浪漫主义的代表作家

威廉·布莱克

威廉·布莱克（1757——1827）。许多学者视布莱克为英国浪漫主义时代的起点诗人，从他开始，英国文坛进入一个思潮澎湃的时期。但有人表示异议，这是因为他在世时几近无人知晓，对同时代人无实质影响，其主要诗人地位是20世纪的学者确立的。其次，布莱克笔法奇异，不像华兹华斯那样以朴实、平直的语言代表现代诗风。尤其是布莱克热衷于建立特有的思想体系，他提出并能以不同的姿态玩味许多激烈而深刻的文思。

威廉·华兹华斯

威廉·华兹华斯（1770——1850）。评论家曾指出华兹华斯是西方抒情诗坛两大革新者之一（另一位是彼特拉克），也是现代诗的鼻祖。在文学史上，以他为主、由柯尔律治参与写成的《抒情歌谣集》被认为是文艺复兴后最重要的诗集，因为它在题材、风格、思想等方面启动了现代诗歌的创作。其诗歌创作可分为三个时期：1795年之前、1795——1807、1807年之后，这里的中间阶段是他的颠峰期。

塞缪尔·柯尔律治

塞缪尔·柯尔律治（1772——1834）。生于英格兰的德文郡，与华兹华斯一样，也是少年丧父，后去伦敦寄读十年，又去剑桥上学。虽为名校学生，却是酒、妓、鸦片无一不沾，时常情绪激烈……柯尔律治的代表作常被分为两种类型：一类是友情诗或他所谓的“交谈诗”，另一类是象征诗或神秘诗。前者大致包括《伊俄勒斯之琴》、《这个菩提树的荫棚》、《霜夜》、《沮丧》和《致威廉·华兹华斯》等。后者主要指《老舟子吟》、《忽必烈汗》和《克里斯特贝尔》等。

乔治·戈登·拜伦

乔治·戈登·拜伦（1788——1824）。拜伦现象是19世纪西方精神文化的重要内容之一。他体现了那个不朽时代的激情，代表了它的才智、深思、狂暴和力量；他那普罗米修斯式的孤独的反抗意志，在上个世纪欧洲人的精神生活中非同凡响，以致改变着“社会结构、价值判断标准及文化面貌”。（罗素）这个独立不羁的天才，有博大的政治家的胸襟和哲人的才智。他的气质敏感而暴烈，感情深沉而细腻。但他也是个放浪形骸的公子、虚荣傲岸的爵爷和孤高悒郁的自我主义者。他崇尚伟大的精神，向往壮丽的事业，却被黑暗的时代所窒息。他的心是伤感的，他的叹息充斥了整个生涯……别的诗人编织梦想，他却曾被认为是梦想的本身，在诗、行动、人格之间创造了一种独特的生命。他融入文学但又大于文学。他说两种情感即能限定他的实质：热爱自由，痛恨虚伪（政治的、宗教的、社会的、情爱的等），但他是个复杂的矛盾集合体：生来微跛，却爱四方漫游；身为贵族，充满等级观念，却又具有平民的反抗意识；他时而阴沉、焦躁，但更多时表现出和蔼、幽默或玩世的轻松；他崇尚自由，却坚守浪漫时代之前的古旧文体；他主观自信，却富有经验式的常识；他有强烈的男权中心意识，却常陷入他所谓的“女性思维”；他痛恨战争，但热衷于“争取自由的战役”。最后，他从物质和行动上投入战争，似乎是对他超越或毁弃文学文本而去用行动创造人生文本的诠释。

波西·比希·雪莱

波西·比希·雪莱（1792——1822）。《解放了的普罗米修斯》因体现其思想之精髓而在雪莱诗中占中心位置。该诗剧分四幕，写到了普罗米修斯的被缚与解放。该诗使雪莱的两大主题）——社会变革与人间情爱——交织互补，并配之以两条线索：普罗米修斯与朱庇特的善恶关系和他与亚细亚的分别与重逢。这两条线索由代表必然性和原始生命力的冥王来串连，由他来影响众神之命运，决定不同人物的胜败。这位埃斯库罗斯笔下的巨人吸引诗人，是因为他以美德抗暴，他基本代表完美人格，无私、无野心、无妒意，集人类灵智与永恒灵智为一体。雪莱写这首诗时不再过分强调外在变革，而更注重自我完善和爱的力量，不再涉及具体的政治自由，而聚焦于超然而又深厚的自由含意。因此，《解放了的普罗米修斯》实际是理念诗，旨在展现理想生活的幻景，提供宇宙新生的启示。相对拜伦的现实革命精神而言，雪莱的革命概念更具理想色彩，因而也更彻底，是对现有世界方方面面的哲学否定。“冬天如果来了，春天还会远吗？”即是雪莱对未来美好世界必将来临的预言，发人深省。雪莱还以抒情诗著称于世，继承华兹华斯的传统，以大自然入诗，《西风颂》、《云》、《致云雀》等作品，音韵铿锵，感情真挚，闪耀着深邃的思想光辉。

约翰·济慈

约翰·济慈（1795——1821）。第二代浪漫主义诗人都寿命短暂，济慈最令人叹息，享年仅26岁，却留下许多精美的诗篇，包括莎翁与但丁在内的巨笔在那样年轻时尚未写出相当水平的作品。就诗艺，有人认为他是19世纪最杰出的诗人，他不独属于浪漫主义，唯美派与颓废派都受到他的影响。尽管相对欧洲历史而言，济慈的影响力不及拜伦，但说到英国诗歌史，拜伦的声望则无法与济慈相比。与雪莱比较，济慈更愿以热心而冷眼的观者姿态绘制生活的戏剧画面，对在真实的生活中扮演各种角色的真人表现出艺术家的兴趣，他并不因至上的理想而厌弃有限的世事，而是以具体人间情感证实无限的存在。济慈在1818年的一封信中指出，华兹华斯较弥尔顿“更深刻。济慈发展了有关信念，认为人间是“造就灵魂的深谷”，除此无其他途径。有评论家认为，济慈的倾向是要发掘新的永久价值，他主要不是让我们相信世间充满苦难与压迫，而是让我们鼓足勇气接受这样一个事实：世界充满欢乐、健康、自由。这些都属于他人，但只要争取，也能属于我们自己。济慈思想与艺术的精髓就是让我们有勇气相信他人是幸福的，并能为此感到由衷的喜悦。

“哥特”是生活在罗马帝国东北边界的一个日耳曼部落。长期以来“哥特”与罗马帝国边界纠纷不断。公元376年该部落开始联合其他部落向罗马帝国大举进攻并于410年攻克罗马在城内大肆掠夺无恶不作。从那以后“哥特”便有了“掠夺、野蛮”的含义虽说他们后来撤离了罗马在法兰西和意大利建立了自己的王国。

自公元6世纪起“哥特”的含义逐步有了扩展人们开始用它来泛指日耳曼所有部落其中包括449年以后定居在英格兰的盎格鲁人、撤克逊人和朱特人而“哥特式”也成为指代中世纪欧洲文化的一个术语。 哥特一词最早源于日耳曼人的一个分支西哥特人4世纪后入侵罗马帝国并在法国和西班牙建立王国后来被用来定义那些未开化的野蛮人。

最早使用“哥特”这个术语的是英国广播电台节目主持人Anthony H Wilson 他同时也是Joy Division 的经纪人他曾经宣布Joy Division 乐队将作为一支哥特式的乐队而有别于其他主流音乐流行乐队。

希望能够帮到你。

徐畔

徐畔，女，1975年生人，哈尔滨师范大学西语学院教授、硕士生导师，上海外国语大学博士，哈尔滨师范大学文学院博士后。2009年度国家教育部高等学校青年骨干教师国内（上海）访问学者。英国索尔福德大学荣誉教授，中国文艺家评论家协会会员，省文艺家评论协会理事。主持国家社科基金项目1项，省哲学社科项目2项，厅局级、校级项目4项。出版专著、译著等6部，在CSSCI来源期刊和全国中文核心期刊发表论文10余篇。

中文名：徐畔

外文名：XuPan

出生日期：1975年

职业：教师

毕业院校：哈尔滨师范大学，上海外国语大学

主要成就：主持国家社科基金项目1项（在研）

主持省哲学社科规划项目2项

主要成就：参与国家社科基金项目项目2项

参与省教改项目1项

先后在CSSCI来源期刊和全国中文核心期刊发表论文10余篇

代表作品：译著：《远大前程》，《歌者的乐园》

性别：女

职称：哈尔滨师范大学教授

个人简介

徐畔，女，1975年生人，哈尔滨师范大学西语学院教授、硕士生导师，上海外国语大学博士，哈尔滨师范大学文学院博士后。2009年度国家教育部高等学校青年骨干教师国内（上海）访问学者。2012年获得哈尔滨师范大学青年学术骨干岗位，2013年度国家留学基金委青年骨干教师出国研修国外（英国）访问学者。英国索尔福德大学荣誉教授，中国文艺家评论家协会会员，省文艺家评论协会理事。主持国家社科基金项目1项，省哲学社科项目2项，厅局级、校级项目4项。出版专著、译著等6部，在CSSCI来源期刊和全国中文核心期刊发表论文10余篇

1998年7月至今工作于哈尔滨师范大学，从事教学科研工作。

教育及工作经历

1994-1998哈尔滨师范大学学士学位

2000-2003哈尔滨师范大学硕士学位

2009-2010上海外国语大学访问学者

2009-2013上海外国语大学博士学位

2013-2014英国索尔福德大学访问学者

2013-2017哈尔滨师范大学文学院博士后

1998年-至今哈尔滨师范大学教师

研究方向

莎士比亚十四行诗

英美诗歌

圣经文学

莎士比亚诗歌研究

MTI交替传译

科研项目

1，徐畔，黑龙江教育厅人文项目《现代性视域下的比较文学研究》(11532068)，项目起止时间:2008年7月-2009年7月，主持人，已结题

2，徐畔，哈尔滨师范大学青年学术骨干支持计划项目（人文社会科学类）《莎士比亚十四行诗》中的隐喻解读》(SG2010-07)，2010年1月-2012年12月，主持人，已结题

3，徐畔，黑龙江教育厅人文项目《莎士比亚十四行诗的隐喻解读》(12512159)，2011年1月-2012年12月，主持人，已结题

4，徐畔，黑龙江省哲学社科项目《当代西方新批评派“细读”式批评和经典重构中的英美女性短篇小说研究》(11E084)，2011年-2013年，主持人，

5，徐畔，黑龙江教育厅人文项目《拓扑心理学认知空间下的莎士比亚十四行诗研究》(1253b009)，2013年1月-2014年12月，主持人，在研

6，国家社会科学基金资助项目（2011年度一般项目），《深层回指的语篇表述理论消解失效问题及其解决研究》(11BYY113)2013-6-30，第3参加人

7，2011年教育部人文社会科学研究一般项目(青年项目)：当代视域下英国浪漫主义诗歌经典重构研究(11YJC752028)，2011-2013，参加人

8，黑龙江省新世纪高等教育教学改革工程,《汉英辅音系统及音韵处理的对比分析》，2010年-2011年，第1参加人，已结题

9，黑龙江省哲学社科项目,《以言取效与文本分析：文体分析的多维视角》(10D024)，2011年-2013年，第2参加人，

10，国家社会科学基金资助项目（2013年度一般项目），《二战后社会转型期美国诗歌流变研究》。

11，国家社会科学基金资助项目（2016年度一般项目），《“意象派”与中国诗学的精神交流研究》（项目批准号：16BZW016），项目负责人。

代表论文

1．中西诗歌比较---漫谈华兹华斯与陶渊明、徐志摩诗歌比较，2006年12月，《林区教学》，2006年第12期

2．美国后现代短篇小说的新模式与新话语，2007年1月，《黑龙江教育学院学报》

3系统论、比较文学和文学-浅析比较文学的跨学科性，2009年1月，《中美英语教学》（Sino-USEnglishTeaching）

4中西形体诗的多模态话语解读，2009年2月，《北京印刷学院学报》，第17卷第1期

5多模态话语分析视角下的形体诗研究，2009年6月，《杭州电子科技大学学报》(社会科学版)，第5卷第2期

6诗学视野中的隐喻认知立体透视，2011年7月，《外语学刊》（CSSCI来源），2011年第4期

7隐喻的文化解读与成人教育英美文学专业，《继续教育研究》（全国中文核心），2011年12月

8多模态视角下大学英语阅读课的构建，《素质教育》，2011年12月

9多模态视角中的高校英美文学专业课构建，《黑龙江高教研究》（全国中文核心，CSSCI扩展），2012年1月

10现代社会语境下女性的分裂---普拉斯《隐喻》中的困境，《学习与探索》（CSSCI来源），2012年第1期

11中国文化移入在华莱士·史蒂文斯诗歌中的体现,2012年7月，《外语学刊》（CSSCI来源），2012年第4期。

12拓扑心理学认知空间下的莎士比亚十四行研究（AStudyofMultidimensionalMeaningSpaceBasedontheMetaphoricalNetin"Shakespeare’sSonnets"），2013年3月，上海外国语大学博士论文。

13格式塔心理学与拓扑心理学视域下的莎诗解读，《学习与探索》（全国中文核心，CSSCI来源），2014年第3期。

14中国古诗词元素在华莱士·史蒂文斯诗歌中的移入现象研究，《文艺评论》（全国中文核心，CSSCI扩展），2014年第3期。

15史蒂文斯诗歌的中国画意境，《北方论丛》（全国中文核心），2014年第4期。

16口译员职业发展中的替代性创伤论略，《继续教育研究》（全国中文核心），2016年第11期。

17中国古典诗词与史蒂文斯的诗歌创作，《山西师大学报(社会科学版)》（全国中文核心），2016年第2期。

科研获奖

2011年12月哈尔滨犹太人历史研究，黑龙江省年鉴研究会，优秀成果奖

2012年10月获得“哈尔滨师范大学青年学术骨干岗位”，聘期5年

2013年2月黑龙江省第十五届社会科学优秀成果奖，青年佳作奖

2013年7月第四届哈尔滨师范大学“中青年教师优秀教学奖”

2016年获国家社科基金年度项目立项

2017年获黑龙江省归国留学人员报国奖

　　现代含义

　　而现在所说的哥特音乐，实际上是指哥特摇滚，这是在20世纪80年代才产生的一种音乐风格。这种风格与哥特一词的本意并没有什么关系，之所以称作哥特，是因为它借鉴了18、19世纪哥特小说中的恐怖、阴森的元素。

　　哥特摇滚的特点

　　一般来说哥特摇滚有如下特点：阴暗，颓废，冰冷，有恐怖的气氛，让人感到压抑和绝望，表现对死亡和黑色的向往，富有艺术气质。既含有精细的美感、又营造一种不协调的感哥特音乐觉。

　　哥特摇滚的起源

　　哥特摇滚的起源主要受两方面影响，一是七十年代末的后朋克运动，二是18、19世纪的哥特小说。

　　哥特与朋克的区别

　　哥特摇滚是朋克摇滚运动走向低潮之后的产物。哥特与朋克的主要区别如下： 1 朋克有着鲜明的政治主张，朋克希望能改变社会现状。而哥特是唯美、颓废的，哥特对政治不闻不问。 2 朋克认为社会现实是丑恶的，因此要去反叛它。哥特认为社会现实是丑恶的，因此要逃避它。 3 朋克与哥特世界观的不同，决定了它们音乐风格的不同。朋克音乐比较喧闹嘈杂，气氛比较热烈。哥特音乐则是冰冷、低调、厌世的。

　　哥特音乐中的复古倾向

　　哥特音乐中存在着复古的倾向，包括使用中世纪乐器，借鉴古典音乐，使用歌剧唱腔，歌词和取材都借鉴近代的哥特风格文学，等等。这既增强了哥特艺术的华丽美感，也进一步加深了其颓废空虚的程度。

　　歌剧唱腔的运用

　　很多哥特乐队(尤其是哥特金属乐队)使用了歌剧女高音的唱腔作为主唱或和声。但这并不是哥特音乐独有的特点，很多非哥特的音乐也会使用这样的唱腔。哥特摇滚的详细介绍

　　哥特是70年代末到80年代中期的后朋克运动的一个分支。它形成于地下，表现了摇滚最黑暗和阴沉的一面。哥特乐队也以戏剧化的服装和它的追随者(称为Goths)而闻名。音质上，哥特采取了阴冷的合成器效果，加工了前朋克的吉他声音使它们建造一种不祥之兆、悲伤的感觉，通常是很壮观的音响背景。在早期，它的歌词常常是自省和激烈的针对个人的，但是它诗歌般的敏感性很快导致品位转变到浪漫文学，宗教思想和超自然神秘主义上。 哥特通常不是严格意义上受欢迎的风格，被给予了一种华丽诗意的倾向，无情悲哀的挽歌和无止境的戏剧化。然而，它产生了投入的，仍旧兴旺的亚文化，使它的美学概念在最初音乐全盛期过了很久后一直存在着。哥特的教父是英国前朋克乐手Joy Division, 他的阴冷，偏僻，强迫性的自省音乐和歌词为哥特最初的结构打下了基础。但是对于所有的意向和目的来说，真正赋予哥特生命的是”Bela Lugosis Dead”，来自1979年Bauhaus的首张专辑。像the Cure 和Siouxsie & the Banshees这样阴冷的前朋克乐队已经在同一时期具备了完美的哥特风格，并且他们的重型音乐，恐吓的装容和黑色的服装成为了歌迷崇拜的一个重要的组成部分。当哥特的声望在某一片被青少年疏离的敏感区（最初是在英国，那儿是大部分哥特乐队起源的地方，其次是美国）蔓延开来时，它的意识风尚变得越来越古怪，并且最初的音色稍微有些发展了。 The Cure，Siouqwie & the Banshees和the Mission UK和成了更多流行和另类的成分在他们的音乐中，当the Sisters of Mercy, Fields of the Nephilim和美国的乐队Christian Death使用沉重的，不时受金属感化的手法。在80年代末，最初的哥特运动已经不复存在了，但是这种音乐变异成了新的形式并继续影响很多黑暗金属流派。在90年代期间，哥特音乐开始通过工业音乐来cross-pollinate，产生同时吸引两边的混合物，同暗潮流派（他们也同样将80s合成器与梦幻流行合在一起）一样。90年代后半期，还可以看见哥特的影响力突然出现在重金属中；一个新的改革黑暗金属乐队的种类模仿了很多哥特的音色和风格，当一些另类金属乐队也从沿袭了哥特的视觉效果（包括Marilyn Manson）。 “Gothic”在文艺复兴时期用来表示中世纪的艺术形式。 它的命名是从德国的“Goth”部落由来的，Goth人入侵了意大利并推 翻了罗马帝国。在15世纪，人们普遍带有着文艺复兴的观念，希望回到古典时代。介于古典时代和文艺复兴时期的这段时间被称为中世纪。因 为意大利记恨Goth人毁掉了他们的罗马帝国，文艺复兴时期的人们始终对中世纪带有着否定的术语，他们称这一时期为“Gothic”意味着野蛮 和粗野。当然我们要看到事物的双面性，中世纪给世人留下了很多宝贵的文化遗产和杰出的艺术作品。这时期的建筑技术上有了突破式的改进， 产生了像NOTRE-DAME(巴黎圣母院)这样的哥特式大教堂。哥特式的艺术不仅体现在建筑上，从12世纪到16世纪的早期，雕刻，玻璃制品，装饰物等都贴上 了哥特艺术的标签。宗教在哥特艺术作品中起到了很重要的因素。画家，雕刻家们比起用现实主义的方法表现主题更多的运用宗教的感觉。不 管怎么说，文艺复兴时期的人们很显然对“Gothic”这个词汇是含蓄的否定。 在1822年左右的浪漫主义运动中（ROMANTIC MOVEMENT），中世纪文化逐渐极其相关事物在某些人眼中逐渐成为一种时尚。浪漫主义成为这场文 化运动的中心。浪漫主义者希望跳出历史的限定，有些人希望回到中世纪时代，有些人从宗教或神秘注意中寻求理想，还有写人试图从自然中 得到答案。他们用自己不同的方式来达到自己的目标。在整个浪漫主义运动中哥特开始被认为和黑暗，奇异，鬼魅等相关连，浪漫主义和哥特 作家象Byron, Shelley, Baudelaire还有 Verlaine沉迷于对人类阴暗面的表现。哥特情绪在视觉艺术上也有明显的体现，画家象Caspar David Friedrich 对黑暗和荒凉的展现。而在建筑上新哥特式逐渐成为时尚。这一时期许多哥特式小说家不断涌现，不仅哥特文学是对人类自身黑色 阴暗面的展示，也是对当时社会正统思维模式的一种挑战，是一种恐怖，神秘色彩的混合体。哥特小说中比较典型的角色是吸血鬼，例如玛利·雪莱的Frankenstein,布来恩斯托克的Dracula,还有Edgar Allan 诗集中的描写斯托克笔下对吸血鬼化身的描述同以往比较走入了对立的角度(当代作家Anne Rice 的Interview with the Vampire和Poppy Z Brite的Lost Souls等作品也是斯托克式的延续) 到了20世纪80年代，近代哥特运动在英国开始上演，哥特运动的出现或许可视为是朋克运动(punk) 的延续。不论如何，哥特精神开始在音乐上 展现其影响力，哥特音乐以表现人性的阴郁、空虚为主题，并且对死亡亦有着浓烈的兴趣，缓慢、悲伤甚至是恐怖都是其音乐的特色。 最早使用“哥特”这个术语的是英国广播电台节目主持人Anthony H Wilson ，他同时也是Joy Division 的经纪人，他曾经宣布Joy Division 乐队将作为一支哥特式的乐队而有别于其他主流乐队。哥特文化作为一场现代文化运动，开始于七十年代末期PUNK摇滚的音乐浪潮，当后者渐渐退去的时候，哥特文化作为一种边缘的亚文化幸存了下来。哥特文化是一种独特的中世纪复古风格的音乐、艺术和文学的文化范畴，在音乐上它承袭了七十年代欧美PUNK摇滚音乐的音乐风格，在艺术上表现为一种对十二到十六世纪西欧的哥特式建筑风格的强烈复古倾向，在文学上演变为那种隐郁和怪诞的神秘黑暗文学。哥特文化实际上倾向于那种非暴力的、和平主义的、被动的、宽忍的生活态度。但在许多媒体中却将它错误地理解为那种极端暴力的，仇视少数民族的和白人至上主义的边缘文化。哥特文化总是表现出一种孤僻疏离的，阴沉的精神气质，它总是去探讨那些引人深思的社会问题，种族歧视、战争、以及仇恨。精神上对死亡的迷恋，驱使哥特文化不停地试图去找寻对生活、痛苦和死亡的另外一种思考。 一场新的哥特运动在整个80年代影响越来越大相对70年代后期产生的朋克是判逆式的没有遵从的另类文化,也许新哥特运动的产生是对朋克的一种回映哥特运动反对狭义的道德,性观念,和传统的宗教信仰音乐反映人性中黑色阴暗面以及对死亡独特的迷恋音乐抒缓而强劲的声音经常表现在抑郁,阴沉,甚至病态 新哥特运动与18、19世纪的浪漫主义有着明显的关联,抒情诗性的,死亡的主题,对毁灭和黑暗的探寻是哥特艺术家的共同表现方式音乐上,一些流派尽管加进了舞曲节拍和电子音乐元素,但仍以小和弦,缓慢的节奏表现出明显的怪诞和抑制机构特性视觉上,哥特艺术家看上去喜欢强化一种死亡式的审美,苍白的面孔,黑色的长服,维多利亚时代的时尚(如有绉饰边的衬衣),中世纪的废墟和哥特式的建筑 很难具体确定哥特音乐产生的时间,70年代末期一些新的组合,乐队的声音或外形开始存在某种程度上黑色的成分象The Cure, Siouxsie and the Banshees, The dreamend, Adam & the Ants, Ultravox, Killing Joke, The Sound, the Comsat Angels 还有 Joy Division他们的新浪潮和dark pop music 的乐风对后来的哥特音乐产生有着非常大的影响也许第一首真正的哥特圣歌是Bauhaus的Bela Lugosi's dead 最早英国流行哥特乐队是UK Decay(现在已经没什么人知道了),80年代中期一些乐队象The Sisters of Mercy, The Mission和Fields of the Nephilim取得了相对的成功,他们的哥特摇滚乐和外形成为哥特的标准形式,成为许多后来组合的模仿对象,这种情况特别是在英国这一时期非常优秀的乐队还有And Also The Tree,Xmal Deuschland,Love Like Blood等 整个80年代老式的哥特乐风占据着主导的地位,而一些乐队探索着新的声音,并不段摸索着新的音乐路线,最好的例子就是Dead can Dance,在他们典型哥特式第一张同名专辑后音乐从中世纪和东方乐曲中吸收元素,风格融入了不少的世界音乐成分之后的几年DCD获得了更多的认可,遗憾的是最近乐队已经解体The Cocteau Twins和DCD相同是来自4AD公司的组合,是4AD低调迷幻乐风的代表 英国不是唯一出产黑色音乐的地方,来自美国的The Swans 早期涉足与先锋乐派(avant-garde)领域,创作出了几张伟大的专辑象like Children of God, White Light from The Mouth of Infinity 还有 The Burning World另一支传奇性的乐队Christian Death也许是被许多人认为是美国最著名的哥特乐队了,他们不断的做出一些有争议的专辑,最值得推荐的是Only Theatre of Pain 和 Catastrophe Ballet这两张此外象Faith & the Muse,London after Midnight也是来自美国的优秀哥特组合

　　统治中世纪(即从475年西罗马帝国灭亡,欧洲封建社会建立开始,至文艺复兴以前的一段"黑暗"时代)欧洲意识形态领域和一切艺术的是基督教那时唯一合法的、正统的音乐形式是起源于四、五世纪的圣咏（chant），包括占主导地位的格 里高利圣咏和更古老的安布罗西圣咏（后者至今仍在米兰的教堂中使用）。这种纯粹宗教用途的音乐只限于在教堂中由唱诗班演唱，没有乐器伴奏，是纯粹的单音音乐（不分声部，大家都唱一样的旋律），分为利底亚、弗里几亚等四种调式及其变格调式。 一开始欧洲还没有合适的记谱法，只能采取口耳相传的方法记录流传音乐文献。后来最早的记谱法“纽姆谱“发展出来，但只能用简单的线条暗示音的长短高低。总的来说，中世纪欧洲音乐与其它艺术一样遭到压制，但在虔诚的宗教信仰激励下音乐家们（那时都是教士）创造了不少优秀的圣咏精品，难怪前几年有一张圣咏唱片（由西班牙一个修道院的修士演唱）在Bill Board排行榜上名列前茅数月之久。单声的声咏后来开始在旋律线下方四度加上平行的旋律线，形成了最早的和声。 1450年至1600年--文艺复兴 十四、十五世纪罗马教庭在与世俗君主的政治斗争中多次被挫败，威信与势力开始衰落；同时欧洲一些地区如意大利日益繁荣的贸易和手工业造就了最早的资产阶级和金融贵族，城市经济的发展产生了大批的市民。他们迫切要求有为自己服务的艺术形式，反对教会的束缚，宣扬以人而不是以神为本的人文主义。于是在文学、建筑、美术也包括音乐领域里展开了轰轰烈烈的文艺复兴运动。 音乐史上的文艺复兴起始于1450年左右。那时一批有才华的音乐家云集在勃艮第（相当于今天法国北部、比利时一代）宫廷，显示出一派歌乐升平的气象，被称为“法兰德斯乐派”。此时音乐家们主要使用一些日益改进的弦乐器如诗琴 ，音乐内容开始涉及世俗生活，记谱已经使用点线组合的形式，称的上是今天五线谱的鼻祖，到十六世纪中后期开始使用四线、五线谱记谱，教会调式逐步解体，大-小调体系逐渐形成。 宗教音乐也继续发展。一个重大事件是马丁·路德的宗教改革，宣扬人人皆可凭借虔诚信仰与上帝相通。路德创造了众赞歌这一群众化的音乐形式，由教徒在礼拜仪式上自行演唱。同时，罗马教庭为了对抗宗教改革，力图强化圣咏在宗教音乐中的统治地位。帕莱斯特里那发展了织体复杂的多声部圣咏，把这一体裁推向了发展的高峰。 1600年至1750年--巴罗克时代 巴罗克时代是欧洲音乐大发展的时代在这150年的历程中,歌剧、协奏曲、奏鸣曲等题材相继被创造发展出来。 1750年至1827年--古典时期 1750年巴赫逝世后欧洲复调（即由多个并行发展的旋律线交织成复杂的织体的作曲手法）后继无人，乐风转向简洁实用的主调（即旋律+和弦的作曲手法）。 在这个时代大显身手的是维也纳古典乐派的三位大师：海顿（交响乐之父）、莫扎特（音乐神童）、贝多芬（乐圣）。在欧洲启蒙运动和大革命的洗礼中，欧洲音乐的主题从延续近千年对神的虔诚转移到对理性的崇尚上来，使得古典时期的 作品具有丰富的哲理内涵。 1827年至19世纪末--浪漫主义时期 1827年贝多芬的逝世结束了严谨的古典主义时期。此时的欧洲文化正经受浪漫主义潮流的洗礼。这一时期的作曲家把作曲作为抒发自我感情的手段，作品中体现出他们内心中丰富复杂的感情。这一时期还涌现出一大批演奏家，如帕格尼尼、李斯特等，多以辉煌的炫技手法给人以强烈的审美冲击。十九世纪中后期随着欧洲民族主义思潮的抬头，一些民族国家开始有了用自己民族音乐语言进行创作的音乐家如芬兰的西贝柳斯、挪威的格里格、俄罗斯的强力集团等，可称之为民族乐派。 19世纪末至20世纪初--印象主义潮流 音乐上的印象主义与绘画上的印象派或有相通之处--都十分注重色彩(尽管音乐色彩和颜料的色彩不同)和外界景象在艺术家本人心中的印象德彪西和拉威尔是此派的代表人物。 20世纪--多元化的发展趋势 20世纪西方音乐发展方向多元化。 影响较大的有本世纪初勋伯格的十二音体系和斯特拉文斯基的新古典主义等。勋伯格的十二音作曲法彻底废弃了统治欧洲音乐近400年的调性体系，十二个音有同等重要的地位，这一体系为他的弟子贝尔 格所继承。斯特拉文斯基的新古典主义崇尚复调和对位法，在调性方面采用多调性，并不象勋伯格的无调性走的那样远。 本世纪特别是战后西方音乐发展流派众多，如无声音乐、噪声音乐、微分音乐等，电子合成器等新的技术手段更为标新立异的音乐家们提供了新的武器。西方音乐发展潮流日益多元化

奥古斯特·罗丹（Augeuste Rodin1840～1917）法国著名雕塑家。十四岁随荷拉斯·勒考克（Lecongde Boisbaudran）学画，后又随巴耶学雕塑，并当过加里埃－贝勒斯（Carrier-Belleuse）的助手，去比利时布鲁塞尔创作装饰雕塑五年。1875年游意大利，深受米开朗基罗作品的启发，从而确立了现实主义的创作手法。他的《青铜时代》、《思想者》、《雨果》、《加莱义民》和《巴尔扎克》等作品都有新的创造，曾受到法国学院派的抨击。包含着186 件雕塑的《地狱之门》的设计，即因当时官方阻挠而未能按计划实现，只完成《思想者》、《吻》、《夏娃》等部分作品。善于用丰富多样的绘画性手法塑造出神态生动富有力量的艺术形象。生平作了许多速写，别具风格，并有《艺术论》传世。罗丹在欧洲雕塑史上的地位，正如诗人但丁在欧洲上的地位。罗丹和他的两个学生马约尔和布德尔，被誉为欧洲雕刻“三大支柱”。对于现代人来说，他是旧时期（古典主义时期）的最后一位雕刻家，又是新时期（现代主义时期）最初一位雕刻家。他的一只脚留在古典派的庭院内，另一只脚却已迈过现代派的门坎儿。可以说，罗丹用他在古典主义时期锻炼得成熟而有力的双手，用他不为传统束缚的创造精神，为新时代打开了现代雕塑的大门；当年轻的艺术家们蜂拥而入向前跑去时，他却已入衰迈之年，他走不动了。他的创作对欧洲近代雕塑的发展有较大影响。罗丹生于一个贫穷的基督教家庭。他的父亲是一名警务信使，母亲是穷苦的平民妇女。罗丹从小喜爱美术，其它功课却很糟糕。在姐姐玛丽的支持下，失望的父亲不得不同 奥古斯特·罗丹（Augeuste Rodin1840～1917）法国著名雕塑家。十四岁随荷拉斯·勒考克（Lecongde Boisbaudran）学画，后又随巴耶学雕塑，并当过加里埃－贝勒斯（Carrier-Belleuse）的助手，去比利时布鲁塞尔创作装饰雕塑五年。1875年游意大利，深受米开朗基罗作品的启发，从而确立了现实主义的创作手法。他的《青铜时代》、《思想者》、《雨果》、《加莱义民》和《巴尔扎克》等作品都有新的创造，曾受到法国学院派的抨击。包含着186 件雕塑的《地狱之门》的设计，即因当时官方阻挠而未能按计划实现，只完成《思想者》、《吻》、《夏娃》等部分作品。善于用丰富多样的绘画性手法塑造出神态生动富有力量的艺术形象。生平作了许多速写，别具风格，并有《艺术论》传世。

罗丹在欧洲雕塑史上的地位，正如诗人但丁在欧洲上的地位。罗丹和他的两个学生马约尔和布德尔，被誉为欧洲雕刻“三大支柱”。对于现代人来说，他是旧时期（古典主义时期）的最后一位雕刻家，又是新时期（现代主义时期）最初一位雕刻家。他的一只脚留在古典派的庭院内，另一只脚却已迈过现代派的门坎儿。可以说，罗丹用他在古典主义时期锻炼得成熟而有力的双手，用他不为传统束缚的创造精神，为新时代打开了现代雕塑的大门；当年轻的艺术家们蜂拥而入向前跑去时，他却已入衰迈之年，他走不动了。他的创作对欧洲近代雕塑的发展有较大影响。

罗丹生于一个贫穷的基督教家庭。他的父亲是一名警务信使，母亲是穷苦的平民妇女。罗丹从小喜爱美术，其它功课却很糟糕。在姐姐玛丽的支持下，失望的父亲不得不同意把他送进巴黎美术工艺学校。姐姐玛丽靠自己挣得的工钱来供给他食宿费，因此罗丹从小就深深地敬爱他的姐姐。

罗丹进的美术工艺学校是蓬巴杜夫人所宠幸的画家巴歇利埃在1765年创建的，学生在这里学习装帧艺术和制图。在这里他遇到了终生敬仰的启蒙老师荷拉斯·勒考克。勒考克是一个普通的美术教员，但他一开始就鼓励罗丹忠实于真正的艺术感觉，而不要按照学院派的教条去循规蹈矩。也许正是这种教导影响了罗丹的一生。在此期间，他常去卢浮宫临摹大师的名画。由于买不起油画颜料，罗丹转到了雕塑班，并从此爱上了雕塑。勒考克又介绍他到当时法国著名的动物雕塑家巴椰（Barye 1796～1875）那里去学习，使他受到良好的基础训练。在渡过三年艰苦而勤奋的学习时间后，罗丹踌躇满志，准备投考巴黎美术学院。勒考克把罗丹介绍给当时著名的雕塑家曼德隆（Hippolyte Maindron 1801～1884），让他做为推荐人在罗丹的入学申请书上签字 ，但这也没用，罗丹落选了。第二年依然落选。第三年，一个老迈的主持人在罗丹的名字旁边干脆写上：“此生毫无才能，继续报考，纯系浪费。”就这样，未来的欧洲雕刻巨匠，竟被巴黎美术学院永远拒之门外。这对渴望成为雕塑家的年轻的罗丹，是一个沉重打击。

更大的打击接踵而来，罗丹心爱的姐姐玛丽因失恋而入修道院了，两年之后， 她柔弱的精神和肉体承受不了失意而又清寒枯索的生活，因病去世。罗丹的精神在这双重打击下彻底崩溃了，他毅然走上姐姐的路，当了一名修道士。但是罗丹强健的肉体供给他源源不断的欲望，其中创造欲望在一颗艺术家的心中燃起了难以遏制的火焰，使对上帝和艺术同样虔诚的罗丹陷入内心的矛盾和痛苦。善良而明达的修道院院长埃玛尔，从罗丹受压抑的表情上看出了他的心思。他创造条件让罗丹有机会去画画和雕刻。当他看到罗丹确有才气后，就劝说罗丹还俗，去继续其雕塑事业，“用艺术为上帝服务”。这样鼓励罗丹。罗丹用一颗被抚慰而充满感激的心在修道院为埃玛尔院长做了一件雕像，这件雕像显示出23岁罗丹已经具备当一个雕塑家的洞察力、技巧和手劲儿。

罗丹重新回到勒考克身边，在他的帮助和支持下，开始了边工作边自学的奋斗生涯。雇不起模特儿，他就请一个塌鼻的乞丐毕比给他当模特儿。乞丐的丑陋使罗丹看到了在其被磨损的脸上，有着人类所共有的愁苦和凄凉，同时他也想到了那位终生辛苦劳作而孤独的雕塑大师米开朗基罗。从而在罗丹的眼中生活的美丑和艺术的美丑有了不同意义。他创作时注意光在作品表面的表现，将其所要展现的思想内涵容入到作品中去，使雕塑艺术成为一种强有力的语言，人们在思想上所感受的内容要远远超过视觉感受。这一艺术思想正是大师米开朗基罗在晚年苦苦追求，而经过三百多年后第一次在罗丹的《塌鼻男人》得以成熟展现，并贯穿其一生，成为它们的灵魂和魅力的源泉。

罗丹不仅是一位雕塑大师，同时又是一位伟大的老师。他的学生或者助手，哪怕是仅仅有过交往，都在艺术上深受罗丹的影响。但罗丹作为先生从不在艺术观点上束缚学生们，因此他的学生都能成熟为自己的独特风格而脱颍而出。他们学习的是罗丹的创造精神，所以其中出类拔萃者甚多，有些日后与老师齐名。

罗丹的一生是被人攻击和嘲讽、同时亦为人理解和支持的一生。但他始终以一种伟大的人格正确地面对这一切。罗丹一生攀登，并终于登上米开朗基罗之后的又一高峰。罗丹坚信：“艺术即感情”。他的全部作品都证明了这一观念，都深刻揭示了人类的丰富情感。以此而论，罗丹是最杰出的浪漫主义雕刻大师。然而，他的伟大，还在于他的深刻思想：他没有浪漫派中容易见到的那些弊病，如肤浅的热情，空洞的夸张，虚假的内涵。他偏爱悲壮的主题，善于从残破中发掘出力与美。这使他的艺术具备博大精深的品格，既动人之情，又启人之思，使我们得以神游于心灵的波涛，生命的奥义，宇宙的玄远，创造的神奇。由此观之，罗丹又超越了浪漫主义，超越了门户派别，超越了时代和区域，成为历史星河中一颗璀璨的巨星。他同情底层劳动人民，热爱自己的祖国，将其毕生投入到对艺术执着追求和人生种种痛苦的苦苦思索中去。他开创了一个全新的时代，创作了一种全新的艺术手法。他的作品所体现出的思想和精神魅力，永远带给人以深沉的美，启迪着人们不停地思考。

1900年奥古斯特-罗丹在巴黎举办作品展，确立他作为一个雕塑家的声誉。他的主要贡献在于恢复西方雕塑对人类的理解和对精神世界的表现，被认为是雕刻史上最伟大的肖像雕塑家。

罗丹1840年出生于巴黎，从小就表现出美术天赋，但由于美术基础课和文化课成绩不佳，没有考上艺术大学，且三次落榜。

1864年，罗丹随著名动物雕塑家路易-巴里学雕塑，由于刻苦努力，进步很快。后又到有“小美术学院”之称的卢浮宫学画，画室主人是第二帝国时代很有名气的装饰雕刻大师阿尔贝欧内斯特-加里埃-贝勒斯。经过一段时间学习，罗丹己具备了成为一个优秀雕刻家的条件。35岁之前，罗丹的个人风格还没有确定，1875年，罗丹访问意大利，对伟大的米开朗基罗赞赏备至，对其日后的创作产生了巨大影响。

1878年，罗丹展出《青铜时代》引起了不少议论，许多人不承认这是艺术作品，因为它太逼真了，说它是根据真人塑造的。此事对罗丹震动不小，使他开始思考作品的表现问题，他感到极端近似意味着毫无新意，且不利于表现深层的思想感情。因此，罗丹以后的作品形象生动且富于内在的精神气息。他的代表作《地狱之门》共186个形体，历时37年，直到他逝世也没有完成，其中的“思想者”、“吻”等被放大，独立成为享誉世界的名作。

罗丹的其他主要作品有：《伤鼻的男子》(1864)、《青铜时代》(1876)、《圣约翰的说教》(1878 )、《地狱之门》(1880-1917)、《亚当》(1880)、《夏娃》(1881)、《加莱义民》(1884-1 886)、《吻》(1886)、《巴尔扎克》(1897)、《雨果》(1897)。

1917年11月17日，欧洲两千多年来传统雕塑艺术的集大成者、20世纪新雕塑艺术的创造者、法国雕刻家罗丹逝世。

卢梭（法）：浪漫主义开拓者，主张回归自然，代表作《孤独漫步者的遐想》，《爱弥儿》

雨果（法）：浪漫主义作家，不过很快就转换成为现实主义作家了，但是作品中仍然部分带有浪漫主义色彩，代表作《巴黎圣母院》，《悲惨世界》

华兹华斯（英）：消极的浪漫主义诗人代表，“湖畔派诗人”代表，英国浪漫主义文学先驱，代表作《孤独的收割者》

拜伦（英）：也是诗人，代表作《唐璜》

雪莱（英）：浪漫主义诗人，表现出空想社会主义的思想，代表作《西风颂》

惠特曼（美）：美国浪漫主义诗人代表，代表作《草叶集》

茹科夫斯基（俄）：早期俄国浪漫主义代表，俄国抒情诗人，俄国浪漫主义诗歌奠基人。

普希金（俄）：俄国最杰出的代表作家之一，和雨果一样前期是浪漫主义，后期转向现实主义创作

莱蒙托夫（俄）：浪漫主义杰出诗人代表，代表作《帆》

霍夫曼（德）：德国最有代表性的浪漫主义作家，代表作《金罐》