马蒂斯《蓝衣妇女》

公元1911年马蒂斯194×143厘米画布、油彩 穿蓝衣的女人 作品《蓝衣妇女》，画中的线条和色彩十分单纯，而且具有比较明显的主观成分，对艺术形式--线条、色彩、构图的追求，远远胜过对人物神态的刻画，在作者看来艺术作品的内容是次要的，重要的则是艺术形式的美。这就是西方现代派美术很重要的一个特点。显然，这样的艺术观点是与马克思主义的艺术理论不相符的，但这一作品在运用色彩方面的某些经验则是可供我们借鉴的

野兽派，源自法语的"Fauve"（野兽）这个词, Fauvism是真正的野兽派，而不是the beast

野兽派，它是一群人的聚合，一个简单的标签。

Tag: 狂放的色彩；简单的线条；夸张的变形；

于我而言，

野兽派，是马蒂斯画中的确定，平涂，纯色，是一种安详。

他是我的白马王子。

我喜欢他坐在尼斯的家里抽烟拿着画笔的样子，我喜欢他一手插腰，一手拿着工具把剪好的拼贴贴到墙壁上的认真劲，喜欢他用平涂带给我确定与安详，喜欢他我手画我心。

－我爱他：平涂表现空间

第一次看到《舞蹈》的时候我惊呆了。天是蓝的，地是绿的，人是黄的，没有别的颜色。但请仔细再仔细，用心再用心地感受，人在画的前方，地是画的平面延伸，天是画的立面延伸，一个空间就此产生。

他没有用阴影，没有改变色彩的明度或者纯度来体现层次，透视也是稍稍点缀在人物的体态上而已，他只是平涂，但你分明可以感觉到整幅画舞动感。

与《舞蹈》属于一个系列还有《音乐》，人的表情安详笃定，由人物的位置形成一种韵律，面对画的时候却仿佛看到了音符，这亦是一个空间。

据说这两幅画的原作都非常大，有朋友在荷兰看到过这两幅画的特展，和我形容的时候，异常兴奋。

看这篇文章的人，我无意要你成为马蒂斯的粉丝，只是这份天才我实在特别想分享出来，红色的台布，红色的墙面，同样的平涂，但是并没有错乱了空间 ，桌布上的花纹走向和墙花的走向自然地将平面和立面呈现，还有窗，**的窗框将里外空间做了一个分隔，窗外绿色的草地，肉粉色的房屋，远处的蓝天，一样的平涂，单凭色彩呈现了画面前后的关系，看似简单，实则不凡，空间就这样朝远方延伸出去，同样没有任何的透视也没有阴影。

然而他的平涂带给我决不仅仅是画里的空间，他带给我的心一份平静与安详。

－我爱他：我手画我心

马蒂斯画中很重要的主题之一是他的妻子，你见过脸是绿色或者蓝色的人么？你见过用蓝色表现阴影的画家么，或者你见过双色脸的人么？你会说随便就可以画啊，是啊，这是你的思想说随便可以画，不是你的心。

一直觉得画画是每个人都有的能力，但你拿起笔能不能画出你脑海里的东西，你能够回忆出你此刻脑子里面的是曲线或是直线，你能够我手画我心么？

我佩服伦勃朗，他对于光影的掌控，时常让我着迷到不行，但我更喜欢马蒂斯，他真的可以画出自己的心，他的心认为是直线就是直线，曲线就是曲线，用哲学来看，什么是直线，什么是曲线，什么是真的，什么是一样，什么又是相似，一切不过是Norms，在马蒂斯眼里，什么是Norms,他根本不在意，他的脑海里面是有颜色的，是颜色的。

现在闭上眼睛，你想像一下你的任何一样东西，你会发现它是黑白的，颜色是你的思想赋予的，不是你的心的，而马蒂斯做到了，因为本无色彩，所以任何的色彩全凭心。

－我爱他，去看他

名声大噪整个世界之后，马蒂斯选择呆在尼斯，蔚蓝海岸，很少出门，在家里画窗外的美景，白天，晚上。

在尼斯的三天，阴雨连绵，酒店的前台也说，你真的来的不是时候，尼斯其实不常下这样的雨。

一天早上不下雨，很早出门，蔚蓝海岸离酒店200米，在我还没有做好准备的时候，大片的蔚蓝印入我的眼里，原来马蒂斯笔下的蔚蓝海岸真的在阴天也是蓝色的，似乎与心爱的人看到了一片海。他当时笔下的海正是我今日看到的。

去马蒂斯美术馆的时候下了很大的雨，离开的时候已经闭馆。

我深深地爱您，深深地爱您。

大概真的是因为太爱他，觉得他什么都好，要说起的时候，却很词穷。

爱约莫就是如此，坐很久的火车，在大雨滂沱的午后，又坐了公共汽车只为了去看一眼他。

下次写梵高和高更。

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野兽派的马蒂斯

——亨利 。

马蒂斯

马蒂斯的室内静物系列多是选取靠窗的室内一角，描绘了方桌，花瓶，藤椅，地毯，窗帘等常见的器物，却以其丰富的色彩，协调的格局，及延伸的美感给人强烈的视觉震撼，在一隅鲜艳的角落里体验到了一丝平和，宁静和纯粹。

澄澈的天蓝色，淋漓尽致的鲜红色，优雅清丽的白色，苍翠动人的绿色是马蒂斯极爱使用的色彩，在他的画作里，颜色的搭配十分新鲜生动，让人被色彩表现出的蓬勃生命力所感染，疲惫的心灵如遇清泉，身心得到放松。

在白日慢慢沉寂下的黄昏，坐在自己房间的窗边，喝一杯咖啡，看着马蒂斯的画作，看到画中窗外延伸的无限风景，恍惚间感觉自己置身于希腊的海滨，推开窗就可以望见清亮的爱琴海，微笑不禁蹭到嘴角。

无数次沉醉在马蒂斯笔下的花卉里，花瓶里那一簇簇生命绽放得那般热烈与昂扬，无论世事如何冷漠与匆忙，望见画中蓬勃的植物，心中总是涌起希望和努力前行的激情。

马蒂斯喜欢在画里放置一个窗口，如同一种指向和暗示，也许他在表达着身处的小世界虽然安全温馨，然而外面的大世界有更多的精彩和奇妙，窗外的景色是一种永恒的诱惑。

画里似乎总有一个声音在诉说着：世界上的美好还有很多，要去挖掘，要走的更远。

喜欢在熟悉的环境里享受平和美好的生活，然而身体里仍有许多热爱冒险，勇于挑战的基因，因而热爱马蒂斯开的这扇窗，窗户时刻提醒着要看得更远，尝试更多。

马蒂斯的静物种类丰富，色泽鲜明，让人徜徉在静谧的色彩海洋里，血管里流动的是轻快的，纯粹的液体，疲惫塌陷在一片祥和里。

日本高畑勋 著

虽然压根就没法好好跳起来，但我觉得那种手牵手的圆舞特别迷人。可惜，我在小学或中学里， 是从不曾被强迫跳过文娱集体舞的那一代人。我写“强迫”，是因为很多人都这样讲。据说，大家总会不情不愿地装出手牵手的样子。每次听人这么讲，我这个没有经历过的人就会训斥道：“为什么？太可惜了！就是因为这样，幼年时期的皮肤饥渴才会转化成扭曲的东西，在之后爆发出来。”如此教育别人，其实换作我自己，恐怕也会害羞得没法好好去拉手吧。

回旋舞，但不是那种专业形式的圆舞，而是随意的民间舞。从普罗旺斯的法兰多拉舞、加泰罗尼亚的萨达纳舞，到我们日本的“笼目歌”①，世界各地的民族舞蹈都是大家热热闹闹、欢乐开怀的形式。为了能使观众深切感受到人与人之间那份休戚与共的喜悦，我曾数次将手拉手的舞蹈画进自己的作品里。战后开始实行五一劳动节时诞生的劳动歌《将世界连成花环》（作词：篠崎正，作曲：箕作秋吉），我也很喜欢那句同名歌词。我还喜欢诗人保尔·福尔②那首《回旋舞》：

亨利·马蒂斯③的绘画生涯，据他所称，是由1906年那幅《生之喜悦》开始的。这幅大作当年曾毁誉参半，掀起轩然大波，而如今似乎并不被视为他的代表作，很少收录于画集当中。不过比起画作本身，我更中意的是它的题名“生之喜悦”（La Joie de vivre），觉得这句话颇有深意。我想，马蒂斯毕其一生所追求的，岂不正是这个主题？而且《舞蹈》（1910年）这幅画，显然也是对这种喜悦的表达之一。

附：马蒂斯设计的旺斯玫瑰园教堂豆瓣相册

实际上，《生之喜悦》画面中央的远景处也有六名（多出一人）跳舞的裸女，姿态与《舞蹈》十分相似。并且，马蒂斯画过许多自己工作室的画，经常把他本人那些挂在墙上、靠在墙边的作品，作为画中画纳入背景。尤其是展现了《舞蹈》（更确切地说是《舞蹈I》）局部的作品，包括只能稍稍瞥见极少一部分的，算起来就有四幅。多年以后，他还以同样的内容和构图，创作了一幅大红色的石版画。我们因此了解到，这个主题对于马蒂斯来说是何等重要，而对于这幅画，他又是如何倾尽了全力。

关于马蒂斯的艺术，他本人有个观点十分显著：绘画应该是把椅子。并不是说他画了一大堆椅子画，这一观点体现在他着手创作《舞蹈》的一年前，1908年为举办讲座的备忘《画家笔记》之中的一节：

而这归根结底不过是画家的“梦想”。写下这番话之前的那段时期，马蒂斯的绘画以名作《开着的窗户》为首，有几幅作品可以称得上“野兽派最精彩的成果”，但未必是“均衡、纯粹、宁静的艺术”和“精神的安乐椅”。他身处美术革新的漩涡之中，试错不断，内心孕育着激烈、紧张的躁动之情。这情绪亦流露在画面里。然而，它们全都色彩丰富地表现着人间乐园的“生之喜悦”。

《舞蹈》是幅巨作，宽391厘米，高260厘米，是俄国贸易商人谢尔盖·史楚金（Sergei Shchukin）为装饰莫斯科的宅邸定制的壁画。而前一年，画家一气呵成的同尺寸试笔之作也相当有名，被命名为《舞蹈I》。于是最终的完成版，有时也被称作《舞蹈II》。或许由于《舞蹈I》收藏在纽约现代美术馆的缘故，《舞蹈II》更时常被提起。四年前（2001年）那场豪华的“MoMa 名作展”上，亨利·卢梭的《熟睡的吉普赛人》亮相日本，与此同时，我也一并欣赏到了马蒂斯的多幅作品。

因为在画展之前已有一阵子没瞧过马蒂斯的画集，面对着《舞蹈I》时，我心中有些讶异。原本应有的属于舞蹈的生命力，我却从画中体会不到。这还是那幅对我而言一直具有极其重要的意义的作品吗？我将之视为“生之喜悦”的原型，时不时都要拿来回味一番的作品，就是眼前这幅吗？难道它在我脑中的印象，已被擅自美化和夸大了吗？说不上为什么，我失望透了。这种情形之下，我也没有仔细去欣赏它。因为想看的其他画家的作品，要多少有多少。

这篇文中举例的《舞蹈》（《舞蹈II》）与纽约现代美术馆的那幅《舞蹈I》，差距就是这么大。昔日我在画集中看到并喜爱的，究竟是它们中的哪一幅，如今我也记不清楚了。至少，圣彼得堡的这幅《舞蹈II》中，充盈着我所期待的生命力，那浓烈的色彩、肉体和跃动感，都鲜明而炽烈。

然而不可思议的是，长时间端详此画后，再去看《舞蹈I》，就又能重新感受到它的好了。当然，我是就画册来说的。两者之间达成了一种互补。画面左侧的女人，反弓的身体，曲线优美；右下方的女人将倒下去，手已松开，但仍拼命想去拉住的样子，有种“破”的张力，在两幅画作当中都有体现。不过，虽是相似的构图、相似的姿态，两者给人的的印象大相径庭。《舞蹈I》因为是试作，胸有成竹的构图，呈现出清晰的趣味性。五个人在画面中占据的位置很平衡，十只手臂勾勒出一只美丽的圆环；地面的绿和天空的蓝，使前景的人物更加醒目，色彩的分配与对比……样样莫不精彩。不过，女人体态纤瘦苍白、摇摇晃晃，像是为裸体舞蹈感到害羞似的，不知哪里有种柔弱的印象。与此对比，画家通过《舞蹈II》讴歌了肉体之美。为了补足《舞蹈I》中欠缺的力量感和跃动感，对女人的姿态、身体表现、色调都竭力进行了强调。这种做法虽极为成功，却稍稍牺牲了构图的优美。

如此将两幅画比较来看就会明白，马蒂斯试图去达成的目标，是怎样一项困难的任务。去年（2004年）的“马蒂斯展”，如实地教我明白了一件事：马蒂斯的绘画，一见之下，让人丝毫感觉不到有什么辛苦费力，只会让人感叹：画得好棒！”或“好美！”。然而实际上，全都是付出了百般努力才取得的结果。其中有几幅佳作，都同时展出了它们的最终完成版，及记录了制作过程的数张照片。近来，即便是个人画展，也多会设定一个主题或概念来进行展示。对于绘画爱好者来说，真是既有趣又值得感激。

亨利·马蒂斯是第一位我将其作品在某段时间内全部看完的画家。在刚升入高中的那六个月里，战后未久的1951年，紧跟在东京、大阪之后，仓敷的大原美术馆也举办了马蒂斯的画展。我这个地方上的少年，个展之类的文化活动一次也没见识过，终于有机会不必离乡就能把全世界巨匠们的艺术成果全都领略了。这次盛事，也是大原集团文化动力的一种象征。与现代艺术真品的邂逅始于马蒂斯，这对我来说是件多么幸福的事啊！

马蒂斯的绘画美丽、易懂，有大量的素描，仅凭着一根线条就将女性的脸部流利地勾勒出来，我为那出色的技巧惊讶不已。还有他学艺时代画的那些裸露着阳具的男性裸体画，也让我感到震惊。彼时我还没有认识到素描是一种把握人体造型与线条的训练，提到裸体，一直以为就该是女性。当时，马蒂斯正着手设计法国南部小镇旺斯那座美丽的玫瑰园教堂，画展中提出了教堂的模型，同时，也展示了彩色玻璃的巨幅设计定稿、壁画的练习稿，以及马蒂斯的工作照，美好得像是个梦。看了取代画展图鉴的、美术杂志《水彩画》的临时增刊号，我才知道，1947年那幅色彩与造型大胆非凡的《红色房间里的玫瑰色裸妇》（Pink Nude，Red Interior）也曾参展。

喜欢马蒂斯的人，在全世界数量之多，应该足以令人震惊吧。当然，我自己也是其中一员。在一次又一次的画展中上，接触到他的大量真迹，也长期亲近目染于大原美术馆的藏品《画家的女儿》及普利司通美术馆（Bridgestonge Museum of Art）的诸藏品，再加上马蒂斯那种漂亮的装饰性风格，禁不住会生出购买海报和巨幅复制品的念头。某次画展上，我买了张《红色房间》（1948年）的大尺寸复制品，一直贴在我家楼梯正面的墙壁上。去年的“马蒂斯展”上，我住在能登的小女儿也买了张《波利尼西亚群岛，天空》（剪贴画，1946年）的大开版印刷品带回了家。

如今，当我思索马蒂斯绘画的魅力时，总想把那种大胆的彩色平面效果和装饰性，跟表屋宗达④或尾形光琳的装饰性及金箔纸的效果加以比较。冈本太郎⑤在20世纪50年代，好像曾说光琳的《燕子花图屏风》是“开在真空里的花”。年轻的我，一面感叹：“说得真好啊”，一面又想反驳：“金箔纸可算不上真空的。”金箔纸会对光线进行微妙的反射，时而显示出坦阔无际的平面感，时而又具有水墨画留白的空间感，让人分不清何处是天空，何处是地面，衬托着画面上和谐相融的景物，使之成为浑然的整体，展现出一种优美的装饰性和平面设计风格。而其上描画的景物，也不会变得好似抽象图形或纹样，那些风神雷神、燕子花、红白梅自不必说，就连最具抽象意味的俯瞰视角的舞乐图，也完全不失其具象的写实感。

马蒂斯的作品，也多运用大面积的色块，令人分不清墙壁和地板的界线究竟在何处。然而不管它们如何具有平面性和装饰性，如何以无与伦比的色彩感觉给我们带来是觉的愉悦，那些用线条描绘的物体或人物，也绝不失去其真实感，呈现出令人惊异的具象的造型感觉。假如画家不具备这种造型感的话，又如何能画出一笔到底的精彩素描和那般迷人的剪贴画呢？马蒂斯的绘画，达到了一种看似简单易模仿，实则绝对无法模仿的高度。

我突然想到，表屋宗达《舞乐图》的左扇上，也画了四个戴着假面的乐师，正手牵手，跳着轮舞。

2005年5月

由于受到后印象派的画家塞尚、高更、梵高、希涅克等人的影响，同时吸收日本艺术形式，他在自己的作品中将颜色的作用发挥到极至，从1899年到1905年他的作品多采用了希涅克的点彩画派技巧。

他的作品于1901年第一次参展，1904年第一次召开个人画展。1905年他到南方和安德烈·德朗一起工作，不时去兰色海岸，他这时的风格转变为平坦的画面，轮廓鲜明，不顾细节，色彩大胆，成为野兽派的领袖。当时野兽派包括德朗、哈奥·杜菲和莫里斯·弗拉曼克等人。1906年野兽派运动开始逐渐消失，但马蒂斯始终坚持自己的风格，在1906年到1917年之间创造了许多作品。

他是年轻的毕加索的朋友，同时又是对手，他认为自己的画作是来自自然，而毕加索的是来自自己的想象。两个人都以女人和静物作为主要描绘对象，马蒂斯更倾向将描绘的对象放到真实的场景中。

从1917年直到1954年去世，马蒂斯居住在兰色海岸尼斯的郊区，他的作品也变得放松和平和，这是第一次世界大战前西方艺术界普遍的趋势，例如毕加索的新古典主义和德朗回归传统也是一样。

1930年以后，他的作品变得更为简单、大胆和严酷。1941年他得了癌症，手术后只能坐轮椅，但他没有停止工作，在助手的帮助下他设立了一个剪纸学校。

目前他的绘画卖到1700万美元，2002年他的雕塑“裸体I （黎明）”卖到920万美元，创了雕塑作品价值的新高。