《飞鸟集》的作者

　　《飞鸟集》是一部富于哲理的英文格言诗集，共收录诗325首（英文版共326首，中文译版少第263则），初版于1916年完成。其中一部分由诗人译自自己的孟加拉文格言诗集《碎玉集》(1899)，另外一部分则是诗人1916年造访日本时的即兴英文诗作。诗人在日本居留三月有余，不断有淑女求其题写扇面或纪念册。考虑到这一背景，我们就不难理解这些诗何以大多只有一两行。诗人曾经盛赞日本俳句的简洁，他的《飞鸟集》显然受到了这种诗体的影响。因此，深刻的智慧和简短的篇幅为其鲜明特色。美籍华人学者周策纵先生认为，这些小诗“真像海滩上晶莹的鹅卵石，每一颗自有一个天地。它们是零碎的、短小的；但却是丰富的、深刻的”，可谓言之有理。

　　[编辑本段]作者简介

　　罗宾德拉纳特·泰戈尔（1861—1941）是一位印度诗人、哲学家和印度民族主义者，1913年他获得诺贝尔文学奖，是第一位获得诺贝尔文学奖的亚洲人。 1861年5月7日，罗宾德拉纳特·泰戈尔出生于印度加尔各答一个富有的贵族家庭。他的父亲戴宾德纳特·泰戈尔是闻名的哲学家和社会活动家。哥哥、姐姐也都是社会名流。泰戈尔在这样一个文坛世家环境的薰陶下，8岁开始写诗，12岁开始写剧本，15岁发表了第一首长诗《野花》，17岁发表了叙事诗《诗人的故事》。才华横溢的泰戈尔从小就走上了文学创作的道路。 1878年，他遵父兄意愿赴英国留学，最初学习法律，后转入伦敦大学学习英国文学，研究西方音乐。 1880年回国，专事文学创作。 1884年，离开城市到乡村去管理祖传田产。 1886年，他发表《新月集》，成为印度大中小学必选的文学教材。这期间，他还撰写了许多抨击美国殖民统治政论文章。 1901年，泰戈尔在圣地尼克坦创办了一所从事儿童教育实验的学校。这所学校在1912年发展成为亚洲文化交流的国际大学。 1905年，泰戈尔投身于民族独立运动，创作了《洪水》等爱国歌曲。《人民的意志》被定为今日印度的国歌。 1910年，泰戈尔发表长篇小说《戈拉》。 1916年，发表长篇小说《家庭和世界》。 1912年，泰戈尔以抒情诗集《吉檀迦利》获诺贝尔文学奖金。 1913年发表为人们所熟知的《飞鸟集》和《园丁集》。 20世纪20年代，泰戈尔曾多次出国访问，并与世界各国文化名人一起组织反战的和平团体。 30年代，当德、意、日法西斯发动侵略战争的时候，泰戈尔拍案而起，向全世界大声疾呼：“在我离去之前，我向每一个家庭呼吁——准备战斗吧，反抗那披着人皮的野兽。” 这位举世闻名、多才多艺的作家，在漫长的六十多年创作生涯里，共写了五十多部诗集，12部中长篇小说，一百余篇短篇小说，二百多个剧本和许多有关文学、哲学、政治的论文以及回忆录、游记、书简等。其中1912年问世的著名诗集《吉檀迦利》，使泰戈尔获得了诺贝尔文学奖。《故事诗》和《两亩地》是印度人民喜闻乐见、广为传诵的不朽诗篇。脍炙人口的《喀布尔人》、《素芭》和《摩诃摩耶》均为世界短篇小说的杰作。《赎罪》、《顽固堡垒》、《红夹竹桃》等都是针对当时印度社会现实予以无情揭露和鞭笞的著名戏剧剧本。 泰戈尔不仅是一位造诣很深的作家、诗人，还是一位颇有成就的作曲家和画家。他一生共创作了二千余首激动人心、优美动听的歌曲。其中，他在印度民族解放运动高涨时期创作的不少热情洋溢的爱国歌曲，成了鼓舞印度人民同殖民主义统治进行斗争的有力武器。《人民的意志》这首歌，于1950年被定为印度国歌。泰戈尔70高龄时学习作画，绘制的1500帧画，曾作为艺术珍品在世界许多有名的地方展出。 1941年，泰戈尔与世长逝，享年81岁。

　　[编辑本段]1、创作思想

　　思想发展与艺术成就 泰戈尔生逢急剧变革的时代，受到印度传统哲学思想和西方哲学思想的影响。但他世界观最基本最核心部分还是印度传统的泛神论思想 ，即“梵我合一”。在《缤纷集》中，他第一次提出“生命之神”观念。他对神的虔诚是和对生活、国家与人民的爱融合在一起的。但这使他的诗歌也蒙上了浓厚的神秘主义色彩。另外，他提倡东方的精神文明，但又不抹煞西方的物质文明。这些都使他的思想中充满了矛盾而表现在创作上。综观泰戈尔一生思想和创作发展 ，可大体分3个阶段： ①幼年直至1910年前后，他积极参加反英政治活动，歌颂民族英雄，宣扬爱国主义，提倡印度民族大团结。 ②隐居生活直至1919年再次积极参加民族运动，爱国主义激情稍有消退，政治内容强的诗歌被带有神秘意味的诗歌所取代，也受了西方象征主义、唯美主义诗歌的影响，宣扬的是爱与和谐。 ③从1919年阿姆利则惨案开始直至逝世，他又开始关心政治，积极投入民族解放斗争，作品的内容又充满了政治激情，视野也开阔了，对世界和人类都十分关心 。可以说 ，泰戈尔一生的创作既有“菩萨慈眉”，也有“金刚怒目”。他的诗歌受印度古典文学、西方诗歌和孟加拉民间抒情诗歌的影响，多为不押韵、不雕琢的自由诗和散文诗；他的小说受西方小说的影响，又有创新，特别是把诗情画意融入其中，形成独特风格。

　　[编辑本段]2、创作历程

　　泰戈尔童年时代即崭露诗才，他的爱国诗篇《给印度教徒庙会》（1875）发表时，年仅14岁。1880年，19岁的泰戈尔便成为职业作家。1881至1885年，他出版了抒情诗集《暮歌》（1882）、《晨歌》（1883），还有戏剧和小说等作品。这些早期伤品的特点是梦幻多于现实，富于浪漫主义色彩。 90年代是泰戈尔创作的旺盛期，诗集《心中的向往》（1890）是他的第一部成熟作品，著名诗篇《两亩地》（1894）的发表，标志着泰戈尔从宗教神秘主义走向深刻的人道主义。这一时期的诗作还有《金帆船》（1894）、《缤纷集》（1896）第5部抒情诗集和一部《故事诗集》（1900）。此外，他还创作了60多篇短篇小说，其中的《素芭》（1893）、《摩诃摩耶》（1892）、《最活着，还是死了？》（1892）等被列入世界优秀短篇小说杰作之林。 1901年，泰戈尔为改造社会创办了一所学校，从事儿童教育实验。1912年，这所学校成为亚洲文化交流的国际大学。由于英国在孟加拉推行分裂政策，1905年印度掀起民族解放运动的第一个高潮，泰戈尔积极投身于运动并创作了许多爱国诗篇。这一时期是他创作的最辉煌时期。他出版了8部孟加拉文诗集和8部英文诗集，其中《吉檀迦利》为诗人赢得世界性声誉。这一时期重要的诗集还有《园丁集》（1913）、《新月集》（1915）、《飞鸟集》（1916）等。1910年，泰戈尔又发表了史诗性长篇小说《戈拉》和象征剧《国王》等。 1919年，印度掀起第二次民族解放运动高潮，为寻求民族解放道路，他走遍五大洲，发表了许多著名演讲。这时期突出成就是政治抒情诗，分别收在《非洲集》（1937）、《边沿集》（1938）、《生辰集》（1941）等作品中。 泰戈尔一生共创作了50多部诗集，12部中、长篇小说，100余篇短篇小说，20余种戏剧，还有大量有关文学、哲学、政治的论著和游记、书简等。此外，他还是位造诣颇深的音乐家和画家，曾创作2000余首歌曲和1500余帧画，其中歌曲《人民的意志》已被定为印度国歌。 在60余年的艺术生涯中，他继承了古典和民间文学的优秀传统，吸收了欧洲浪漫主义与现实主义文学的丰富营养，在创作上达到炉火纯青的地步，取得了辉煌成就，成为一代文化巨人。1913年，“由于他那至为敏锐、清新与优美的诗；这诗出之以高超的技巧，并由他自己用英文表达出来，使他那充满诗意的思想业已为西方文学的一部分”，获诺贝尔文学奖。英国政府封他为爵士。 1941年4月，泰戈尔写下最后的遗言《文明的危机》。同年8月7日，泰戈尔于加尔各答祖宅去世。

　　[编辑本段]3、代表作品

　　重要诗作 《故事诗集》（1900）、《吉檀迦利》（1910）、《新月集》 （1913）、《飞鸟集》（1916）、《边缘集》（1938）、《生辰集》（1941）； 重要小说 短篇：《还债》（1891）、 《弃绝》（1893）、《素芭》（1893）、《人是活着，还是死了？》（1892）、《摩诃摩耶》（1892）、《太阳与乌云》 （1894），中篇《四个人》（1916）， 长篇：《沉船》（1906）、《戈拉》（1910）、《家庭与世界》（1916）、《两姐妹》（1932）； 重要剧作 《顽固堡垒》（1911）、《摩克多塔拉》（1925）、《人红夹竹桃》（1926）； 重要散文 《死亡的贸易》（1881）、《中国的谈话》（1924）、《俄罗斯书简》（1931）等。

　　[编辑本段]泰戈尔与中国

　　泰戈尔一贯强调中印两国人民团结友好合作的必要性。 1881年，他写了《死亡的贸易》一文，谴责英国向中国倾销鸦片、毒害中国人民的罪行。 1913年，泰戈尔以诗歌集《吉檀迦利》荣获诺贝尔文学奖。 1915年，陈独秀在《青年杂志》（《新青年》）第2期上发表他译的《赞歌》4首。作品中“信爱、童心、母爱” 的思想，博大仁慈的胸怀，独具魅力的人格，赢得了无数中国读者的敬仰。 1916年，他在日本发表谈话，抨击日本军国主义侵略中国的行动。 1924年，泰戈尔应孙中山先生之邀访华，“泰戈尔热”进入高潮。他在徐志摩家乡时，“观者如堵，各校学生数百名齐奏歌乐，群向行礼，颇极一时之盛。”他会见了梁启超、沈钧儒、梅兰芳、梁漱溟、齐白石、溥仪等各界名流。 1924年，他访问中国，回国发表了《在中国的谈话》。 1937年，日本帝国主义发动侵华战争以后，他屡次发表公开信、谈话和诗篇，斥责日本帝国主义，同情和支持中国人民的正义斗争。 1956年，周恩来总理回忆时说：“泰戈尔是对世界文学作出卓越贡献的天才诗人……”他熏陶了一批中国最有才华的诗人和作家，其中郭沫若、冰心受到的影响最深。郭沫若是中国新诗第一人，称自己文学生涯的“第一阶段是泰戈尔式的”。冰心是中国新文学女性作家第一人，她早期的创作受到了泰戈尔的明显影响，特别是诗集《繁星》和《春水》。她说：“我自己写《繁星》和《春水》的时候，并不是在写诗，只是受了泰戈尔的《飞鸟集》的影响，把许多‘零碎的思想’，收集在一个集子里而已。”郭沫若、冰心等人又以他们的作品，影响了一代又一代中国读者。 几十年来出版的他的作品的中译本和评介著作为数很多。1961年为纪念他的百岁诞辰，人民文学出版社出版了10卷本《泰戈尔作品集》。

正冈子规的早期作品有1892年的《月亮的都城》、1897年的《花枕》和《曼珠沙华》等小说。1893年发表《芭蕉杂谈》，对松尾芭蕉作出独特评价。其他主要作品有1885－1896年间受与谢芜村影响较大的5卷本俳句集《寒山落木》、1897－1902年用写实手法完成、风格平淡的2卷本《俳句稿》和1904年由弟子左千夫等编选的短歌集《竹之里歌》及1895年的《俳谐大要》、1897年出版的《俳句诗人芜村》，对主要吟咏风景的与谢芜村给予高度评价。1898年的《致歌者的书简》等诗论和1896年的《松萝玉液》、1901年的《墨汁一滴》、1902年的《病床六尺》和1901－1902年的《仰卧漫录》等随笔集。

正冈子规的俳句、短歌一反传统写法，具有现实性和客观性，使俳句等作为能够适应新时代文学精神的一种形式而再次获得艺术生命。他认为诗人应该如实地反映事物，并且应该使用当代的语言。随笔追求简洁平明而又富有起伏的文风。1900年，他在《日本新闻》上发表一篇题名《叙事文》的随笔，介绍“写生”一词，借以阐述他的论点。对日本8世纪的和歌集《万叶集》十分推崇，通过自己的文章促使人们对该作品和对俳句诗人芫村重新发生兴趣。而对纪贯之参加编纂的日本第一部敕选诗集《古今和歌集》则认为其过于拘泥于对传统的尊重，重词藻而轻内容。《致歌者的书简》反映了这一观点。 为此曾同与谢野宽发生激烈论争。

1899年，正冈子规和弟子们一同创办“根岸派短歌会”，同与谢野铁干和与谢野晶子夫妇为代表的浪漫主义诗歌组织“新诗社”相对立，成为当时日本诗坛的两大流派。晚年除诗歌创作外，还喜爱水彩画。1902年9月19日去世。死后以俳句革新家的身份享誉日本文坛。

司马辽太郎的长篇巨著《坂上之云》描述松山藩出身的秋山好古和秋山真之兄弟，以及自幼一起长大的文学家正冈子规的故事。

意象派是20世纪初最早出现的现代诗歌流派，1908~1909年形成于英国，后传入美苏。代表人物有：休姆、庞德、艾米和叶赛宁等。 意象派的产生最初是对当时诗坛文风的一种反拨。首先，在19世纪后期英国文坛，象征主义、唯美主义与浪漫主义结成一体，形成新浪漫主义。意象派是在其基础上演变而成的。到20世纪初，传统诗歌，尤其是浪漫主义、维多利亚诗风蜕化成无病呻吟、多愁善感和伦理说教，只是“对济慈和华兹华斯模仿的模仿”。庞德及其意象派提出“反常规”“革新”地进行诗歌创作的主张。其次，20世纪初柏格森热流行，这是自叔本华以来非理性主义哲学思想在文学界影响的延伸。意象派的开创者休姆就直接受教于柏格森。柏格森的直觉主义、生命哲学全盘为意象派所接受，成为其主要的理论依据和哲学基础。意象派诗特别强调意象和直觉的功能。同时，象征主义诗歌流派为意象派开创了新诗创作新路，尤其是诗的通感、色彩及音乐性，给意象派以极大的启发。 由于意象派诗人大多经历了象征诗歌创作，所以理论界也有人将意象派看做象征主义的分支，实际上意象派和象征主义诗歌有极大的本质差异。意象派不满意象征主义要通过猜谜形式去寻找意象背后的隐喻暗示和象征意义，不满足于去寻找表象与思想之间的神秘关系，而要让诗意在表象的描述中，一刹那间地体现出来。主张用鲜明的形象去约束感情，不加说教、抽象抒情、说理。因此意象派诗短小、简练、形象鲜明。往往一首诗只有一个意象或几个意象。虽然，象征主义也用意象，两者都以意象为“客观对应物”，但象征主义把意象当做符号，注重联想、暗示、隐喻，使意象成为一种有待翻译的密码。意象派则是“从象征符号走向实在世界”，把重点放在诗的意象本身，即具象性上。让情感和思想融合在意象中，一瞬间中不假思索、自然而然地体现出来。 另外，从诗歌意象的内在形式看，意象派受日本俳句和中国古诗的影响。意象派诗歌革新，首先是从模仿学习日本俳句开始的。日本“俳圣”松尾芭蕉（1644— 1694）的短诗给他们以极大影响。《古池塘》中“古池塘，青蛙跃入，水清响”，青蛙暗示春天，古池塘象征永恒，青蛙跃入，悦耳的清响，又归于平静，具有宗教的空静哲理，此地有声胜无声，声响冲破了以前的凝固、寂静，传达出世界宇宙亘古不变的禅意。俳句中一瞬间对诗歌内涵的直觉读解令意象派诗人迷醉。日本古典俳句的最后一位诗人小林一茶，从小失去父母，四处流浪，他的诗歌具有一种幽默感、同情心，写弱小者中有一丝自嘲成分。如《小麻雀》中“到我这里来玩呀，没爹没娘的小麻雀”，意象简洁而含义丰富。麻雀是小动物，不如有利爪的鹰，会自己觅食，也不如家禽，不愁吃，有温饱。诗中得不到人世温暖，同病相怜之情瞬间体现了出来。他的仿陶渊明佳句“青蛙悠然见南山”，是说青蛙才是真正超脱的，没理性的，而陶渊明的超脱是痛苦的，见南山后回来也未必超脱。诗人以青蛙见南山来嘲讽自己，感叹人生。意象派诗人进一步发现日本俳句源于中国格律诗。在他们看来，中国诗是组合的图画。中国的古诗完全浸润在意象之中，是纯粹的意象组合，如柳宗元《江雪》：“千山鸟飞绝，万径人踪灭。孤舟蓑笠翁，独钓寒江雪。”王维《使至塞上》：“大漠孤烟直，长河落日圆。”马致远《秋思》： “枯藤老树昏鸦，小桥流水人家，古道西风瘦马。夕阳西下，断肠人在天涯。”中国诗歌完全由意象主导，贯穿全诗，犹如一幅挂于眼前的图画，情景交融，物与神游。中国魏晋唐代诗人的这种表现意象而不加评价的诗风，正与意象派主张相吻合。庞德从汉语文学的描写性特征中，看到了一种语言与意象的魔力，从而产生对汉诗和汉字的魔力崇拜，长诗《诗章》中多处夹着汉字，以示某种神秘意蕴，主张寻找出汉语中的意象，提出英文诗创作中也应该力图将全诗浸润在意象之中。 …… 意象派诗歌在创作中表现出的鲜明的艺术特征主要有三点。 第一，意象派要求诗歌直接呈现能传达情意的意象，以雕塑和绘画的手法表现意象，反对音乐性和神秘性的抒情诗，提出“不要说”“不要夹叙夹议”，只展现而不加评论。庞德概括意象诗的定义为：“意象是在一瞬间呈现出的理性和感情的复合体。”如中国著名的仅有一个字的现代小诗《生活》：“网。”让读者在一刹那间感悟到生活的全部内涵。再如艾米的代表作《中年》：“仿佛是黑冰，/被无知的溜冰者，/划满了不可解的漩涡纹，/这就是我的心被磨钝了的表面。”诗歌在 “黑冰”“漩涡纹”“磨钝了的表面”等意象的显示中，瞬间传递出只可意会、不能言传的诗人对人到中年茫然无奈的内心感受。 意象诗的构成方式主要有：1 意象层递：按照事物发展的客观规律，有条理，有层次地组合意象。如中国诗《敕勒歌》：“敕勒川，阴山下，天似穹庐，笼盖四野。天苍苍、野茫茫，风吹草低见牛羊。”从远山到近草、从天空到大地，意象鲜明，层次清晰。庞德的《致敬》：“喂，你们这派头十足的一代，/你们这极不自然的一派，/我见过渔民在太阳下野餐，/我见过他们和邋遢的家属一起，/我见过他们微笑时露出满口牙，/听过他们不文雅的大笑。/可我就是比你们有福，/ 他们就是比我有福，/岂不见鱼在湖里游，/压根儿没有衣服。”这里，鱼是最自由的，鱼在水中自由遨游，无拘无束，压根儿没有穿衣服；捕鱼的渔民次于鱼，他们在野外席地就餐，同邋遢的家人一起，不文雅地大笑；看着自由生活的渔民的我又等而次之，然而我却能看穿你们这“派头十足的一代”“极不自然的一派”。诗人在层次分明的对比中，对那些自诩为高贵典雅、派头十足然而却是矫揉造作的文人，发起了挑战，主张现代诗人应当像在水中自由漫游的鱼一样，摆脱诗歌的陈规旧律而自由创作。2 意象叠加：将有相同本质涵义的意象，巧妙地叠合在一起，意象与意象之间构成修饰、限定、比喻等关系。如休姆的《码头之上》：“静静的码头之上，/半夜时分，/月亮在高高的桅杆和绳索间缠住了身，/挂在那儿，/它望上去不可企即，/其实只是个球，/孩子玩过后忘在那里。”将月亮与被孩子遗弃的气球意象叠印起来，以月亮象征现代人和现代生活，与带有修饰含义的气球意象叠加以后，及其月亮被缠绕在桅杆绳索之间，一刹那间美受亵渎，高雅遭奚落，以及现代人的忧郁惆怅、冷落孤寂的情感油然而生。再如庞德写给早年恋人的《少女》：“树进入了我的双手，/树液升上我的双臂。/树生长在我的胸中往下长，/树枝从我身上长出，/宛如臂膀。//你是树，/你是青苔，/你是紫罗兰。/你是个孩子，/而在世界看来这全是蠢话。”诗歌先以充满生机的“树”的意象，叠加和修饰“我”，后又以青苔、紫罗兰叠加和修饰“树”。显然，树的意象是少女和爱情的象征，像青苔紫罗兰一样青春美丽，像绿树一样充满生机，这一切滋润着“我”的成长和生命历程，尽管这些在世俗者看来都是些无稽的蠢话。在意象的叠加中，我们体味到了紫罗兰般少女的美丽温柔、青苔绿树般的生命张力。 3 意象并置：把不同时间，空间的两个可见意象并列在一起，借以启发和引起别的感受。休姆说：“两个可见意象的组合，可以称为一个视觉的和弦。它们的联合使人获得了一个与两者都不同的意象。”不同意象并置，所引发的情感情绪已脱离了其中的某一意象含义，而具有一种全新的感受。如中国诗“无边落木萧萧下，不尽长江滚滚来”，落叶与江水的意象已经转化为除旧布新走向未来的含义；“鸡声茅店月，人迹板桥霜”是表现孤独的游子远行他乡、早起晚宿的艰辛苦难。庞德作为意象派诗歌的里程碑式作品《在一个地铁车站》： 人群中这些面孔幽灵般显现， 湿漉漉的黑色枝条上的许多花瓣。 诗中只有两个意象，人群中的脸和黑色枝条上的花瓣并置在一起，这完全是在匆忙的行走的人群中获得的瞬间意象，写出了诗人一瞬间的视觉印象，一瞬间的内心感受。在地铁车站的密密麻麻的人群中，诗人站立其间，过往的行人迎面而来，匆匆忙忙从身边走过，整个气氛阴森潮湿，令人窒息。几张女人和孩子苍白美丽的面孔时隐时现，打破了这种冷清沉闷，给人一种愉快的感觉，从而感受到一些活力。两个并置的意象映入大脑，构成俗陋与优美，潮闷与清新对比强烈的画幅。既表现了都市人繁忙庸碌的生活，给人以一种挤压感，描绘出现代人内心的焦虑不安、紧张动荡、繁忙而又单调的生活现实，同时又展示了心灵对自然美的依恋与向往。 第二，意象派诗歌的语言简洁明了，不用没有意义的形容词、修饰语，去掉装饰性的花边，反对卖弄词藻，诗行短小，意象之间具有跳跃性。如庞德翻译李白《古风》中“惊沙乱海日”一句为：“惊奇。沙漠的混乱。大海的太阳。”其中虽不免误译，但语言的简洁明快也可见一斑。再如美国著名意象派诗人威廉斯的《红色手推车》：“很多事情/全靠/一辆红色/小车/被雨淋得晶亮/傍着几只/白鸽。”简洁清新的诗行，将美国普通人对中产阶级生活的向往一目了然地传达了出来，以至诗歌被许多家庭主妇背唱吟诵。 第三，意象派诗歌注重意象组合的内在韵律与节奏，将意象与所蕴含的思想情感融成一体。主张按语言的音乐性写诗，反对按固定音步写诗，认为均匀的格律诗是等时性的、起催眠作用的“节拍器”。意象派发现日本诗不押韵，中国诗通过汉学家逐字注释稿翻译，也就成了自由体诗。所以，意象派诗不讲规则，接近自由体诗。他们主张诗歌音乐性要自然，要注重事物内在的韵律、节奏。这在英语国家中起了推广自由诗的作用。 意象的生成可分为两种形式：其一是主观意象；其二是客观意象。意象的表现形态可分为两种创作倾向：其一为静态意象派，以艾米、奥尔丁顿、杜立特尔为代表，崇尚古典美，有浪漫派风格，创作了许多雕塑诗、风景画诗。如艾米的《环境》：“凝在枫叶上，/露珠闪闪发红，/而在莲花中，/它却像泪珠般苍白晶莹。” 《秋雾》：“是一只蜻蜓还是一片枫叶，/轻轻地落在水面？”意象宁静美丽，犹如一幅美丽的风景画幅。其二是动态意象派，以庞德、叶赛宁为代表。1914年庞德发表了《漩涡》诗札，标志新创立的“漩涡派”的诞生。庞德主张在意象诗歌原则下，更强调诗歌的动感和活力，认为：“意象不是观点，而是放亮的一个节或一个团，它是我能够而且可能必须称之为漩涡的东西，通过它，思想不断地涌进涌出。”追求意向的流动性，创作上追求多意象跳跃的复杂效果。 意象派作家的美学观念和艺术风格虽然各有差异，但他们在创作上却形成了某些一致的倾向。无论是庞德、艾米，还是叶赛宁，意象派诗都表现一种感伤、苦闷和充满希望的情调。意象派诗短小、清新、细腻、深情。 「抽象」是「具象」的相对概念，是就多种事物抽出其共通之点，加以综合而成一个新的概念，此一概念就叫做「抽象」。「抽象绘画」(AbstractPainting)是泛指二十世纪想脱离「模仿自然」的绘画风格而言，包含多种流派，并非某一个派别的名称：它的形成是经过长期持续演进而来的。但无论其派别如何，其共同的特质都在于尝试打破绘画必须模仿自然的传统观念。1930年代和二次大战以后，由抽象观念衍生的各种形式，成为二十世纪最流行、最具特色的艺术风格。 抽象绘画是以直觉和想象力为创作的出发点，排斥任何具有象征性、文学性、说明性的表现手法，仅将造形和色彩加以综合、组织在画面上。因此抽象绘画呈现出来的纯粹形色，有类似于音乐之处。 抽象绘画的发展趋势，大致可分为：﹝一﹞几何抽象﹝或称冷的抽象﹞。这是以塞尚的理论为出发点，经立体主义、构成主义、新造形主义，而发展出来。其特色为带有几何学的倾向。这个画派可以蒙德里安(Mondrian)为代表。﹝二﹞抒情抽象﹝或称热的抽象﹞。这是以高更的艺术理念为出发点，经野兽派、表现主义发展出来，带有浪漫的倾向。这个画派可以康丁斯基﹝Kandinsky﹞为代表。 代表画家 康定斯基（WKandinsky,1866～94），抒情抽象派代表画家，“抽象绘画之父”，曾是德国表现主义团体「蓝骑士」的领导者。代表作《构成第四号（战争）》（1911，杜塞尔夫莱茵河西发里亚艺品收藏室）、《构成第七号习作》（1913，莫斯科Tretyakov画廊）、《光之间·第599号》。 蒙德里安（PMondrian,1872～1944），几何抽象派代表画家，在平面上把横线和竖线加以结合，形成直角或长方形，并在其中安排红、黄、蓝三原色，但有时也用灰色，是荷兰风格派（deStijl）的主将，代表作《黄与蓝的构成》（1929）、《百老汇爵士乐》（1942～43，纽约现代美术馆）。 马列维奇（KCMalevich,1878～1935），俄国构成主义倡导者，也是几何抽象派画家，代表作《飞机起飞》（1915，纽约现代美术馆）、《青色三角形与黑色长方形》（1915）。 库波卡（FKupka1871～1957），捷克画家。运用色彩理论和音乐式和谐造成独特的几何风格，例如《绘图构成主题二》（1911～12，华盛顿国家画廊）、《垂直线语系习作》（1911）。 克利（PKlee，1879～1940），瑞士画家。运用色彩调和及抽象的手法，创作了许多含有哲理性和富稚拙趣味的作品，例如：《金鱼》（1925，油彩加水彩，纸裱在卡纸板上，485×685cm，汉堡美术馆）、《干道与支道》（1929，油画，布，83×76cm，科隆，里伯尔兹美术馆）、《死与火》(1940，油画，83×67cm，科隆，里伯尔兹美术馆)

《飞鸟集》创作于1913年，是泰戈尔的代表作之一，也是世界上最杰出的诗集之一。

《飞鸟集》乍眼看来，内容似乎包罗万象，涉及的面也比较广，白昼和黑夜、溪流和海洋、自由和背叛，都在泰戈尔的笔下合二为一。然而，就是在这种对自然、对人生的点点思绪的抒发之中，诗人以抒情的彩笔，写下了他对自然、宇宙和人生的哲理思索，引领世人探寻真理和智慧的源泉。他的诗像珍珠一般闪耀着深邃的哲理光芒，不仅唤起对大自然、对人类、对世界上一切美好事物的爱心，而且也启示着人们如何执著于现实人生的理想追求，让整个人生充满欢乐与光明。泰戈尔在他的诗歌创作中，以一颗赤子之心，讴歌的是对人民的真挚的爱，抒发出对整个大自然、整个人类，以及整个宇宙间的美好事物的赞颂。

泰戈尔在《飞鸟集》中十分注重对自然的描写，一只鸟儿、一朵花、一颗星、一个雨滴、也都具有人性与生命力。他热爱整个大自然。他认为人类情感和自然力之间是有内在联系的，或自然融入人类的感情，或人类的感情融入自然。只有融入自然才能净化自己的生命。自然不仅提供了暗示的形象，而且还积极的协助我们抹去人类生活中一切分离的痕迹；情人可能会分离，而这种分离将淹没与在阳光里欢笑的绿草和繁花之下。读了他的作品,便令人觉得宇宙的活动和人生的变化是有意义的,是快乐的,便给人以无穷的勇气。

在诗里他还赋予了“晨的意义”。“每日清晨的到来，并不是一件以无休止的单调重复着的琐碎小事，而是一种永恒的惊奇。因为它在光明战胜黑暗，自由战胜束缚的生命的戏剧中是一支重要的插曲。如第325首“不要说‘这是早晨’，并以昨天的名义将它打发掉，象初次看到的一个新生的，尚未取名的婴孩那样看待它吧。”又如第32首“神自己的清晨，在他自己看来也是新奇的。”

诗人并不是为了自然而写自然，这里的自然是和人相契合的。抒写广阔博大的自然世界实际上是为了给人性极大的自由。鸟儿在天上地飞行，这就暗示这人类理想望却又不可企及的巨大的自由。然而暮色中归巢飞鸟的翅膀，又使诗人想起人类情爱的不可阻挡的力量。“星星也是自由，爱情和欢乐地象征；它们就像天庭盛开地花朵，它们又似乎在默诵着神自己地美妙乐章。”

《飞鸟集》基本题材多为极其常见植物，不外乎小草，流萤，落叶，飞鸟，山水，河流等等。读这些小诗时就像在暴雨后初夏的早晨，推开卧房的窗户，看到一个淡泊清亮的晨。平时孱弱的小溪无端的雄壮起来，加快了前行的脚步，哼唱着嘹亮的歌；阳光撒落在挂着水珠的树叶上，那水珠显得特别的明亮，这明亮把树叶衬托成一种透明的色彩；平坦的草地像是吸足了油彩，当心那跳跃着的小松鼠是否也会染上这亮绿的油彩；天边有几朵白云在倘翔，似乎在回味昨夜的狂欢；一切都是那样地清新，亮丽，可是其中韵味却很厚实，耐人寻味。用轻松的语句却道出了深沉的哲理，这正是《飞鸟集》吸引人的原因。

《飞鸟集》中表现了深层的精神追求——爱与和谐的宇宙终极原则或神，描绘自然万物的灵性相通，有机一体，展现人与自然、爱与神的亲密无间、交互融溶，歌赞生命的自由、平等、博爱——从而生成了丰富隽永的人生哲理。在这里神、自然、人与爱的界限已经模糊不清了。诗人追求人与神的合一、爱与神的关系、以及神与自然的统一，渴望与神“完全合一的形象显现”，也就是要达到有限生命与无限生命的统一，就是要达到人的最高的理想境界。为此，诗中揭示，人必须完善自己的人格，要在“思想中摒除虚伪”，要驱走心中“一切的丑恶”，并且只能在“爱”中，在“爱的服务”中与神结合。诗人在诗篇中表达了生命的运动，生命的欢乐，人生的奉献与人生意义的追求，使诗篇充满着生机，打动了无数读者的心。由于诗人的生命哲学并不完善，在有限的生命与无限的生命最终统一问题上，显得无能为力，只好用道德的自我完善和“泛爱论”来求得统一，求得人生的圆满，求得社会理想的实现。读《飞鸟集》时，就会产生你是一只飞鸟遨游蓝天的感觉，尽情享受海洋般天空的自由辽阔，又从大地中撷英咀华，品尝着造物主的精美，人生的真谛。诗人对人类最美情感、最高理想的不懈探索与执著的追求。

《飞鸟集》的译者郑振铎在译完泰戈尔的这部散文诗集后，曾深情地称它“包含着深邃的大道理”，并形象地指出，泰戈尔的这部散文诗集“像山坡草地上的一丛丛的野花，在早晨的太阳光下，纷纷地伸出头来。随你喜爱什么吧，那颜色和香味是多种多样的”。 好书，要经得起时间的考验。我藏书十万册，有些书不值得看，有些书已经过时，有些书写得还没我好。泰戈尔这本《飞鸟集》。成书已有92年，现在读来，仍像是壮丽的日出，书中散发的哲思，有

如醍醐灌顶，令人茅塞顿开。

--------------著名历史学家、作家、政论家 李敖

        凡 是美的事物， 总是稍纵即逝； 凡是诗歌记录的美， 总能源远流长。 所以造物主向来公允，即便肉眼看到的会消失，文字串联的悸动也会在心头日久弥新。

        苏东坡云， “宁可食无肉，不可居无竹。” 依我看，没有竹柏、鸿儒无妨，最不可是无诗心。读诗就是读生活。没了诗心，人生便少了淡泊通透的境界，岁月里只剩下鸡毛蒜皮的琐屑，哪里还有什么意趣可言？

        就像暑气难挡的三伏天，除了吐槽气温，有太多景象可供珍藏： 蝉鸣、清风、荷香、流萤、蒲扇…… 若执笔细写，该写得出好长一串。

        唐诗宋词流露的非凡气度自不必说，在 日本 ，有一种 世上最短 的 古典诗 ，以轻盈的韵律，诉尽四季流转中的细微情愫，它就是 俳句 。

        早在15世纪，中国汉诗绝句在日本风靡一时，日本人在此基础上兴起“连歌”，即几位文人相互对诗，你出上句，我对下句，好不热闹。渐渐地，众人同作一首诗演变为单人创作。

        高雅的连歌开始纳入平易近人的市井玩笑、季节用语，形成俳句这种小短诗。

        在格式上，俳句一般由三行诗句构成，第一行五个音节，第二行七个音节，第三行依旧五个音节。在写作手法上，俳句深受中国汉诗影响，与绝句有不少共通之处。

        法国作家罗兰·巴特将俳句比作 最精炼的小说 ；安德烈·贝勒沙尔称其是 传播微光与颤栗的诗 。

        什么是微光？为何颤栗？喜爱俳句的人会给出不同答案。有时过分解读，往往曲解了原有的纯粹；停留字面，唯恐浪费了作者的苦心。这奇怪的矛盾感正是品读俳句的乐趣所在。

        忆起我与俳句的邂逅，不得不提 “俳圣”松尾芭蕉 ，大部分国外读者的俳句起源几乎都是从他的作品里开启的。

        这位活跃在江户时代的大师，本名 松尾藤七郎 ，一生用过许多笔名，如桃青、钓月轩、泊船堂、华桃园、栩栩斋、风罗坊，芭蕉是知名度最广的一个。因此他也被称为 “芭蕉翁” 。

        芭蕉翁的文风闲寂风雅，再朴素的画面，到了他笔下，不仅透出几分诙谐幽默，还融入了清幽明亮的禅意。譬如他在 《古池》 中写道：

      乍看单薄浅显的诗句，实则暗含玄机。古池塘、青蛙、波光粼粼的水面，只字未提一个“风”字，却将夏的轻薄感展现得淋漓尽致。寂静的古池因一只蛙“掀起波澜”，一声轻响过后终将恢复平静。

        松尾芭蕉想要传达的精髓正在于此，自然万物总是在静态与动态中循环，静中有动，动中有静，周而复始，没有什么能永恒，唯一不变的就是我们始终置身于变化中。在其他作品中，他对人世的禅意悟境依旧随处可见。

        无论是勾勒动物的声音，还是感叹无形的花香，诵读之余仿佛能瞧见一根绣花针，在岁月的绢纱来回穿梭，松尾芭蕉的一字一句是针上的线，以精密绣功，绣出生活最素雅的模样。

        除了松尾芭蕉，俳句史上还涌现过许多杰出代表： 松永贞德 、 与谢芜村 、 加贺千代 、 土方岁三 、 高滨虚子 、 水原秋樱子 ……其中， 小林一茶 是我极为青睐的一位，同时也是赏析俳句绝不可忽略的重量级人物。

        周作人 在文章中写道： “一茶的诗，叙景叙情各方面都有，庄严的句，滑稽的句，这样那样，差不多是千变万化，但在这许多诗的无论哪一句里，即使说着阳气的事，底里也含着深的悲哀。这个潜伏的悲哀，很可玩味。”

        小林一茶的俳句通俗易懂，多了烟火气，也流露着游离于现实的孤独。这一点，从他的经典名句，就能看得分明。

        同是写 朝露 ，小林一茶压抑心中的愁苦，似乎在另一首俳句的凄美中，得到小小的释然。

        我不禁联想起 曹操的《短歌行》 ： “对酒当歌，人生几何！譬如朝露，去日苦多……”

        尽管生命中有无法逃避的黑暗，光明却可以永存于心。朝露转瞬即逝，光阴何尝不是？与其让苦闷蔓延在余生的每一个日子，何不及时行乐，潇洒走一遭？

        小林一茶还有一首抒写对故乡思念的俳句，流传度相当广，将比喻手法运用到极致，同时也予以读者许多想象空间。

        只言片语，是浓浓的乡愁。即使走得再远，离开的时间再长，这份牵挂与寄托似乎已根植脑海，谁也无法轻易抹去。

        难能可贵的是，在深深的怀念中，一茶还觉察出一份无可奈何，物是人非事事休，再多的回忆也只是带刺的花，旧时过往在离开的那一刻便无法返回。花越艳，扎在心口的刺也越深。

        继小林一茶之后，明治时期的 正冈子规 、声名远播的文坛巨匠 夏目漱石 ，不仅是志同道合的好友，两人也都留下不少传世之作。

        就拿 夏目漱石 来说，他的 “今夜月色很美” 谁人不知？然而这并非俳句，是他对 “I love you” 的日语翻译 “月が绮丽ですね” 。西方人示爱时的热情奔放，被夏目神奇地转化为更符合东方男人的含蓄细腻，那么他的俳句又会呈现怎样的浪漫？

        这是 夏目漱石赠予正冈子规的俳句 。正值梅花盛开，夜晚的凉意未曾抹去夏目心中的诗情，远眺梅林深处，不知何人居住，透出的微弱灯光，伴着漫天繁星，驱散了片刻的孤寂。

        如果说，夏目的梅让人仿佛看到了与中国雅士归隐山林类似的恬淡， 正冈子规 为春天而写的诗则捕捉到最纯粹的色彩。

        很多人包括子规的得意门徒 高滨虚子 都以为，此处是将春日河川比作蓝色颜料。据子规解释，他只是无意瞥见一桶随波逐流的颜料。

        我一度感到失望，可仔细推敲，碧绿的河水川流不息，一桶没有来由的蓝色颜料就这样水中漂浮，不知从何处来，亦不知到何处去，混合消融，给读者留下多少遐想空间。

        歌咏夏天的诗句少不了花卉。除了出镜率甚高的莲花，香气袭人的栀子花也是诗篇里的常客，正冈子规岂会错过？

        越是司空见惯的花，越难写得出彩。冰白如雪的栀子花本就以纯洁著称，再以夜色为衬，暗香浮动，撩拨人心。能掘出如此美妙夏夜的子规，该有怎样一双眼睛？

        都说俳句不易翻译，也最好不要翻译，单看直接从日文转换的中国汉语，往往会流失原文的精华。因此，写这篇文章时的我一直很纠结。

        从纠结是否写俳句，到纠结如何呈现俳句，过程虽艰难，收获却很多。俳句是一个庞大选题，优秀的诗人很多，不同经历造就各自的传奇，单独拎出一位去写，显得内容单薄；罗列太多，就变成一盘大杂烩。

        一边摸索，一边学习，我意识到，比起让更多人了解俳句还要重要的，是炼就一颗荣辱不惊、云淡风轻的干净心灵。

        和小说、散文比起来，诗集常常孤独地躺在书架，等待着极少数的有缘人前来启封。三言两语看似简单，凝练的却是无数人倾尽一生也未必能悟出的哲理。

        唯有在黑暗中挣扎过的人，才懂得珍惜微弱的曙光。无论是我在开头提到的北宋文学家苏东坡，还是在文中写到的日本诗人们，他们都曾亲历生命的低谷，大起大落，大悲大喜，诗歌便成为倾诉的载体。

        你看流云聚了又散，散了又聚，人生离合，亦复如斯。诗歌虽不能抹去所有伤痛，却可以赐予我们平和的心境。

        有多热爱生活，生活就为你传递多少真爱！这份泰然自若，何等珍贵，从不因文化差异被阻隔。归根究底，读俳句，赏俳句，所念所想，都只为遇见内心渴望的另一番天地呀！

正冈子规是日本明治时期著名俳人、俳句革新家,在日本近现代文学史上占有重要的地位。他提倡的写生主义,强调自然、客观地描写,一改俳句那种矫揉造作、老生常谈式的创作倾向,赋予其新的生命力,给俳坛吹来了一股清新的风。同时,在短歌创作中,他也积极提倡写生主义表现手法,进行革新运动。本论文以正冈子规的俳句、短歌为切入点,首先对其写生理论的基本特点、形成条件进行探源:其本人对大自然深厚的情感、对绘画的特殊爱好以及其自身的文学素养,都为其奠定了坚实的基础;坪内逍遥的写实主义和幸田露伴的浪漫主义也对其产生了很大的影响;而西方的绘画理论对他的影响则是最直接、最深远的。另一方面通过正冈子规对松尾芭蕉和与谢芜村的文学态度进行比较研究,认为其对以客观的、绘画的美为基调的与谢芜村的俳句更为推崇,他也为他自己的写生理论提供了古已有之的根据。在短歌方面,他对向来为歌人必读之物的《古今集》和《新古今集》中的平板、毫无生气的创作倾向提出了批评,而对充满率直实感的《万叶集》则赞赏有加。最后结合写生理论的特点对正冈子规的文艺观进行探究:写生理论是建立在“优美”与“崇高”两种审美理念基础上的;文学具有平等性;文学以感情为基础。本论文主要由四部分组成。第一部分简单介绍了本论文的研究动机、意义以及研究现状。第二部分主要对正冈子规的俳句革新、写生理论的概观以及源流展开探究。正冈子规具有多方面的才能,对汉诗、小说、评论、随笔、新体诗等文学活动均有涉猎,其中最重要的是他的俳句和短歌的革新运动,在其革新运动中始终贯穿着他的文艺主张——写生理论。写生,就是一种重视客观事实的表现手法,即以自然为对象的不加修饰的描写,这样,读者阅读时便会产生相同地体验,正冈子规的写生理论就是以此为基础的。他认为俳句的创作不应该凭主观想象去吟花弄月,而应抓住描写对象,尊重客观,如实地描绘自然之美。写生理论认为,写生和理想的关系是相对的,美既存在于理想之中也存在于写实之中,还存在于理想的写实、写实的理想之中。此外,写生还强调取舍选择,即:描写时要抓住事物的本质,避免过于细致烦琐