃先前贫病交迫的悲哀、缺乏生命力的象征，取而代之的，是对生活充满了兴趣、关注及信心。 所以我们在表现中，就要利用色彩的冷与暖、厚与薄、亮与暗寻找色彩的象征性和表现性，使其描绘的对象具有象征意义，让它们产生精神上的含义。

2、线条的情感表现线条的情感表现线条的情感表现线条的情感表现 线条的情感表现是多样性的，曲线表示优美，直线表示刚强。而在油画创作的世界里，线条的作用也是多样的，对于写实油画而言，线条服务于造型，更多的是一种辅助的效果，而对于表现性油画创作中，线条则是情感的抒发，在画面中也更加的具有独立性、生动性。 在创作中线条的应用中，概括来说，可分为两种：一是线条情感的艺术表现，二是线条情感的自然表现。两者是有着本质区别的:第一，线条情感的艺术表现是为了更好地服务画面效果，不会毫无顾忌地使用线条，在使用线条的时候更加具有目的性。而线条情感的自然表现则是更加随心所欲一些，他表现的是画家创作过程中的心理反应，也许当时线条的应用只是一丝丝的灵感，而恰是这一丝丝的灵感，创作出一个遐想的空间。第二，线条情感的艺术表现是丰富的、细腻的、繁琐的，也许会有一些共性的东西。而线条情感的自然表现则是单调的、狂野的、简洁的，拥有更多的是作画者的个性展现。而在创作过程中，只有把艺术表现与自然表现更好地融入在一起，才能创作出拥有自我真实情感的作品。 奥地利表现主义画家席勒，他的作品受蒙克、克里姆特等人画风的影响，注重线条的表现是席勒作品不同于其他艺术家作品最明显的标记。席勒的绘画作品充满灰暗、焦虑、扭曲、痛苦、让人感受到席勤的生命始终笼罩着死亡的阴影，极具艺术表现力的艺术语言和充满震撼力量的线条，使得艺术家的内心真实情感和对人生的感悟跃然纸上。他的作品《死神与少女》、《自画像》、《干洗房》等以扭曲的人物造型、神秘的自然风景表达对人类生存、对生与死的思考，运用颤栗紧张的线条和夸张变化的色彩加强感情的力量，致使画面笼罩着一种痛苦、憔悴、紧张和性压抑的气氛，体现出强烈的表现主义精神。

3、创作内容的创作内容的创作内容的创作内容的情情情情感表现感表现感表现感表现 如果说色彩是画面的灵魂、线条是画面的骨骼，那么创作内容就是画面的血液，时刻流淌在画面的每一个角落。只有选择正确的、合适的内容去表达，才能够在创作中表现出自己的真实情感，心甘情愿地为创作去付出、去思考。 在创作内容的选择上，往往有两种误区：一是“题材决定论”就是认为在创作题材的选择上，只有表现重大题材的艺术创作才具有崇高的艺术价值；表现平凡题材的艺术作品只能具有平凡的艺术价值。这是不正确的，它否定了油画创作的表现性和多样性。达·芬奇认为艺术可以表现任何题材。他说，宇宙中存在的一切，不论是可能存在、实际存在还是在想象中存在的，都能出现在艺术家的“心里”,“然后移到他的手上”，称为艺术作品的题材。其次，题材不能决定作品艺术价值。18世纪的英法艺术家认为，“历史画”是高贵的，“肖像画”、“静物画”、“风景画”是低贱的，这是不对的。19世纪德国画家马克斯·李卜曼有句名言：“画得好的白菜头比画得坏的圣母头更有价值。”艺术作品的价值，不完全取决于画什么，而是看画家的综合素质和在创作中所投入的真实情感。 二是“题材无差别论”，认为题材仅仅是艺术家表达思想感情的媒介，对艺术作品是无关紧要的。克莱夫·贝尔说，艺术作品的题材，如“叙述性绘画”，具有“历史方面价值的画像”，乃至连环画中所讲的动人故事都是非艺术因素，“不仅不能唤起审美感情，反而会影响它和干扰它”。这种观点是错误的，题材在艺术创作中不具有破坏干扰作用，也不是无关紧要的，题材在一定程度上制约着艺术作品的价值，只有符合时代背景下的艺术创作，才能更容易地唤起自身的情感，将之描绘在画布上。董希文的《开国大典》、达维特的《马拉之死》等题材都是一定程度上体现了作品的价值。 总之，创作内容在艺术创作中的作用是很重要的，它是构成艺术作品必不可少的内容之一，也是表现画家情感的基础，只有拥有好的创作内容，才能呼唤起画家对创作的兴趣和激情。

摘自赵君超、马信中《浅谈油画创作中的情感表现》，希望对你有用。

一、首先是构图观察方面

注重构图,强调风景技法中的色调、空间透视和人与景的协调性;强调风景写生中远景、中景、近景以及天空、树丛、竹

、

林、农舍、建筑、植被和水景等景物正确的观察和表现能力。无论是色彩关系、素描关系、造型结构、细节刻画等都要表现出季节、气候、时间关系、空间深度等时空因素。这些专业性的东西想必不需要多说，只要多注意就可以了

二、其次就是色彩的问题

画面色彩常常出现脏，发黑发灰的毛病，画面色彩上的问题是色彩关系不对造成的。大的色块不分明，过多看到局部小的变化，这样在画面上必然出现繁琐，杂乱的状态，局部色彩变化过多，反而相互抵消了。画时油与色调的过多过杂，或者在画面上反复的过多（和泥）致使色块失去应有的倾向及纯度。因此用色不注意量及纯度的调和，很容易造成色彩变暗，即使局部色没调在一起但由于相间的色用得过杂，在远距离看，形成三原色的视觉混合，也呈现黑灰。首先是把握大色块对比，远距离看画，颜料不能调得过熟，可以抛到画上调。没有色调的画，只能是颜料的堆积，谈不到美感和情感的表达。油画这东西在于远距离的整体效果，如果只沉溺于细小的东西上，反而会是整个画面败掉。所以说画油画色彩感是很重要的能力，其次就是整体把握的效果。

三、最后就是一些情感的表达

油画风景表面上是色彩、造型、肌理、韵律、意境、氛围……的表达,但背后却是画家性格、观念、修养、心胸与思想的流露，就好比一个屠夫画慈悲的观音是永远画不好的，所以说画什么最好有个什么样的心态，画风景油画，最好把自己融入大自然，体会体会，对画的质量会有很大的提升帮助，同时也是你自己境界的提升

四、补充下

，当然，至于绘画的工具挑选携带不用我说了吧

打这么多字很累的

希望能解决你的问题，我也是美术生，嘻嘻嘻嘻

会发现西方风景油画跟中国山水画气势完全不一样，中国山水画表达出的感觉，会更气势磅礴一些，而西方的风景油画是一种委婉的表达方法，气势上会有所不同。

想要了解西方风景油画跟中国山水画的不同，首先就要了解一下他们之间的一些区别。可以发现西方的油画主要是以写实抒情类的方法为主，所以表达感情方面会更加委婉，在画画的过程中注重色彩以及光线，还有构图和整体的布局，通过这样的手法将想要表达的情感画出来。主要的代表画家有法国的油画大师，柯罗作品有风丹白露的森林。这位大师一直喜欢大自然，而且创作的景色多跟自然有关，并且终身未娶。

还有一位出名的画家是俄罗斯的画家，叫做西施金，主要的代表作品，有橡树林，这幅画主要是以写实为主。以及列维坦的湖边风光也是将画，展现的非常美妙，也有一些写意的印象派大师有莫奈的水中扶贫以及马奈的晨雾，主要是以光感光影的方法将油画展现出来。中国的山水画气势更加磅礴一些，而且画山水画用的工作和材料也会不同，中国画画用的是笔墨纸砚也是东方独有的一种特色文化。在画画的过程中主要的目的就是以山水写意，从而抒发作者的思想情怀。

最早的画以写实为主，最后通过演变变成了青山绿水或者是水墨画，主要的代表作品有宋代范宽的西山行旅图以及张择端的清明上河图这幅画，表达的景色又不一样，主要是当时社会蓬勃发展的景象。还有元江的蓬莱仙境，图有中国的山水画即是骄傲，一些景物勾勒的非常美丽，白雪时的漓江山水，还有傅抱石的三峡图卷和关山月的江山如此多娇，都是中国山水画的代表作品。

油画大致分为高、中、低档，但要如何鉴别就需要一定的欣赏水平了。由于油画的技法和表达方式多样，对于一个外行者来讲的确不太好分辨油画的质量。油画不仅是对本身的材料质量分等级，更重要是要看重一个艺术家的体现手法。有一点我相信大家都明白，同样的油画材料，由两个不同资历的画师同时绘画一个模特，其结果会截然不同，价格就更不用说了。 所以我们在购买油画时应多注意其画的内容、色彩、意境。其实油画的层次很多，现在我们大概分高、中、低三种档次来分析一下：低档油画主要是好几个画工以流水线方式制作完成，其表现手法单一，色彩简单。没有过多的内容可欣赏。中档油画是由有相当绘画经验的画师独立绘制的作品（就是一幅画从起稿到完成全是他一个人精心绘制完成的），其内容丰富，色彩逼真，有一定的风格，所描绘的对象非常生动。高档油画是由技艺相当丰富的画家、教授，全身心地投入绘制出来的作品。高档油画表现的不仅是形、色、技法，而是神。比如一幅高档风景油画，我们能从一幅画里看出当时画家作画时的环境是否晴、阴、傍晚、早晨、空气的湿度，当时的气氛，画家的心情等等。 所以，一幅高档油画是栩栩如生的。