美国十大浪漫金曲

世界排名前十经典英文歌曲Promises don’t come easy Moon River Over the rianbow Nothing’s gonna change my love for you Because I love you I will always love you Scarbourgh fair Sound of Silence yestoday once more The one you love 今年大多数人爱听的：1)Avril-girlfriend: Avril在中国的名气还是不小的,今年到处都在放girlfriend你要说你没听过我也没话说 2)Ne yo-Because Of You: Neyo在So Sick之后的节奏感相当强的美声说唱 3)Akon-Sorry,Blame It On Me: 不要一提到Akon就想起Dont Matter,这首歌是Akon在一次对歌迷的暴力行为后的道歉,旋律相当的诚恳,可以听下 4)Beyonce-Irreplaceable: 在美国的大街小巷,连小孩都会插着腰哼"You must not know about me, You must not know about me",你怎么能不听一下这首07年度全球最火的RNB呢 5)Daughtry-Home: Chris Daughtry将抒情摇滚走向了极致,虽然声音不沙哑,但应该是远远超越Hinder的Lips Of An Angle了 6)Maroon 5-Wont Go Home Without You: 轻而易举一个优美的假声,再加上轻松舒适的旋律,主唱性感的光头造型,这就是Maroon 5 7)Fergie-Big Girls Dont Cry: 这是黑眼豆豆主唱Fergie的一首比较柔和的歌,同样推荐这张专辑里的Glamorous 8)Alicia Keys-No One: 舒缓而又强烈的节奏,简单的歌词,哑而不沙的声线,再也找不到第二个Alicia Keys了 9)Carrie Underwood-Before He Cheats: 乡村女王,感谢AI提拔了这个人才 10)Amy Winehouse-Back to Black: 许多人都预计,Amy会凭着这首歌在今年的Grammy上大红大紫 11)Keith Urban-I told you s 就是我常提起的那个进戒毒所的孩子这是首牛仔味十足的乡村,相当有意思 12)Rascal Flatts-Me And My Gang: 提到乡村不能不提RF,十分年轻,十分有活力 13)Taylor Swift-Our Song： 十七岁出道,自己写歌的乡村才女 14)Jordin Sparks-Tatt 此人同样来自AI,人们都说Tatto有模仿Irreplaceable的嫌疑但是不能否认这首歌很好听 15)Rihanna , Jay-Z-Umbrella 16)Justin Timberlake-What goes around 17)Elliott Yamin-Wait For You 18)Blake Lewis-I got U 19)The Hoosier-Worried About Ray 20)Soujia Boy-Crank That:歌倒不怎么样,这段舞全球出名 21)Plain White Ts-Hey There Delilah: 很慢很干净 22)Leona Lewis-Bleeding Love: X Factor第一届冠军,历程与Kelly Clarkson极其相似,特别是当她唱A moment Like This的时候 23)Shayne Ward-No U Hang Up: 人很帅,这首歌表现的是热恋中的孩子们的缠绵,打电话时"你先挂""不,你先挂" 24)Craig David-Hot Stuff 25)Kelly Clarkson-Never Again:除了这首歌,她这张专辑里几乎没什么动听的了和前两张专辑根本不能比 26)Linkin Park-what Ive done:

十大美声男高音歌唱家：戴玉强、魏松、张建一、范竞马、丁毅、石倚洁、薛皓垠、陈勇、杨阳、莫华伦。

1戴玉强。

中国内地男歌手，美声唱法。北京大学歌剧研究院客座研究员，扬州大学兼职教授，河北工业大学艺术指导客座教授 。截至2016年时是中国人民解放军总政治部歌剧团主要演员。他的声音甜美柔润。中低声区流畅舒展，高声区刚劲奔放而畅达华美，加之气息从容，强弱自如，分句完美。戴玉强的舞台表演潇洒大方，气质典雅，温柔多情又不失阳刚之美。

2、魏松。

作品有《托斯卡》等。1993年获宝钢高雅艺术奖，2003年魏松两度赴美国举行独唱音乐会，被誉为“当今世界最优秀的男高音”。魏松属于抒情兼戏剧男高音，他的中声区音色浑厚圆润，高音区明亮有金属般的穿透力，气质典雅，声情并茂。

3、张建一。

世界著名男高音歌唱家，是活跃在国际歌剧舞台上为数不多的亚裔男高音歌唱家。他擅长演唱欧洲浪漫主义音乐时期传统美声唱法风格的意大利和法国歌剧的抒情男高音角色。

4、范竞马。

祖籍无锡生于重庆长于凉山范竞马曾被世界著名男高音歌唱家多明戈誉为“近十年来欧洲罕见的男高音。”多年来，他一直活跃在国际歌剧舞台上 。范竞马曾在40余部歌剧、交响乐及宗教曲目中，担纲男主角。他擅长意大利歌剧和歌曲，但并不局限于此。

5、丁毅。

旅欧男高音歌唱家。出生于上海。日本东邦音乐大学硕士毕业，获全额奖学金留学奥地利。2007年连续四次获得国际声乐比赛金奖。现作为世界年轻一代罗西尼男高音的代表歌手之一，专职于演绎罗西尼，唐尼采蒂，贝里尼和莫扎特的作品。

6、石倚洁。

旅欧男高音歌唱家。出生于上海。日本东邦音乐大学硕士毕业，获全额奖学金留学奥地利。2007年连续四次获得国际声乐比赛金奖。现作为世界年轻一代罗西尼男高音的代表歌手之一，专职于演绎罗西尼，唐尼采蒂，贝里尼和莫扎特的作品。

7、薛皓垠。

毕业于中国音乐学院，中国广播艺术团独唱演员，英国皇家歌剧院签约歌唱家。2005年全球十几个国家的 200多个青年歌手参加了英国考文特花园皇家歌剧院举办的青年艺术家歌剧大赛。薛皓垠是唯一一名中国选手。经过初赛、复赛和决赛，薛皓垠过关斩将，最终成为四名获奖者之一。

8、陈勇。

男高音歌唱家，现音乐学院教授，声乐系主任，硕士研究生导师。第十届电视台CCTV青年歌手大赛美声唱法金奖获得者。

陈勇是第一个登上国家大剧院舞台进行完整歌剧演出的陕西歌唱家，也是张艺谋排演“鸟巢版”歌剧《图兰朵》中唯一的外请歌者。第十届青年歌手大赛他以99．5分的全场最高分，为陕西拿下参加央视“青歌赛”以来的首枚金牌。

9、杨阳。

西安音乐学院声乐教师、歌剧院特聘男高音歌唱家、深圳交响乐团特聘艺术家、也是国内美声唱法中为数不多的罗西尼式男高音。

10、莫华伦。

莫华伦毕业于美国夏威夷大学音乐系和曼哈顿音乐学院。1987年至1994年，签约德国柏林歌剧院，任首席男高音，从此开启他在欧美歌剧舞台上长达10余年灿烂星途，曾在数十部大型西洋歌剧中饰演主角，包括《弄臣》中的公爵、《茶花女》中的阿尔菲瑞德、《塞维利亚理发师》中的伯爵、《绣花女》中的鲁道夫等等。

美声唱法是产生于17世纪意大利的一种演唱风格。以音色优美，富于变化；声部区分严格，重视音区的和谐统一；发声方法科学，音量的可塑性大；气声一致，音与音的连接平滑匀净为其特点。这种演唱风格对全世界有很大影响。21世纪的美声唱法是以传统欧洲声乐技术、尤其是以意大利声乐技术为主体的演唱风格。

在文艺复兴思潮的影响下，逐渐产生了歌剧，美声唱法也逐渐完善。佩里根写出意大利最早的歌剧《达芙妮》，1600年又写出了歌剧《犹丽狄茜》。作曲家的创作，使歌剧突破了以往的唱法。歌剧中要求咏叹调和宣叙调相结合；要求合唱和重唱相结合；宣叙调需要足够的气息支持，要求明亮优美的声音能穿透交响乐送到观众耳边。歌剧的出现，使美声唱法趋于完善。

美声唱法传入我国，是在五四运动以后，并逐步在我国古老的大地上生根，发芽。美声唱法对我国声乐艺术无疑是起了巨大推动作用。我国年青选手纷纷在国际声乐比赛中获奖，更进一步说明运用美声唱法来解释和表达外国声乐作品的艺术水准已达到相当水平。但如何使中国声乐走向世界？如何把美声唱法的优点不断的与我国声乐艺术、语言特点相结合而形成中国声乐学派，这还有大量艰苦细致斩工作，需要广大的专业和业余的声乐爱好者去不懈的努力。

意大利文中称美声唱法为Bel canto。我国在开始引进这种唱法时，把Bel canto翻译为“美声唱法”，并把学习这种唱法的人统称为“美声学派”。其实Bel canto这个词意大利语的真正含义是“完美的歌唱”。我们仔细分析一下，“美声唱法”与“完美的歌唱”之间，在含义上是不尽一致的。“完美的歌唱”不仅仅包括声音，它还应该包括歌唱的内容及歌唱者的风度、仪表、气质等等。而“美声唱法”很容易的被顾名思义地理解为具有“美好声音”的唱法。把“完美的歌唱”理解为“美好的声音”，用田玉斌老师的话说，这种不全面、不准确的理解，使我国的声乐在发展中走了一些弯路。在很大程度上把美声唱法理解为只重视声音，声音高于一切，而忽略了其它方面的学习。因此致使不少学习美声唱法的人，在学习和实际歌唱中，要么重声不重字，要么重声不重情，甚至有的歌者非但不重字和情，就连声音也是装腔作势，唱起歌来很不感人。

基于以上原因，在声乐界有人曾主张将“美声唱法”改为“美歌唱法”。其目的也是为了能准确地认识美声唱法的，含义，以避免在理解上乃到在实践佧莂出现偏差。其实，“歌”与“声”是不能划等号的。“声”是“歌”的“载体”，但决不反映“歌”的内容。在对“美声唱法”的称谓上已经约定俗成的情况下，再去在名称上大做文章，是无实际意义的。我们可以延用“美声唱法”这一习惯称谓，但关键是如何使美声唱法与我国的歌唱语言相结合，使歌唱者既能唱好外文歌曲，也能唱好中文歌曲。

运用好美声唱法，还应该知道美声唱法包括哪些实际内容和原则。基诺贝基先生在讲学中的有关美声唱法的一系列主张和论述，经田玉斌老师概括整理为以下六个方面内容：（1）美声唱法有声部之分；（2）美声唱法要求声区统一；（3）美声唱法要求母音一致、吐字清楚；（4）美声唱法要求声音连贯；（5）美声唱法要求具备良好的音乐修养；（6）美声唱法要求声情并茂。

以上六点是美声唱法的重要内容，也可以说是六个重要原则。之所以称之为原则，是因为学习美声唱法的人必须严格遵守，而且是缺一不可的，否则很可能是不完全和不完美的美声唱法。 美声唱法起源于欧洲，它的产生不仅与欧洲音乐的发展过程有着密切联系，而且作为人类文化意识形态的一部分，它同样也是社会、时代发展的产物。13世纪前的欧洲音乐均为单声部音乐，其中，古希腊的声乐也以单声部为主，并受到严格的诗歌韵律的支配，主要以独唱、齐唱、领唱、说唱和吟唱为歌唱形式。在这一时期产生了诸如《荷马史诗》、《伊利亚特》、《奥德赛》这样出色的作品，它们是由盲人诗作者荷马创作并以说唱的方式演唱的。可以说这就是比较初期的声乐表现形式。随着古罗马帝国不断对外扩张，欧洲进入了长期的教会统治的时期，在历史上被称之为“中世纪”，教会教义几乎垄断了一切思想意识领域，歌唱同样成为各种宗教的附属品。古罗马帝国扩张不仅带来了领土的扩大，也为音乐世界带来了许多来自亚洲、非洲、欧洲的优秀艺人及丰富的音乐文化，他们聚集到罗马并使之成为当时欧洲最大的音乐中心。当时的教会演唱圣诗和朗诵《圣经》，这就成为了最早的合唱形式。教堂中用拉丁文演唱与宗教相关的内容即为被称咏的音乐形式。公元590年，罗马教皇格里高利一世选编、修订了配合教仪的《唱经本》，即著名的《格里高利圣咏》，实际上相当于规定了教堂中演唱教义的歌调。圣咏是欧洲声乐艺术的萌芽，它要求庄严、肃穆的演唱配合教堂的氛围。虽然圣咏有宣叙性和旋律性两种歌调，但由于它只是单旋律音乐，使人乏味。随着发展，演唱者将它作了一些华丽、流畅的“再创造”，形成了新的、更好的演唱方法。

在圣咏音乐流行的时期，从11世纪起出现了一些促进音乐艺术的发展、丰富声乐艺术内容的音乐形式。由于当时手工业和商业得到了发展，城市开始出现了针对宗教音乐的世俗音乐，它要求人们用音乐反映生活和世俗的情感。此后，又相继出现了游吟歌手、恋诗歌手、民歌手等专业的歌唱者，他们虽无法完全摆脱宗教的浓厚色彩，但已可堪称为对宗教音乐的大胆突破。 阉人歌手促使技巧的发展。

13世纪中期的欧洲音乐逐步突破单声部，开始进入复调音乐时期，声乐演唱也为多声部合唱形式，分别由女高音(soprano)和女低音(Alto)担任，圣咏旋律则由男高音(Tenor)担任，后来又加入了男低音声部(Bass)。由于圣经的古训规定“妇女在教堂中应保持缄默”，因此，演唱中的女声部均由男童声代替。这些男童是被阉割的男童声歌手，在声乐发展史上被称作“阉人歌手”。他们的出现曾为欧洲声乐艺术的发展做出了巨大的贡献，并奠定了“美声唱法”的基础，也在一定程度上推动了歌剧的产生与发展，他们盛极的时代同时也带来了美声唱法的黄金时代。早在4世纪，意大利就建立了专门训练童声演唱圣咏的歌唱学校，他们遵循古训，严禁妇女在唱诗班演唱，由于童声会随着年龄的增长而发生音色的变化，而不能唱出符合圣咏需要的优美自然的歌声，所以出现了这种不人道的“阉人歌手”现象。他们的声带及喉头不会随着年龄和身体的成熟而变化，阉人歌手具有女声的声带，同时又具备男子的体魄，所以，无需用假声就能发出悦耳的女声。虽然他们的声音不如真正的女声柔美，但他们华丽、轻巧、明亮的音色，宽广的音域，能令听众激动不已。在阉人歌手兴起和盛行的时期，不仅排挤了女声，甚至在一定程度上几乎抢占了男声在歌坛上的地位。阉人歌手在欧洲盛行了近两个世纪之久，还有学校和教育机构专门训练阉人歌手。意大利著名阉人歌唱家法瑞奈里和卡法瑞里就是阉人歌手盛行时期的典范，他们的演唱技巧已经达到出神入化的地步。不容置疑，他们将欧洲的声乐水平推进到了一种较高的境界。18世纪末19世纪初，欧洲封建制度开始动摇，人们纷纷要求废除这种不人道的歌唱现象，同时妇女们也要求冲破封建束缚走上舞台，加上此时的男声也通过“关闭”的技法（close技法）提高了高音演唱能力，因此，阉人歌手在18世纪末开始走向衰落。 美声的发展与歌剧的诞生有密切的关系，如果说阉人歌手的出现奠定了美声唱法的基础，那么歌剧的诞生和发展又从更符合歌唱艺术发展的文化层面促使了美声的发展。歌剧诞生于文艺复兴运动的极大影响之中，当时，佩里、卡契尼、蒙特威尔第等作曲家，在歌剧创作中为了仿效希腊悲剧的朗诵调，他们使旋律与歌词内容、情绪变化，以及语言的起伏紧密结合，在歌剧中主要起着展开情节的作用。他们突破了传统和保守的束缚，创造了采用自然声音，由各角色来演唱自己段落的宣叙调演唱形式。为了使宣叙调的演唱更具有古希腊人在广场上演悲剧朗诵的那种声音效果，就不能采用声音微弱的童声和假声，而需要采用有足够气息支持，有丰厚声音共鸣，丰满宏亮而咬字清晰、真切、并富于穿力的声音。“这些就促使佛罗伦萨小组的成员除了创作之外，还必须研究解决如何演唱的问题，于是就在前人，特别是维基的三幕仅供清唱用的16世纪恋歌剧《安菲帕那索》的演唱经验基础上，发展出了美声唱法”(摘自尚家骧的《欧洲声乐发展史》)。卡契尼提出要以宏亮致远的声音演唱歌剧的要求；蒙特威尔第则进一步使歌剧音乐戏剧化，写出了歌唱性的宣叙调和具有强烈感染力的咏叹调，这些都使得歌唱家们感到提高自己的演唱能力和技艺是良好表现音乐作品的基本保障。同时，蒙特威尔第在威尼斯建造了世界上第—座歌剧院，使歌剧从最初的宫庭和贵族的厅堂走入了正规的歌剧院，也为社会各阶层的观众提供了良好的欣赏场所。这样，随着观众层次的扩大，欣赏要求不断提高，必然地促使歌唱家们开始研究训练完善他们的歌唱技术，以便自己的演唱能达到卡契尼、蒙特威尔第所提出的宏亮、致远、富于戏剧性的声音要求。于是，许多卓越的歌唱家以他们高超的演唱技巧、华丽的嗓音，穿过庞大的乐队“音墙”，清晰地把歌声送到剧场的每个落，征服了观众，使歌唱艺术达到了新的高峰，所以可以说“美声”随着歌剧而得到极大的发展，是文艺复兴时期人文主义思想在音乐艺术上的表现；它不仅是一种歌唱技术和一种演唱网络，而且还是一定美学原则和艺术思想的体现。

透过17世纪欧洲诸多乐派中最具影响力的四大歌剧乐派佛罗伦萨乐派、威尼斯乐派、罗马乐派、那波里乐派对演唱风格的要求，我们不难看出它们对“美声”的发展的重大意义。

佛罗伦萨乐派：在佛罗伦萨歌剧乐派中有—个小组，他们突破传统的演唱形式，采用自然的声音，男演男角，女演女角。在贵族的宫庭里，在文人的聚会上他们都会尽情地演唱，弗朗西斯科·卡契尼就是当时最早、最优秀的女歌唱家之一。为了能使演唱再现古希腊人在广场上演出的悲壮效果，佛罗伦萨小组的成员开始了对声音及唱法的探究。传统的童声或假声已不能满足现实的需要，一种强调充分的呼吸，丰满、明亮的共鸣，清晰真切的咬字及宏亮而致远的音质的演唱要求被提出。他们不仅创作歌剧，而且还要不断地对演唱、发声的技巧进行研究。于是，随着《达芙妮》、《犹丽狄契》等抒隋音乐剧的诞生而产生了代表佛罗伦萨乐派风格的演唱要求：在自然、朴素的演唱基础上要求甜美、柔和、典雅，旋律优美抒隋给人以舒适之感。

威尼斯乐派：在17世纪的歌剧史上，蒙特威尔第创立了威尼斯歌剧乐派，为早期意大利歌剧奠定了基础。如果说佩里和卡契尼是歌剧音乐抒隋的创始人，那么蒙特威尔第则是音乐戏剧性的创始人，可以说歌剧诞生在佛罗伦萨，发展在威尼斯。蒙特威尔第创作的宣叙调加大了乐队伴奏的比例，丰富和烘托了独唱的气氛，他的第一部歌剧《奥菲欧》与佩里和卡契尼的《犹丽蒂契》来自于同—题材，而他写出了戏剧性的悲剧效果。在歌剧的创作上，蒙特威尔第首先使用了减七和弦，大胆地使用了转调和半音音阶，在乐队伴奏上，他首创了弦乐器的拨弦和揉弦的技巧。威尼斯乐派使歌剧走向社会，并使其走上了“花腔”——加花演唱的道路，他们追求华丽的演唱技巧和声音效果，他们以高超的声乐技巧出现在舞台上，引起了阵阵狂热。这种戏剧性的宣叙调和咏叹调使Bel canto的演唱获得了更大的表现力。

罗马乐派：作曲家卡瓦里埃原是佛罗伦萨人，后定居罗马，成为了罗马有名的作曲家，同时也成为了罗马乐派的代表人之一。歌剧这种体裁在罗马乐派中成了宗教的附属品。卡瓦里埃在宗教的气氛包围中，创作了寓言性的，颂扬封建道德的歌剧《灵魂与肉体》，以他为代表的罗马乐派的歌剧创作虽然在题材和形式上模仿佛罗伦萨乐派，在演唱上局限于宗教风格，但同时也具有自己的特点，在舞台布景、装置、服装上追求富丽豪华的场面。

那波里乐派：17世纪下半叶，意大利的歌剧被那波里歌剧乐派所取代，同时也为Bel canl0的演唱提供了更广阔的天地。其中包括A·斯卡拉蒂。A·斯卡拉蒂是一位颇有才能的作曲家和歌唱家，他创作的歌剧具突破性，使美声从此走向一个新的发展阶段，而且也逐渐形成了那波里的美声风格：重视声音的明净、优美的音质和华丽的声韵效果。同时，他还为社会培养出了许多教授美声的教师。

美声是借鉴、融合了圣咏、阉人歌手高超华丽的演唱方法，伴随着歌剧的创始与发展，逐渐成熟和完善并成为—个科学的声乐体系，它能在世界声乐史上达到一个光辉的顶峰，所依靠的正是那些严格、准确的技术要求和训练，依靠的正是那些动人的声乐作品和杰出的歌唱家们炉火纯青的高超技艺。由于“美声”这种歌唱方法与风格，很快得到欧洲各国声乐表演和声乐教学的采用和接受，并在它的发展中，逐步从地区性扩展为国际性，形成一种具有演唱风格，声乐技术，美学原则和教学理论的声乐学派。 阉人歌手的衰落一部分原因是由于大歌剧的兴起。欧洲文艺复兴运动促使人们冲破封建的、神学的、禁欲主义的束缚，个性得到解放，爱I青成为人们歌颂的主题，资产阶级浪潮对封建制度进行强烈冲击。进入19世纪，阉人歌手这种不人道的现象逐渐被禁止。l8世纪后期，大歌剧主题大都离不开对个性解放的要求和对爱情主题的叙述，并提倡采用现实主义的创作方法。因．此歌剧舞台上逐步改变了由阉人歌唱家担任女角的演唱方式，奠定了男唱男角，女唱女角的新演唱形式，这是欧洲歌剧的—个重大转折。为了实现男高音演唱技巧的飞跃，以配合不断发展繁荣的歌剧舞台，经过两百多年的教学和几代人长期实践探索，l9世纪随着“掩蔽”唱法出现使男声获得了稳定的高音，它标志着男高音演唱技巧的质的飞跃，并在歌剧舞台上，以男角为主角的局面逐步形成。可以说，l9世纪是男声的黄金时代，无论从演唱技巧的发展，演唱人才辈出，还是以大量的男角为主的作品涌现，均证明了男声在歌剧中的重要地位。

以贝里尼、唐尼采蒂、罗西尼为代表的意大利歌剧，以及法国歌剧都反映了这一时期的声乐演唱水平，声乐史上称这一时期为美声唱法的“全盛时期”。19世纪意大利伟大的歌剧作家威尔第的充满爱国主义激情的歌剧问世，标志着歌剧创作的新发展。由于他成功地在咏叹调上的创作，使得对声音的要求也进一步提高，既要有扎实的歌唱技术，强烈的情感表现方式，震撼人心的戏剧性，又要具有抒隋性和流畅、灵活和柔美。以马斯卡尼为代表的真实主义歌剧演唱技巧又上了新的台阶。而瓦格纳的歌剧由于注重乐队的配置，加重了乐队在歌剧中表现的分量，因此想获得较清晰的演唱效果，演员们必须在发声上要为扩大音量而努力提高发声的技巧。为适应不断发展起来的歌剧舞台，美声唱法在发声技巧上经历了多次的飞跃，总而言之，歌剧的发展推动了声乐艺术的发展。 19世纪初，欧洲的文学艺术出现了一种新的潮流或新的风格，这就是所谓的“浪漫主义”或“浪漫主义文艺思潮”。浪漫主义形成于法国资产阶级革命后以及拿破仑专政时期。浪漫主义的文学艺术，反映了当时欧洲资产阶级和小资产阶级知识分子的思想感情和对社会生活的态度。浪漫主义的文学艺术，不仅是—个创作方法和作品风格问题，而且还是—个内容复杂的世界观和艺术观的问题。在音乐创作方面，浪漫主义的形成是在19世纪初的20年代。“它的奠基者是奥地利作曲家舒伯特和德国作曲家威柏”。(摘自张洪岛的《欧洲音乐史》)舒伯特的创作是艺术歌曲、交响曲、室内乐等，威柏主要是歌剧创作。浪漫主义作曲家在音乐创作手法上作了许多革新，比如，在主题的音调上加强了抒情的因素，在器乐作品中贯穿了歌曲性的音调等。而在歌曲的创作方面，歌词大都采用名家的诗作，诗意盎然，讲究诗词和音乐浑然—体和“诗化精神”，要求将诗词的内涵充分地用音乐表现出来，同时，加强了伴奏、尤其是钢琴伴奏的表现功能和作用，形成了与歌声共同塑造艺术形象，推进高潮、揭示歌词意境，表现歌词未尽之意的新型关系。随着以舒伯特、舒曼、布拉姆斯等作曲家为代表的德奥浪漫主义艺术歌曲的兴起，便出现了不同于歌剧咏叹调演唱的艺术歌曲演唱风格。虽然艺术歌曲的演唱同样运用“美声”技术，但它的演唱风格和技术要求却因内容需要，有别于歌剧。一是艺术歌曲的内容大都是浪漫主义诗人的文学杰作，要表现这些诗歌细腻的情感、浪漫的隋调、高雅的格调，就需要运用轻声、半声，以及高音区上渐强渐弱的技术来丰富声乐的表现力。二是艺术歌曲通常用钢琴伴奏，在声音的音量上要求控制，并与歌剧演唱强烈的音响形成了对比。三是艺术歌曲还具有室内乐的性质，不以表现戏剧性的激情见长，而以抒情为主。从而形成了以多种音色、清晰的吐字、细致的语调，以含蓄为贵、阴柔见长的艺术歌曲的演唱特点。正如德国当代最著名的艺术歌曲演唱家施瓦尔茨科普高度概括的那样：演唱歌剧犹如用大刷子醮着涂料进行粉刷，演唱艺术歌曲则像是画“工笔画”，需要极细的笔来描绘。以舒伯特为代表的艺术歌曲的问世，还使欧洲的歌曲创作进入了—个崭新的境界，在欧洲声乐艺术的发展中占有重要的地位，并且还形成了与歌剧以及教堂音乐平分秋色的局面。随着艺术歌曲创作的繁荣，还出现了以音乐会演唱为主的职业歌唱家。

16世纪意大利歌剧的兴起，确立和发展了美声学派的声乐技术和演唱风格；19世纪德奥艺术歌曲的兴起和繁荣，不仅出现了与歌剧不同的演唱风格，还造就了许多专门从事艺术歌曲演唱的歌唱家。由此可见，音乐创作的繁荣和发展，歌曲创作手法的革新和开拓，对音乐表演和声乐演唱以及音乐教育都起着十分重要的促进作用。

20世纪的声乐舞台可谓是百花齐放，各领风骚，多种演唱风格与流派并存。他们的竞争带来了演唱方法的多种多样，同时也是美声唱法日臻科学和完善的表现。

　　IL divo

　　应该是这个

　　美声男伶IL DIVO的诞生是英美音乐工业一个赤裸裸的阳谋，这次下手的对象是全球的少奶奶、阔太太们，而幕后黑手就是POP Idol（流行偶像）、American Idol（美国偶像）等选秀节目的制作人——Simon Cowell。

　　2001年，为了撬开成熟女性紧捂的荷包，Simon Cowell从美国、法国、瑞士和西班牙，找来四位年轻的帅哥歌唱家，组成了四人乐团IL DIVO（IL DIVO是意大利语中“男声乐家、男伶”的意思）。很不幸的是，在IL DIVO精心包装的“型男、古典、美声、浪漫、异国情调＋4P”攻势下，各地的熟女、**们相继拜倒在他们的Giorgio Armani西裤之下：矜持的英国妇女首先缴械，2004年11月，IL DIVO的首张同名专辑未经任何单曲促销，就直接杀入英国金榜的冠军，并在不到两个月时间内席卷了超过百万英国妇女的钱袋；2005年4月，IL DIVO进军美国，放荡的美国女人根本没做任何抵抗，就把IL DIVO送上了Billboard跨界古典的冠军宝座。下一步，IL DIVO的目标是全球的成熟女性，而杀手锏则是新专辑『Ancora』。

　　抛开IL DIVO的男色不谈，做一张好的跨界音乐（Crossover）专辑其实并不是一件很容易的事。首先就是选曲方面，跨界古典音乐要赢得普罗大众的欢心，在曲目的选择上就必须兼顾美声与通俗，以往通常的做法是“古典为体，流行为用”，以经典易懂的歌剧、意大利民歌等为基础，然后在唱腔和配器上做通俗的演绎，所以我们可以看到实际上跨界歌手的选曲空间其实非常有限，象IL DIVO的两张专辑里的“Nella Fantasia”、“Ti Amero”、“En Aranjuez Con Tu Amor”这些名曲，几乎都快被Russell Waston、Andrea Boceli、Sarah Brightman甚至Hayley Westenra小妹妹给唱烂了，大凡是个跨界古典乐歌手都要来上两首，就象我们一到国庆晚会就必唱“团结就是力量”一样。

　　Russell Waston在推出“Encore”时就坦呈，其实自己在做到第三张专辑“Reprise”，就发现可以用来做跨界演绎的古典名曲越来越少了，连他自己都不晓得当时是怎么完成第三张专辑的。狭窄的选曲空间，一是易造成听众的审美疲劳，再则就是容易让掏钱的冤大头从撞车的曲目中听出演唱者的高下来，比如“Nella Fantasia”，如果你听过Russell Waston的版本，就会发现IL DIVO唱的是多么的单薄和平淡了。另外，大家一窝蜂在古典SOLO上做道场，作为后来者就很难有所突破。

　　不过这些在IL DIVO都已不成问题，Simon Cowell毕竟是电视人出身，知道那些爱看肥皂剧的女人们喜欢什么样的音乐。作为一个四人组合，IL DIVO比独唱的乐手有了更多的发挥空间，相同的歌曲，通过和声和四人不同音色、不同语言的衔接，就能唱出令人耳目一新的感觉来，比如第二张专辑里的“Heroe”，几乎已经听不出任何Mariah Carey原唱的痕迹，完全是一副新古典乐的味道了。在配乐上，IL DIVO也极尽奢华，丰富的管弦乐在很大程度上丰满了他们的演唱，同时也让他们的专辑更具流行性，比如“Hasta Mi Final”里就加入了Celtic音乐元素。

　　IL DIVO彻底从传统跨界歌手的选曲空间中解脱出来，更多地从流行乐中挖掘改编曲目，象Toni Braxton的Unbreak My Heart、Mariah Carey的Hero，Westlife的How Does It Feel、Celine Dion的Because You Still Love Me都被IL DIVO旧瓶装上了新酒，“I Believe In You”干脆就直接拖上Celine Dion一起开唱。到了第二张专辑，古典几乎已成了配菜，流行才是正餐，也许这就是Simon Cowell更愿意把IL DIVO的音乐称为POPERA（流行歌剧）或CPOP（古典流行乐）的原因吧。

1、有意识地运用气息发声，逐步做到横膈膜控制呼吸。

2、形成正确的喉头位置，解放喉头，稳定喉部器官，使声带运动与呼吸密切配合，调整适度，在唱高、中、低、强弱不同的音符时，都有较为理想的声音效果。

3、训练调节共鸣腔体的方法，适当扩张可调节形状的共鸣器官--咽腔、口腔、喉腔。运用不能调整形状的共鸣器官--头腔和胸腔，通过共鸣腔体的调节与运用，增大音量，美化音色。

4、呼吸、喉头（声带）、共鸣器官密切配合，协调运动地发声，做到声区统一，富于力度和音色变化。

扩展资料：

发展历程

13世纪前的欧洲音乐均为单声部音乐，其中，古希腊的声乐也以单声部为主，并受到严格的诗歌韵律的支配，主要以独唱、齐唱、领唱、说唱和吟唱为歌唱形式。

13世纪中期的欧洲音乐逐步突破单声部，开始进入复调音乐时期，声乐演唱也为多声部合唱形式，分别由女高音（soprano）和女低音（Alto）担任，圣咏旋律则由男高音（Tenor）担任，后来又加入了男低音声部（Bass）。

18世纪后期，大歌剧主题大都离不开对个性解放的要求和对爱情主题的叙述，并提倡采用现实主义的创作方法。因此歌剧舞台上逐步改变了由阉人歌唱家担任女角的演唱方式，奠定了男唱男角，女唱女角的新演唱形式，这是欧洲歌剧的—个重大转折。

19世纪初，欧洲的文学艺术出现了一种新的潮流或新的风格，这就是所谓的“浪漫主义”或“浪漫主义文艺思潮”。浪漫主义形成于法国资产阶级革命后以及拿破仑专政时期。

-美声唱法

、《蓝色的多瑙河》 。“圆舞曲之王”、奥地利的约翰·施特劳斯创作于1867年的名曲，合唱曲与管弦乐曲的版本并存，乐曲描写了多瑙河的秀丽景色，被誉为是奥地利的“第二国歌”，每年维也纳新年音乐会的必演曲目。

2、《晨曲》。 英国作曲家埃尔加写于1901年的小品，与另一首《黄昏之歌》相对应，原曲是为小提琴及钢琴所作。

3、《印度之歌》。 由俄国作曲家里姆斯基·柯萨科夫1896的发表的歌剧《萨特阔》中第四场印度商人的唱段改编而来，因其充满异国情调的旋律而让人难以忘怀。

4、《船歌》（选自《霍夫曼的故事》）。 法国著名的喜歌剧作曲家奥芬巴赫所作，原为歌剧《霍夫曼的故事》中的二重唱曲，后被改为多种音乐演奏形式，“船歌”又称“威尼斯船歌”，它也是一种音乐体裁的名称。门德尔松及肖邦亦有类似体裁的作品。

5、《闲聊波尔卡》。 奥地利作曲家约翰·施特劳斯的波尔卡代表作之一，1858年为其在俄罗斯的演出而专门创作，乐曲生动地描绘了妇女们愉快生活的场景。

6、《伦敦德里小调》。 爱尔兰民谣中流传最广的一首，后由奥地利作曲家克莱斯勒改编成小提琴曲。伦敦德里又叫德里，是爱尔兰岛北部的一座小城。乐曲纯朴动人，充满温馨情调。

7、《威尼斯狂欢节》。 法国著名长笛演奏家、作曲家热南所作，原为长笛曲，其中部分旋律引用了威尼斯的古老民歌。乐曲所描绘的明朗而欢快的节日风景经曼陀凡尼改编后显得更为栩栩如生了。

8、《罗马之恋》。 这是一首以罗马名胜为题材的乐曲，那低缓而略带伤感的旋律表达了游人们对风景名胜依依不舍的心情。乐曲有着意大利通俗歌曲的韵律，使去过罗马的人们对美丽的往事流连不已。

9、《意大利随想曲》 。曼陀凡尼乐队的保留曲目，由《塔兰泰拉舞曲》、《我的太阳》、《弗朗西斯卡》、《桑塔露齐亚》、《玛丽亚·玛丽》、《富尼古利·富尼古拉》等六首曲子的主旋律组成，是其演奏会中最受欢迎的曲目之一，在中国献演时也不例外。

10、《那不勒斯的塔兰泰拉舞曲》。 意大利著名歌剧作曲家罗西尼于1830年至1835年间创作的音乐曲集《音乐夜宴》中的第八曲，原为女高音独唱曲。

11、《卡塔丽》。 根据那波里民歌改编的著名男高音独唱曲，又名《负心人》，描写的是男人失去心上人之后的痛苦之情。当今世界三大男高音帕瓦洛蒂、多明哥、卡雷拉斯都曾演唱过此歌。

12、《美国组曲》。 由六首美国民谣组成，其中《温柔地爱我》、《牛仔之歌》、《哦，苏珊娜》等旋律都是在全世界广为流传的。

13、《迷人的一瞥》。 又名《奇异的恩典》，作为英国民谣及圣歌而传唱于世，并被多位歌手翻唱。

14、《绿袖子》。 曼陀凡尼的经典作品之一，根据十六世纪传入英格兰的民谣改编，许多影视剧都采用过此曲。

15、《西班牙吉普赛歌曲》。西班牙作曲家NPMarquina创作的具有西班牙风格的吉普赛舞曲，因其热烈奔放而通常会作为曼陀凡尼演奏会的下半场开始曲。

16、《墨西哥草帽舞》。 根据墨西哥民间舞蹈音乐改编，是曼陀凡尼乐队的演奏曲目中编配最好的乐曲之一。

17、《探戈》。 西班牙作曲家阿尔贝尼斯所作钢琴曲集《西班牙》中的第二首，因其旋律优美流畅，有如一首抒情歌曲而广为流传。探戈是由西班牙所特有的民族舞曲探戈·弗拉明哥演变而来的一种在现代社会广为流传的舞曲，曼陀凡尼本人对这一体裁尤为喜爱。

18、《蓝色探戈》 。著名的探戈舞曲之一，是起着古典与现代通俗音乐桥梁作用的美国作曲家安德森1951年的作品，曾被许多乐队改编演奏过。

19、《蓝天》 。德国作曲家JRixher创作，是二次大战前欧洲大陆最受欢迎的一首探戈名曲，亦曾得到不少轻音乐演奏团体的青睐。

不知道够不够

参考资料：

http://oxicxocom/htmlnews/2005/09/09/664557htm