从艺术家身上汲取当代艺术智慧

《当代艺术的十九副面孔  大师与我们的时代》 编著了国际著名策展人、艺术批评家、蛇形画廊艺术总监汉斯乌尔里希奥布里斯特与当代艺术大师的十九篇对话，包括对15位艺术家、4位建筑师的访谈录。

用了两个月的时间（811-105）来阅读这本书，断断续续。开始读得仔细，一边读一边写感悟。预计自己写得差不多了，在九月中旬还有三分一进度的时候竟然停下来，因为我被别的文字吸引开了，因而断开了有两周吧。正好利用这个国庆长假掩卷。

这本书不是我买的，当代艺术也不是我感兴趣的领域，可是来到我的身边，又被爱艺术的新新人类推荐，说是网评不错，好在有建筑题材，所以看看无妨。而我竟然是抢先阅读了，比购书人更早领略其中的妙韵。

现代艺术，一直以来无感的艺术领域。对着抽象的绘画、装置、行为艺术、实验性体验，往往因看不懂而放弃。各种展览，往往对现代艺术部分跳过，而把更多时间放在容易找到出处及信息的古典艺术和近代艺术。看了这本书，领悟到这些艺术家（包括画家和建筑师），在逐渐摆脱、减弱宗教信仰和偶像崇拜的现代社会，把注意力从古典艺术中移开，更深入地思考新技术（了解实质，探索应用，回归本源）、环境（更多地融入，对与自然/世界/他人/自我关系的探讨，寻求各种可能）、人类（群体性行为、个体差异、精神分析），而创作出不同凡响的现代艺术作品。他们的成就，已经逐步发展到从实验性工作室和展览，从制作模型，进一步拓展到城市规划和典型建筑（公共雕塑、公共区域等），融入到我们的日常生活中，不断丰富世人体验世界的方式。他们从时间和空间中寻求可能，在对比、交错和扩展中。往过去回溯，往未来想象，立足于当下；往东南西北上下左右反方向地找，在地区、气候、文化、人类危机中汲取灵感。

现代艺术是什么？透过这本书，我感觉到的，一是艺术家们以绘画、装置、数字展示等手段来创作或暗示，展现当代人类行为背后的象征意义，对自我价值、人际关系的隐喻，挖掘社会性、孤独感、归属与抗拒…这些难以用语言解释清楚的哲学内涵…我们是谁，我们从哪里来，我们要到哪里去，我们在干些什么，我们还是我们吗？…不变的主题，崭新的思考。随着时代的步伐，这些主题不断演化不同的内容。二是现代艺术作品也不再局限于巨象的绘画、雕塑、装置。留白——诱发观者脑海漫游，互动——激发观者参与作品……正在成为新的趋势。现代艺术不是静态的，不仅仅远观，还能进入、生长和变异。就好像自媒体一样，每一个人都可以“自艺术”，并自我欣赏和陶醉。“我”在艺术里，也在艺术外。艺术的空间性和时间性得到前所未有的彰显。三是现代艺术也不再局限于单独的呈现，现代艺术品在诞生的时候是一种物品，体现艺术家一种思想；在展出的时候，在时间性和空间性的变异中，会使原有思想更丰富，引发不同观者的共鸣或者遐想，更有可能增加另一些思想。现代展览汲取多种手段，通过建筑（博物馆）、布局（策展）、呈现方式（技术手段），让现代艺术品焕发前所未有的时代特征。甚至有些展览，本身就是一种艺术作品，因展览而生，撤展而去。

十几名现代艺术家或建筑师，其中好几位是兼而有之的双料，奥布里斯特与他们的对话越看越起劲，在每一篇里，必定有某些内容让我产生激动兴奋的感觉，不确定都是共鸣，有启发，有遐想，各种各样的想法：

他们喜欢颠覆传统（例如不待见常规的美术馆展示模式），他们喜欢涂鸦及出丑（例如吉尔伯特与乔治双人组，展品《脏话》、《裸体大便》）。

他们反抗战争。他们的艺术作品取材于炸弹和飞机，取材于血淋淋的头颅。他们反抗性别歧视。他们的艺术作品取材于女性身体，取材于哲学家们对女性的恶毒评判语言。他们用拼贴作为最直接的艺术展现手段。

他们用空间造就时间错觉，用时间制作空间错觉，用输出文化错觉，让观者通过直观的视错觉来了解我们观看事物的方式。

他们借由艺术，创造真实或虚幻，把疯狂的想法透过艺术创造来实现。艺术家的梦，不再由潜意识催生，而是直接在意识中创造。

他们把艺术融入现代感更强的思考当中，思考环保，思考公众，思考“少即是多”，思考毁灭与创造，思考文明的延续。

《当代艺术的十九副面孔  大师与我们的时代》的作者，汉斯•乌尔里希•奥布里斯特（Hans Ulrich Obrist），1968年生于瑞士苏黎世，现为伦敦蛇形画廊联合总监，是活跃于当代艺术界的著名策展人和批评家。奥布里斯特迄今曾参与策划和发起了150多个展览与项目，编撰有70多本学术著作。奥布里斯特受到乔尔乔·瓦萨里（Giorgio Vasari）的著作《名人传》（The Lives of the Artists）的启发（在这本书里，瓦萨里将他同时代的艺术家和建筑师视作历史人物进行记录），奥布里斯特由此产生灵感，也把自己与艺术家们不断的谈话记录下来，当遇到抗拒时转而采用邮件方式提问，艺术家们会回复图像或画作来回复。在这些对话的初期，奥布里斯特不仅要问艺术家在既定框架内能做什么，还要问他们想做什么。通过聆听这些尚未完成的新项目，奥布里斯特获取最重要的信息，以能帮助他们实现这些想法。奥布里斯特把这些谈话视为一个人所需要的“知识花园”，一个可供研究学习的花园，以给自己提供新的想法。通过这些对话，奥布里斯特迫切希望消除学科之间的藩篱，很多领域貌似迥异，但其间的联系最能激发灵感的：“跨越对知识共享的畏惧，即是本书的主旨所在。”

终于明白自己为什么之前对当代艺术不感兴趣，是的，当你只把目光停留在一幅幅古典油画上，只关注自然风光和旖旎色彩，就不会留意到人类对自身内在、对时间空间的渴求。当代艺术与建筑相结合，打造公共空间，创造了人与人的新型连接、人与自然的新型连接，超脱了传统的美术馆、博物馆和艺术中心，融入更丰富的全球语境，是多学科渗透的领域和成果。城市建设也更如此，保持历史渊源，持续展现文化民族特色，突出不同地域人民的主体化，很需要现代艺术的介入和重构。

PS：这本书有个很大的遗憾，就是书中所讲述大量的画作、雕塑及建筑，都没有相应的。通过度娘，也能搜索到一些相关信息和。但你知道，光从文字来想象就够无力了，即便是，也只有局限和单一的平面效果。真的，只有实地观摩，置身于其中，才能被震撼到。还有一个遗憾，就是没有与中国艺术家的对话。

这本书的封底，印着这样的话：

谈话一旦开始， 就没有终点，亦不会停歇。就像当代艺术，一旦开启，就只能向前。

“当代艺术是现实世界的映像，发生在世界上的所有事，都可以在这里找到影子。”

透过当代艺术家之眼，洞察我们所处的时代。

与十九位艺术家的对话，究竟带给我们什么启示？一个个看过来，我满脑子都是他们的努力呈现，呈现一个个全新的话语世界。我想重温一下，努力用一两句话把他们的特性和思想总结下来，最后不得不放弃。对话内容实在太丰富了。

第一位：大卫•霍克尼（1937-，英国著名画家，涉足绘画、拼贴、摄影、数字绘画等多个领域。代表作：画作《我和我的英雄们》、《水边的大树》。）

第二位：多米尼克•冈萨雷斯-弗尔斯特（1965-，法国艺术家，创作以影像、视频、空间装置为主。代表作：《幼年》。）

第三位：伊莲•斯图尔特文（1924-2014，以仿制和挪用同时代艺术家的作品进行创作。代表作：《斯宾诺莎在拉斯维加斯》。）

第四位：欧内斯特·曼可巴（1904-2002，出生于南非，是南非率先从事当代艺术的黑人艺术家之一，主要活跃于欧洲。代表作：雕塑《信仰》。）

第五位：费利克斯·冈萨雷斯-托雷斯（1957-1996，生于古巴，美国当代艺术家，作品涉及绘画、摄影、装置等。同性恋者。代表作：《无题》。）

第六位：弗兰克•盖里（1929-，当代著名结构主义建筑师，以设计具有奇特不规则曲线和雕塑般外观的建筑著称，如古根海姆艺术博物馆。代表作还有鲁玛中心/阿尔勒创意公园。）

第七位：格哈德•里斯特（1932-，德国当代艺术家，创作涉及抽象绘画、波普艺术、基于照片的写实主义、具有极少主义倾向的绘画与雕塑等。代表作：《鲁迪叔叔》、科隆大教堂的窗户装置。）

第八位：吉尔伯特与乔治双人组（1943/1944-，艺术家组合，英国行为艺术先驱。代表作：《脏话》、《醒来》、《裸体大便》。）

第九位：路易丝·布尔乔亚（1911-2010，生于法国，后移居美国，雕塑家、画家、批评家与作家。代表作：女巫审判案受害者纪念馆装置。）

第十位：玛丽娜·阿布拉莫维奇（1946-，生于塞尔维亚，当代行为艺术家，被称为“行为艺术之母”。代表作：《无量之物》。）

第十一位：莫妮尔·沙鲁迪·法曼法玛恩（1922-2019，伊朗当代艺术家，热衷于以镜面拼贴马赛克几何图案，延续了古代波斯艺术的传统。代表作：《内达之光》、《镜面球》。）

第十二位：南希·斯佩罗（1926-2009，女性先锋艺术家，采用象征主义的方式创作，通过手绘、拼贴和装置来探讨女性问题。代表作：《战争系列》、《时间中关于女性的记录》、《五朔节花柱/赶尽杀绝》。）

第十三位：奥斯卡·尼迈耶（1907-2012，巴西建筑师，拉丁美洲现代主义建筑的倡导者，1988年获普利兹克建筑奖。代表作：巴西教育与卫生部大楼、潘普利亚教堂、巴西利亚教堂）和诺曼·福斯特

第十四位：菲利普·帕雷诺（1964-，法国艺术家，创作涉足**、装置、表演、绘画和文字等多种领域。代表作：《对话泡泡》、**《玛丽莲》。）

第十五位：雷姆·库哈斯（1944-，荷兰建筑师，OMA建筑事务所首席设计师，2000年获普利兹克建筑奖。代表作：Leeum美术馆、西雅图公共图书馆。）

第十六位：理查德·汉密尔顿（1922-2011，英国艺术家，波普艺术的****，被称为“波普艺术之父”。代表作《彩色螺旋》。）

第十七位：SANAA 建筑事务所（1995年成立，由妹岛和世与西泽立卫共同设立，位于日本东京都。代表作：金泽21世纪美术馆、瑞士劳力士学术中心。）

第十八位：提诺·赛格尔（1976-，英裔德国艺术家，以场景艺术、情景艺术著称。代表作：《这太当代了》。）

第十九位：（1950-2016，伊拉克裔英国女建筑师，2004年获普利兹克建筑奖。代表作品：香奈儿移动艺术馆，罗森塔尔当代艺术中心。）

《倒牛奶的女工》的右下角有一个暖脚炉，暖脚炉后面的墙上贴着的瓷砖上画着小小的丘比特。暖脚炉和丘比特在当时有着很明显的性暗示。然而女工完全无视了能让她舒适的暖脚炉，而是专心致志地用着不再新鲜的面包和牛奶做着面包布丁，所以这幅画其实描绘了17世纪荷兰所崇尚的勤俭持家、把小家庭经营得很好的美德(domestic virtue)。

库贝尔

Boucher, Triumph of Venus, 1740

这是洛可可大师布歇尔的一副充满着情色意味的作品。画中左下角有一个女子，正在自慰 当时在上洛可可艺术，教授讲到这幅画时，她的措辞是"Oh, she is well pleased with herself" 上另外一堂课时，教授也讲了这幅画，她年纪比较大，讲到这个时非常尴尬，她说: "Look! What she is doing!" 然后就匆匆跳到下一页幻灯片了hhhhhhhhh。

库贝尔

William Blake, Newton, 1795

布莱克是一位英国的诗人和画家，他热爱自然，追求一切有着灵性(spiritual)和神圣的美好事物，他忠于自己内心的感受。所以，他非常讨厌牛顿，一个用物理用数学用各种科学来理解世界测量世界的人。更可恨的是，牛顿还给色彩制定了一套理论(光色原理)，而对于布莱客来说，光是非常神圣的、充满无限的灵性和无限可能的美好事物，是不可以被理性或者科学亵渎的，于是布莱克便画了一幅画来讽刺牛顿。

库贝尔

这幅画描绘了布莱克讨厌的牛顿，他坐在黑暗的海底的最深处，专心测量着他几何，研究着他的数学。他背上的的一块块肌肉，仿佛龟壳，又仿佛铠甲，将他深深的包裹在自己的世界中，与外面神圣的大世界隔离。他对眼前海底世界的一切，那些怪石，植被，微生物等奇妙的存在，都熟视无睹。他是一个冷冰冰的人，只专注于冷冰冰的理论，完全无视了身边任何神圣超然的存在。

（嗯，物理不及格数学艰难过的我也讨厌牛顿hhhhhh）

每一种艺术都是一种时代的变迁或是历史性的改革所带来的一种升级产物。

早在我国的战国、秦汉时期，便以秦始皇陵兵马俑和霍去病墓石刻为代表，当时的雕塑艺术已非常卓著了。同时绘画品类也繁多，帛画、壁画、画像石、画像砖，异彩纷呈。还有篆隶形成了中国的书法艺术。

到了魏晋、南北朝，佛教艺术勃兴，敦煌石窟、龙门石窟等相继开凿，大量的壁画和泥塑，在描绘宗教内容的同时，也反应了当时宗教对社会的影响。

我国《清明上河图》就真实的描绘了宋代人们的生活情况及街景文化，给历史学家、考古家、人文学家等带来宝贵的参考资料。

艺术是一个时代的缩影，展现出其背后的意义是历史赋予它们丰富多彩，千变万化的魅力背景。

艺术也是全世界人类共同的语言，正是有了艺术的存在，也让我们发现了更多的美好事物。中国的艺术源远流长，带有一种神秘、柔和、内敛且充满意境的气息。同样，在西方艺术上也有他们独特的魅力。

还记得断臂的维纳斯吗？还有神秘的蒙娜丽莎等等， 西方艺术史从中世纪艺术开始到文艺复兴、再到巴洛克艺术、新古典主义艺术、浪漫主义、印象派、后印象派、立体主义、野兽派、超现实主义、直到当代艺术。

每次艺术的变革都和当时的社会背景相关，所以也可以看做是历史的进迁。历史被人们认为是既真实又有趣却有深刻意义的故事。

我们如何来了解西方艺术史呢？

没有审美不重要，不懂艺术没关系，意公子的《大话西方艺术史》这本书，从故事讲起，每个故事都带有一个你知道的“梗”。意公子把这些故事变得通俗化，让你零压力掌握艺术史框架，短时间提升审美品味。

这本艺术入门提升审美的枕边书是作者意公子八年积累的诚意之作。意公子是当下深受大众喜爱的艺术自媒体“意外艺术”的创始人。她主讲的《艺术很难吗》等节目播放量超32忆。

30000年艺术历程从史前洞穴的壁画到20世纪当代艺术，本书清晰的脉络让你一本书理清西方艺术史的发展。

一、追求幸福的思想变革

在文艺复兴时期，智慧觉醒了。人文主义为它开路，美妙的艺术为它增光，财富涌流的环境使他发扬光大，它在欧洲其他地区还相当野蛮的时候，就把意大利人带到了一个如此的境界。” ----巴尔齐尼《意大利人》

西方艺术可以从中世纪开始，"中世纪"一词是15世纪后期的意大利人文主义者比昂多开始使用的。这个时期的欧洲没有一个强有力的政权来统治。封建割据带来频繁的战争，天主教对人民思想的禁锢，造成科技和生产力发展停滞，人民生活在毫无希望的痛苦中，所以中世纪或者中世纪早期在欧美普遍被称作"黑暗时代"。

在中世纪前有着灿烂的古希腊文化，古希腊的创作特点便是灵动，古罗马则是肃穆，美的诞生便是大家熟知的“断臂的维纳斯”，即《米洛斯的维纳斯》，它一直被视为世界上最美的象征。

维纳斯是古希腊神话里代表“爱”与“美”的女神。

维纳斯的脑袋和身体的比例是1：8。古希腊人会严格按照这个比例去雕刻，去帮助人们认识美和丑，更加有趣的是古希腊人把她的髋部变窄，胸部缩小，同时展露出带有肌肉的线条感，又有点男性化，这便是他们眼中完美的维纳斯。

所以在中世纪前期古希腊创造了美、古罗马继承了美，而我们看到的都是以《希腊神话》和《圣经》为题材进行的创作，不只是画画，雕塑作品也尤为突出与卓越。

然后进入了被人们称为“黑暗时代”的“中世纪。随着中世纪的政权的不稳固，频繁的战争，人们的生活十分的痛苦，于是这个特殊时期的艺术风格也随之发生了改变。

而中世纪持续了多长时间年呢？1000年。社会动荡，民不聊生。文化落后，思想封闭，为了生存人们将自己的思想寄托于宗教信仰。

大部分的人都是文盲，为了更好地引导劳苦人民，这时的传教士也利用画来传播信仰。

为了让教徒们感受到画中神的神圣和肃穆且不可侵犯，于是画的风格变成了扁平的画面，人物样貌相同、表情动作呆板。而画面的主人公多是以耶稣为主。

整个中世纪人们一直在宗教艺术里生活。在1000年之后西方迎来了文艺复兴。

二、文艺复兴的崛起

11世纪后，随着经济的复苏与发展、城市的兴起与生活水平的提高，处于资产阶级的人们逐渐改变了以往对现实生活的悲观、绝望态度，开始追求世俗人生的乐趣，与天主教的主张相违背的。

由于拥有独特的地理位置与当时拜占庭的文化输血使14世纪的意大利成为文艺复兴的发源地。

意大利出现弗洛伦萨与威尼斯等工商业化的城市，新兴的资产阶级诞生。他们追求金钱财富与现世的享乐远远胜过虚无缥缈的宗教学说，使昔日的贵族与教会的权威不再如此牢固。

文艺复兴的英文为Renaissance，是指发生在14世纪到16世纪的一场反映新兴资产阶级要求的欧洲思想文化运动。

文艺复兴的核心就是人文主义，倡导以人为主题进行创作，肯定人的价值与尊严。当时的思想家们反对教会宣扬的苦行文化，抨击教会的腐朽，倡导人们追求自由与幸福，鼓励人们享受物质生活，崇尚理性。

很快文艺复兴的浪潮席卷了整个欧洲。这个时期的艺术家被从天主教神学的桎梏中解放出来，他们重视人的价值为核心的人文主义，一方面从希腊、罗马的古典艺术中吸取营养;另一方面通过实践和科学的探索。

由中世纪的平面画法做出重大的突破，那就是达芬奇的透视法，画面中出现了空间的概念，提高了艺术的表现力，不止在画画方面雕塑方面也尤为突出，有米开朗琪罗的《大卫》，同期出现了一批有名的艺术家达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔、丢勒、等，使西方的绘画描绘出来的客观对象的技巧也得到了空前的提高。

三、课本外的艺术家

你如果要做一个艺术家，你要牢记：必须开拓你的胸襟，务使心如明镜，能够照见一切事物，一切色彩！------达·芬奇

在文艺复兴期间，我们最为熟知的画家之一是达·芬奇。而我们大多数人最初了解到他的是在小学的课本里，讲述了他画鸡蛋的故事，故事中达芬奇从5岁开始坚持画画，画了整整3年的鸡蛋。然而真实的达芬奇是我们课本所呈现出来的这样吗？

首先达·芬奇是他所出生的小镇名字，也就是全镇人的名字里都会有芬奇这两个字。达·芬奇的全名是列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇。

他出生在1452年，达·芬奇出生，他五岁前和母亲一起居住在芬奇的村镇，1457年以后和他的父亲、祖父母、叔叔Francesco居住在芬奇小镇。当时这个地方是美第奇家族统治下的弗洛伦塞的领地。达·芬奇的父亲叫瑟·皮耶罗·达芬奇，是弗洛伦塞的法律公证员，因此十分富有。他的母亲卡泰丽娜是农妇。达·芬奇是他们的私生子。

比起故事中所写的" 勤奋型"选手达·芬奇，真实的达·芬奇却是一个“开挂”到被怀疑是穿越者的天才选手。

14岁进入弗洛伦萨著名的画家的工作室学习绘画，18岁协助老师为韦罗齐奥绘制《基督受洗》，结果他画的天使从神态色彩等全方面超越了他的老师，韦罗齐奥感到自惭形秽从此不再作画。

然而达·芬奇这位艺术家不只局限于艺术，在画画之外，他还一直活跃在物理、数学、生物等多个学科领域。最主要的是他生活的时代，西方主义也迎来了文艺复兴。

达·芬奇艺术生涯发展得最顺利的时期是在1482年--1499年的米兰。据说他的七弦琴弹得也很不错，他首先是作为一个音乐家而不是画家或者发明家的身份在米兰出名的。这期间他的绘画作品不多，却得到了一些青睐。

1499年为躲避战乱达·芬奇在曼图亚和威尼斯等地旅游并进行一些科学研究。

1500年达·芬奇回到佛罗伦萨并开始创作《蒙娜丽莎》。《蒙娜丽莎》运用了透视法等多种绘画方法。这之后达·芬奇再去米兰，并继续服务于米兰宫廷。

在文艺复兴时期，达·芬奇最著名的画除了《蒙娜丽莎》，还有《最后的晚餐》这幅画，在这副画上达·芬奇运用了平行透视的构图技巧，所有的线最终延伸到一个点上。而中世纪的平面画法是达不到这个效果的。这也当时对中世纪和文艺复兴期间画作最好的区分。更主要的是通过这个方法，达·芬奇同时对画还增加了明暗度，使画面像舞台剧上演的一个定格的画面，犹如一个摄影师捕捉到了一个精彩的镜头一样。

在《最后的晚餐》中讲述了《圣经》马可福音里的第十四章。

耶稣告诉他的12位门徒，有人要背叛他。大家都吓一跳纷纷议论这是谁，耶稣没有回答，他拿起面包，掰开分给大家，说：“吃吧，这是我的肉。”又把葡萄酒分给大家，说：“你们喝吧，这是我的血。”而那个叛徒犹大就坐在他的身边。

达·芬奇的厉害之处，是在耶稣身上运用了平行透视。巧妙地利用了天花板透视，桌边地景深透视等都集中在耶稣的头上。尽管在这副画中耶稣的神态平静，面部也无表情，而他们的徒弟分成几组，表情丰富，在讨论问题，但他还是整幅画的中心人物。

达·芬奇对整幅画的巧妙构思无处不在。他笔下的叛徒犹大，身体后倾，右手紧张的握着钱袋，眼睛盯着耶稣，反应出紧张的神情。而叛徒犹大在画的左侧，色彩很重，有些暗，整幅画把12个门徒分成四组，从左侧开始，画面越来越亮，其他门徒有紧张的神情、愤怒的神情、吃惊、哀伤的神情。耶稣坐在正中间两手平静地摊开，左掌朝上，右掌朝下，单独形成了稳固的三角形。

《最后的晚餐》是达·芬奇的艺术作品里的一幅壁画。不仅能像镜子似的反映事物，而且还以思考指导创作，从自然界中观察和选择美的部分加以表现。

晚年的达·芬奇赴法国，最后定居昂布瓦斯。那时的他极少作画，潜心科学研究，去世时留下大量笔记手稿，内容从物理、数学到生物解剖，包含多个领域。

同在文艺复兴时期，还有一位艺术家米开朗琪罗在这期间也创造出他毕生最负盛名的雕塑《大卫》。最令人惊叹的是西斯廷礼拜的天顶画，他受教皇的委托，只身一人在脚手架上，仰着头花了整整4年的时间，创造出来面积有500平方米，超过300人的史诗级巨作。

据说米开朗基罗很会谈订单，每笔材料他都有详细的花费记录，然后再去报价。

在照相机未出现前，这些艺术家都为匠人，画画、雕塑等都是他们挣钱的工具。当他们出名后，就可以接订单，谈价钱等。直到照相机出现后，他们的艺术风格变得更加自由，也更加自我后便统一称之为艺术家。

结语：艺术是什么？

        一件事情做到极致，就是艺术。

《大话西方艺术史》中这样写到：一件艺术品离不开反复打磨的技巧和精妙的布局。它能调动观众的情绪和想象力，用令人震感的至极美感冲击着人们的心灵。

同时，艺术来自于人们的生活，而历史赋予了艺术更长久的生命力。

作者在《大话西方艺术史》介绍了40位艺术大师贝尼尼、高更、毕加索等揭秘不同时代艺术大师的人生故事，感受他们对艺术的追求。

本书从多个角度解读了150件经典的名画，图文并茂，故事风趣幽默，同时，每个故事都带有你熟知的一个梗。简单、明了、通俗的语言不失风趣幽默。串联起30000年的艺术历程，轻松入门西方艺术史，一本书理清了西方艺术史的发展脉络。

更重要的是这些艺术的背后有着强大历史背景内容，这不仅仅是在了解艺术，同时更加深刻的看到历史的威利，和人们在生活中推动历史发展的力量。

我们的生活看似简单的过日子，更多的是用思考和行动推动历史的前进，在历史的进程与变化中人们用艺术的精神打磨生活，开辟新的征程。

艺术则是自然界的那一树花开，经过岁月的洗礼，自己的沉淀，展现出经久不衰的魅力。

西方的艺术是由希腊人带来并开拓的，中西方由于文化的差异，在艺术的表现上也是各具特色。从绘画为例，东方是泼墨写意，强调的是一种意境，而西方具有鲜明的现实感和视觉与知觉的朴实性，强调的是写实。

西方人最早的美术作品产生于旧石器时代晚期，即距今3万到1万多年之间。最杰出的原始绘画作品，发现于法国南部和西班牙北部地区的几十处洞窟中，其中最著名的是法国的拉斯科洞窟壁画和西班牙的阿尔塔米拉洞窟壁画。

古希腊的自由民主创造了具有民主思想的建筑、雕刻和绘画作品，其中留存于世的不少健美而优雅的雕刻形象，如《掷铁饼者》、《米洛斯的维纳斯》等，尤其具有无穷的魅力。

中世纪是指公元5世纪（以公元476西罗马帝国崩溃作为标志）到15世纪（意大利文艺复兴的黎明），标志着西方进入了基督教时代。

14-18世纪是国际哥德风格， 文艺复兴，风格主义，巴洛克艺术，新古典主义，浪漫主义。

19世纪是现实主义。

现代艺术是立体主义，表现主义，抽象表现派，抽象艺术，蓝骑士，达达主义。

扩展资料：

现代西方艺术思潮作为现代资本主义社会的一种文化现象，对当代中国美术产生的影响，一方面是西洋诸多画种的引进，丰富了我国美术创作的载体。

另一方面，西洋画的引进也打破了中国画长期以来的封闭、静止、缓慢变化的格局。中国画源远流长，是中华民族悠久历史文化积淀的一种传统绘画形式，体现着中华民族的审美要求，深受广大人民的喜爱。

—西方艺术历史

人类社会进入资本主义的发展阶段，现代工业文明改变了人与人之间的关系，也改变了传统的生活方式，加速了生活节奏。美术作为商品走进市场，给艺术发展带来激烈的竞争。现代科技的发展改变了人与自然的关系，人类的眼睛延伸到宏观与微观世界。因此现代艺术家必然要创造和选择新的艺术语言去表现自己所认识的新世界。现代哲学直接影响现代美术创造，叔本华的唯我主义的本体论思想、唯意志论观点导致认识上的直觉主义，这使艺术家的天才和灵感升华为艺术创造的根本。尔后的尼采、弗洛伊德对人的精神领域又作了全面的分析和揭示，又成为现代艺术创造之源泉。柏格森“非理性主义哲学”是对现代工业文明带来的负面和传统价值观的彻底否定和背叛，从此艺术不再是客观世界的反映，而是主观世界的表现。

现代美术的产生和发展是沿着必然规律运行的，西方艺术自远古产生始就注重实用、物质性的再现，经历不同时代的发展和完善，到欧洲文艺复兴时期已达高峰。当照相术发明，再现的写实主义绘画已被摄影部分取代，绘画必然另择其路，由再现走向表现，由写客观物质的形态走向表现画家自我内在精神为追求。绘画自产生起就以为别人服务为宗旨，原始社会为实用，后来为神、为人的生活、为政治斗争等服务。西方艺术家宣称他们不再为谁服务，艺术就是为完善艺术自身而独立存在。因此艺术的价值观与传统决裂了。所有这一切都是随着社会发展、思潮的演变，缓慢地由量变到质变的。现代美术的发端是从印象派开始的。

印象派的出现是西方艺术划时代的里程碑。为了表现自然界丰富的瞬间即逝的光和色的变化，它忽视或否定了客观事物的内在本质，更是破坏或放弃了西方几千年完善起来的严谨造型，因此衍生出后来一系列的反叛画家、画派。首先起来与传统决裂的是塞尚，他要创造一种绝对的绘画，它不再是客观事物的模仿，而是注入画家主观解释的永恒性的形体和坚实的结构。同时还有画家高更，他从强烈的主观出发，对客观事物获得的印象和感觉加以分析、综合，创造出一种突破时空制约的具有象征意义的绘画。而荷兰人凡·高用明亮的色调与颤动奔放的线条传达了炽烈的思想，他们共同开创了西方现代美术之先河。从他们的理论派生出尔后的众多现代流派。

一部分追随塞尚的画家们确认画面的经营构造是画家的能力和权利，画家是画面的创造者，应该像上帝一样任意去安排画面，形成了以毕加索为代表的立体派。认为绘画不应该作自然对象的奴隶，也不应仅是画面的精心构造，而必须表现画家的心情意志，必须是画家内在情感的外在图像，从而诞生了法国的野兽派和德国的表现派。俄国人康定斯基纵览了这一画坛变化之后认识到，绘画已不是靠着物象的支持，而是靠色彩、线条与形状主宰整个画面，是这些绘画的元素赋予了画面生命与美，是他第一个创造了抽象绘画。上述几个流派都是对艺术作出思考后的探索表现。

当艺术家面对社会和现代物质文明进行思考后，得出的结论是传统已经过时，现代是不完整不健康的，产生了破坏一切、打倒一切的达达派，他们希望在纯粹空白的基础上建立一种新文明。当艺术家面对人生时，人的意识被过多的概念装饰得已经不真实了，唯有潜意识领域才是最真实的领域，这个领域从未被表现过，画家着意于这个精神世界，创造了超现实主义绘画，这种绘画以表现反逻辑常理的物象组合展现一个鲜为人知的潜意识世界。

第二次世界大战后现代美术中心由法国巴黎转向美国纽约，又开始了一个新的探索和创造，更多地是以注重观念改变为特点。50年代兴起抽象表现主义，只重绘画行为过程而不注重画面结果的行为绘画，体现了美国人自由创造的活力。当人们不满于偶然的发泄和主观对绘画的恣意所为，转而崇尚让画面自为地发挥出它的全部潜力，于是就出现了大色域绘画、极少主义绘画、硬边派等，这些艺术多以冷静、简单的大色块布置画面，不掺任何感情的表现。60年代波普艺术登上画坛，首先风行美国，它使艺术与现代文明互相渗透，让艺术成为更为普及的交流手段，与现代人的生存息息相关。自70年代后，现代美术完全进入一个多元化的格局，艺术家在更广泛的层面上探索艺术和艺术表现,自此以后再无风格流派可寻，可谓一个人一个派，花样翻新、层出不穷，从此西方美术走进一个远离常识世界的无尽的大千世界。

现代艺术

第一，“现代艺术”是西方20世纪以来的占主导地位的艺术形态。从20世纪初开始，随着西方社会进入现代时期，出现了与古典艺术和近代艺术不同面貌的现代艺术，它的突出特征是在艺术形式上不再以写实的风格为主，而是体现艺术家个性的观念和形式语言，并且形成了许多艺术流派，一个时期以某种艺术流派为主导。如我们比较熟悉的立体派、未来派、超现实主义、抽象主义、波普艺术、照相写实主义，等等。当然，无论何种艺术形式，其所反映和表现的都是现代社会变化给人们带来的社会心理特征，都是艺术家对艺术表现形式的探索。其中的积极成果丰富了人们的审美经验，开拓了艺术的视觉表现空间；其中的问题是因为缺乏共同的艺术标准和过分的个性化，在艺术上也就良莠不齐，有的脱离公众，走向极端。

第二，在各国的现代化过程中，都出现与自身社会发展特征相关的、具有自己文化内涵的“现代艺术”，在内容上反映了社会现代化的进程，在艺术形式上体现了现代精神。由于西方发达国家在现代化进程上的先行，西方“现代艺术”对全球的影响是相当大的，但这并不意味着各国的艺术就是西方的翻版。中国的艺术在20世纪的百年发展中，就有自己鲜明的文化上的“现代性”。

“当代艺术”

在时间上指的是今天的艺术，在内涵上也主要指具有现代精神和具备现代语言的艺术。之所以现在的展览普遍用“当代艺术”的提法，是因为用“现代艺术”的名词容易与已有过的“现代派艺术”混淆，同时，“当代艺术”所体现的不仅有“现代性”，还有艺术家基于今日社会生活感受的“当代性”，艺术家置身的是今天的文化环境，面对的是今天的现实，他们的作品就必然反映出今天的时代特征 。

后现代主义

是20世纪90年代以来中国美术界最时髦的话题，然而

没有任何一个源于西方的学术名词像后现代主义这样被赋予了如此丰

富的多义性和歧义性。披览见诸报刊的众多有关文章以及打着这个招

牌的各类美术创作，我发现后现代主义几乎被当成了一个无所不包的

杂货铺。在许多中国年轻艺术家那里，后现代主义被演绎为泼皮无赖

式的玩世不恭、社会责任感的丧失和崇高精神的消解。体现在画面上

往往是可口可乐商标和京剧戏装人像的简单拼凑。尽管人类进入了信

息时代，但西方后现代艺术在我国仍鲜有介绍，它的本真面目国人大

都不谙其详。毫无疑问，这是造成对后现代主义的理解和诠释彼此矛

盾相互�格的原因。令人高兴的是，在世纪之交的岁末年初我们不期

获得了一个亲眼目睹西方后现代艺术的机会。由中国展览交流中心主

办、美国子午线国际中心和美孚基金会协办的“外面的世界——美国

当代艺术展”（原名“走出边界：21世纪前夕的美国艺术”／Out

ward Bound：American Art at the Brink of the Twenty－

First Century）于1999年10月至2000年1月先后在上海和北京长期展

出，使我们能够匡谬纠误，获得对西方后现代艺术真实面目及其意义

的正确认识。

西方古典文化艺术首先由希腊人开创，罗马人依据其民族特点并结合自己的创造，在有选择地光采博收与融合古希腊文化的基础上，不断灌注以新的内容，从而使之发扬光大，最终形成为一种别具一格的文化传统或文化体系。

当然，古希腊文化和古罗马文化也各有其不同的特征。早在奥古斯都时代，罗马著名诗人维吉尔就已经道出了两者各自的旨趣。他认为，希腊人的天才在于文化艺术领域的创造，而罗马人则在于以威力统辖天下万民，在世界“推行和平”。

也正如“希腊可称为光荣，人类精神自由创造，自由思索，自由信仰之光荣；罗马可称为伟大，权利、纪律和一致之伟大。”

这是由各自的民族性格、历史传统、社会和自然环境等因素造成的。但是，古希腊、罗马文化作为一种一脉相承的同质的文化，在历史的长河中凝聚成了一种有其独特内涵和体系的文化传统。

扩展资料：

西方古典艺术的纯艺术做到头了，于是出现了反艺术，再后来，无论是纯艺术还是反艺术，大部分问题都提出来了，最多只能从展开方面做些工作。因此，完全从纯艺术和反艺术当中去寻找创造出路，有极大的困难，这才出现了社会学转向。

古典主义时期，艺术主要是为宗教服务，具有社会学属性;在纯艺术、反艺术出现后，艺术逃离了社会学;现在艺术又要回到社会学。

当然，归来的方法跟中世纪已经完全不同，唯有这样，艺术家的作品才更有感染力、更有价值。社会学其实是为艺术加了一个筹码。

像克里斯托夫妇所做的“包裹”艺术，一开始他们在家里用塑料布包裹桌子、椅子，后来又把巴黎的一座桥包起来，这都是用非艺术的方式来进入艺术，有反艺术的观念在里面，但力度还不够，直到他们将原柏林帝国国会大厦也包裹起来了，力度才真正显现出来。

而从社会学的角度看，现在也有很多人类危机需要艺术家去关注。因此，不能说社会学伤害了艺术。

—西方古典文化

人民网—不吃透西方艺术 谈何超越？