粉印版画简单？

　　粉印版画制作简便，而且制作要求也不高，因此很合适初学者学习。其实粉印版画也很有特点呢。以下是我分享给大家的，一起来看看吧!

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看完了以上的之后，下面就来了解一下关于传统版画的知识吧!

版画的历史沿革

版画经历了由复制到创作这两个发展阶段。早期的版画是为印刷与出版而制作，画者、刻者、印者分工，刻者只照画者的画稿刻版，称作复制版画。后来版画在艺术上赢得了独立的地位，画者、刻者、印者都由版画家一人自任，版画家得以充分发挥自己的艺术创造性，这种版画称作创作版画。

中国复制木刻版画约有1000年以上的历史，最早可能发生于隋唐之际。看到的晚唐咸通九年868《金刚经》木刻卷首画，说明在9世纪中叶，中国的木刻复制版画已经达到相当熟练的水平。创作版画作为一种独立的艺术创作，在西方也早就存在。在欧洲，16世纪的A丢勒以铜版画和木刻版画复制钢笔画。到17世纪的伦勃朗，铜版画已从镂刻发展到腐蚀，进入创作版画阶段。木刻版画则由19世纪的比维克创造以白线为主的阴刻法，而摆脱了复制的羁绊，进入创作版画的领域。中国的创作版画自20世纪30年代经鲁迅提倡，在短短50多年间取得了巨大的发展。

种类与技法从型别上分，版画有4种：凸版、凹版、平版和孔版版画。从材料上分，凸版版画中有木刻、麻胶刻、石刻、砖刻、纸刻、石膏刻等。在凹版版画中有金属主要是铜和锌版画、赛璐珞版画、纸版画等。在平版版画中有石版画、独幅版画等。在孔版版画中有丝网版画、纸孔版画等。由于所用材料不同，刻版工具和方法也各异，遂产生各种型别版画的特色;更由于各个版画家发挥其创造性及刻制、印刷主要是手印的技巧，版画艺术的形式更是丰富多彩的。

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浪漫主义的先驱者是法国画家席里柯，另一位法国画家德拉克洛瓦使浪漫主义绘画达到了顶峰。

席里柯(1781～1824)是法国浪漫主义绘画的先驱。席里柯出生在法国的里昂，15岁时到巴黎学画。他深受前辈大师们的影响，创作出一些具有浪漫主义色彩的作品。席里柯的生命虽然短暂，但却终生充满着激情、幻想和痛苦，并把这种感情反映在自己的作品中。他善于以写实的手法表现人的内心情感。作品题材都是从现实生活中取得，并删除掉一切非本质的东西。

《梅杜萨之筏》是席里柯最具代表性的作品。取材于当时“梅杜萨号”远洋船触礁事件，表现遇难船员乘木筏在海上漂流了13天终于看到救援的船只，一刹那间人们所表现出的激情和求生的渴望。

德拉克洛瓦

“浪漫主义狮子”德拉克洛瓦（1798～1863年）。德拉克洛瓦知识广博、黄绿色 作者:格哈德·里希特情感丰富，擅长音乐，有很高的文学素养。他重视色彩的热烈奔放，认为“色彩是绘画的主角”。他明确提出，要用色彩去塑造形体，而不是如古典派那样在画好的“素描”上“填”颜色。他在1824年首次展出的《希阿岛的屠杀》，描绘了土耳其侵略军在希阿岛大肆掠夺和屠杀手无寸铁的希腊平民的暴行，表达了画家本人对希腊人民的声援与同情。1830年法国“七月革命”爆发，德拉克洛瓦创作了有深刻历史意义的油画《自由引导人民》。德拉克洛瓦的《沙达纳帕路斯之死》、《猎狮》、《阿拉伯人与马》等都是浪漫主义画派的杰作。

借里科

借里科（1791～1824）。法国画家。1791年9月26日生于里昂，1824年1月26日卒于巴黎。青年时代就喜欢画马。曾和E德拉克洛瓦相识，崇拜P·P·鲁本斯、米开朗琪罗和巴洛克美术。21岁时画的《轻骑兵军官》获金质奖。1819年《梅杜萨之筏》引起轰动，这幅反映由于法国政府的过失而使战舰梅杜萨号在非洲触礁沉没的事件，表现了他对人类命运的关注和人道主义精神。该画的出现，引起了各艺术流派的兴趣：新古典主义者研究他的构图和空间处理，浪漫主义者则为画面所具有的强烈感情和悲剧性力量所震撼，而写实主义者对他的题材的真实性备加称赞。热里科一生留存油画191件，素描180余幅，石版画100幅，雕刻6件。他的艺术风格的广泛性和复杂性，预示着浪漫主义、写实主义和早期印象主义的出现。

约瑟夫·透纳

英国浪漫派代表人物约瑟夫·透纳（1775～1851年）。透纳一生画了大量海洋风景画，他通过对海洋上光与空气效果的研究，创造了自己独特的风格。看他的画，观者的心情往往难以平静。画中的阳光、烟霞、水气、浪雾……好像是由纯粹的光的韵律所组合的。他的《贩奴船》、《商船遇难》、《最后一次归航》等，都表明他的海景画已达到炉火纯青的阶段。透纳对光色和空气变化的注重与悉心研究，对后来的印象主义派画家有着明显的影响。

吕德

法国浪漫主义风格的雕塑家吕德（1784～1855）。吕德摈弃了18世纪末19世纪初法国雕塑界流行的形式主义，提倡富于动态和激情的风格。他的代表作是巴黎凯旋门上的高浮雕《马赛曲》，重现了1792年法国人民保卫祖国的历史场面。

       张大千年谱记载，上个世纪70年代，张大千在美国做了两场版画展，作品被抢购一空。展出的版画有：《白荷》《红柿图》《山中访客》《山村图》《深山古寺》各印122套；《朱荷》《芍药》《晚归》《秋涧猿戏》《红叶小鸟》《山寺飞瀑》则各印170套。方腾（W B Fountain）与旧金山艺术基金会的推波助澜，1975年在旧金山的Walton画廊做了石版画展，大受好评，作品为世界各地的藏家及各大博物馆收藏。张大千在海外传播、弘扬中国文化艺术，携彩色石版画进入西方艺术界，让五洲知大千！

       石版画之所以特殊，因为制作过程不仅要有艺术家自身的艺术想象，更是耗时费力，是一种极精致的艺术创作。除了方腾（W B Fountain）与艺术基金会的鼓励，张大千投入版画创作的另一个重要因素是毕加索（Pablo Picasso）。1956年，他受邀至巴黎的罗浮宫与东方博物馆展出敦煌临摹作品，在毕加索家中与其会晤。毕加索以自己的石版画《西班牙牧神》为见面礼，张大千则回赠他《双竹图》。

张大千版画作品《梅竹双清》

       这一次会面不仅是当代艺术史上的大事，也是张大千艺术生涯的一个重要契机点。怎么说呢？若没有与毕加索见面谈中西艺术，若没有毕加索赠送的石版画，日后方腾（W B Fountain）与艺术基金会可能也说不动张大千去做石版画。毕竟版画技术与中国绘画差距甚大，且石版画技术繁杂，不仅需要时间熟悉，更要有兴趣花时间去做摸索。若无兴趣，实难有所成就。

       木版画、网版画、石版画各有技术条件，以石版画的要求最高，技术最困难，彩色套印更是繁琐。张大千投入石版画制作时已七十高龄，体力是他只有少量石版画的因素之一。然而，老先生竟能于如此高龄下创作出融贯中西、独具特色的彩色套印石版画，且是充满了泼墨、破墨、皴擦、晕染、阴阳向背等中国笔墨之法的作品。兹以《深山古寺》为例，整体构图是中国传统山水画，雄壮神秘的山势占满整个画面，浓淡相间的墨色不仅营造光线效果，更突出来自笔法的特殊山石纹理，同时再加入树、屋、舟、人等精致细节完成布局。乍看之下，整幅图好似直接于宣纸上画出的水墨山水，但这实是单色石版画。再见多色套印的石版画《白荷》，画面上明显可见传统的笔墨之法，以及张大千最为著名的色彩渲染。初见之，亦让人误以为是在宣纸上直接作画，但这也是多版套色而出的石版画。

张大千版画作品《荷》从石版画制作过程

如张大千的《白荷》，以黑、白、绿三种主色组成，绿色尚有三种浓淡不一的色调，黑色也有两种深浅层次，另有少量的蓝色渲染，可推套色压印的过程花费了极大的时间与精力。版面绘制就是直接作画，油性墨也可稀释为如书法墨水一般，更可直接用毛笔在版面上作画，则底版上的画作就是一幅荷花水墨。但是，因画作有三种主色，可推当时至少另复制了两块相同图样的副版，而底版、副版全都需要精准上色以印出百分之百相似的复制图像。至于画面上的渲染颜色，那更是一个极为精细且精准的上色过程，很可能另用一块副版来上色。就颜色效果而言，一张《白荷》版画至少经过了4次或者更多的套色过程。版画虽然是艺术家手工压印出的复制品，但每一张看来一摸一样的版画都是艺术家劳心劳力做出的精致艺术品。

        张大千版画《八德园五湖亭上》，重墨多彩即来自多重套色。张大千用黑、绿、橘三种深浅不一的色调层次呈现日下西山的特殊氛围，树林枝叶的细致描摹更见他制作过程中的专注。

张大千版画作品《八德园五亭湖上》

张大千版画《甲辰神龙》，画面主体是多层堆叠且带渲染效果的橘云，仍来自重复套色技术，而隐藏在橘云后的橘色神龙却不因色调相同而被掩盖，反因精致的形貌、流畅的姿态及深浅层次的对比而被突出。

张大千版画作品《甲辰神龙》

       张大千版画《猿》与《西藏名犬》这两幅描摹动物的版画，虽是技术较简单的单色版画，但与上述那只活灵活现的神龙一样，细腻带动感的毛发出自艺术家决不轻忽的专注与决不妥协的执着。

张大千版画作品《猿》

    张大千版画作品《西藏名犬》

       版画因反复耗时的手工过程而具有独特价值，石版画更因艺术家投入更多的时间与精力而价值更高。创作型版画是艺术家自己复制自己的作品，但此复制并非廉价的机械复制，而是手工劳动下的艺术品。所以，艺术家会在每一张版画上签名标号，证明这是他或她的手工版画、创作版画、原创版画。张大千的版画更具特殊性，因为他制作版画时的年龄已高，并且其创作是转西方版画技术为中国书画服务，利用西方的技术来表现中国文化中的意境美。就此而言，他的版画就不只有版画原有的价值，更因独特的艺术理念而增益其价。

       这些石版画让人惊艳，而最迷人之处是：石版画竟有着中国书画技法，展现温婉、自在、悠远的意境美。随之而来的问题便是：不论是木版画、网版画或石版画，西方版画源自有固定技术要求的印刷术，更与中国水墨完全无关，则张大千是如何用这套西方技法展现了中国书画传统的水墨笔法及文化传统中的意境美？

       要想回答这个问题，需深入理解石版画的制作方式。石版画指在石灰岩板上作画，再以手工压印出版面上画作的复制品。此即石版印刷术，来自德国作家塞尼菲尔德（Alois Senefielder）在1796年的发明。石版印刷的基本原理是油水分离，能完整翻印出精致的原图，翻印出来的每张图像都几近相同。石版印刷术原本用来印制曲谱与剧本，但其特性为艺术家所发现而用于绘画创作上，至19世纪后，毕加索、罗特列克（Toulouse Lautrec）、慕夏（Alfonso Mucha）等更创作出精致的彩色石版画，石版印刷术因此成为创作的重要方法之一。

       现当代艺术家选择挑战石版画这一艺术门类，主因是石版画的绘制其实与一般绘画相同，但却有个高度要求艺术家专注力的制作过程。石版画制作过程大抵如下：画家用黑色油墨直接在打磨平整的石灰板上作画，完成后进行版面腐蚀，之后上色，再经手工压印出单色版画。石版印刷每次只能印一种颜色，若要印制彩色石版画，则需精准复制底板，并且要思考颜色需求与位置，制作相应数量的副版，每块副版印一色。所以，颜色越多，副版就越多，制版与印刷的过程就愈复杂耗时。不论是印刷单色或彩色印刷，石版画是创意与劳力需求度极大的创作，也正因特殊且复杂的手工制作条件，加上翻印出的作品完全等同于石板上的手绘原作，石版画有着非常高的艺术价值。

       现当代艺术家以石版作为创作媒介，还因为制作石版画是个结合石匠技术、化学实验及艺术创意的特殊过程。石版画用的石灰石板有独特需求，并非什么石块都能用，所以石板都重复使用。每次新创作都要先磨除旧图像，磨除的过程更要确保石板的表面平整，压印时才不会碎裂，印制效果才精准。打磨方法是用两块石板互摩，加入不同等级的金刚砂增加摩擦力，再以清水洗版。由于石灰岩会同时吸收水与油，手部因有油脂而不可接触打磨完成的版面，所以作画过程或悬腕，或垫纸以避免手部接触。同样道理，版面上作画只能用油性墨。油性墨通常为蜡笔、液态或铅笔形式，绘画过程中还可用刮擦工具来表现精致的细节。液态油性墨还可用蒸馏水或松节油稀释，可创造如水彩画、泼墨、书法等效果。由于画面随作者心意而出，绘画过程实与素描、油画、水彩画等在画纸、画布上的创作相同，也可创造出浓淡相间的层次效果。从绘画方式、材料性质与油墨使用方式来看，不难理解张大千的石版画何以能展现出中国书画的笔法与水墨效果。

       石板版面上的绘画完成后，要先在画面上均匀涂抹滑石粉，吸去多余的油墨，接着涂上松香粉保护非油墨区域，之后再涂阿拉伯胶锁住表面图像，让非画面区域只接受水而拒绝印墨。接着用酸性阿拉伯胶或硝酸溶剂腐蚀版面，让油墨渗入石版中，再涂上石版画专用松节油与沥青油，让画面区域只接受油性印墨而拒绝水。这形成了一层保护膜，图像也仅剩下轮廓。之后再涂上印墨，并以海绵沾清水洗去版面上的酸性胶。版面腐蚀完成后，印刷面需一段时间干燥，今仍用传统的扇风方法，即：手持单面扇页的扇子，不断旋转扇面来加速画面干燥。

        制版完成后，要以滚筒沾油墨重复上色，同时以海绵沾水湿润版面。油性印刷颜料有各种颜色，也可稀释、调色。一次上墨，就要一次湿润，不断重复直到图像吃墨而重新显现出来，随即进行单色印刷。上色过程中仍可对画面做出改动，如用刮擦制造特殊的纹理效果，或用阿拉伯胶与硝酸调和的溶剂来淡化某区块的颜色。上色过程非常耗费体力、时间，且若是要做多色套印，还需对整体作品的色彩布局做非常明确精准的安排。多色套印会有许多块副版，每一块版在印刷前都要进行重复上色与湿润的过程。这是石版画的最大缺点，但同时也是最大特殊性。石版画的另一个独特性是：一旦石板磨平了，原版就不可能复原，除非原版上的画作有做图像复制。因此，石版画的价值远比其他版画来得更高。

      1972年美国《华府报导》专访张大千，在访谈中他娓娓道出艺术人生中的态度与理想。对他而言，艺术是“最高”的表现。他说的“最高”，那是一种哲学态度，更是一种生命美的追求。这种美来自文化传统，它在人的身上种下一个理想的典型，而他只是顺着这个理想典型来挥洒创作。即因文化传统的引导，他尊法，但不为法所拘，在得了法后随性发挥，笔下所造自呼应文化传统中的理想典型。

      这典型是怎么来的？就是“学”，学从前的大家作品。经过自发而深刻的内化，自能用学来的东西表现自己的见解与胸襟。此言不正呼应儒家传统吗？不更见张大千的儒人气质吗？从服装到为人，他整个人不正如此吗？那是中国文化传统之精华，也因此其创作自与古人相应。他因天生自然的艺术兴趣，加上“学”理念，更认为艺术真谛不受语言文化的限制，所以能出入西方技法并转为己用，从而展现心中的那个“最高”境界。此境界，他说是“超以象外，得其环中”，不过司空图接着说了“持之匪强，来之无穷”，所言之意，即：很多东西都是要学的，但学到了后更要以自己的胸襟、情怀来灵活运用，而不是被所学之物所拘束；也唯有不为物所拘，创作时自能从法而破法，即如他用了西方技法创作出具有中国水墨意境的版画。

       借董其昌论东坡之语，可说张大千的作品达到了那“最高”的“艺道”。“艺道”之内涵颇复杂而难说，但张大千版画的内容、技法、情感、境界早已说明了此道内容。简言之，张大千的版画并不只是艺术家复制自己的作品那般简单，而是不可轻忽的艺术珍品，值得大家细细品赏。

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18世纪末19世纪初，在西班牙出现了继委拉斯贵支之后另一个伟大的现实主义画家——戈雅（F．J．de．Goya，1746—1828）。戈雅的故乡是西班牙北部萨拉果沙附近的一个农村。14岁时，戈雅进入当地的马尔蒂尼兹画室，在这里开始学习艺术，后又去过意大利。1776年戈雅进入了宫廷，开始主要是为皇家织造厂绘制和设计一些壁毯草图。

进入90年代，开始了戈雅创作的转折时期，画家早期那种乐天无忧的情绪逐渐为愤怒的激情和冷静的思考所代替。当时正是法国大革命年代，激进的、革命的思想对他影响颇大。在这个转折时期戈雅的重要作品有铜版组画《加普里乔斯》（又名《奇想曲》）。油画《疯人院》、《鞭身教徒的游行》以及《查理四世的一家》等。在这个时期他还创作了不少亲友和同代人的肖像画，其中最突出的有《何维兰诺斯肖像》、《费·吉尔玛德肖像》、《穿衣玛哈像》、《裸体的玛哈》以及《伊萨贝尔·柯包斯·德·波赛尔肖像》等。在《伊萨贝尔·柯包斯·德·波赛尔肖像》（1806）一画中，画家不仅生动地描绘了画中人的娇艳外貌，同时也揭示了她那充满青春欢乐的内心和激动的情绪，这是一幅充满时代精神的肖像，是对人类尊严和美的歌颂。他的铜版画《加普里乔斯》于1803年最后完成．共80幅。这套组画（铜版）虽然采用了隐喻的手法，如把社会上一些病态和罪恶的东西一转化为巫婆、巨猫、魔鬼、驴子、硕乌等形象，但是它的内容是十分明确的，画的背景是大黑夜，他描绘了在这个漫漫的长夜里，魑魅魍魉横行，人民遭受着屈辱和不幸。这套组画可以说是西班牙社会的一面镜子。

1808年～1814年间，西班牙经历了第一次资产阶级革命。当西班牙人民掀起反拿破仑入侵，反贵族和宗教斗争的时刻成雅在创作上进入热情战斗时期。《1808年5月3日夜枪杀起义者》（1814）是这一时期戈雅的重要作品之一。画家在这幅画中描绘了一个十分悲壮激昂的场面，画中表现了起义者不是失败者，而是精神上的胜利者，是临危不屈的英雄。他们英勇坚定的形象与内心怯弱、惊慌失措的刽子手形成了鲜明的对比。

《战争的灾难》是戈雅继《卡普里乔斯》后的第二部大型铜版组画，它的主要内容是：反映和描绘西班牙人民英勇抵抗法国侵略者的斗争。《战争的灾难》共分两部分，第一部分是在1810年～1814年间创作的，第二部分大的创作于1814—1820年间，整套组画共有82幅。

西班牙两次资产阶级革命都失败了，这使热爱人民的画家戈雅心清情为沉重。从回814年开始进入了他的创作晚期，这是一个苦闷而又充满希望的时期。在这一阶段里，他完成了《战争的灾难》第二部分、《聋子之家壁画》、铜版组画《吉斯卜来介斯》以及油画《抱水罐的姑娘》、《波尔多卖牛奶姑娘》等作品。

1824年后，为了躲避可能到来的政治迫害，他离开了西班牙。他的晚年是在法国波尔多城度过的，并在1828年4月16日逝世于法国。

戈雅的世界观是充满矛盾的，正像他的朋友说的那样：“戈雅他醉心于新的思想，但他又无法逃避这一个病魔的世界。”的确，他的一生都在向这个病魔世界进行斗争。

浪漫主义时期：1904—1906年 玫瑰时期 （粉红色时期）

  1904年 开始定居巴黎的“洗衣船”，玫瑰时期开始。邂逅费尔南德·奥利维叶，并同居； 

  1905年 创作《拿烟斗的男孩》并被慈善家约翰·海惠特尼女士以3万美元重金购得；

晚年时的毕加索也较为浪漫：1946—1973年 田园时期 

  1947年 儿子克洛德降生。在陶艺家哈米耶工作室制陶，至1948年共作了2000件陶艺术品； 

  1948年 为世界和平会议作“和平之鸽“海报和《贡戈拉的二十首诗》； 

  1949年 创作《卡门》系列； 

  1950年 获列宁和平奖章； 

  1953年 在玛都拉陶艺工作坊邂逅杰奎琳·洛克； 

  1954年 开始创作德拉克罗瓦的“阿尔及利亚女人”变奏系列； 

  1956年 与克罗鲁佐共同拍摄**《神秘的毕加索》公映； 

  1957年 在纽约现代艺术馆举办“毕加索75岁纪念展”，创作版画《斗牛系列》； 

  1958年 毕加索为设在巴黎的联合国教科文总部大厦创作了壁画《伊卡洛斯的坠落》； 

  1959年 创作仿马奈《草地上的午餐》变奏系列； 

  1961年 与35岁的杰奎琳·洛克结婚，并庆祝毕加索80大寿； 

  1963年 绘制《画家与模特儿》； 

  1966年 巴黎大皇宫及小皇宫举办大型《毕加索回顾展》。创作《流沙系列》； 

  1968年 创作《塞莱斯蒂纳》和《可笑的男人》系列版画； 

  1970年 把西班牙家中保存的近2000件早期作品捐赠结巴塞罗纳毕加索美术馆： 

  1971年 巴黎国立现代艺术馆举办了《毕加索诞生90同年回顾展》； 

  1973年 92岁，4月8日逝世于坎城附近的幕瞻市。4月10日葬于佛文纳菊别墅花园里。

装饰画（Decorative Painting）是一种集装饰功能与美学欣赏于一体的艺术品。随着科学技术的进步与发展，装饰画的载体与表现形式也愈来愈丰富，大大提高了当今人们对品质生活的追求和热爱。

装饰画与写实绘画不同，它偏重表现形式的装饰性，不强调真实的光影效果和透视关系，注重色彩的象征性，及整体的和谐，多以夸张、变形的手法，给人以简洁、明快、强烈的艺术美感。

装饰画的起源可以追溯到新石器时代彩陶器身上的装饰性纹样，如动物纹、人纹、几何纹，都是经过夸张变形、高度提炼的图形。确切的讲是起源于战国时期的帛画艺术，一般分为具象题材、意象题材、花卉题材、人物肖像题材抽象题材和综合题材等等。洞窟壁画、墓室壁画、宫殿装饰壁画艺术对当今装饰画的影响也非常大。

以制作方法进行划分可以分为三大类，分别是占主流的印刷品装饰画；实物装裱装饰画；和手绘作品装饰画。

其中手绘装饰画，艺术价值很高，因而价格也昂贵，具有收藏价值，而那些缺乏艺术价值的手绘画现在已很少有人问津。

实物性装饰画是新兴的装饰画画种，它以一些实物作为装裱内容，其中一些以中国传统刀币、玉器或瓷器装裱起来的装饰画受到一些人的欢迎。

印刷品装饰画则是装饰画市场的主打产品，是由出版商从画家的作品中选出优秀的作品，限量出版的画作，但目前盗版装饰画就像盗版盘一样冲击着正版装饰画市场。

原作版画是在博物馆、艺术家本人或艺术家子女的授权监制下，用超高精度(亿万像素)的立体扫描设备复制原作，再微喷输出在与原作相同(例如宣纸、绢、油画布等)的材质上、并限量制作而成。