巴洛克艺术的特征和代表画家是？

　　巴洛克艺术的概述

　　巴洛克(Baroque)一词本义巴洛克原指不规则的，怪异的珍珠，在当时具有贬义，当时人们认为它的华丽、炫耀的风格是对文艺复兴风格的贬低，但现在，人们已经公认，巴洛克是欧洲一种伟大的艺术风格。

　　古典主义者认为巴洛克是一种堕落瓦解的艺术，只是到了后来，才对巴洛克艺术有了一个较为公正的评价。巴洛克艺术产生于16世纪下半期，它的盛期是17世纪，进入18世纪，除北欧和中欧地区外，它逐渐衰落。巴洛克艺术最早产生于意大利，它无疑与反宗教改革有关，罗马是当时教会势力的中心，所以它在罗马兴起就不足为奇了，可以说，巴洛克艺术虽不是宗教发明的，但它是为教会服务，被宗教利用的，教会是它最强有力的支柱。概括地讲巴洛克艺术有如下的一些特点：首先是它有豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；二是它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力三是它极力强调运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂；四是它很关注作品的空间感和立体感；五是它的综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段，例如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合，此外，巴洛克艺术也吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象；六是它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位；七是大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向，如在一些天顶画中，人的形象变得微不足道，如同是一些花纹。当然，一些积极的巴洛克艺术大师不在此例，如鲁本斯、贝尼尼的作品仍然和生活保持有密切的联系。

　　[编辑本段]巴洛克艺术的起源

　　巴洛克一词的起源，有两种说法影响很大。意大利B克罗齐等人认为源出于Baroco，原本是逻辑学中三段论式的一个专门术语；另一说认为源出于葡萄牙语baroco或西班牙语barrueco，意为各种外形不规则的珍珠，引申为“不合常规”。17世纪末叶以前最初将巴洛克运用于艺术批评，泛指各种不合常规、稀奇古怪，也就是离经叛道的事物，当时有许多人抱持文艺复兴时期持续不坠的乐观精神，另一方面又有许多人过着退隐山林、禁欲苦修的宗教生活，他也是随着一股退隐避世的潮流逐渐兴起的。18世纪用作贬义，一般指称违背自然规律和古典艺术标准的情况。一直到19世纪中叶都是用于贬义而非艺术风格的名称。1888年H韦尔夫林发表《文艺复兴运动与巴洛克》一书，对巴洛克风格作了系统论述，从此确定了巴洛克作为一种艺术风格的概念。20世纪西方学者对巴洛克作了更为深入的研究，赋予它不同的意义，但当做一种艺术风格理解仍是主流。

　　[编辑本段]巴洛克艺术之建筑

　　巴洛克建筑是17～18世纪在意大利文艺复兴建筑基础上发展起来的一种建筑和装饰风格。其特点是外形自由，追求动态，喜好富丽的装饰和雕刻、强烈的色彩，常用穿插的曲面和椭圆形空间。

　　体现巴洛克的罗马耶稣会教堂

　　巴洛克一词的原意是奇异古怪，古典主义者用它来称呼这种被认为是离经叛道的建筑风格。这种风格在反对僵化的古典形式，追求自由奔放的格调和表达世俗情趣等方面起了重要作用，对城市广场、园林艺术以至文学艺术部门都发生影响，一度在欧洲广泛流行。

　　意大利文艺复兴晚期著名建筑师和建筑理论家维尼奥拉设计的罗马耶稣会教堂是由手法主义向巴洛克风格过渡的代表作，也有人称之为第一座巴洛克建筑。

　　手法主义是16世纪晚期欧洲的一种艺术风格。其主要特点是追求怪异和不寻常的效果，如以变形和不协调的方式表现空间，以夸张的细长比例表现人物等。建筑史中则用以指1530～1600年间意大利某些建筑师的作品中体现前期巴洛克风格的倾向。

　　罗马耶稣会教堂平面为长方形，端部突出一个圣龛，由哥特式教堂惯用的拉丁十字形演变而来，中厅宽阔，拱顶满布雕像和装饰。两侧用两排小祈祷室代替原来的侧廊。十字正中升起一座穹窿顶。教堂的圣坛装饰富丽而自由，上面的山花突破了古典法式，作圣像和装饰光芒。教堂立面借鉴早期文艺复兴建筑大师阿尔伯蒂设计的佛罗伦萨圣玛丽亚小教堂的处理手法。正门上面分层檐部和山花做成重叠的弧形和三角形，大门两侧采用了倚柱和扁壁柱。立面上部两侧作了两对大涡卷。这些处理手法别开生面，后来被广泛仿效。

　　巴洛克风格打破了对古罗马建筑理论家维特鲁威的盲目崇拜，也冲破了文艺复兴晚期古典主义者制定的种种清规戒律，反映了向往自由的世俗思想。另一方面，巴洛克风格的教堂富丽堂皇，而且能造成相当强烈的神秘气氛，也符合天主教会炫耀财富和追求神秘感的要求。因此，巴洛克建筑从罗马发端后，不久即传遍欧洲，以至远达美洲。有些巴洛克建筑过分追求华贵气魄，甚至到了繁琐堆砌的地步。

　　从17世纪30年代起，意大利教会财富日益增加，各个教区先后建造自己的巴洛克风格的教堂。由于规模小，不宜采用拉丁十字形平面，因此多改为圆形、椭圆形、梅花形、圆瓣十字形

　　巴洛特式的圣卡罗教堂

　　等单一空间的殿堂，在造型上大量使用曲面。

　　典型实例有罗马的圣卡罗教堂，是波洛米尼设计的。它的殿堂平面近似橄榄形，周围有一些不规则的小祈祷室；此外还有生活庭院。殿堂平面与天花装饰强调曲线动态，立面山花断开，檐部水平弯曲，墙面凹凸度很大，装饰丰富，有强烈的光影效果。尽管设计手法纯熟，也难免有矫揉造作9之感。17世纪中叶以后，巴洛克式教堂在意大利风靡一时，其中不乏新颖独创的作品，但也有手法拙劣、堆砌过分的建筑。

　　教皇当局为了向朝圣者炫耀教皇国的富有，在罗马城修筑宽阔的大道和宏伟的广场，这为巴洛克自由奔放的风格开辟了新的途径。

　　17世纪罗马建筑师丰塔纳建造的罗马波罗广场，是三条放射形干道的汇合点，中央有一座方尖碑，周围设有雕像，布置绿化带。在放射形干道之间建有两座对称的样式相同的教堂。这个广场开阔奔放，欧洲许多国家争相仿效。法国在凡尔赛宫前，俄国在彼得堡海军部大厦前都建造了放射形广场。杰出的巴洛克建筑大师和雕刻大师伯尼尼设计的罗马圣彼得大教堂前广场，周围用罗马塔斯干柱廊环绕，整个布局豪放，富有动态，光影效果强烈。

　　巴洛克建筑风格也在中欧一些国家流行，尤其是德国和奥地利。17世纪下半叶，德国不少建筑师留学意大利归来后，把意大利巴洛克建筑风格同德国的民族建筑风格结合起来。到18世纪上半叶，德国巴洛克建筑艺术成为欧洲建筑史上一朵奇葩。

　　德国巴洛克风格教堂建筑外观简洁雅致，造型柔和装饰不多，外墙干坦，同自然环境相协调。教堂内部装饰则十分华丽，造成内外的强烈对比。著名实例是班贝格郊区的十四圣徒朝圣教堂、罗赫尔的修道院教堂。

　　十四圣徒朝圣教堂平面布置非常新奇，正厅和圣龛做成三个连续的椭圆形，拱形天花也与此呼应，教堂内部上下布满用灰泥塑成的各种植物形状装饰图案，金碧辉煌。教堂外观比较平淡，正面有一对塔楼，装饰有柔和的曲线，富有亲切感。

　　巴洛特建筑的代表:西班牙圣地亚哥大教堂

　　罗赫尔修道院教堂也是外观简洁，内部装修精致，尤其是圣龛上部天花，布满用白大理石雕刻的飞翔天使，圣龛正中是由圣母和两个天使组成的群雕；圣龛下面是一组表情各异的圣徒雕像。

　　奥地利的巴洛克建筑风格主要是从德国传入的。18世纪上半叶，奥地利许多著名建筑都是德国建筑师设计的。如维也纳的舒伯鲁恩宫，外表是严肃的古典主义建筑形式，内部大厅则具有意大利巴洛克风格，大厅所有的柱子都雕刻成人像，柱顶和拱顶满布浮雕装饰，是巴洛克风格和古典主义风格相结合的产物。

　　兴起于17世纪中叶，它的风格自由奔放，造型繁复，富于变化，只是有的建筑装饰堆砌过分。西班牙圣地亚哥大教堂为这一时期建筑的典型实例。

　　巴洛克艺术之文学

　　巴洛克文学是西方文艺复兴后期的一个文学流派，另外和古典主义文学和清教徒文学并成十七世纪三大文学。它在人文主义文学运动衰落后而兴起。

　　巴洛克文学代表作《痴儿西木传》

　　它是一种贵族形式主义文学，主张文学为少数有文化修养的人创作。有意在艺术上刻意雕琢，内容上偏向写信仰危机和悲观的思想。这类作品追求形式，内容空虚，语言雕琢浮夸。意大利的马里诺、西班牙的贡哥拉和卡尔德隆、德国的格里美尔斯豪森、英国的玄学派诗人约翰·多恩，法国的伏瓦蒂尔等等，都是巴洛克文学的代表。

　　代表作品有卡尔德隆的小说《人生如梦》、格里美尔斯豪森的流浪汉小说《痴儿西木传》等。

　　[编辑本段]巴洛克艺术之服装

　　二十世纪世纪九十年代的简约主义在现在已经成为历史，时下古典主义风潮渗透到时尚舞台的每个角落，饰品设计更是着重于极富装饰性的巴洛克风格。不规则缠绕的华丽钻石项链，极具浪漫情怀的心型，闪耀着晶莹透亮的光芒，独特之处在于每一颗心型都呈现出完美的切割形状，处处流露奢华与迷人的气质。

　　巴洛克时期是一个崇尚高度华丽的年代，那时的鞋子大多采用优质的材料，像皮革、锦缎，配以奢侈豪华的装饰，如丝绸带、大扣子、刺绣、珠宝等。如今仿照巴洛克风格的靴子着重在细节上体现复古，像鞋帮上的十字抽绳，以及不和谐花纹和混搭风尚，虽然低调，却极其简洁优雅。

　　古典主义韵味大行其道，使得充满

　　巴洛克服装风格

　　复古情怀的浪漫婚纱也呈现出一派奢华风格。仿巴洛克的提胸和束腰，层层叠叠的裙摆，在细节上将繁复且精细的做工体现得淋漓尽致，再融合现代流行剪裁与时尚元素，像蝴蝶结、褶皱等，创造出亦古亦今的别样风格。大朵的花形头饰是婚纱中最显眼的配件，它可以遮盖整个头顶，也可以绽放于任一侧，令人叹为观止。

　　以裹胸收腰作为开场白，以巴洛克时代如贵族般缀满蕾丝花边的夸张袖子作为情节发展的高潮，这部有关古典主义戏剧的“脚本”充满着华贵的气氛。短俏的波浪状衣摆使得上衣在硬朗性感中透出高雅，歌特式袖型在复古细节中渗出摩登，色彩上也采用了鲜艳明快的颜色，让人犹如置身于一场盛大的宫廷舞会中。

　　具有巴洛克风格的时装最看重下半身的剪裁，力求多变。略微蓬松的及膝窄裙结合精致的褶皱，加上漫不经心的花边，一齐散发着温柔甜蜜的浪漫气息。面料虽然不是典型的浮花锦缎，却采用光滑轻盈的纱绸，彰显别具一格的奢侈感。色彩上，香槟色、米白色都不再独领风骚，取而代之的是艳丽的桃红色，配以荷叶边领口的奶白色针织外套，优雅矜持又不失俏丽可爱。

　　束腰是巴洛克风格时装的主要特点之一，也将成为新一季时尚舞台上的最佳主角。绸缎衬衫充满怀旧气息，纷繁多样的花纹表达出新古典主义时代的艺术风格，鲜红明亮的宽版束腰成为点睛之笔，不仅在色彩上形成强烈对比，而且别致的缎带蝴蝶结更是突出了在那段逝去的岁月中曾一度疯狂流行的大红大紫的时髦风尚。黑、白、橙、红四种颜色形成视觉上强烈反差，打造高雅矜贵的淑女形象。

　　[编辑本段]巴洛克艺术之家具

　　巴洛克风格家具（公元17世纪-18世纪处）经历了文艺复兴运动之后，17世纪的意大利建筑处于复杂的矛盾之中，一批中小型教堂、城市广场和花园别墅设计追求新奇复杂的造型，以曲线、弧面为特点，如华丽的破山墙、涡卷饰、人像柱、深深的石膏线，还有扭曲的旋制件、翻转的雕塑，突出喷泉、水池等动感因素，打破了古典建筑与文艺复兴建筑的“常规”，被称之为“巴洛克”式的建筑装饰风格。

　　巴洛克家具

　　巴洛克风格家具的主要特色是强调力度、变化和动感，沙发华丽的布面与精致的雕刻互相配合，把高贵的造型与地面铺饰融为一体，气质雍容。强调建筑绘画与雕塑以及室内环境等的综合性，突出夸张、浪漫、激情和非理性、幻觉、幻想的特点。打破均衡，平面多变，强调层次和深度。使用各色大理石、宝石、青铜、金等装饰华丽、壮观，突破了文艺复兴古典主义的一些程式、原则。

　　巴洛克风格的住宅和家具设计具有真实的生活且富有情感，更加适合生活的功能需要和精神需求。巴洛克家具的最大特色是将富于表现力的装饰细部相对集中，简化不必要的部分而强调整体结构，在家具的总体造型与装饰风格上与巴洛克建筑、室内的陈设、墙壁、门窗严格统一，创造了一种建筑与家具和谐一致的总体效果。巴洛克风格家具造型华丽 渲染奔放热烈的生活。

　　巴洛克式家具，以浪漫主义精神为设计出发点，赋予亲切柔和的抒情情调，追求跃动型装饰样式，以烘托宏伟、生动、热情、奔放的艺术效果。巴洛克家具利用多变的曲面，采用花样繁多的装饰，做大面积的雕刻、金箔贴面、描金涂漆处理，并在坐卧类家具上大量应用面料包覆。繁复的空间组合，与浓重的布局色调，把每一件家具的抒情色彩表达得十分强烈强烈的舒适感与细腻温馨的色调处理，把热情浪漫的艺术效果表达得十分成功。

　　[编辑本段]巴洛克艺术之油画

　　巴洛克画家的典型代表是比利时的鲁本斯、荷兰的伦勃朗、西班牙的委拉斯盖兹、英国的凡·戴克等。他们的画作人体动势生动大胆，色彩明快，强调光影变化，比文艺复兴时代画家还要更强调人文意识。

　　鲁本斯的宗教画人体姿势动作激烈，色彩鲜明；伦勃朗的画作如同在舞台上，人物面部处于高光部位，与周围的阴影有强烈的对比；委拉斯开兹的“宫女”，背景中在窗外射入光线下工作的织女，曾经对后期浪漫主义画派画家产生很大的启示。

浪漫主义思潮无论在服装也创造出一种充满幻想色彩的典雅气氛。

1、从1822年前后开始，女装的腰线逐渐自高腰身位置下降，到1830年，降到自然位置，腰又被紧身胸衣勒细，袖根极度膨大化，裙子也向外扩张。

2、腰线回到自然位置，重新启用紧身胸衣，为了强调女性特征，使用紧身胸衣“科尔塞特”来达到整形目的。整个上半身缝制的非常合体，衣服一般多在背部开口系扎，如果前开襟，就使用挂钩扣合。为强调细腰，衣服前中心呈锐角尖下去的装饰线再次登场。

3、裙子的膨大化。强调细腰与夸张裙摆是相互关联的，腰线位置下降，腰身被收细的同时，裙子上出现很多衣襞，其量感通过在里面穿数条衬裙不断加强。罩裙在前面A字形打开，露出里面的异色衬裙。

4、浪漫的领型。这一时期的领子有两种极端形态：一种是高领口，一种是低领口。高领口上常有褶饰，或用拉夫领、大披肩领；低领口上常加有很大的翻领或重叠数层的飞边，丽丝边饰。这两种领型有时也组合起来使用。

扩展资料：

在浪漫主义时期的绘画作品中也可以看出当时的服饰特点：

伦道夫·凯迪克笔下的人物形象跨越丰富，儿童、农夫、淑女、贵族、火枪手等，各个层面均有细腻而温馨的展示，每个人物形象栩栩如生，皆反映了人物本身的阶层特点与个体的气质神貌。

所有的人物其服饰真实地反映出维多利亚时期整个社会的服饰风格特征。

女士服装不乏蕾丝、细纱、荷叶边、蝴蝶结的装饰以及多层次折皱、抽褶等元素。

宫廷款式主要有立领、高腰、公主袖、羊腿袖等，处处体现出华丽而又含蓄的柔美风格。

在线条处理上，诚如时代周刊评论所说，轻松、精准又不经意体现出的一种随意，或说随意之下的精准。比起沃尔特·克兰的线条风格，后者显得更为程式化与装饰性，前者突出了一种灵动与潇洒，在人物表情上，刻画传神入微。

——浪漫主义

人民网——伦道夫·凯迪克的浪漫主义风格

浪漫主义油画《梅杜萨之筏》《但丁和维吉尔》《希阿岛的屠杀》《自由***民》

19世纪浪漫主义的诞生是对当时新古典主义、学院派美术的一次革命。

浪漫主义以追求自由、平等、博爱和个性解放为思想基础。追求幻想的美、注重感情的传达，喜欢热情奔放的性情抒发。浪漫主义艺术以动态对抗静止，以强烈的主观性对抗过分的客观性。浪漫主义在题材上，多描写独特的性格，异国的情调，生活的悲剧，异常的事件，还往往从一些文学作品中寻找创作的题材。

浪漫主义的先驱者是法国画家席里柯，另一位法国画家德拉克洛瓦使浪漫主义绘画达到了顶峰。

席里柯（1781～1824）是法国浪漫主义绘画的先驱。席里柯出生在法国的里昂，15岁时到巴黎学画。他深受前辈大师们的影响，创作出一些具有浪漫主义色彩的作品。席里柯的生命虽然短暂，但却终生充满着激情、幻想和痛苦，并把这种感情反映在自己的作品中。他善于以写实的手法表现人的内心情感。作品题材都是从现实生活中取得，并删除掉一切非本质的东西。

《梅杜萨之筏》是席里柯最具代表性的作品。取材于当时“梅杜萨号”远洋船触礁事件，表现遇难船员乘木筏在海上漂流了13天终于看到救援的船只，一刹那间人们所表现出的激情和求生的渴望。

德拉克洛瓦（1798～1863）是法国浪漫主义绘画的重要画家。他出生在巴黎附近的一个律师的家庭，从小酷爱美术，18岁时进美术学院，在此期间认识了被称为浪漫主义绘画先驱的席里柯，使他开始的创作就受到席里柯的启发。

德拉克洛瓦在西方美术史上是一位有卓越成就和较大影响的画家，特别是对浪漫主义绘画的形成和发展做出了重要的贡献。他被看作是一位承先启后的大师。德拉克洛瓦不仅总结了从文艺复兴以来名家们的艺术成就，并影响了一批后代的艺术家。许多人从他那里得到启示和教益。德拉克洛瓦的想象力非常丰富而且才思敏捷，并具有一种别人少有的敏感。他反对当时古典主义绘画那种呆板、平庸的画风，主张个性解放，重视情感的表达。他的画善于表现动荡活跃的场面，色彩鲜明、豪迈奔放。他的重要作品是《但丁和维吉尔》《希阿岛的屠杀》《自由***民》等。

16世纪下半叶，随着文艺复兴时期大师的相继去世，欧洲画坛出现了纷繁复杂的局面。在意大利，首先出现了样式主义，紧接着是波仑亚学院派、那波里画派和巴洛克美术……这些流派各有各自的主张，也各有各自的风格。

以卡拉瓦乔为首的那波里画派（也称卡拉瓦乔画派），兴起于意大利南部的那波里地区，曾受到了尼德兰绘画的影响，它反对学院派僵化的教条和巴洛克美术夸张的浮华；追求朴素、清新、直接面对自然的表现方式；以单纯、强烈的明暗，严谨、结实的轮廓，以前所未有的朴实无华的作风为15--16世纪文艺复兴时期的人文主义绘画向17世纪现实主义绘画的转型起到了关键而重要的作用，对同时代的西班牙、法国、荷兰以及19世纪的现实主义美术思潮都有着深远影响。

《水果篮》是卡拉瓦乔早期的代表作，据史料考证，这是美术史上的第一幅静物画。这明晰而结实的轮廓；这单纯而质朴的光线；这鲜明而实在的苹果、葡萄、柠檬、无花果、竹蓝、叶子、干枯的叶子，以及这如实刻画的苹果上的虫子眼；不仅标明了静物完全可以成为独立的绘画主题而存在，也标明了卡拉瓦乔与当时追求理想化时尚格格不入的率真与求实精神。在他看来，不论是静物，是人物还是其他实物，都是自然的客体，因此，他总是以自然本身为依据，如实地反映自然，而把前人的一切规范和模式抛在一边 充满戏剧性暴力气氛的《强劫留西帕斯的女儿》（是巴洛克风格的典型作品。“巴洛克”(Baroque)一词源于葡萄牙语Garcia da Orta，是指形状不规则的东方珍珠。后来词义变宽，意为粗糙、不规则、不整齐、扭曲、任意、独特的意思。巴洛克艺术风格在17世纪至18世纪席卷欧洲，它深入到从文学到造型艺术的各个领域，影响深刻。巴洛克风格在艺术精神和手法上，与盛期文艺复兴有着明显的区别，“人间戏剧”是巴洛克绘画的重要要素，巴洛克风格的绘画真情实感和观赏性并重，通常是以极具表现力的夸张动态、具有强烈明暗对比的绚丽色彩达到这种效果。它突出了喜悦，促进了激情，以壮观的游戏加强了对感官的刺激和诱惑。巴洛克绘画的构图不同于均衡稳定的古典式，而喜欢用剧烈的扭转、动感较强的S形、波浪形或放射形，常使人眼花缭乱。

巨作《强劫留西帕斯的女儿》长宽达两米多，讲述了希腊神话中的英雄卡斯托耳与波吕克斯抢掠留西帕斯的两个女儿的传说。卡斯托耳与波吕克斯都是丽达的儿子，其中波吕克斯是丽达与宙斯所生，两子从不分开，他们一个善骑，一个善战，都英勇无敌，是古罗马骑士的保护者。他们爱上了迈锡尼国王留西帕斯的两个女儿，可是她们已经许配给另外一对孪生子了，于是两兄弟便强行把她们掠走为妻。画面上表现的正是两个黝黑的壮汉把两姐妹从睡梦中劫走，正在强行拉上马背。画面上，四个人和两匹马交错穿插，激烈撞击，纠结在一起的形象占据了整个空间，造成了强烈的动势。近乎方形的构图，本应是稳定的，但这些形象却以X形切割画面，构成了极不稳定的动乱感。马头、人手、马脚、人脚一切成分依照着S形曲线的旋律持续涌动着。两匹马旁，各有一个长着翅膀的小爱神牵着缰绳，他们暗示这里既是暴力的抢掠，又是一种充满愉悦的游戏，是爱情的暴力。

作者彼得�6�1保罗�6�1鲁本斯（Peter Paul Rubens，1577－1640）是17世纪法兰德斯最杰出的画家，是巴洛克绘画风格的典型代表。他的艺术融合法兰德斯和意大利的传统艺术，对欧洲绘画的发展有重大影响。他偏爱巨幅作品，他的绘画，在构图上，动势很大，形象不论是男是女，都造型结实饱满，表现得壮健有力，色彩饱满热情，透着几欲爆发的精力，甚至是强烈的肉欲。

在这幅典型的巴洛克风格的作品中，鲁本斯充分展现了他刻画人体的擅长，在两个男子黝黑皮肤和扬蹄直立的骏马的衬托下，两姐妹的丰满的身姿呼之欲出。画家或重叠，或薄涂的笔触引人入胜，扭转运动的用笔和肌肉的隆起暗暗相合。红色披风与绿色风景对比，金黄的丝巾做蓝色天空的映衬，整幅作品奏成疾风骤雨般的狂热交响。绘制这幅作品时，鲁本斯刚好40岁，在最能体现巴洛克风格的热情气息中，他尽情的歌颂着生命的愉悦和光荣。 伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因（Rembrandt Harmenszoon van Rijn，1606年7月15日－1669年10月4日）是欧洲17世纪最伟大的画家之一，也是荷兰历史上最伟大的画家。伦勃朗的顶峰之作当属肖像画包括自画像以及取自圣经内容的绘画。他被称为“文明的先知”。由Jannik Johansen 导演的伦勃朗**；描写伦勃朗的文章 维米尔是荷兰最伟大的画家之一，但却被人遗忘了长达两个世纪之久。维米尔的作品大多是风俗题材的绘画，基本上取材于市民平常的生活。他的画整个画面温馨、舒适、宁静，给人以庄重的感受，充分表现出了荷兰市民那种对洁净环境和优雅舒适的气氛的喜好。他在艺术风格上也别具特色，他的绘画形体结实、结构精致，色彩明朗和谐，尤善于表现室内光线和空间感。维米尔的绘画给人一种真实性，除了日常生活中的真实之外还使人感到一种信仰上的真实感。他的画光线并不是太多，却给人以明亮的感觉，虽然缺乏深刻的社会内容，但是画中这种平实的情感起到了净化人类心灵的作用。

　　德尔夫特街

　　维米尔在作品《德尔夫特》的右侧绘出了鹿特丹城门，它由高大的主楼和双塔桥头堡组成，城门的前面一座双拉索桥把观者的视线引向右侧远处斯希河旁的船坞。维米尔把斯希丹城门放在画面的中心，斯希丹城门的左侧是凯瑟尔（Kethel）城门，穿过城门便是斯希丹码头。在维米尔所生活的年代，斯希丹城门的双塔已经绝迹，主体建筑中唯有城门得以幸存。城墙由红砖砌成，砖层中镶嵌着沙岩石（这种建筑用的石材由当地生产，从外地进口十分昂贵）。在主城门后的左面，我们看到军械库的屋顶。今天，这些房子仍然矗立在那里 梅因德尔特·霍贝玛 Meindert Hobbema （Hobbema，Meindert，1638～1709），荷兰画家。1638年10月31日受洗于阿姆斯特丹，1709年卒于同地。早年从师Jvan雷斯达尔学画风景画。作品多描绘乡村道路、农舍、池畔等，代表作《林荫道》、《磨坊》等，真实地表现了自然界多变的景象，其精确的透视为人称道。 西班牙画家。1599年6月6日生于塞维利亚，1660年8月6日卒于马德里。早年在老埃连拉画室学画，后拜在画家F帕里切科门下。早期绘画《卖水人》、《煎鸡蛋的老妇》形 象真实，有浓郁的生活气息。1623年进入马德里宫廷为国王服务 ，但受到原在宫廷服务的保守派画家的排斥和贬低。1627年他和保守派画家按同一命题作画，进行了一场艺术竞赛，结果大获全胜，巩固了他在宫廷的地位。两年后完成的油画《酒神巴库斯》(又名《醉汉们》)，表明他将泥土的芳香终于带进了宫廷。1629年他获得机会出访意大利，在威尼斯、罗马、那不勒斯等地看到了文艺复兴诸大师的绘画原作，特别着重研究了威尼斯画派的色彩与用光，回国后创作的作品色调更加柔和、晶莹，形象塑造更加生动、细腻。这期间最杰出的作品是《布列达的投降》（现在一般翻译为《勃鲁达的投降》），它是一幅大型历史画，作者以公正不阿的态度描绘了西班牙和荷兰战争中双方人物的复杂心理状态：西班牙虽是胜利者，但凶狠、傲慢，给人一种不快之感；荷兰人失败了，但没有失去尊严。他的大量肖像画都坚持写实原则，并且注重刻画人物的精神面貌。可惜的是画面的气氛过于和平，与史实有明显的差别，但这并没有影响这幅作品的价值。对统治阶级的代表人物如《腓力四世像》，重在表现其虚伪、冷漠和浅薄，决不阿谀奉承。对于朋友和处在社会底层的劳动者，如《拿扇子的妇人》、《矮子安东尼奥》，则被描绘得平易近人，有的还具有社会批判色彩。1651～1660年是他生活的最后10年，由于当局在对他授勋问题上有争论，使他情绪极不愉快，但仍创作了不少好作品。代表作《宫娥》（又名《宫女群》）和《纺织女》，被认为是17世纪欧洲少见的现实主义代表作，也证明他虽然长期担任宫廷画家，但始终未失去平民的本色。

　　委拉斯贵支的另一个中文译名是“委拉斯开兹”。 弗朗西斯科·戈雅戈雅是西方美术史上开拓浪漫主义艺术的先驱。早期喜欢画讽刺宗教和影射政府的漫画,贪婪的修道士,偷盗,抢劫,接生婆,全部被他画成魔鬼的样子他的画集曾被制成扑克牌他粗俗但充满真理的画风很受广大观众的喜爱并为他招来各种审判但他的修道士雇主一直袒护他曾著有裸体的玛哈,曾将皇后容貌的缺点画出来

　　1792年,拿破伦侵略西班牙时,戈雅耳聋了,他同时改变了画风,将题材转向讽刺拿破仑的假仁义和伪道德,批判战争的愚蠢借口 阿尔贝·勒布伦 （Albert Lebrun，1871年—1950年）法国政治家，法兰西第三共和国的最后一位总统（1932～1940）。

华托(JeanAntoine Watteau，1684～1721)是一个有文化的建筑商人的后代。在华托快要15岁时，其父母让他跟着一位名声平平的画家学习画画。后来，从1704年起，华托还跟过一位从事剧院装修的画家。正是跟着这位老师，十八岁的华托到了巴黎，并参加了歌剧院的装修。尽管华托只干了几个月而已，但是却令其受益匪浅。画家后来的作品中的舞台感大概就与此有关。1708年，华托有机会接触卢森堡宫中的藏品。鲁本斯的作品给了他极为深刻的印象。同时，他结识了一位擅长描绘喜剧表演的画家。华托后来所画的“游乐画”观念可能由此产生。所谓“游乐画”，描绘的是浪漫而又美轮美奂的聚会，其中盛装的男女在户外花园式的环境中随着音乐优雅地嬉戏、调情。这种画法可以追溯到乔尔乔内以至中世纪的“爱之园”的画作。华托只是接受那些他愿意画的委托件。华托曾经努力想夺取罗马大奖，以便能去意大利亲睹前辈大师们的杰作。但是，他并未如愿。在时不时光顾剧院的过程中，华托开始动手画他的“游乐画”。华托的艺术生涯不过15年而已。他尝试过各种各样的体裁(例如挂毯图样、天顶画、壁板画、扇画、键盘乐器上的装饰画、寓言画、讽刺画、风俗画、军事画、舞台画、宗教画、风景画和肖像画等)、主题和技巧。当然，他倾全力为之的还是“游乐画”，显现出了特别擅长于描绘罗可可时期的那种轻松愉快又不免忧郁色彩的梦幻世界的特殊才华。“游乐画”是别人在无法归类他的作品时临时起的名字。的确，他的“游乐画”堪称其艺术精神的结晶，属于一种新的风俗画，也是他后来获得国际声誉的原因所在。华托是一个非常独立的艺术家，他不随意屈从赞助人或官方的意志，而其作品的创意和清新使得法国绘画与意大利的学院主义拉开了距离，从而确立了直到新古典主义出现才渐渐失去影响的一种名副其实的“巴黎人的”景致。诗人戈蒂埃在《华托》(1838)一诗中显然是用了一种极为赞赏的语调：

　　我长久驻足栅栏门边，

　　凝视华托风格的庭园；

　　细榆、紫杉、绿篱，

　　笔直的小径费修饰；

　　走动间心情又悲又喜，

　　看着看着我心明矣；

　　我的幸福就寓于此。

　　当然，华托的世界是一种极人为的世界，除了爱的场景，他就画那些来自戏剧的主题。在轻浮的底下往往默默流淌着一种忧郁的情感，似乎无时无刻都在提醒人们，一切感官的愉悦均是短暂的。这往往可以为他的作品增加一种特殊的诗的意味。

　　华托作品中的忧郁的意味是与他的生活相关联的。华托从来没有自己的固定住所，总是在朋友和赞助人的家里暂住。他终身饱受肺结核的折磨。1719年，他到英国寻求名医，为后者画了《意大利喜剧演员》。翌年，画家回到巴黎，和艺术商朋友待在一起，并为后者画了《热尔尚画店》。画家临死之前，在一修士的劝说下，毁掉了大量具有情色意味的画作。1721年7月18日，年仅37岁的艺术家辞别人世。

　　华托的画由于大多与贵族有关，因而在大革命期间受到冷落。只是到了19世纪中叶，他的画才又受到普遍的欢迎。德拉克罗瓦和修拉都喜欢华托的作品。不少音乐家据说在欣赏华托的作品时就进入了音乐的氛围。西贝柳斯、拉威尔、德彪西、肖邦等是突出的例子，他们都曾从华托的作品中感受到特殊的灵感。有的艺术史学者甚至认为，华托在色彩处理和对自然的研究方面的建树使他成为了印象派的先驱之一。

　　素描是华托的画中的一个关键因素。画家从不停止手中的笔，一有空就动手画素描，习惯于迅速地为朋友和熟人捕捉住栩栩如生的姿态和音容笑貌。他也常常让模特儿一次次地更换服装和变化姿势。他有时是在一张纸上画下同一模特儿的若干种不同的姿态。华托将这些素描细心地保留下来，供日后的油画构图参考。这样做，是在追随16世纪的大师鲁本斯的风范。不过，与鲁本斯那种强有力的形态语言不同，华托是用一种纤细而又短促的线条构成优雅的造型。《戴帽女士三草图》就是一个很好的例子。其中一个坐着，另两个大方地站立着。右边的那个造型后来就出现在《农民的婚礼》一画中。同时，即使是在草图中，人们就可以看出华托在用粉笔时的娴熟和大气。他用淡红色的粉笔勾线，再用白粉笔强调光的效果，而人物服装的装饰性得到尤为精彩的渲染，其皱褶和肌理跃然纸上。

　　《发舟西苔岛》是一幅与画家同年所作的《朝圣西苔岛》(藏于柏林夏洛滕堡宫)颇为相似的风俗画，即“游乐画”。它是画家经过多年奋斗之后功成名就的一个重要标志。众所周知，爱情从中世纪开始就是法国诗歌中的传统主题，它是所谓“一种使身体健康的心理疾病”。西苔岛据说是维纳斯诞生后不久登陆的地方，当时从海上出生之后，风神就将她送到了西苔岛。因而，此岛是献祭给维纳斯的。在华托的时代，西苔岛成了一个极为流行的主题，从18世纪开始，有不少的芭蕾和歌剧就一而再、再而三地表现了“发舟西苔岛”的主题。此画也是对这一主题的描绘，并从戏剧中获得启示。画面中的一对对恋人穿着舞会上的盛装，有的甚至穿着朝圣用的披肩。但是，他们与其说是在向西苔岛这一传说中的恋人之岛进发，还不说是正依依不舍地离开它。所有人都已经在岛上的爱情之殿中山盟海誓，爱神维纳斯让他们变得无法分离。地上的那些东西被弃而不管是为了突出爱情的愉悦在此时此刻的至高无上。但是，在这种爱意绵绵的情境中却隐含着某种痛苦的情绪。爱情在离开了维纳斯的绿荫庇护之后将会怎样这也是恋人们难以离别西苔岛的潜在原因。画家在表达一种看起来轻松愉快的主题时，却也隐隐约约地平添了一种忧伤的情调。这种永远找不到安身立命的感伤是华托作品中挥之不去的典型意绪。所以，欣赏华托的“游乐画”往往有两个阶段：先是看到其中的快乐、优雅甚至风流；接着则是感受潜在的黑暗或淡淡的悲哀。

　　画中云蒸霞蔚般的背景显然有威尼斯画派的影响。小天使们在恋人们的头上盘旋，营造出一种梦幻与现实相融的情景。至于色彩的运用，有鲁本斯晚期画风的一些特点。不过，华托用的是流畅的、稀释的颜料，不是鲁本斯所用的那种凝重的、厚涂的颜料。有研究者认为，就主题而言，《发舟西苔岛》就是鲁本斯的《爱之园》一画的某种再创造。

　　《威尼斯游乐图》依然是“游乐画”的范畴。但是，有研究者指出，其中右边的风笛手带有强烈的自画像的成分。他是如此的虚弱、憔悴，同时是那么的紧张、焦虑，眼睛又透露出某种的烦躁，因此反而成为内中的忧伤之源。细看之下，人们确实会有些迷惑，画中风笛手以及左侧的画家的朋友为什么视线不是集中在中央的女演员身上或许在表面的舞蹈和闲逸之外还有更多的忧虑画中田园式的背景强调了聚会中沉浸在快乐里的人们已经远离了社会的诸种藩篱的约束，而其中的男女情也是暗示的，而非展示的。因而，在这种具有舞台感的构图中，一切都是变幻的，充满了不可确定的因素。

　　华托后期的作品从迷人的西苔岛的神话转向更为平实的现实本身，不再深深地沉迷在梦幻之中。在尝试了若干幅小尺寸的画之后，华托就画了《吉尔》这幅尺寸颇大的作品，以此突出了人物(戏剧中的丑角)的某种孤独感。华托对戏剧是极为痴迷的。因而，丑角成为其笔下的主题是十分自然的。尽管这不是一幅自画像，但是，有的研究者指出，这幅画同样具有相当的自传因素。画中包含了艺术家的某种相当强烈的认同感，委婉表达出一种令人痛苦的情感。也许，这是画家为一个演员出身的咖啡馆的主人所画的招牌画。画中的人也可能是以一个朋友或者一个演员为模特儿的。丑角两眼出神，双臂垂着，一动不动，笔挺地站着，脸上是那种似醒非醒、天真而又庄重的表情。后面是绿叶茂森的、意大利风格的背景，天空中什么也没有。在颇像一个露天舞台的土墩的边上有四个哈哈大笑的人物。他们都是演员，其中有一个是骑在驴上的小丑——他们共同构成了完整的画面，同时增添了戏剧性。与《威尼斯游乐图》不一样的地方在于，吉尔不像那个风笛手那样，脸上有丰富的表情特征，而且吹奏着乐器，而是一身简单的白戏服。月亮状的帽子围绕着一张生动而又严肃的脸，与其身后的人活泼的脸容形成了对比。而且，吉尔似乎与身后的人们完全没有关系：如果说吉尔是闲着的，那么其他的人却是活跃的；吉尔没有笑容，而其他人却是在逗乐；吉尔只是朝着观者的方向看着，而其他人却形成一个群体。画中的情感无疑是多重的甚至复杂尤加，华托通过令人心有所感的形象记录了某种结局而非开局的意绪。这是一种笑不出来的东西，是一种让人微微心酸的寂静。确实，华托在这幅画中体现了自己与装饰味的罗可可的距离了。

　　《热尔尚画店》是画家的最后一幅作品，而且尺幅巨大。它写实地描绘了华托的艺术商朋友热爱画店内的情形。原本此画要用来做招牌的。艺术史学者认为，这是画家笔下最富古典气息、构图最完美的作品。与此同时，这也是晚期的华托在写实与心理探询上的追求。这是一幅华托风格的风俗画，试图描绘出人在日常生活中的位置。与以前的画不一样，这里的爱情的背景不再是那种有天使飞翔的花园，而是变成了巴黎的朋友的画店；社交用的音乐改为了买卖过程。正如有的艺术史学者所指出的那样，此画除了伦理意义外，什么也不缺。在某种意义上说，此画是艺术杰作，也是重要的“文献”，18世纪的艺术家感兴趣的装饰性(那些挂着的画大概是热尔尚从未经手过的，而且画面被一分为二、欺骗眼睛的写实性等尽在其中。人物不再穿那种化装舞会上的礼服，而是时髦的衣服，画家不仅引人入胜地画了衣服上的花边和柔滑的质感，而且也精心描绘了普通的亚麻服装，譬如那个在搬路易十四肖像画的男子的丑角风格的衬衣。所有的人物均无大小主次之别。画中从街上走进画店的少女仿佛要将观者的视线引入店内，她的伴侣风度十足地走前一步，好像是在跳小步舞曲。他们成为华托笔下最后的一对爱侣。店内陈列的有些画作(如右边的圆形画)中的爱情描绘自然是一种印证、强调和渲染。年轻的女店员为顾客展示一面镜子，可是男性们到底是在看镜子还是美丽的少女呢同时，镜子中被映照的是一个目光哀怨的盛装女士的形象。画中尽管没有什么清晰的故事的线索，可是所有的人物却似乎并非只是为了艺术品而来。因而，越看这幅画，越会让人反思人的内心世界。无怪乎有研究者认定，华托的这幅画属于“心理写实主义”，从而完成了华托对鲁本斯的最后敬意和超越。可惜的是，艺术家英年早逝，这种追求未能再延伸和发展 弗拉戈纳尔是弗朗索瓦·布歇（ Francois Boucher，1703—1770）的学生，而且又不断研究夏尔丹，并取得显著进步。他也留学过意大利，三十一岁回巴黎以后，才开始他的真正的创作活动；他的作品手法多种多样，既有豪放恣意画成的，也有精心严谨地描绘的。

　　弗拉戈纳尔的作品风格多变，色彩华丽，充满色情意味。晚年时因绘画风格不合时尚逐渐没落。他的代表作品之一《秋千》，巧妙地运用明暗的变化，以纤细的笔致，描绘出庭院和树林的美，非常精巧。它的纤细的线条，有种类乎病态的魅惑，色彩也淡雅。从这种表现来说，弗拉戈纳尔虽然是天资丰富的艺术家，但他的主题却稍稍有种不严肃之处。从下往上眺望正在打秋千的贵妇人的年轻贵族，也许当时没有遭到非难，但今天看来，就颇有轻佻浮薄之嫌了。对此只能认为弗拉戈纳尔是迎合贵族的轻佻作风。如果说华铎是好的方面的洛可可画家，那么就不能不说弗拉戈纳尔却具有洛可可的浮恶之气，正是由于这一点，应该说他又是最洛可可化的。总之布歇和弗拉戈纳尔都充分表现了路易王朝贵族、贵妇人的轻艳奢侈嗜好游玩的生活、感情和趣味。

　　弗拉戈纳尔的《浴女》构图突兀，女人体似乎同云朵、树木、河流一起在急剧旋转，别致而诱人。《蒂布尔瀑布》更是独造，强光在晒台衣服上造成的点点闪光和丰富层次，甚至可和两个世纪以后的风景画相比。不过，弗拉戈纳最拿手的还是肖像，大块的厚色、飞舞的笔触与传统手法大相径庭。《狄德罗》、《读》、《舞蹈家吉玛尔》等画，至今仍以其潇洒奔放的手法而脍炙人口。

伊萨克·列维坦（Levitan，Isaak Iliich) 1860年8月18日生于立陶宛基巴尔塔，1900年7月22日卒于莫斯科。列维坦是俄国杰出的写生画家，现实主义风景画大师，巡回展览画派的成员之一。列维坦的作品极富诗意，深刻而真实地表现了俄罗斯大自然的特点与多方面的优美。他的写生画的独到之处是：用笔洗练、综合广泛、情感充沛，描绘大自然的状态以及各种精神感受的千变万化，富有沉思、忧郁的特性 门采尔（Adolpyh Von Menzel 1815-1905），阿尔道夫�6�1门采尔是世界著名的素描大师，是德国十九世纪成就最大的画家,也是欧洲最著名的历史画家,风俗画家之一,更是杰出的素描大师。石版工之子。他从13岁开始学绘画。一生共创作了一万五千多幅速写，七千多张素描。这些数量惊人的作品，都是他辛勤劳动的结晶，他不管走到哪里，绘画工具总是随身带着，在大街小巷，乡村田野，河畔山顶，处处可以看到挥笔作画的身影。有人称他得了“缓画狂热症”，他听了很高兴地说：“希望此病是绝症。”精于素描，作有为数众多的速写及素描。画家力求从多方面反映现实生活,画了很多工人及其他劳动者的形象,这在当时欧洲同时代的画家中是罕见的然而我们今天也不能用机械的观点去印证门采尔的政治意识如在我国的某些出版物中,似乎给门采尔作了主观的缺乏时代感的政治加冕正如他画皇帝及统治阶级上层,并经常出入于宫廷参加宴会和各种典礼,而自身并非反动派;他画了大量劳动者,但也不宜说他是为了表现工人阶级的力量和劳动创造世界如同他对色彩和光颇感兴趣,但决非属于印象派一类。他经常 在纸版上作小幅油画，描绘 日常生活景象。他最著名的作品是《轧铁工厂》，是较早反映工人劳动和生活的油画作品。他的创作题材广泛，画有历史画、风俗画及风景画等。作品有历史画《无忧宫的宴会》、《无忧宫音乐会》、《威廉一世加冕礼》，风俗画有《轧铁工厂》、《舞会晚餐》、《柏林波茨坦铁路》、《阵亡烈士葬仪图》等，他凭记忆作画画了5000余幅素描和速写，造型严谨、解剖明确、笔法刚劲、生动自如，被誉为“素描大师”。

德拉克洛瓦

“浪漫主义狮子”德拉克洛瓦（1798～1863年）。德拉克洛瓦知识广博、黄绿色 作者:格哈德·里希特情感丰富，擅长音乐，有很高的文学素养。他重视色彩的热烈奔放，认为“色彩是绘画的主角”。他明确提出，要用色彩去塑造形体，而不是如古典派那样在画好的“素描”上“填”颜色。他在1824年首次展出的《希阿岛的屠杀》，描绘了土耳其侵略军在希阿岛大肆掠夺和屠杀手无寸铁的希腊平民的暴行，表达了画家本人对希腊人民的声援与同情。1830年法国“七月革命”爆发，德拉克洛瓦创作了有深刻历史意义的油画《自由引导人民》。德拉克洛瓦的《沙达纳帕路斯之死》、《猎狮》、《阿拉伯人与马》等都是浪漫主义画派的杰作。

借里科

借里科（1791～1824）。法国画家。1791年9月26日生于里昂，1824年1月26日卒于巴黎。青年时代就喜欢画马。曾和E德拉克洛瓦相识，崇拜P·P·鲁本斯、米开朗琪罗和巴洛克美术。21岁时画的《轻骑兵军官》获金质奖。1819年《梅杜萨之筏》引起轰动，这幅反映由于法国政府的过失而使战舰梅杜萨号在非洲触礁沉没的事件，表现了他对人类命运的关注和人道主义精神。该画的出现，引起了各艺术流派的兴趣：新古典主义者研究他的构图和空间处理，浪漫主义者则为画面所具有的强烈感情和悲剧性力量所震撼，而写实主义者对他的题材的真实性备加称赞。热里科一生留存油画191件，素描180余幅，石版画100幅，雕刻6件。他的艺术风格的广泛性和复杂性，预示着浪漫主义、写实主义和早期印象主义的出现。

约瑟夫·透纳

英国浪漫派代表人物约瑟夫·透纳（1775～1851年）。透纳一生画了大量海洋风景画，他通过对海洋上光与空气效果的研究，创造了自己独特的风格。看他的画，观者的心情往往难以平静。画中的阳光、烟霞、水气、浪雾……好像是由纯粹的光的韵律所组合的。他的《贩奴船》、《商船遇难》、《最后一次归航》等，都表明他的海景画已达到炉火纯青的阶段。透纳对光色和空气变化的注重与悉心研究，对后来的印象主义派画家有着明显的影响。

吕德

法国浪漫主义风格的雕塑家吕德（1784～1855）。吕德摈弃了18世纪末19世纪初法国雕塑界流行的形式主义，提倡富于动态和激情的风格。他的代表作是巴黎凯旋门上的高浮雕《马赛曲》，重现了1792年法国人民保卫祖国的历史场面。

猫爪图案通常被认为是美国品牌Keds的标志性设计。Keds是一个历史悠久的运动鞋品牌，它一直以来都在引领时尚潮流，强调舒适性和耐用性。Keds最初推出了经典的白色帆布鞋，但在其品牌发展历程中，不断推出新的颜色和图案。其中，猫爪图案是Keds中最受欢迎的设计之一。这个图案不仅体现了家庭宠物的主题，而且也符号化了Keds品牌一直追求的生活方式的理念。Keds的猫爪图案现在已经成为了品牌的经典标志之一，不仅在运动鞋市场上占有一席之地，也成为了时尚界的流行icon。

此外，也有一些其他品牌使用猫爪图案作为设计元素，例如香港品牌阿桑娜（AZONA）旗下的A02品牌，它的标志是猫猫的脚印，衣服上也有很多猫猫的图案，连拉链头都是一只尖耳的猫猫。然而，这些品牌在市场上相对较小众，可能不是您想要了解的主要品牌。

1824年对法国美术乃至整个欧洲美术都具有特别的意义。这一年中，作为新古典主义向浪漫主义过渡的代表人物吉洛德去世了。早先全欧洲最重要画室的大卫画室中的学生们，要么江郎才尽，要么出现了风格上的摇摆。也是在这一年，浪漫派的急先锋热里科因骑马而不幸夭折。但是更重要的是，在这年的沙龙展览会上，多年受到冷遇的安格尔以他的《路易十三的宣誓》而大获称颂，法国国王查理十世还因此授予他荣誉军团十字勋章，法兰西美术学院接纳他为院士。与此同时，德拉克罗瓦也在这届沙龙中展出了他的《希阿岛的屠杀》，尽管在这届新古典主义占统治地位的展览会上此作受到许多批评，但它却代表了一种新的绘画思潮的正式出场，是这种思潮向新古典主义的正式挑战，这种挑战决定了欧洲绘画中两个主要方向的产生。

浪漫主义（Romanticism）作为一种倾向存在于历史的各个时期和各个地区的艺术作品之中，但作为一场运动则主要指18世纪末19世纪初的一场艺术革命，以19世纪30年代为盛。其中，主动介入现实、强化艺术的人道主义精神和生命活力的一面称为积极的浪漫主义；而常隐入历史、片面强调个性的幻想、主张情感放纵的一面称为消极的浪漫主义。后者常滑入唯美主义和形式主义。热里科的《梅杜萨之筏》就是取材于现实并肇发积极的浪漫主义的代表作之一。

浪漫主义一出现就表现出它与学院的新古典主义的对立，它反对学院派古典主义的理性与类型化，而强调情感、个性和具体化，反对学院派古典主义的规范而重视情绪的自由描绘，反对学院派古典主义的素描和线条而提倡色彩和块面，反对学院派古典主义的平面性而主张光与色对比——这一切使得浪漫主义成为一种富于想象而充满激情的艺术。

浪漫主义的出现不是无根基的，它经历了一个从古典主义蜕变的过程。有意思的是，这个蜕变过程主要是由大卫自己的学生来完成的，这些学生包括吉洛德、格罗和普吕东，不过他们都只是偶然表现出浪漫主义的倾向，真正的浪漫派先驱还是热里科。在法国，浪漫主义艺术的主要代表是热里科和德拉克罗瓦，雕刻方面的代表是吕德、卡尔波等人。

热里科

热里科（Jean Louis Theodore Gericault，1791—1824）是比前面几个还要晚一辈的艺术家。他生于卢昂一个律师的家里，幼年即随家迁往巴黎。在19世纪初的巴黎，大卫的画室成为全欧洲向往的地方，另外一个叫格兰的画家的画室虽然也有名但却无法与大卫画室相抗衡，直到20年后情况才反转过来。热里科就是在19岁时进入格兰画室并后来结识了师弟德拉克罗瓦的。热里科早期的作品即已表现出他的大度和热情，他的老师格兰认为他具有非凡的才华。他的第一幅显示才华的作品，就是1812年21岁时完成的《轻骑兵军官在冲锋》。热里科自小喜爱骑马，以后他成为画马的能手。从此画可以看出，显然他对画马做过深入的研究。虽然此画像是一幅画的局部，但无论它的画法和构图已足以显示一种新的审美的成熟了。此画充分显示出热里科所受鲁本斯的影响，马的大跨度动势，人物的反身砍杀和斜角的构图都给人以情绪上的振动，尤其它的画法已不再是大卫的确定轮廓后的平涂色，也不是吉洛德、格罗、普鲁东的偶然“犯规”，而是大胆直接地用笔和用色，这更给画面增加了生动性。大卫看过此画后感叹道：“从未见过如此画法！”

1816年，热里科为了研究文艺复兴艺术而前往意大利。去意大利考察这时仍为法国艺术家所热衷，但时代不同了，热里科在那里发现的不是古希腊罗马而是米开朗基罗。他不仅用笔来临摹米开朗基罗和其他大师的作品甚至还用凿子，但这都是按他一个现代人的理解来临摹的。这些作品动感强烈、线条有力，说明热里科的目标是明确的，这就是他要用新的色和新的形去创造一个新的时代。这样，他在以后的作品中便不断寻找着适合于自己的题材。这些题材虽然也包括历史和神话，但更多的是当代事件。当代事件和他的艺术理想最终在《梅杜萨之筏》中达到有机的结合。

热里科短促的一生与马紧密相连，他自幼崇拜驯马演员，画马的作品多达千幅，最后还因坠马受伤而死于33岁的盛年。