你对时尚怎么理解？

什么是时尚？时尚是什么意思？

所谓时尚，是时与尚的结合体。所谓时，乃时间，时下，即在一个时间段内；尚，则有崇尚，高尚，高品位，领先等等含义。如果从其中抽出一组词来区别于“流行”，那就是“高品位”了。

“时尚”的英文词是fashion，在有关时尚的形形色色定义中，代表性的有两大类：一类侧重时尚是流动性的行为模式，一类则侧重于时尚的文化内涵。

将时尚视为一种流动性的行为模式在社会心理学中最为普遍。美国人金布尔·杨提出：“时尚可定义为目前广泛使用的语言、时兴式样、礼仪风格等行为表现方式和思维方式。”中国学者孙本文认为时尚不仅是人的行为模式，并且也可以包括物的形状模式：“所谓时尚即一时崇尚的式样。式样就是任何事物所表现的格式。……只要社会上一时崇尚，任何有式样可讲的事物，都可称为时尚。”

另一种观点立足于挖掘时尚所体现的价值观及文化内涵。美国社会学家H布卢默认为，时尚是一种“流行的或被接受的风格”、常常“被认为是高等的做法”，以及在某些领域具有比较高等的价值。日本学者藤竹晓也认为：“时尚不仅是某种思潮、行为方式渗透于社会的过程，而且，通过这种渗透过程，时尚队伍的扩大，还包括不断地改换人们的价值判断过程。”

时尚就是在特定时段内率先由少数人实验、而后来为社会大众所崇尚和仿效的生活样式。简单地说，顾名思义，时尚就是“时间”与“崇尚”的相加。在这个极简化的意义上，时尚就是短时间里一些人所崇尚的生活。这种时尚涉及生活的各个方面，如衣着打扮、饮食、行为、居住、甚至情感表达与思考方式等。很多人会把时尚与流行相提并论，其实并不如此。简单地说，时尚可以流行，但范围是十分有限的，如果广为流行，那还有时尚的感觉吗？追求时尚是一门“艺术”。模仿、从众只是“初级阶段”，而它的至高境界应该是从一拨一拨的时尚潮流中抽丝剥茧，萃取出它的本质和真义，来丰富自己的审美与品位，来打造专属自己的美丽“模板”。求时尚不在于被动的追随而在于理智而熟练的驾驭。

总之，时尚是个包罗万象的概念，它的触角深入生活的方方面面，人们一直对它争论不休。不过一般来说，时尚带给人的是一种愉悦的心情和优雅、纯粹与不凡感受，赋予人们不同的气质和神韵，能体现不凡的生活品味，精致、展露个性。同时我们也意识到，人类对时尚的追求，促进了人类生活更加美好，无论是精神的或是物质的。

时尚是一种智慧

时尚是一种生活的智慧，绝对不是几个模特在T型台上做FASHION SHOW，或者是穿了几件漂亮衣裳，或者化了一个时髦的妆，就能够代表时尚了。真正的时尚人士，他可能非常优雅、斯文、安静，但他(她)是有着一颗非常敏感的心，或者说他的意识总是超前的，他总是能够层出不穷的创造出领这个时代风气之先的理念，而这一点是非常非常重要的。时尚也代表着一种生活的观念，它不是呆板的、一层不变的，它还牵涉到很多非常感性的情感因素，它甚至是一种洞察力，让人在短瞬间就能做出一种对美的基本的判断，或者说是一种综合素质与修养的体现。

当然任何一种智慧，都需要具体一种形式表现出来，所以我们就可以看到前些年所没有的一些时装秀，各种各样稀奇古怪的装饰品、丰富的美容化妆品，或者说人的生活方式的多元化，人们需要这些具体的形式来带动整个时尚观念的普及，但它们中的任何一条都不能说自己是时尚的代言人，而只能说它们是时尚的一部分而已

　　张扬与《第二次握手》

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　　newsdayoocom 2004年10月11日 10:22 来源: 广州日报

　　张扬，1944年5月生于河南长葛，在湖南长沙长大。1961年10月发表处女作，1963年2月写作《第二次握手》第一稿；以后十多年重写十多次。张扬因此于1975年1月被逮捕并内定死刑。1979年1月平反。长篇小说《第二次握手》于同年7月正式出版，总印数达430万册，居建国以来当代长篇小说印数的第二位，新时期的第一位。这本书被认为感动了整整一个时代的中国人！

　　张扬1994年当选湖南省作家协会副主席。自1979年以来，他发表和出版中长短篇小说、报告文学、传记文学、杂文、散文、论文等各类作品约四百万字。目前，他潜心写作《第二次握手》新版本。人们期待这本书和同名电视剧能第二次轰动中国。

　　邂逅张扬

　　“文革”期间，张扬创作的长篇小说《归来》，以手抄本的形式不胫而走，广泛流传于民间，成了众多文学爱好者以及我们这些下乡知青爱不释手的文本。

　　张扬的这部小说，通过对苏冠兰、丁洁琼、叶玉菡等知识分子不同遭遇的描写，刻画了老一辈科学家眷恋祖国，眷恋知己的人文情操，并在其中大胆地讴歌了真挚的爱情以及不畏艰难的回归过程。小说深深地打动了我，那时我便神往着和张扬见上一面，多少次梦中相会。

　　直至“文革”结束，张扬平反获释。该小说更名为《第二次握手》，1979年隆重出版，全书25万字，一版再版，总印数达430万册。

　　我与张扬先生的邂逅是在1986年8月中国作家杂志社召开的一次笔会上，张扬其时居住在北京写作，请来给学员们讲课的老师有老教授文怀沙和他。当时的他，看上去身体并未完全康复，身体消瘦，皮肤苍白，显出营养不良的状态。但他在礼堂近两个小时的发言中，却是激昂飞扬，催人泪下，讲自己是在怎么样的艰苦环境下写成《第二次握手》。此演讲先后引起了台下听众十余次的掌声。他也谈到了那部小说的不足，表示出一种遗憾，小说在语言艺术的风格上本还可以精到一些，更富于感染力。

　　张扬“家有仙妻”

　　张扬一直担任着湖南省作协副主席，他笔耕不辍，20世纪80年代中期写出了一部长篇小说《金箔》，由花城出版社出版，主要是反映我国研制第一颗人造卫星的科技人员是怎样走出其艰难历程的。此长篇小说的字数为湖南省长篇小说之冠，在全国也是屈指可数的。此后他又接着写出几部纪实性的文学作品。

　　在此期间，张扬有缘遇到红颜知己，由于志趣的相投，一位小他十几岁的沈阳女律师和他相恋结婚，成了张扬事业上的得力助手，也是张扬家庭繁琐事务中的一根顶梁柱。由此，张扬专门写了一篇赞扬自己妻子的文章《家有仙妻》。

　　“像所有离异过的人一样，我不想谈那次失败，甚至不想回忆。偶有一两次谈到这事，谈到原因，我只是简单答道：‘不想再吵架了。’确实，吵了几年，十几年，直至二十年，不管谁是谁非，光凭这无休止的吵架就早该分手了，却像多数中国人一样，勉强维持着，维持着，直至终于无法维持，直至遇到了她……

　　“她曾当选省级最佳律师、文明律师和‘人民满意的政法干警’，等等。但她把这一切看得很淡，从不提起。既然与我结合，她便义无反顾地离开自幼生长的大都市和父母兄姊以及驾轻就熟的业务环境，过起了深居简出、天高云淡的日子。为了帮助我创作，她熟练掌握了电脑技术。在这里，她用积蓄买了房子，安了家……

　　“她的两眼大而明亮，身材高挑，皮肤白皙，挺胸直背，端庄典雅。我见过她办案。她是个捕捉、分析和运用证据的专家，开庭时从容镇静，条分缕析，天衣无缝，直至将对方置诸死地；有时不仅使对方败诉，尤其使对方折服，退庭后竟立刻提出请她当法律顾问。更有一两次，她觉察到事情的本质，深入搜求，以严密的证据链进行锁定，在民事案中发现了刑事犯罪线索，直至将对方送进去……所有这些很容易使人将她想象为一个桀骜锋利、咄咄逼人的‘女强人’；而实际上，她含蓄持重，众人面前多是微笑不语，独处某个不显眼的角落。辞别那座大都市时，司法厅律师处和省律协的负责人对我说：‘你夺走了我们最好的律师！’

　　“她说第一件事就是把妈妈接来！她说的是我母亲。她把老人接来了。她说这里对老人有好处：山好，水好，空气好，房子好……但我知道，首先是她好！乐意跟婆婆住在一起的媳妇，特别是其中那些文化素质高且事业有成的女性，今天有几个呢？她说不能再让妈妈老跟保姆呆在一起了！她需要亲情，必须二十四小时有我们在眼前。”

　　隐居的张扬

　　进入新的世纪，张扬回至湖南。我几次路经长沙，往湖南省作协拜访于他，回答是他不在。

　　2003年秋季，我往家乡探亲，照例住在表弟亚辉家。亚辉是位画家，多交文人墨客，他说你来得正好，晚上我请了张扬来家吃饭。张扬？我听着心里一怔，此张扬非彼张扬吧？他说正是那位张扬，他现隐居在此地。我疑惑道，既然隐居，你怎么请得到他？画家说，你莫忘了，我是从大围山里出来的，我们都是那山里的人。

　　说话间，张扬到了，还是那副身板儿，好像比以前长得结实了，脸上皱纹倒不见多，只是肤色确像了山民一般。他的妻子跟在后面，笑容可掬地和我们打着招呼。

　　我上前与他握手，问他还记得我吗？1986年在北京。他记起来了，有些惊奇，怎么你也是此地人？此地好啊！我知道20世纪60年代，年轻时的张扬生活在那山里时，那是饥饿的岁月，贫乏的岁月，那种饥饿的贫乏不仅仅在于物质，更在于文学的荒漠。由此，不甘于沉沦的张扬拿起笔来写小说，描绘起那些有血有肉，有情有义的人物。我还想探究下去，这时表弟招呼大家一起吃饭了。

　　那真是一桌地道的浏阳特色菜，出自于表弟父母之手，红酒、绿菜之间频现出赤橙黄蓝紫来，似画家的重彩水墨画一般。张扬那晚吃兴很好，好像回归了故里。张扬夹了一筷子绿汪汪的菜尖儿放进口中，津津有味地停下筷子乐呵呵地说：“好恰（吃），好恰（吃）”。

　　我似乎找到了他之所以要来此地居住的那种感觉。

　　回到武汉后，我想写张扬时，电话中诚恳地要求他表述一下隐居的缘由，推辞不过，他给我电邮来了他写的《大围山镇志》的序言。

　　三十八年前，1965年9月10日，我从长沙上山下乡。在城关稍憩后，继续往东走。过官渡后，车队行进方向的左侧地平线上，开始出现了高耸的山脉，有如天然屏障般绵延起伏。越往东走，山脉越雄伟，山势越险峻；到我们下车的地方，可以看见正前方也横亘着一道巍巍高山。那高山的巅峰一座连着一座，伸向远方，直至隐没在天边；那高山色彩绚烂，青蓝紫黛，变幻无穷，气象万千……

　　今年五一长假期间，我便又向家乡进发想专程拜访一下张扬先生。

　　经过知情的文友引路，七弯八拐，绕至城郊，来到张扬先生的隐居之地，一片桃树林子举目可望，桃花灼灼，红若似火，俨然来到桃花源一般。张扬的住宅外观看上去是一栋平房，内则有小楼可上。在外直呼张扬先生，他家门口的那条黑狗倒虎虎生威了。张扬和妻子闻讯而出，止住了狗的蹦跳欢叫，主人张臂相迎。再一瞅门口的两侧，南瓜、茄子、辣椒、黄瓜，左右两畦小菜园长势喜人，青青翠翠，莫不重现出张扬当知青时的躬耕风范。

　　桌上的电脑开着，很显然，张扬先生正在写什么作品。看来不宜多坐打扰，于是开门见山：“张扬老师，这段日子里你在写什么呀？”“小说，重新修改《第二次握手》，让此书在内涵上、艺术上更为成熟。”张扬笑了笑又说：“出版社一直在催稿，可我得慢慢来呀，好在快要脱稿了。”

　　张扬说，另一部长篇小说他也是于前几年开始酝酿的，题目暂名：《第七个吻》。我问是不是言情小说，他说虽然言情，肯定与现在有些作家的思路不太一样，风格也不会一样，总之不会去赶浪头，赶时髦，哪怕十年磨一剑。

　　张扬平时绝少去公共场合，很少接触媒体，平常都很少去逛逛小城的街。所以他的穿着还是老式样的，吃菜自己园子里有，日常用品由夫人去小店里买。不过有一个地方他倒是常去的，那便是浏阳河之岸。

　　我们告辞时，他说我们一起走走吧。来到浏阳河边，闻河涛阵阵，任岸风拂发。

　　张扬先生说：浏阳河的最大魅力就在于从大围山开始，坚忍不拔地朝它的目标进发，哪怕弯过了多少道弯。他说，如今我也是六十岁的人了，人生能有几个六十岁，因此决定静下心来，再写出两本好书，留给后代吧。

你好，说实话周杰伦最新专辑《最伟大的作品》，听了以后很失望，没觉得多好听。

盼了好久，终于盼到他出新专辑了，可是听到了以后又很失望，还是一如既往的风格，如果不看字幕的话，一个字都听不清。我不知道是我的审美出现的问题，还是他吐字不清。

以前觉得听不懂是种时尚，现在没有这种感觉，就是觉得听不下去的感觉。当然了，这不仅是我个人的感觉，还有很多人评论一样的观点。就是mv中还请来了朗朗，两人斗琴，看到朗朗的穿搭。

摘部分评论

1。网友笑评说“周杰伦，你请朗朗来是为了显得你瘦吗”网友的评论让我哭笑不得。

2。还有人这也行啊。形容朗朗的形象“像一条吃饱了的蟒蛇

了。没惊喜，曲风就是周杰伦自己15 20年前的，旋律歌词也是就是那些年的那种 求生欲一下，不是说难听哈，只是说相对于对六年和周杰伦的期待，这次的先行曲只让我觉得 就emmm那样。

《最伟大的作品》这首歌的第一段还是如此熟悉的RAP，虽说副歌有点平淡，不怎么出彩，但MV拍的还是非常有趣的，尤其是郎朗出现的片段，两人斗琴的画面还是挺让人回味无穷的，让很多粉丝忆起青春。

或许是杰伦现在结婚了，所以他的旋律比之以往，更加的甜美一点，虽说融入了很多古典音乐的东西，但总体给人一种迷一样的感觉。

　　对于年轻一族的80、90后来说，很多人都追求个性化，所以在家居装修中经常会看到很多另类的装饰设计，有的人还在家居装修风格上还大胆的用上了波普艺术风格，那什么是波普艺术风格，波普艺术风格家居设计要点有哪些呢，我们去了解下：

　　什么是波普艺术

 

　　波普艺术是流行艺术(popular art)的简称，又称新写实主义，因为波普艺术(Pop Art)的POP通常被视为“流行的、时髦的”一词(popular)的缩写。它代表着一种流行文化。 在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。

　　波普艺术的特点：用色大胆奔放，风格简明。

　　波普艺术风格图案：明星头像，几何图案，圆点，撞色设计，绘画涂鸦等。

　　波普艺术风格家居设计要点：

 

 

　　波普艺术风格家居设计要点：1、绚丽夸张的色彩

 

　　明艳的拼接面料个性十足，纯白色的棉质床品柔和了夸张的色彩，圆点、抽象图案、浓烈的色彩在大面积留白中，平衡了繁复与简约两种气质。绚丽的色彩、充满想象力的趣味图案、墙面上层次分明的各种色块，让平静的生活多了一份快乐的随意性。

　　波普艺术风格家居设计要点：2、强烈的色彩对比

 

　　强烈的色彩对比中，白色的适当点缀平衡了空间的色彩关系，而柔和的面料让硬朗的房间多了一份舒适感。超大比例的装饰镜、蓝色漆光质感的边柜，成为整个房间的亮点，让家透出一份感性和活力。从波普条纹中提取的色块已经散落在了餐厅的每个角落：暗红色桌垫、透明紫色杯形餐椅、 条形地毯、尽头书柜里色彩艳丽的小物件以及斑斓的装饰画。

　　波普艺术风格家居设计要点：3、明朗亮眼的艺术气息

 

　　波普为Popular的缩写，意即流行艺术、通俗艺术。消费文化提供广告、商标、影视图象、封面女郎、歌星影星、快餐、卡通漫画等等视觉资源，把这些图象直接搬上画面，就形成一种独特的艺术风格—波普艺术。从设计上说波普风格并不是一种单纯的、一致性的风格，而是各种风格的混合，他追求大众化下的、通俗的趣味，反对现代主义自命不凡的清高，在设计中强调新奇与独特，并大胆采用艳俗的色彩。明朗亮眼的色彩，传达着幽默和快乐，波普风演绎新一轮的时尚主题，为人们带来耳目一新的家居生活。花朵图案的墙纸大胆而热烈，只选择一面墙铺设，避免了过多的色彩让房间显得喧闹。素白的墙面上一面古朴的镜子折射出房间细节的同时，拉升了空间的进深感。充满艺术气息的波普风，即使人们长时间待在家里，也绝不会感到寂寞和烦躁。

　　波普艺术风格家居设计要点：4、新奇的搭配图案

 

　　开放的空间、浓烈的色彩烘托出欢快的氛围，单色与拼接图案的墙纸带来明快、热烈的视觉感受。搭配造型简练的白色餐桌，让色彩更为鲜明的同时，心情也清爽起来。散落在餐桌上的各种幽默图案，体现了波普风格的本质，为用餐带来许多有趣味的互动情结。当红、黄、蓝三原色强烈地吸引着你的视觉，并且你也因此觉察出内心的惊讶和喜悦时，这样夸张而前卫的艺术形式，正在论断式地颠覆你对于家居设计的传统构想。各种各样奇形怪状的造型、千奇百怪的质地、极度特别的图案设计不仅仅令所有的人眼前一亮，更重要的是治愈了“审美疲劳”。

　　波普艺术特点

　　英国画家理查德·汉戴尔顿曾把波普艺术的特点归纳为：普及的(为大众设计的)、短暂的(短期方案)、易忘的、低廉的、大量生产的、年轻的(对象是青年)，浮华的、性感的、骗人的玩意儿，有魅力和大企业式的。

　　1、波普艺术又称普普艺术，是一个探讨通俗文化与艺术之间关连的艺术运动。波普艺术试图推翻抽象艺术并转向符号，商标等具象的大众文化主题。波普艺术这个字现今已知的是1956年英国的艺术评论家罗伦斯·艾伟Laurence Alloway所提出的。

　　2、波普艺术同时也是一些讽刺，市侩贪婪本性的延伸。简单来说，波普艺术是当今较底层艺术市场的前身。波普艺术家大量复制印刷的艺术品造成了相当多评论。早期某些波普艺术家力争博物馆典藏或赞助的机会。并使用很多廉价颜料创作，作品不久之后就无法保存。这也引起一些争议。1960年代，波普艺术的影响力量开始在英国和美国流传，造就了许多当代的艺术家。后期的波普艺术几乎都在探讨美国的大众文化。

　　3、波普艺术特殊的地方在于它对于流行时尚有相当特别而且长久的影响力。不少服装设计，平面设计师都直接或间接的从波普艺术中取得或剽窃灵感。

　　4、波普艺术其创作特征是直接借用产生于商业社会的文化符号，进而从中升华出艺术的主题。它的出现不但破坏了艺术一向遵循的高雅与低俗之分，还使艺术创作的走向发生了质的变化。

　　波普艺术代表人物

　　理察·汉密尔顿 en:Richard Hamilton

　　凯斯·哈林 en:Keith Haring

　　大卫·霍克尼 en:David Hockney

　　贾斯培·琼斯 en:Jasper Johns

　　草间弥生 en:Yayoi Kusama

　　罗依·李奇登斯坦en:Roy Lichtenstein

　　彼得·马克斯 en:Peter Max

　　克拉斯·欧登伯格en:Claes Oldenburg

　　罗伯特·罗申伯格 en:Robert Rauschenberg

　　詹姆斯·罗森奎斯特 en:James Rosenquist

　　伟恩·第伯Wayne Thiebaud

　　安迪·沃霍尔Andy Warhol

　　杰夫昆斯Jeff Koons

　　波普艺术作品

　　蒙德里安作品：红黄蓝的构图

　　服装设计师伊夫·圣·洛朗，将这种构图巧妙地运用到了服装上。

　　波普艺术风格家居设计要点就给大家介绍到这里了，波普艺术风格是一种比较新潮另类的风格，用在家居装修设计中会运用大量的颜色对比冲撞，如果喜欢这种非常个性的时尚另类家居环境，可以多了解一下，更对信息请关注土巴兔学装修。

请问有谁知道下图中的黑色衣服是日式什么服装？

这是男士长袖和服。自己百度下就知道了。

和服种类

按日本传统和服的种类很多,不仅有男女和服之分,未婚,已婚之分,而且有便服和礼服之分。男式和服款式少,色彩较单调,多深色,腰带细,穿戴也方便。女性和服款式多样,色彩艳丽,腰带宽,不同的和服腰带的结法也不同,还要配不同的发型。已婚妇女多穿“留袖”和服,未婚**多穿“振袖”和服。此外,根据拜访、游玩和购物等外出的目的不同,穿着和服的图样、颜色、样式等也有所差异。

留袖和服

女性参加亲戚的婚礼和正式的仪式,典礼等时穿的礼服。以黑为底色,染有五个花纹,在和服前身下摆两端印有图案表示已婚妇女使用叫“黑留袖”和服。另外其它颜色的面料上印有三个或一个花纹且下摆有图案的叫“色留袖”。

长袖和服二

未婚**的第一礼服,根据袖子长度分为“大振袖”,“中振袖”和“小振袖”。其中穿得最多的是“中振袖”。例如:成人仪式,毕业典礼,宴会,晚会,访友等场合。因为这种和服给人一种时尚的感觉,所以已婚妇女穿“中振袖”的时候也越来越多。

访问和服

整体上染上图案的和服从下摆,左前袖,左肩到领子展开后是一幅图画,近年来作为最流行的简易礼装而大受欢迎。开学仪式,朋友的宴会,晚会,茶会等场合都可以穿,并且没有年龄和婚否的限制。

小纹和服

一般作为日常的时髦服装,整体上染有碎小花纹,很适合用于练习穿着,约会和外出购物的场合。如果是年轻的女性,也可以用于半正式的晚会。

9回复:·日本传统服饰·

男式和服

男子和服以染有花纹的外褂和裙为正式礼装。除了黑色以外其它染有花纹的外褂和裙子也只作为简易礼装,可以随便进行服装搭配。

(个人觉得没有武士服好看)

素色和服

这是一种单色和服(除黑色以外),如果染有花纹可以作礼服,如果没有花纹则作日常时装服。

“付下”和服

袖子,前后身,领子的图案全是自下而上的方向印染的和服总称。比访问和服更轻便舒适。

时装插画：那个有着500年历史的”时尚女魔头“

时装插画已经存在了将近500年,自从有了衣服以后,就需要将设计衣服的思想或形象转化为时装插图。这种视觉形式起源于插画,绘画和油画,也被称为“时装素描”。时装设计师主要使用“时装素描”在纸上或数字方式上集思广益,它在设计中的主要作用是在缝制实际衣服之前可以预览和可视化最后的结果。

接下来,我们就分阶段的看一下时装插画这个有着500年历史的”时尚女魔头“有着怎样的历发展进程。

一时尚插画的开始

时装插画始于16世纪,当时全球的探索和发现导致人们对世界各个国家的人们的着装而着迷。印制了说明不同社会阶层和文化适合穿着的书籍,以帮助消除对变革的恐惧和这些发现所造成的社会动荡。

在1520年至1610年之间,出版了200多种这样的版画,蚀刻版画或木刻作品集,其中包含穿着特定国籍或等级的人物的图板。这些是最早的服饰插图,也是现代时装插图的原型。这些插图很可能会被礼服设计师,裁缝师,及其客户所使用,以激发新的设计灵感。

十七世纪的艺术家雅克·卡洛(JacquesCallot)和亚伯拉罕·博斯(AbrahamBosse)都使用现代雕刻技术来制作逼真的时代服装和服饰细节。

这些期刊从1670年代开始在法国和英国开始发行,被认为是第一本时尚杂志,其中包括LeMecureGallant,TheLady'sMagazine,LaGalleriedesModes,LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期间,出版期刊的数量有所增加,这是对市场中越来越渴望了解最新时尚新闻的女性读者的反应。直到在18世纪末和19世纪初,男性风格的插图才变得与女性插图同样重要。

二十九世纪的时尚图样(Thefashionplate)

时装图样(Thefashionplate)在18世纪后期独占鳌头,在巴黎风靡一时,期间诸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物,以及在拿破仑一世时期的乔治·雅克·加丁(Georges-JacquesGatine)雕刻的一系列水彩时装图都名噪一时。

法国作为时尚仲裁者的地位确保了国内外对时尚插画的不断需求。这种对流行服饰的兴趣以及对流行服饰的获取日益广泛,导致在19世纪出现了150多种时尚期刊。这些高度详细的时装插图捕获了时装趋势的信息,并提供了一般的制衣指导。

高级服装定制也是这个阶段出现的(出现在1860年代),时装公司聘请了插画家,他们将与女装设计师直接合作,设计师将织物挂在现场模型上时,插画家则会勾勒出新设计的草图。他们还会在完成的系列中绘制每个设计的插图,然后可以将其发送给客户。

到19世纪末,手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。时装图样开始使用两个人物,其中一个人物可以从背面或侧面看到,以便可以从更多角度看到服装,从而使复制更加容易。19世纪插画家的重点是准确性和细节性。他们遵守静态的图像约定,以便为观看者提供全面的信息和指导。

三二十世纪的时尚杂志和插图

二十世纪初期的几十年来,现代意义上的时装插画首次开花。随着最新时装样式的发行变得越来越有利可图,时装插画师的工作成为一种职业。时尚以前是单个艺术家的作品,现在正成为一个行业,以前所未有的数量生产新商品,以填补百货公司的空缺。这些商店发明了一种新的全名消遣方式-购物文化。

法国奢侈杂志《宪报》(Gazettedubonton)于1912年至1925年出版,汇集了一群年轻艺术家,他们在诠释时尚方面获得了前所未有的自由。伊里贝(Iribe)是这些时尚插画家之中的****,为著名的出版物做出了贡献,其中还包括查尔斯·马丁(CharlesMartin),爱德华多·加西亚·贝尼托(EduardoGarciaBenito),乔治·巴比耶(GeorgeBarbier),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape)和翁贝托·布鲁内莱斯基(UmbertoBrunelleschi)。他们为《宪报》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影响,以及装饰艺术风格新的变化。

在美国,大众市场时尚杂志《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵盖了社交场合以及当代服装的流行趋势。Harper'sBazaar杂志与鬼才埃特(Erte)签订了独家合同,该合同从1915年持续到1938年,是出版历史上最长的合同之一。

从1910年到第二次世界大战爆发,《Vogue》杂志的封面始终带有插图。Vogue的早期封面展示了由美国插画家海伦·德莱顿(HelenDryden),乔治·沃尔夫·普朗克(GeorgeWolfPlank),乔治·勒帕佩(GeorgesLepape),莱恩德克尔(FXLeyendecker)创作的艺术品。

第一次世界大战后,欧洲艺术家加入了他们的行列,其中包括爱德华多·贝尼托(EduardoBenito),查尔斯·马丁(CharlesMartin),皮埃尔·布里索(PierreBrissaud)和安德烈·马蒂(AndreMarty)。

四时尚插画的黄金时代

1920年代到1930年代代表着时装插画的“黄金时代”。每个商业艺术家都被认为是时装艺术家,都是完美的绘图员。许多人能够凭权威和信念来代表织物的质地,光泽甚至重量。

摄影和印刷的新技术发展开始将照片的复制直接放置在杂志的页面上,这意味着时尚图样不再是现代生活的代表。到1930年代初,照片开始成为杂志的首选,Vogue杂志在1936年报道说,摄影封面的销售情况更好,插图开始被放入到内页。

随着1929年股市崩盘后的经济衰退,美国时装业对巴黎时装的依赖程度有所降低。在两次世界大战期间,美国的服装制造取得了长足的进步,改进了大规模生产方法并标准化了尺码。中产阶级妇女依靠熟练的裁缝师以负担得起的价格可以购买最新的时装设计,而诸如Vogue和Women'sJournal这样的杂志出版的图案对于家庭裁缝师来说是无价的。

Vogue杂志的主要目的是尽可能向读者展示时尚,摄影使插画家摆脱了对服装进行精确记录的需求,而更倾向于诠释时髦的服装。据该杂志的出版商抱怨说:“艺术家们主要是对获得有趣的图画和装饰效果感兴趣,他们被忠实地报道当代时尚精神的任何事情所累,因此感到无聊。”

迪奥在1940年代后期的“NewLook”为战后时尚复兴提供了灵感。从许多方面来说,这是一种倒退的风格,回到过去而不是对未来进行展望,但它也象征着回到更加开朗,乐观的时代。

五时尚插画的毁灭与复兴

到1950年代,时装编辑已经将更多预算用于摄影的编辑传播。随后将时尚摄影师提升为名人,这意味着插画家必须满足于制作内衣和配饰的文章,或从事广告活动。

1960年代,时尚插画在杂志出版业中的地位不断消失,这一趋势在面向青年的青少年杂志的新类别中有所体现,1960年代发行了许多此类杂志,所有这些插图都将插画作为摄影的廉价替代品。

安东尼奥·洛佩兹(AntonioLopez)是这期间唯一在Vogue杂志上定期亮相的艺术家,他的职业生涯始于《女装日报》。

在20世纪下半叶,时装插图一直难以生存,直到1980年代才开始复兴。新一代艺术家在诸如LaModeenpeinture(1982),CondeNast’sVanity(1981)和Visionaire(1991)之类的杂志中都有发行。这种复兴归功于广告活动,特别是Barney在1993-1996年的纽约广告活动。

六今天的时尚插画

介于精美艺术和商业艺术之间,时装插画在最近被重新评估为一种重要的流派。由于美丽和优雅在时尚和艺术领域都已过时,因此时尚插画有时看起来像是回到了更早的时代。

摄影术非常擅长记录服装的详细信息,因此插画家的重点不再是服装的精确呈现,而是解释服装和可能的穿着者。在二十世纪末和二十世纪初,由于数字工具和社交媒体平台的支持,它发展出了一系列独特的艺术风格。1990年代,先驱插画师EdTsuwaki,GrahamRounthwaite,JasonBrooks和KristianRussell等在计算机绘图领域开始兴起。

这一时期见证了计算机设计程序AdobePhotoshop和Illustrator的出现,也见证了传统的基于艺术的时装插画形式的复兴。纽约的帕森斯设计学院和FIT学院开始提供插图作为其时装课程的专用元素。手工制作的“传统”插图一直在复兴,时装插画家经常回望过去的大师,寻求风格灵感。以经典方法为基础的时装插图已成功地与更现代的流程所创造的插图相得益彰。

最近,插图通过时装设计师和插画家之间的合作而流行。随着社交媒体的使用,时装插画家开始引起人们的关注。时尚插图充满活力色彩,错综复杂的图案和无穷无尽的个性,给人留下深刻的印象。

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服装设计中常见的插画的艺术风格有哪些？可以详细说说吗？

1波普风格

波普风格的插画艺术出现、流行于20_兰50_甏呐分薜厍,主要通过商业艺术的创作手法,形成融合大众文化与商业艺术的全新艺术风格。同时,波普风格中相对浮夸的卡通形象、报纸版画形式及幽默的标语,共同组成独属于波普风格的特色,且波普风格的艺术性非常强[3]。安迪·沃霍尔是在服装设计领域中对波普风格拓展贡献最为杰出的人物之一,首次开创了纸质、塑料、人造皮为服装制作基础材料的先河,并且在其插画作品中包含了颠覆传统的设计理念,具有色彩鲜艳、设计理念前卫及选色大胆等鲜明特点。直至今日,波普风格的插画仍保留与安迪·沃霍尔较多的相似之处。

2抽象风格

通常,抽象风格的作品普遍以几何化的点线面、圆形、三角形、正方形为主体进行深入创作,在创作风格上具有典型的抽象性特点。蒙德里安是抽象风格作品中相对成功的早期人物之一,其抽象风格的创作方式较为独特,侧重利用形式多样的矩形图案作为插画内容,且此类插画艺术形式对抽象风格的影响深远。以法国著名抽象风格服装设计大师创作的作品《红黄蓝》为例,此作品深受蒙德里安抽象风格的启发,选择多种颜色的线条、三角形、长方形,给予广大受众独特的艺术欣赏体验感受,并赋予作品强烈的视觉冲击感及新奇感。

3具象风格

具象风格不同于上述提到的两种风格,其图形特点普遍写实且逼真。再者,具象风格作品对线条的展现相对直接,可进行装饰性的泛化、夸张及变形处理,从而提高作品的色彩感,突出作品的简洁性及精致性。以意大利著名服装设计师缪西亚·普拉达为例,曾拥有将插画直接用在服装设计创作的实力,可以将插画作品布满在服装设计作品当中,且其作品侧重精心细腻化创作人物造型,突出作品的色彩及绚丽感[4]。此外,具象风格中线条展示相对飘逸,可以给予受众心理如梦如幻的体验感受,尤其是应用在服装设计当中,能有效提高设计作品的精巧程度,赋予设计作品灵动的美感。