布鲁斯 :
我们知道,布鲁斯即蓝调,在英文中是苦、忧郁的意思。虽然爵士乐包括黑人音乐、英国歌曲、法国舞蹈音乐等等,但布鲁斯是爵士乐的主要成分.布鲁斯产生的时间比爵士乐早,可能是综合了19世纪后半期黑人们演唱的田间号子。宗教歌曲<灵歌>和诉说的民谣演变而来的。布鲁斯的音乐特点,主要在于大调音阶上降第音和降第七级音,有时也降第五级音。这些降半音的音符有小调性的特征,而且唱到这些音时常常带有滑音。颤音,听起来哀声怨语,悲恸凄楚,感情十分丰富,所以也有人将布鲁斯译为“怨歌。当然,布鲁斯歌曲也有一些欢乐、愉悦的作品。布鲁斯的速度舒缓,节拍常为四二拍、四四拍,旋律多含切分节奏。布鲁斯的演唱风格很自由,同生活中的语言情绪结合很紧,假声、呻吟、哭泣、嘟囔都可以用来渲染烘托气氛。布鲁斯这种底层社会的气质,给以后早期爵士乐带来了同劳动人民生活、同黑人民间音乐紧密相连的特色
Grunge
Grunge ——是美国俗语,意指“难看难闻,肮脏丑陋的东西”。 Grunge是“重金属的一种”,但又与“重金属”有所不同,它实际上是发展了70年代的朋克摇滚中诚实、直接、原始与传统对抗的特色。音乐来源与70年代“性手枪”的朋克与“黑色安息日”等的“重金属”。80年代中后期的后朋克噪音音乐也影响了这种音乐。冷漠、怪异、狂躁但又让人感觉耳目一新。山羊胡、圆摆衫、花格衬衣,赤裸上身是这种音乐人的形象表现。
代表人物有:“珍珠酱乐队”、“绿河乐队”、“Nirvana乐队”等。
通俗音乐
通俗音乐(Popular Music)——把专业音乐创作的伤口称为“严肃音乐”,把不表现重大体裁和思想内容的作品称为轻音乐,习惯上人们把通俗易懂、情调轻松的音乐,例如小斯特劳斯的那些圆舞曲等归属这个名词之下,以后,爵士乐、摇滚乐团、轻歌剧情、迪斯科等层出不穷的群众性的歌舞形式愈来愈多,而这些音乐虽然带有自娱的色彩,但有时亦有针贬时事,抨击现实的作品,原先的轻音乐的概念很难把这些都涵盖进去,有一些媒介把这些都为流行音乐,但这样就混淆了深受群众热爱的古典与这些音乐的界线,。现在,理论家们一般都用通俗音乐一词概括这些音乐现象
民谣摇滚
民谣摇滚(Folk Rock)——与其他各种类型的摇滚乐最大的不同点是:民谣摇滚有 一个诞生纪念日,那是1965年的夏天,鲍布狄在纽保特民谣节的表演中,首次放弃了空心吉他,而以电吉他代替伴奏,他是被台下的观众虚下台去的,因为对于只欣赏纯净的民歌的观众来说,电吉他是太大逆不道了。想要用定义来解说民谣摇滚是很困难的,因为它并没有什么固定的节拍或形态。他们多半把他们唱出的歌,看成一种工具,用来检验人生百态。他们在歌曲中,诉说自己的经验,表达自己的感情,描绘自己的感情,歌词中内容转换,而曲子则大都较为柔缓。
**原声带
**原声带(Soundtrack)——**原声带就是将一部**或一部电视剧的主题曲(歌),主要的插曲或配乐录于一起,然后由唱片公司制成Caart,Dnb,CD或DAT/DCC发行。外国早年**已有**原声带,当时称作Caunation。现时的**越来越注重音乐与映像紧密联系所产生的可观性,可以预料,这种趋势将会持续下去。一部优秀的**,如果有动听的乐曲配上,的确令人回味无穷;反过来,一曲优美的**配乐也能令**增色添彩,促进**的销路。
前卫摇滚
前卫摇滚(Progressire Rock)——前卫摇滚可称之曰“走在时代前面的音乐”。前卫摇滚顾名思义代表着前卫革新的意思,它的目的是希望替其时的流行音乐开出一条新道路,让流行音乐更严肃更具文学性、艺术性。根据美国流行摇滚辞典的定义,“凡是摇滚乐园运用各种不同的乐器,主要是电子合成乐器,造出大量的音色泻染,以期获得新的声音与感受,都可以称之为前卫摇滚”。基本上,强调各种电子乐器与设备的运用,才是前卫摇滚的精神。前卫摇滚水仅在歌词和思想层面上倾向文学及艺术性,专业具有完整的要领性。
重金属摇滚
重金属摇滚颇近似硬摇滚,二者界限十分细微,彼此都以巨大的音量打击的节奏和迫人的音感见长。量、打击的节奏和迫人的音感见长。硬摇滚的历史更悠久一些,它直接源于“节奏 与蓝调,它常用刺耳的声音,唱出快节奏的旋律。对于早期的硬摇滚歌迷来说60年代后期电子乐器的加入,才使其延伸成为重金属摇滚。重金属摇滚歌曲织体结构不受任何清规戒律的束缚。为了追求剧烈刺激效果,采用了电子合成器,音响强烈、火爆,键盘乐器、女声部与弦乐组的音色显得格外突出。演奏者不采用纯净、明亮的音质,而热心于追求那极端剧烈地刺激性的效果。演技要求很高,特别是演奏独奏华彩乐段的乐手,更需具备超群的技艺。这些打破或减弱了硬摇滚的艺术情趣,冲淡了歌词的意义和节奏的韵律。
硬摇滚
硬摇滚(Hard Rock)——硬摇滚与重金属摇滚之间界限极微,彼此都以巨大的音量、打击的节奏与迫人的音感为主。不过,从年代来说,硬摇滚比重金属更早一些产生,它直接源自蓝调与节奏。用刺耳的声音,唱出快节奏的歌曲来,这种摇滚乐,都是硬摇滚。对早期的硬摇滚的歌迷来说,60年代后期电子乐器装置的加入,使硬摇滚延伸成为重金属,不过是破坏或减弱了这类音乐的艺术性,也冲淡了词句的意义和节奏的韵律。
交响乐
交响乐——指由几个乐章,至少其一须为奏鸣曲式者构成一体的大型乐曲。为避免混淆,亦多译作交响曲。交响曲的本质是非标题的。几个乐章合起,方能表现一个完整的乐意。然面乐意,并不是故事。交响乐第一乐章多以活泼快板奏鸣曲式,擅长发现适度戏剧性内容;第二乐章则为慢板,或以变奏曲式,或以节略展开部之奏鸣曲式等,以示抒情性;第三乐章复三部曲式。
电子音乐
电子音乐——英文名是TECHML,即电子合成音乐,与其说是高科技的产物,不如说是时代的产物,与过去的摇滚乐有所不同,它更提倡青年人的参与精神,每一个电子音乐的追随者都坚信只有TECHML近乎一百分贝的震撼,才能使人获得心跳每分钟一百三十下的刺激与享受。它要求并不是用耳朵去听,而是要用全身心去感觉。电子音乐的宗旨是爱、和平、团结,这倒与联合国宪章有着异曲同工之妙,对于电子音乐的崇拜者来说,他们推崇的是少说话多思索的人生态度,追求人性中的真善美,并试图以一种博爱精神和世界大同的家庭观念来消除竞争社会中人与人之间的隔阂与冷漠。
摇滚乐
摇滚乐(Pock music)——20世纪50年代兴起于美国的一种通俗音乐。由美国西部的乡村歌手在演唱中吸取黑人音乐的因素而逐渐形成。其中美国宗教歌曲,西部乡村音乐,黑人音乐中的节奏成份和布鲁斯音调等常融成一体。早期的摇滚乐多用吉他、钢琴、鼓、萨克斯管等乐器伴奏,音调奋亢喧闹,乐句简单而不断重复,节奏富有强烈的动力感,歌词内容多为学校生活、爱情等。60年代起转向反抗社会的主题
爵士乐
爵士乐(Jass Music)——1870年美国南北战争之后,黑人取得了一定的社会权利,这使得他们有可能把非洲那富有感染力的旋律和复杂节奏的音乐以及即兴的演唱和欧洲的乐制结合起来。其最早的产物是在正常拍子上进行的高度装饰性旋律的田野号子和自由化旋律的灵歌。这二者都基于五声音阶的民歌又合成新的形式——日后成为形成爵士乐的重要因素之一——布鲁斯。黑人音乐的流行,使白人都有兴趣以所谓“墨面表演”的方式模仿他们的音乐。在新奥尔良还出现了由小号、长号、大号以及黑管和鼓组成的大街乐队,他们又把这一切与黑人的复杂节奏的舞步结合起来,逐渐形成了爵士乐。
狂想曲
狂想曲(Rhapsady)——在希腊文里,Rhapsady是指职业的史诗吟育者,尤其是指那些言词不达意铺张的热狂诗人,这一词亦指史诗中情绪较为自由奔放的朗诵部分。19世纪末,作曲家把这一用在一些具有史诗性、英雄性或具有爱国激情的器乐作品上。李斯特的20首匈牙利狂想曲的乐称,用于那些发扬本民族英雄气概的器乐曲上。
叙事曲
叙事曲(Ballade)——在拉丁文里,Ballade一词原意为舞蹈,但到了14世纪,无论是法文、德文还是英文都转义为“叙事诗”或“叙事歌曲”了,或许早期阶段的叙事歌曲确是有舞蹈表演相随的以致于最后演化为成一个表示叙事舞蹈的词汇:“芭蕾”。肖邦首先采用了这种为游吟歌手所喜爱的诗体作为自己作品的标题,暗示了作品的叙事性质:可能肖邦的灵感确实为某个才所激发,但作曲家希望听众从更其概括的高度理解他的作品,而不致使欣赏趣味为这某个具体的一个故事情节所囿。此后,弗兰克、李斯特通讯布拉姆斯都曾用过叙事曲的标题,为自己作品命名,逐使叙事曲成为音乐会节目单上常见的一种体裁样式
奏鸣曲
奏鸣曲——西洋乐曲体裁。16、17世纪时泛指各种器乐曲。17世纪后,则指类似组曲的器乐合奏套曲。多斯卡拉蒂的古钢琴奏鸣曲为单乐章作品,大多采用古奏鸣曲式。自海顿、莫扎特以后,奏鸣曲系指由三四个乐章组成的器乐独奏套曲(如钢琴奏鸣曲),或一件独奏乐器与钢琴合奏的器乐曲(如小提琴奏鸣曲、长笛奏鸣曲等)。
协奏曲
协奏曲——原指16世纪意大利的一种有乐器伴奏的合唱曲,以别于无伴奏合唱。17世纪后半期起,指由几件或一件独奏乐器与一小型弦乐队互相竞奏器乐套曲。用几件乐器者又称“大协奏曲”,用一件乐器者又称“独奏协奏曲”。近代协奏曲为一件独奏乐器与管弦乐队协同演出的大型乐曲,其形式与结构为莫扎特所确立,通常包括三个乐章。
牧歌
牧歌,或田圆曲(Pastorale)——在英语中,Pastorale一词既有“双牧”又有“农耕”的意思,甚至还有“牧师”的意思,但按照我国音乐界的习惯,译为田园曲,而把牧歌作为另一种合唱曲的铎名了。相传在古代的意大利,有牧羊人在圣诞节早上吹笛进城的传统,加为是他们照料了基督的降生,甚至可以进一步地说,基督本身就是个好牧人。这种乐曲是用笛子演奏的,带有摇篮曲的某些特征,使人们想起种种关于圣婴的故事,低音则是风笛式的长音,这使得乐曲显得安祥而宁谧。这种牧歌渐渐变为带有戏剧内容的一种剧院式的演出形式,它既有诗剧表演,又有音乐的穿插,或许我们又可译作牧歌剧了。19世纪初,浪漫主义兴起,对大自然的崇尚成为愤世嫉俗的一种表示,牧歌的形式又屡屡出现在作曲家们的笔下。
幻想曲
幻想曲(Fantasia)——这是文艺复兴什孚出现的一种器乐曲,按当时的理论家的解释:“它的结构与方式之自由,超乎一般的乐曲”。16世纪时,它更发展为多种多样的形式,从最即兴的演奏记录直到最严格的复调织体,都有可能被称为幻想曲。从某一部歌或什么现成作品为基本素材,进行加工创作的乐曲,亦常被称为幻想曲,比起集锦曲来,或许前者的创作成份更多些,而后者往往只是一些片断的简单联奏而已。
咏叹调
咏叹调又叫“咏唱”。原意是抒情独唱曲。最初是意大利和歌剧、清唱剧中常以歌谣体裁出现的独唱曲,通常篇幅较大,且富于戏剧性,集中体现剧中某一人物形象或心理上的刻划。常为复三段曲式或变奏曲式、回旋曲式。由于其旋律性强,表现力丰富,可在音乐会上单独演唱。
诙谐曲
诙谐曲又称谐谑曲。一种三拍子的器乐曲。其主要特点是节奏活跃,速度较快,常出现突发的强弱对比。常在交响曲等套曲中作为第三乐章出现,以取代宫廷风格的小步舞曲。十九世纪后,出现钢琴诙谐曲。其篇幅、结构、段落更为庞大而对比强烈,其中著名的有肖邦的四首钢琴诙谐曲等。
浪漫曲
浪漫曲是一种无固定形式的抒情短歌或短乐曲。十八世纪后半叶在法国民间、十九世纪中叶在俄国广泛流行。其歌曲的特点为:曲调表情细致,与歌词紧密结合,伴奏亦较丰富;器乐曲旋律富于歌唱性,常由小提琴及管弦乐队演奏
小夜曲
一种黄昏或夜间在室外独唱或独奏的歌曲或器乐曲。渊源于欧洲中世纪骑士文学的一种爱情歌曲。其音乐情绪缠委婉,常为青年人徘徊于恋人窗前时所用,流行于西班、意大利等国。通常用吉他或曼陀林伴奏,如舒柏特的歌曲《小夜曲》等。另外还有一种供乐队合奏的小夜曲,其曲调轻快活泼,始于十八世纪末,常为上流社会达官司显贵餐宴时助兴而用,如莫扎特的《D大调哈夫纳小夜曲》等。
序曲
原指歌剧、清唱剧等作品的开场音乐。十七、十八世纪的歌剧序曲分:法国、意大利序曲类。前者为复调风格,分为慢板、快板、慢板三个乐章,中段为赋格形式,末段较短;后者为主调风格,快慢顺序与前者相反,分为快板、慢板、快板三个乐章。十九世纪以来,作曲家常采用这种体裁写成独立器乐曲,其结构大多为奏鸣曲式,并有标题。著名的序曲有莫扎特的《费加罗的婚礼序曲》、韦伯的《自由射手序曲》、贝多芬的《费德里奥序曲》、罗西尼的《威廉·退尔序曲》、柴可夫斯基的《1812年序曲》驻《罗密欧与朱丽叶幻想序曲等。
交响诗
一种单乐章管弦乐曲,又称音诗,属于标题音乐范畴。由作曲家李斯特首创这一体裁。形式上不拘一格,并根据奏鸣曲式的原则自由发挥,常以诗歌、戏剧绘画及历史事迹等为题材,广泛运用主题变形的手法,塑造出表现特定标题内容的艺术形象。另有交响音画、交响童话、交响传厅等体裁,均相似。著名的交响诗有李斯特的《前奏曲》、《塔索》,德彪西的《牧神午后》、《海》,斯美塔那的《我的祖国》等;我国的交响诗有辛沪光的《嘎达梅林》和施咏康的《黄鹤的故事》等。
组曲
若干短曲连为一体的管弦乐曲或钢琴曲。其中各曲具有相对的独立性。组曲有古典、近代之分。古典组曲又称“舞乐组曲”,兴起于十七与十八世纪之间,是采用同一调子的各种舞曲连接而成,但在速度、节投井下石等方面互相形成对比,如巴赫的古钢琴组曲。近代组曲又称“情节组曲”,兴起于十九世纪,从歌剧、舞剧、戏剧音乐或**音乐中选取若干乐曲辑成,有的根据特定标题内容或民族音乐素材写成,如挪威作曲家格里格的《培尔·金特组曲》、里姆斯基-柯萨科夫的交响组曲《舍赫拉舍达》、德沃夏克的《捷克组曲》等。
进行曲
一种用步伐节奏写成的乐曲。原是舞曲的一种,多用在群众出场、退场的时候。十七世纪起,渐渐转入音乐艺术的领域。当时的进行曲形式,多为二部曲式;现代进行曲常以三段式出现,中段较抒情,以取得对比,用偶数拍子,节奏明确,结构整齐。群众歌曲常用进行曲体裁,如冼星海的《救国军歌》等。
探戈
探戈起源于非洲西部。十九世纪后叶成为流行于阿根廷及其他拉美国家的双人舞蹈,用之于社交舞会。其音乐特点为:中速,2/4或4/4拍子,旋律与伴奏常形成交错节奏,与哈巴涅拉相似。以切分音为其特色,后传入欧洲发展成“大陆探戈”。
波尔卡
捷克的一种民间舞蹈。以男女对舞为主。基本动作由两个踏步和一个跳踏步组成。于十九世纪中叶风行全欧。大致分为急速、徐缓和玛祖卡节奏等三种类型。一般为二拍子,三部曲式,节奏活泼。捷克作曲家斯美塔那最先用之于歌剧和器乐创作中,如歌剧《被出卖的新娘》中的波尔卡。
玛祖卡
波兰民间的一种男女双人集体舞。运作有滑步、成对旋转、女人围绕男子作轻快跑步等。起源于波罗的海沿岸马祖尔人聚居的马索维亚一带。十八世纪起,流行于欧洲各地。其音乐特点为:中速,三拍子,重音变化较多,以落在第二或第三拍上者常见,情绪活泼热烈。作曲家肖邦曾将此体裁加以发展,写了许多著名钢琴独奏曲。
小步舞曲
原为法国土风舞,一种三拍子的舞曲。约1650年传入宫廷,逐步变成速度徐缓、风格典雅的舞曲,流行于贵族社会。十七、十八世纪常用于古钢琴组曲和管弦乐套曲中,作为一个乐章(常为第三乐章),也可作为单独的器乐曲。其结构为三段式曲体,中段常用三个声部写成,故称“三声部中段”,沿习至今。
圆舞曲
起源于奥地利北部的一种民间三拍子舞蹈,分快、慢步两种。舞时两人成对旋转,十七、十八世纪流行于维也纳宫廷后,速度渐快,并始用于城市社交舞会。十九世纪起风行于欧洲各国。现在通行的圆舞曲,大多是维也纳式的圆舞曲,速度为小快板,其特点为节奏明确,旋律流畅;伴奏中每小节常用一个和弦。,每一拍重音较突出,著名的圆舞曲有约翰·施特劳斯的《蓝色多瑙河》、《维也纳森林的故事》等。
回旋曲式
起源于欧洲民间的轮舞曲,十八世纪初叶法国古钢琴曲多用之。以一再反复的基本主题与若干各不相同的“插段”交替出现为原则。其图式为:A(基本主题)+B(第一插段)+A+C(第二插段)+A…。这种曲式适宜于表现活跃欢腾的情景,奏鸣曲、交响曲等大型乐曲的末乐章常用之,以热烈的气氛结束音乐。在歌曲中也有回旋曲式性质的作品,如冼星海的《到敌人后方去》等。
变奏曲式
先奏出一自成段落的主题,然后以一系列的主题变形(即变奏),使主题通过多次不同的变奏而得到多方面的发挥。其图式为:主题——变奏1——变奏2——变奏3……少则三五次,多则数十次。变奏之主题,大都较优美动人。常有用变奏曲式写成的独立乐曲,也有用于奏鸣曲等大型乐曲中(通常用于慢乐章)的,如贝多芬的《热情奏鸣曲》。
一直思考的问题是
我们应当以怎样的姿态审视音乐
如果
Rock&Roll是激进与力量
Pop是温暖
Classic是内敛与绽放
Jazz是苦难与抗争
如果
音乐是生命的历练
那么
我们愿意以尽可能客观的目光
去触摸音乐
放弃所有刻薄的言语
回到最初的宽容
什么是 R&B?
R&B的全名是 Rhythm & Blues,一般译作“节奏怨曲”或“节奏布鲁斯”。 广义上, R&B可视为“黑人的流行音乐”,它源於黑人的 Blues音乐,是现今西行流行乐和摇滚乐的基础, Billboard杂志曾介定 R&B为,所有黑人音乐除了 Jazz和 Blues之外,都可列作 R&B,可见 R&B的范围是多么的广泛。 近年黑人音乐圈大为盛行的 Hip Hop和 Rap都源於 R&B,并且同时保存着不少 R&B成分。
什么是HOUSE?
HOUSE是於八十年代沿自 DISCO发展出来的跳舞音乐。 这是芝加哥的DJ玩出的音乐, 他们将德国电子乐团Kraftwerk的一张唱片和电子鼓(Drum Machine)规律的节奏 及黑人蓝调歌声混音在一,House就产生啦~ 一般翻译为"浩室"舞曲,为电子舞曲最基本的型式,4/4拍的节奏, 一拍一个鼓声,配上简单的旋律,常有高亢的女声歌唱 DISCO流行后,一些DJ将它改变,有心将DISCO变得较为不商业化, BASS和鼓变得更深沈, 很多时变成了纯音乐作品,即使有歌唱部分也多数是由跳舞女歌手唱的简短句子,往往没有明确歌词。 渐渐的,有人加入了LATIN(拉丁)、 REGGAE(瑞格源在西印度群岛)、 RAP(说唱)或 JAZZ(爵士)等元素, 至八十年代后期, HOUSE冲出地下范围,成为芝加哥、纽约及伦敦流行榜的宠儿。
为什么会叫"House"呢就是说只要你有简单的录音设备,在家里都做得出这种音乐~House也是电子乐中 最容易被大家所接受的
Cher唱的Believe 就是个好例子而M-People可说是House代表团体House舞曲在1986年开始流行后,可说是取代了Disco音乐
House可分为:
Acid House 也就是融合了TB-303的Acid声的House乐
Deep House 有着相当浓厚的灵魂唱腔,又叫作Garage,蛮流行化的 像Real Mecoy, M-People, La Bouche都是Garage团体
Hard House 简单来说,就是节奏较重,较猛的House
Progressive House 这类House没啥灵魂唱腔,反而比较注重旋律和乐曲编排有一 点像"演奏类"的House乐 像SASH!的专辑It's My Life便是很好的Progressive House专辑
Epic House 就是"史诗"House Epic House有着优美,流畅的旋律和磅礴的气势, 很少会有vocal在里面(几乎是没有!) BT的音乐就是很棒的Epic House,而他也被称作"Epic House天皇" 其实连Rock也有"Epic Rock"
Trible House 想像一下:带有非洲原始风貌或是印地安人的鼓奏的House是啥样 这就是Trible House~ 这种House除了有一般House稳定的节奏外,在每拍之间,会加入一些带有原始风貌,零碎的鼓点 蛮有趣的~ 不过,House的范围太广了,大家也不用硬要把一首曲子分类这些只是告诉大家,House很多种"而已。
到了九十年代, HOUSE已减少了那前卫、潮流色彩,但仍是很受欢迎的音乐。
什么是Britpop?
Britpop虽有个“ Pop"字,但其实是 Rock的一种,源於九十年代英伦,中文可译为“英式摇滚”,这是英伦乐坛对美国 Grunge潮的一个回应,主要是以乐队形式出现。不过, Britpop风格其实十分广泛,如 Oasis是结他摇滚乐队, Blur则 Pop很多,而Pulp则接近 Glam Rook及跳舞风格,不过他们都被列作 Britpop。
英国 Britpop代表人物: Oasis 、Blur 、Suede 、Pulp 、Radiohead
什么是 Trip-Hop?
Trip-Hop是英伦/欧洲跳舞音乐的一种,它的名字来源是“ Trip+ Hip-Hop= Trip-Hop”,因为它发源自英国的Bristol,因此最早时称作“Bristol Hip-Hop”。由于把把Hip-Hop(其实很多音乐都是架构在Hip-Hop上的……不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人, 他们多半是用Hip-Hop音乐来跳的。)节奏变慢(有时很慢很慢)加入一些迷幻的味道,如很阴沉,肥厚的Bass,轻微但迷幻的合成音效,或是些唱片的取样,有时可能连唱片的杂音都会被“故意”取样进去。所谓“ Trip”,指迷幻,氤氲的药物旅程,所以, Trip-Hop是种慢板的迷幻的、有 Jazz感觉的、迷糊的、带点 Hip-Hop节奏的 Break beat音乐。它虽然隶属跳舞音乐类,但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音乐所有的明确节拍特色相去很远。
外国 Trip-Hop代表人物: Trip-Hop中公认的铁三角ortishead、 Tricky、 Massive Attack 、Mandalay Moloko 、Coldcut
什么是 Gangsta Rap?
Gangsta Rap是 Rap的一种,以 Rap的内容多与都市罪案有关,充满暴力、色欲感受,这是反映现实的一种音乐路向。 Gangsta Rap於八十年代末期在美国兴起,音乐Rap中的强悍尖锐派,在美国大受欢迎,唱片销路甚高。而不少 Gangsta Rap乐手本身真正“参与”现实中各式罪案,部分更因而入狱甚至死亡,可说是真正反映现实兼令人触目惊心的乐种。
Gangsta Rap化表组合: Ice-T、 Ice Cube、 Dr Dre、 Snoop Doggy Dogg、 2 Pac、 Geto Boys
什么是 Synth Pop?
Synth Pop中的“ Synth”,即 Synthesizer,顾名思义, Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮制出来的流行乐”,当然除 Synthesizers外还会用上其他电子乐器如电脑及鼓机等等。 Synth Pop於八十年代初期开始流行,至八十年代中开始沉寂,当年在香港也曾掀起过一阵热潮。Synth Pop的特点是科技感强,有时会颇冰冷,歌曲多是“三分钟流行曲”(3-minutes Pop),很多时 Synth Pop乐手会作入时打扮。
Synth Pop代表组合: Depeche Mode、 Human League、 Duran Duran、 OMD、 Gary Numan
什么是 ORCHESTRA ?
ORCHESTRA就是管弦乐团,它分成四部分: 1弦乐,包括小提琴、大提琴等, 2铜管乐 3木管乐和 4敲击乐四组。弦乐组每种乐器有多人演奏(竖琴除外),四组演奏者由一人统筹兼领导,他就是乐团的指挥。ORCHESTRA於17世纪出现,到18世纪因海顿和莫扎特的作品而清楚地建立模式。19世纪加入了些新乐器,乐团人数加大。 ORCHESTRA是西方古典/正统音乐的正宗。西方流行/摇滚乐也经常运用 ORCHESTRA的部分或全部团员协助演出。
什么是 CHAMBER POP?
CHAMBER POP是指典雅、高贵、精致的一种流行乐,它有一定的古典音乐感觉。 CHAMBER MUSIC一词来自古典音乐,中文叫“室内乐”,是种小组弦乐演奏曲式,气氛高雅。CHAMBER POP於九十年代兴起,是对当时的 LO-FI及 GRUNGE的一种反应,强调优美的旋律、精致的配乐、乾净的录音,每每多用弦乐、管乐制造巴洛克时代的音乐感觉。外国代表乐队有 THE DIVINE COMEDY, RIALTO, ERIC MATTHEWS及 BALLE & SEBASTIAN等,香港则有黄耀明、部分的彭羚、部分的 MULTIPLEX等等。
音乐剧《悲惨世界》赏析
法国人克劳德勋伯格根据法国文豪雨果的名著《悲惨世界》改编的同名音乐剧自从1985年上映之后就常演不衰,并且这部音乐剧与他自己的另一部音乐剧《西贡**》以及英国人安德鲁韦伯的《猫》和《歌剧魅影》并称为世界四大音乐剧。《歌剧魅影》和《西贡**》我并未找到碟片,所以不曾欣赏过,但从《悲惨世界》和《猫》来看,《猫》杂糅了多种音乐元素:爵士、布鲁斯、金属等等;而《悲惨世界》的多数配乐都是以古典音乐作为基础的,而我自己是个古典音乐的爱好者,因此更喜欢《悲惨世界》。可惜的是,《悲惨世界》已经转入演出淡季且不再百老汇上演了,无法现场亲身体验这部经典名剧实在是非常遗憾。除了在课堂上欣赏过该剧全球巡演10周年的碟片,我在课余时间又完整地看了两遍,每一次欣赏这部音乐剧都会给我深深地震撼。虽然没有看过雨果的原著,但这部音乐剧通过视觉和听觉对我的冲击,让我深切地体会到了原作中所要反映的东西。下面就就我印象最深的几个音乐片段谈一点自己的感受。
第一个触动我的音乐片段是《At the End of the Day》,描述的是工厂里有一个叫芳汀的女工,她的美丽遭到其他女工的妒忌;当她们看到芳汀因对老板的轻薄不从,而且得知芳汀有一个寄人篱下的私生女时,便以此为借口怂恿厂主将其开除。这首曲子的节奏很快,演员们的词也都很多,但同样的曲调、同样的节奏在两类人的演绎下表现出了不同的感觉。一类人就是那几个带头的女工,她们一人一句,歌词就象连珠炮似的从她们嘴里蹦出来,好象巴不得一口把芳汀吃掉,言语中透露出来的轻蔑、鄙夷,让人不禁对她们产生厌恶之情。而她们几个人与跟风起哄的女工们的一唱一和——一句独唱一句合唱相间的安排,则把女工们急于赶走芳汀之心暴露无遗。另一类人就是孤独的芳汀。虽然还是一样的曲调,一样的节奏,但演员那略带哭泣的唱腔、委屈无奈的表情则表现出了芳汀孤独无依的窘境。芳汀一个人还辩驳不上几句,就被女工们更多更大声的无理指责给压了下去。同样的快节奏,放在芳汀身上,与其说是表现其有力地反驳,倒不如说是表现其在众女工以多欺少的情况下艰难无奈地抓紧仅有的一点喘息之机进行反驳。随着工厂主的一句“On your way!(马上滚吧)”,芳汀无奈地被赶出了工厂,她也失去了生活的来源。
第二个打动我的音乐片段是《Castle on a Cloud》,描述的是被寄养在德纳第夫妇家中已5年的珂赛特,终日受到非人的虐待;但这对黑心肠的夫妇却对自己的两个女儿疼爱有佳。可怜的珂赛特幻想着自己能到云端的城堡里,因为那里没有人大吼大叫,也没有人再要她做苦工。这首空灵的曲子出现在一段“重”音乐之后,整个现场突然间安静下来,只有交响乐团奏出微弱的前奏,接着穿着肮脏破烂的珂赛特唱起了这段空灵的歌曲。这里不得不提一下珂赛特的神情:红肿外凸的眼睛、沾满尘灰的脸颊与鼻子,让人顿生怜爱之情。她唱着“There is a castle on a cloud,I like to go there in my sleep……”,憧憬地望着远方,似乎看到了有这么一个云端城堡能让她摆脱现在无尽的苦工,她能在那里愉快地生活。突然间,这优美的旋律被老板娘霸道地唱腔打断了,珂赛特又回到了悲惨的现实中,又有一大堆的苦工要做了。珂赛特刚有一句哀求,就又被粗鲁地骂了回去,更显出这段歌曲的悲凉的一面。
这部音乐剧中还有许多“亮点”片断。比如描述流浪儿加夫洛许带来了拉马克将军的死讯后,众人在恩佐拉的带领下走上街头争取民众的支持所唱的《Do You Hear the People Sing》,这也是这部音乐剧中最振奋人心的音乐,在这里和最后尾声17个国家让阿冉同唱这首歌时将全场气氛推向了高潮;比如酒馆老板的《Master of the House》,其颇有喜剧感的节奏不禁让人随着节奏摇摆起来;比如珂赛特、马吕斯、爱波宁互诉衷肠的《In My Life》,他们之间的真挚感情把我深深地打动;比如爱波宁独诉相思之苦的《On My Own》;比如爱波宁为革命牺牲时在马吕斯怀里与马吕斯对唱的催人泪下的《A Little Fall of Rain》……这些歌曲生动地刻画出了一个个鲜活的形象,仿佛活生生地站在观众面前:令人爱的,令人恨的,令人不屑的,令人同情的……所有这些构成了这部经典的音乐剧。
《悲惨世界》
改编自雨果同名文学巨著的经典音乐剧《悲惨世界》,音乐剧《悲惨世界》的始作俑者—法国人阿兰·鲍伯利和米歇尔·勋伯格,都曾是音乐剧的狂热歌迷。1971年,两人在纽约观看了韦伯的音乐剧《万世巨星》,由此萌发出创作一部史诗风格的音乐剧的想法。两人从韦伯的经典音乐剧《万世巨星》和《艾维塔》中汲取了相当多的灵感,令其既有史诗般的壮丽,又不乏流行文化的精华。1978年,鲍伯利和勋伯格在巴黎“奇迹般地”完成了这项宏伟的工程。
1980年秋,长达两个小时的音乐剧《悲惨世界》在巴黎体育馆首演。令人难以置信的是,它竟然被硬插在了拳击和马戏表演之间,并在上演后的第十六周便被迫收场。哀叹之余,曾经把《猫》成功包装上音乐剧舞台的英国著名演出制作人麦金托什找到了鲍伯利和勋伯格,下决心要把《悲惨世界》搬到“世界歌舞之都”—百老汇。三人一拍即合,6年后,重新包装后的《悲惨世界》落户百老汇,并正式踏上了国际舞台。
作为一部大型音乐剧,《悲惨世界》聘用的演员总数为421人,幕后的员工更高达1633人。该剧之所以能连演16年而不衰,除了故事和主题的历久弥新、真切感人外,演员的专业、音乐的动人以及场景的变换等,也都是引人入胜的原因。例如主角冉·阿让在大战前夕祈祷上苍保佑养女珂赛特的爱人马吕斯的独唱《让我死,让他活》,其神情之恳切、旋律之优美,令人过耳难忘;再者,《悲惨世界》的编导破天荒地利用大型转台,将革命青年和巴黎市民共同堆砌的“战壕”逼真地呈现出来,加上慷慨赴沙场的激昂军乐和充满火药味的枪声、爆炸声,令观众如身历其境,达到了比**还要真实的震撼体验。
这首歌是 Beatles的第二时期的作品。
从1965年灌制的专辑 Rubber Soul 里,可看出乐团成员歧异日大的创作路线。John Lennon 的歌词包含更多强力的意象(例如 Run For Your Life),充满文字游戏,反语,嘲讽,悲观色彩,甚至怪诞的风格,配上浓烈、强敲重击的音乐。相对地,Paul McCartney乐观的抒情风格产生了更清澄、流畅而宽阔的歌曲,和声、音色、节奏巧妙地融合一体(例如 I'm Looking Through You)。George Harrison在 Thank For Yourself 及 If I Needed SomeOne 中,使用了催眠般重复再现的主题。
1966年的专辑 Revolver 从许多角度来看都可称得上是 The Beatles 风格的分水岭,青春浪漫的情歌减少,而普遍性的主题增加:童歌,政治嘲讽,显明的乐观主义及残酷的悲观主义。Paul McCartney 那首美得令人忘怀的 Eleanor Rigby 涉及悲悯与孤寂(这两个主题在The Beatles晚期作品中一再出现);此首歌以简朴的民谣风写成,有着多里安调式及弦乐四重奏的伴奏。
摇滚乐后来的许多发展则可追溯到John Lennon的 Tomorrow Never Knows - 鼓及低音吉他表现出强烈的节奏,印度长颈琴檀布拉(tambura)的持续音给超现实的歌词,录音带拼贴画般的音效以及电子转调,提供了静态的背景。
在六十年代中,The Beatles乐队开始实验性地将东方宗教及迷幻药融入作品中,以期扩展作品的风貌。这些经验,加上录音媒体的创意运用以及自 Revolver 起即开始发展的音乐方向,终使他们创作出 Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band(1967)这张专辑。这或许是他们最具创意也最具影响力的一张专辑。这也是摇滚史上第一张成功的“概念唱片”--从歌曲的安排、录制,到唱片封套的设计,都经过统一而有创意的规划。
在录音工程师乔治马丁(George Martin)--“第五个beatles”--的指导下,他们发展出新的技巧:先有一音乐意念,将之录下,复在录音带上添加或删减材料;作曲完全成了录音室中听觉和电子重组的过程。The Beatles在 Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band 中探究了各种不同的风格:蓝调、爵士,电子音乐,印度音乐,以及大型管弦乐的音响效果(在 A Day In The Life 一曲中)。
他们的歌词更富幻想、更加放纵,拍子更为多样(George Harrison的 Within You,Without You 具有印度 Tabla 鼓般的音型)。整张唱片被规划成一场Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band的演奏会(连观众的吵杂声及舞台上的戏谑声都录进去),并且在歌词内容上(如唱片标题所示)朝孤寂与疏离的主题发展,因之具有相当的统一性。整个作品的张力从头到尾一直持续着,在最后,在渐强的管弦乐高潮中得到宣泄。
The Beatles 在电视影片 Magical Mystery Tour(1968)中,身兼编剧、制片、导演及演员数职。这部片子虽然被认为是失败之作,却包含了一些他们最好的音乐:Paul McCartney 的 Fool On The Hill 以精妙细微的方式处理崇高的题材;John Lennon的 I Am The Walrus 显示出他对残苛的现实,特别是人类认同感沦失的关怀。
大体分为两种,严肃音乐 流行音乐
古典乐 宗教音乐都属前者.流行音乐的种类很多很广泛!地方民族音乐是其最大体现!JAZZ<爵士乐>和蓝调<布鲁司>的兴起就是黑人的民族音乐!以后他们两者结合又出现许多新的音乐形式R@B雷鬼岳这些黑的人民族渐渐被白人所接受,30年代的爵士铜管乐队,白人爵士歌手弗莱克.辛那克拉.以至于后来出现第一个白人唱布鲁司的猫王至今还被人推崇!到了40年代中后期白人也开始逐渐的进行JAZZ<爵士乐>及布鲁司的创作!70年代爵士乐的衰败另一种音乐诞生在美国贫困区!~摇滚乐!它表现了很多穷人对政府的不满和痛诉90年代饶舌岳兴起在黑人贫困区!以至现在都很有位置!以上是大致的过程其细微的音乐风格还有很多!以下以字母顺序排列。
abs-track hip-pop
音乐风格为Trip-Hop(详见T~),常将vocal(人声)舍弃,没有了vocal不仅突显了其音乐性,且能更让人感受到像欣赏抽象画般想象的空间。
ACIDHOUSE
80年代中期崛起于芝加哥,上当时的药物Acid在地下舞厅的迅速流行,就是统称Acid House革命。由电子合成器与机械鼓发出的规律性的四分音符敲击声,开创了电子合成舞曲的新的里程碑。它是革命性的创举,同时保留了美国地下音乐的原貌。其的特点是:电子合成器ROLAND303的机械歌声,118~130BPM的节奏。
Acid Jazz
Acid Jazz 是由 Jazz 所分支出来的一种音乐形态,她是现代科技的产物。在音乐上它仍然使用了爵士乐中那种即兴、随意的音乐风格。虽然在鼓以及 Bass 的表现方式上颇有Funk的味道,但实际上两者还是有一定的差距。
另外,Acid Jazz 在乐器的使用上和爵士乐比较相近,由现场乐器演奏旋律。它运用了比较多的管乐器以及实验性质的乐器,这些在 Funk 乐中是比较少见的。相对的,在演唱者声音的表现上,Acid Jazz强调的是演唱者的技巧和比较随兴的演唱方式。
Acid Jazz 和Funk 最大的不同在于 Funk Music 在节奏及音乐的表现上有一定的规律可循,而 Acid Jazz 则没有这样的限制,它可以视情况去做任何的变化! (80~120BPM)
Acoustic:
原声重现,是一种最剩电,最环保的编曲方式,以民谣为主,用简单的共鸣乐器,比如吉他、钢琴、伴奏,体现纯净的人声之美。
Alternative:待解
AMBIENT
是一种氛围化的背景音乐,但亦能吸引听觉。 AMBIENT的存在展现了电子合成器梦幻的一面。它结合了自然和日常生活中俯拾皆是的声音,透过电子合成器的处理,蜕变成具有原创性的音符。其特点是:极为电子化、弥漫着太空感、充满着长时间的音效、序曲和停顿,有时更会出现长达20分钟以上的混音,节奏介于0~140BPM。
AOR (Adult Of Rock )
乐风偏摇滚,但又加入大量键盘所以有别于六、七○年代的重摇滚而独树一格,这样的风格介于当时流行与重摇滚之间而逐渐发展到八○年代是为成熟的AOR(Adult-Oriented Rock)曲风
BALLAD:不详,待解
Big Band:待解
BIG BEAT
大节拍。把Brit-Hop变得更快,节奏更重,更有摇滚的味道,可说是将Brit-Hop改良后, 更成熟的一种曲风,你可以想像一下又重又碎,又有点快的节拍是什么样子。
Break beat
135~170BPM。不像House的拍子Boom-Boom-Boom-Boom那么规律,而是以破碎的节拍呈现,像是切分拍如在两拍中加入小碎鼓,等等,Break beat只是一个总称而已,有很多种音乐都属Break beat,如Brit-Hop、Big-Beat,和黑人的Hip-Hop便是一种。
Blues
它是居住在美国的黑人在困苦的底层生活中创造出的音乐风格,发源于20世纪初密西西比河的三角洲地带,早期为人们劳作时的劳动号子,后来逐渐影响了世界流行音乐的发展轨迹。现在像ROCK\'N ROLL(摇滚)及R&B(节奏布鲁斯)等字眼早已为你所熟悉了吧这两种音乐里所使用的Blues音阶是你在学校的音乐课里所学不到的,但是每天你从大街上走过,从音像店里传出的声音早已使它深入你心……
上个世纪的20年代,Blues以它个性的歌词、和谐的节奏以及忧郁的旋律迎合了某些人而逐渐兴起。Blues音乐中包含了很多诗一样的语言,并且不断反复,然后以决定性的一行结束。使人有着苦乐参半、多愁善感的感觉冲击。虽然相对JAZZ来说,Blues音乐中主唱是焦点,但是以吉他为主的乐器即兴演奏也非常精彩,乐器演奏者 可以超越和弦的界限随意发挥,除了旋律的忧郁动听外,还包括小刀刮擦声和滑棒使用的声 音,以及模仿主唱的哼唱声。
Blues音乐发展到今天,已经被纳入主流音乐的行列,他的许多元素被更多的运用到摇滚 乐及流行音乐中。但是传统的Blues音乐还是有着强大的实力。
Bossa lounge
类型与Bossa Nova相似,但是风格上由于带电子合成因而偏向于忧郁。
Bossa Nova
可以说是大家听过所有的巴西音乐里一种全新的音乐形态,是种带JAZZ味道的巴西音乐,1950年代作曲家ANTONIO CARLOSJOBIM将巴西音乐节奏与美国西岸COOL JAZZ混合而成,柔和,舒服,轻松,懒洋洋,浪漫是特色。它能够丰富生活的色彩,让人听了心情舒适,因为基本上你在任何的时候听到都会有如沐春风的感觉。比如最近在中国比较知名的小野莉莎。
CAJUN
路易斯安那州的白人舞曲音乐,常用手风琴和小提琴,由法裔美国人演奏和演唱。
Celtic
凯尔特民族的民乐,空灵,吟唱。在众多流行音乐中都有其的踪影。甚至如电视游戏《幻想水浒传3》的片头曲是。
Cha Cha(恰恰舞曲)
这种音乐是中南美朋友的最爱之一,并且不断研究创新各种花式cha cha舞步,常可在舞池中看到十几二十个人跳一样的舞步,同时cha cha舞曲也是DJ们的救命歌(也就是说只要一放出cha cha大家就会向舞池集中,各个跳的很快乐)
Country
乡村音乐。20世纪20年代在美国出现,它的源流很广。形式多为独唱或小合唱,用吉他、班卓琴、口琴、小提琴伴奏。 乡村音乐的曲调,一般都很流畅、动听,曲式结构也比较简单。
DANCE POP
POP舞曲起源于80年代中期。速度在80~140BPM。在当时DISCO盛行的情况下,一些和当时乐坛流行的曲风结合的舞曲开始受到青年人的欢迎,再加上MTV这种新的音乐包装形式的出现,这类舞曲即通过由当时当红的明星借助**、电视和新兴的MTV传播开来,形成了所谓的DANCE POP。在节奏上比流行音乐的速度来的快,风格以轻快、明亮为主。使用的是比较容易被接受的流行唱法,而内容上也多半是情侣之间或者是生活中的一些小插曲,很少提到对社会现象的批判。DANCE POP在唱腔的表现方式上几乎和流行音乐没有太大的分别,经常会发生和流行音乐之间不容易分辨的情况。它和一般舞曲比较不同的是,它的节奏表现方式不像一般舞曲来的那样强烈,因此不会给人很强的压迫感或震撼性。
DANCE POP的商业色彩浓厚,它不特别强调唱腔或是音乐的内容,但是对于艺人本身的形象以及表现出来的特殊风格会有一定的要求,因此你会经常发现某些明星他们相当努力的去变化自己的服装及造型。DANCE POP象早期的玛当娜、迈可杰克逊及目前的后街男孩均有出品。
有很多人把纯的POP加上打击乐改成POPDANCE,这也是在中国大陆最受欢迎的一种舞曲形式,最典型的代表有JANETJACKSON。
其实当前一些有别于经典曲风的舞曲,以及较难区分的舞曲多可列入DANCE POP的范畴中来。(多省事啊 :-) )
DEEPHOUSE
HOUSE的一个分支,特点是意味深长的歌词、灵歌类的演唱和钢琴的曲子。
DISCO
70年代出现,是一种节奏强烈、单一为"蓬-蓬-蓬"的流行乐,迪斯科不应算是流行音乐中的一个流派,而是对乐曲进行特殊的改编,不管是现代还是古典曲目,都可以编成Disco舞曲,它的重点放在了节奏和打击乐上。迪斯科音乐大多带唱,歌词简单,节拍是双拍子,曲调就那么几句来回反复,速度比进行曲略快,BPM约在120拍上下。Disco的风潮应归功于**的杰作:70年代的美国**中大量使用了Disco舞曲,由于Disco舞曲本身节奏简单(4/4拍),旋律积极向上易被人接受,再加上崇拜明星的作为,从而在全美国乃至全世界掀起一股Disco的风潮。Disco不仅仅只是一种舞曲风格,它是当今崇尚服饰`时尚`潮流的原起点。当时没有Disco的话可能现在我们的生活还是黑白的。
DISCOHOUSE
是70年代DISCO和FUNK乐风的延伸,近来风格更上转向旋律性强、接受度高的形态。在英国也称此音乐类型为其特点是利用DISCO风格的处理方式、HOUSE节奏、TECHNO取样技巧及维持在120~130BPM的节奏。
DJ
全称Disco jockey。可以理解成DISCO舞厅的司仪或唱片骑士。DJ与DISCO的发展息息相关。
早在一次世界大战之前就有DISCO和DJ的雏形。70年代才真正开始抬头,DJ从此开始逐渐走向专业。牙买加移民Kool Herl最早把两个唱盘(turntable)及混音器(mixer)摆在一起,及独创“刮唱片”(scratch)的动作。DJ发展至今,已并非是纯粹做些mixing或scratch的技巧而已。在在这几年的趋势中,DJ已跨越到音乐制作领域,不少还亲自担纲制作人。
在一般人的印象当中,常见“DJ”常常会把手放在唱盘(turntable)上的黑胶唱片(LP)来回刷动,另一只手在混音器(mixer)上的CROSS FADER(控制左右唱盘的声音)反复不停地切换。其实这种动作正确名称叫做“Scratch”。Scratch是一种在节奏中或一首歌曲里做类似唱歌般的组合,然后增加其变化性。然而不只是单单有“scratch”而已,还有一种用2张一样或是不一样的唱片,也是在一定的节奏上,去做变化,而这个技巧称为“Battle”。这两种技巧都是“Hip Hop DJ”比较常使用的方式,然而在“scratch”和“battle”里,没有一定的规范,每一位DJ都有自己的特色(free style)。它们在国外已经风行20余年,自成为一种特殊的文化。DJ们有一些大大小小的比赛,其中就有极具公信力的比赛,叫做“DJ Mix Club”(DMC)。DMC在世界各地(美、英、加、澳洲、日本、香港等等)几乎都有举办比赛。然后再由每个地区的冠军,一起比赛争取世界冠军(类似奥林匹克的比赛模式)。
DREAM-POP
DREAM-POP是种“梦”般的流行曲,它有一种迷离的气氛,多靠SYNTHESIZERS(电子合成器)造成,加了ECHO效果的电结他也是重要的成分,歌唱部分往往很 \'BREATHY\'即呼吸声重,歌词也往往有梦般的诗意色彩。中文以王菲为首,如《DI-DA》
Drum\'n\'Bass
对某些人来说,Drum\'n\'Bass的音乐可能很烦,因为Drum\'n\'Bass很注重在节奏上玩花样,还有Bass的表现, 像是很快很快,复杂的碎拍,以及运用各种不同的电子鼓,或是取样而来的鼓声。因此Drum\'n\'Bass也是Breakbeat的一种
ELECTRO
80年代初HIP-HOP的一个分支,重点使用鼓机和合成器。
ENERGY-ALTERNATIVE
无法对其进行简单的归类,其特点是:接受度高、利用大量的合成键盘声、渲染的唱腔,成功地结合了HOUSE ROCK TECHNO的元素,节奏维持在100~140BPM。
Eurobeat
Eurobeat是一种源自意大利的跳舞音乐, 已有20年多的历史。 音乐主要以快速的电子音乐为主, 与Trance的格式差不多,不过Trance是以Beat为主,Eurobeat就以曲为主。
顺便提一下PARAPARA舞:
Parapara是以Eurobeat词曲为主的舞蹈。Parapara在日语里的意思是散乱无章,零杂随意的意思。舞蹈主要为空中画圈、双手交叉等手部变化,双脚只是左右移动。Eurobeat的歌可以自创ParaPara Dancing,当然必需学懂基本的舞姿,舞步及ParaPara的concept。
Parapara舞发源于日本舞蹈,七十年代末期开始存在。它随迪斯科热潮而兴起,后又随黑人音乐的出现而流行。九十年代初期,近乎所有日本Disco都转变成了ParaParaClub。去年开始,一些明星不断于公开场合表演Parapara舞,再次将这个热潮带起,进而演变成目前日本最流行的舞步和全民运动。著名游戏厂商Konami也借此发部名为 ParaParaParadise(PPP) 的音乐跳舞机。这部跳舞机采用了红外线感应器来感应玩者的舞姿 , 所以大家可以于这跳舞机上跳出 ParaPara Dancing。
EURODANCE
EURODANCE的速度一般在120~130BPM之间。欧洲舞曲,被大多数欧洲人认为是"主流舞曲"。在DISCO的基础上又注入了许多新的元素,如HOUSE、RAP及更加流畅的旋律。在80年代至90年代初,大多数的舞曲专家皆追随其脚步,出现了一大批脍炙人口的好歌。
EURODISCO
欧洲迪斯科音乐,被认为是德国唱片制作人乔吉奥在70年代中期发明的。
FUNK
Funk起源于60年代,BPM约在120拍以下。Funk也是一种原属于黑人的音乐种类。Funk 这个字就英文字面上来解释是指具有感情和韵律的音乐。乍听之下,和 R&B 节奏蓝调音乐有些类似。她的特色是 -- 在它的音乐中 Bass 占了很重的比例,电贝司的和弦和节奏成为了Funk的主干线。另外,Funk在歌词中多半比较夸张。
Funk Music 虽然起源于60年代,但它真正开始流行却是在70年代。80年代后,由于Disco音乐与电子合成乐的混血,Funk在速度及音乐内容上渐渐有了一些变化。为了符合舞曲音乐在世界上的潮流,因此 Funk 在速度上也越来越快,甚至加入了一些摇滚的味道。另外,在音乐的内容上Funk也是越来越花俏,添加了各式各样的元素在里面,这样一来,使得它在整体呈现上也显得越来越多样化。
Funk Music 的节奏虽强,但它却没有一般舞曲中那种令人一听就闻之起舞的特质。因此,到了九Ο年代Funk也就开始逐渐衰退。虽然在许多的音乐当中,我们仍然会常常听到一些属于Funk的节奏方式,但这些音乐大部分都称不上是真正的Funk,只能说他们是利用Funk元素来运用的音乐罢了。
GOTH
歌特,摇滚的一种
Hardcore(硬核)
Hardcore发展于90年代初期,但它真正在舞厅中被广泛使用,却是在93年之后。到了94年,Hardcore 大为流行。通常是以4/4拍为主,Hardcore 和 Techno 舞曲大同小异,两者都是属于充满电子风情的音乐形态,在表现的手法或演奏方式上也是十分的接近。不同的是,Hardcore 的特色在于它比 Techno 舞曲更重视速度和节奏性,节奏相当激烈、速度极快。也因为如此,使得它在表现上具备了更多的活力与能量,同时也更显得的热力四射。和大部分舞曲一样她的人声仅仅是为气氛的点缀。在乐器的使用上,清一色的几乎都是电子合成器。
她常常会让人有一种喘不过气的感觉。而大部份这类音乐的使用都是在舞会的最高潮,这个时候,如果再加上绚烂的霓虹灯,舞者就会觉得自己好像已经和音乐合二为一了!不过相对的,跳Hardcore这类的舞曲也很容易就令人感到疲累。这类音乐主要流行的区域是在欧洲。95年后,由于舞曲的创新及流行趋势不再,Hardcore 也随着这种趋势逐渐没落,而被后来的Jungle、Rave等这类具有不同风貌的新兴舞曲所取代。但是它在欧式舞曲中仍然占有一定的比率。
HIGH-ENERGY
DISCO的一个变种,保存了70年代中期曲风的根源,又融入了TECHNO的因素,它的特点是:渲染的旋律、人声的掌控、快乐、让人HIGH的快感及维持在118~140BPM的节奏
HIP-HOP
HIP-HOP BPM在90左右。比较符合人心脏的脉动,听之使人产生想轻舞的感觉。Hip-Hop前身是Rap和一点点的R&B,再加上各种磨片的音效声,属于80年代开始年轻人爱玩的音乐。Hip-Hop含有Rap的饶舌和较R&B反覆的旋律和比较复杂的节奏。以及电唱机的音效。 Hip-Hop的表现概念主要是来自于Rap,在内容上它要传达的是当时的一种生活形态,像是当时流行的语言、服装或是音乐类型。而和Rap不同的地方在于,Hip-Hop在速度上并没有像Rap那么样的快,同时在节奏段落的部份也显得比较抒情、柔和。和Rap比较起来,Hip-Hop更适合用在舞厅拿来跳舞。
在韩国的音乐界,相当多的歌手都模仿着所谓的“正统HIPHOP”形式,不断的发行唱片。在街头,以年轻人为主的“HIPHOP时装”随处可见。另外在墙上涂鸦也是Hip-Hop文化的延伸。
很多人都知道,HIPHOP是从美国农场的黑人奴隶们哼唱的歌曲中演变而来的,如果单从字面上解释HIPHOP这个单词的话,其原意是臀部(HIP)和摇摆(HOP)的意思,按照个人的理解,每个人会有各自的道理。但从音乐形式的角度来看,HIPHOP其实是在1970年初诞生的。当时美国盛行DISCO,有DJ将R&B和FUNK音乐中间的间奏(BREAK)连续的反复播出,形成没有人声的音乐。另外DJ在间奏时为了渲染气氛会不停的大叫,这也就是其中RAP的开始。其内容只是为了配合当时的气氛,并没有任何意义。
Hip-Hop已经有20多年的历史了。不过,它依旧是现今最具有创意和活力的电子舞曲。不仅如此,它同时还影响了日后House, Techno, Jungle, 和Acid-Jazz等音乐类型的发展。
以上的关点都是本人建立在西方音乐中心论的基础上的 至于中国的民歌 是又另一套理论 很有争议的
欢迎分享,转载请注明来源:浪漫分享网
评论列表(0条)