中国传统音乐和西方古典音乐有什么不同？

1、两者的古典音乐不同

中国传统音乐注重呼吸，西方古典音乐注重节奏。两者在技术上的最大差异在于音调和演奏方式。在艺术层面上，中国传统音乐主要表现儒家思想、道教思想和佛教思想，强调理解的智慧。西方古典音乐强调美学和功能性。

中国传统音乐领域的表现特点不同于西方古典音乐。西方古典音乐以其深刻的严肃性著称，突出了主客对立。它们大多充满了戏剧或悲剧，反映了一种艺术精神的“壮丽的美”。中国传统音乐深受昆达尤人所知，突出了“爱”与“景”的交融，主客合一，体现了“和声”精神的“美”。

西方国家的古典传统交响曲最能反映西方人的思维方程。西方交响曲的人声波由几个不同的音色推进，分成几个片段，并溶入模拟生物的自然声音中。微妙起伏的器乐，能将观众从当下的混沌中带走，稍作延续，使人们的思维逐渐趋于理性。

在西方交响曲中，声波的发展类似于心灵的发展。因此，从这个角度来看，西方音乐大师的交响乐或多或少地影响着西方的思想。将西方音乐浪潮称为“辅助思想脉动音乐浪潮”。

2、两者的音列不同

中国传统音乐主要以五声调式为基础，西方以大小调为基础，中国传统音乐比较质朴。西方音乐色彩变幻多，不同国度也有相似的音乐。

东方音乐主要是五声调式，宫、商、角、徵、羽，清音多。西方音乐主要是用的大小是七声，1、2、3、4、5、6、7，其中4、7是两个半音，所以出现浊音。

3、两者的流行音乐不同

国内流行音乐市场存在流行错误。我国流行声乐存在于非常浅的声乐虚拟运动形式中，这种流行声乐乐队最大的特点是波动性小、脉动平。

从深层的观点来看，通过数次神经脉动来强行接受记忆神经中这类声波的脉波。因此，这种流行的人声波被命名为“神经被动脉动声波”。

西方流行音乐的一部分：西方流行音乐，其最大的声乐特征是声浪和人的神经传导，当停留在这种声乐中时，会跟随这种声乐来调整自己的神经节奏，忍不住要跳舞。因此，这个声波被命名为“神经强迫脉动声波”。

-西方古典音乐

-西方音乐文化

-中国音乐

1、音列的不同调

东方音乐主要是五声调式，宫、商、角、徵、羽，清音多。西方音乐主要是用的大小是七声，1、2、3、4、5、6、7，其中4、7是两个半音，所以出现浊音。

东方音乐和西方音乐是两个大的概念范畴，东方音乐包括很多国家的音乐，不仅仅是中国还有好多别的东方国家的音乐，不同国家的音乐由于调式构成的不同，在听觉上有很不同的地域特色；西方音乐也包含了很多国家的音乐，来自德奥、法国等不同国度的音乐各有不同。

别说是东西方有差别，就是同一个国家不同省份、不同少数民族的音乐有时也大相径庭，这也就是风格的不同。

中国传统音乐主要以五声调式为基础，西方以大小调为基础，中国传统音乐比较质朴。西方音乐色彩变幻多，不过都不是绝对的，不同国度也有相似的音乐。

音乐是在世界各地是相通的，是无国界的，相互影响、相互融合的。

2、古典音乐差异

技术层面上西方古典音乐有理论，有规范，有大量的文字和音响文献，易于流传；而中国传统音乐，没有一套完备的作曲理论与法则，较易失传。中国传统音乐以线条为主，而西方古典音乐更讲究和声。

中国传统音乐注重气息，而西方古典音乐更讲究节奏。两者技术方面的最大不同在于音色与演奏方法。 艺术层面上中国传统音乐主要表达儒家、道家、佛家的思想，并且讲求悟性慧根，因此比较主观。 西方古典音乐着重美学及功能性，故此比较客观。

中国传统音乐境界的表现特点与西方古典音乐不同，西方古典音乐以深刻严肃见长，突出主客对立，大都带有正剧或悲剧色彩，体现出来的是一种艺术精神的“壮美”；而中国传统音乐以旷达悠深见长，突出“情”和“景”的交融，主客统一，体现出来的是一种“和合”精神的“幽美”。

一般说来，西方国家的古典传统交响乐最能反映西方人的思维方程式，西方的交响乐的声乐波是以数种不同的音色为进阶，分成数段展开，溶入模拟生物的自然成音，精细起伏的器乐声能把听众能从纷乱糟杂的现时中理出一丝的头续，从而让人的思维渐进的趋向于理性。

如果用声乐波来说的话，西方的这类交响乐的声波递进与人的大脑神精思维进度有着相似的脉动。所以从这个方面讲，西方音乐大师的交响乐或多或少的影响着西方人的思维定性。我们暂时把西方的乐波称为“辅助思维脉动乐波”。

国内目前传统的声乐艺术流行的似乎只有一些戏曲乐。通过仔仔细细的分析这些传统戏曲的声乐，发现我们的戏乐声停留在一种感触的平面，不管是从戏曲的演唱风格还是戏曲声乐的波谱来看，我们传统的戏曲声乐总是平和的跳跃式，以曲线辐度做渐进式的跳跃，这类声乐最大的特性是与人的隐层情感神经思维有着相似的脉动性。

所以我们在观看戏曲、听戏乐的时候，很容易触动我们的非理性情感神经。当然，这种非理性情感神经受到戏曲声乐波的触动，自然就能唤醒人的情感记忆，久而久之，就会让人的理性思维神经处于一种抑制冬眠状态。

3、流行音乐差异

目前国内流行音乐市场存在的流行误区。我们的国内流行声乐停留在非常非常浅表的声乐虚动，这类流行声乐波段的最大特性就是波度低糜，脉动平实。

从深层说就是要通过数次的神经脉动磨合，才能在记忆神经里对这类声波的脉动波进行强迫式接纳。所以这类流行声乐波命名为‘神经被动式脉动声乐波’。

再来说说现在西方的某些流行乐：西方流行乐它最大的声乐特性就是声乐波与人的神经传导相接近，当我们在那种声乐中呆久时，我们就难免跟着那种声乐来调整我们自身的神经动感节奏，也就难免情不自禁的手舞足蹈起来。所以这种声乐波命名为‘神经强迫式脉动声乐波’。

扩展资料

在中国音乐理论话语体系中，“理论”是核心词，“中国音乐”是修饰“理论”的，而“话语体系”则是“理论”及其知识体系借助语言进行表达的方式。

要建立“中国音乐理论话语体系”，首先要厘清中国传统音乐的基本乐理。

音乐以声音为媒介，在声音的四个物理特征中，音高和音长更重要，是各种基本乐理研究的重点。

音高包括乐音、乐音体系、律制、音阶、调高、调式、调型等方面的问题，而音长则包括拍、节奏、节拍、速度等方面的问题。

在音高方面，其他概念都建立在“乐音”的基础上，“乐音”的概念和结构是音高方面的“深层结构”，而乐音体系、律制、音阶、调高、调式、调型等方面的问题是“表层结构”。

在音长方面， 节奏、节拍、板眼等，都建立在“拍值”之上，因此“拍值”是音长方面的“深层结构”，而节奏、节拍、板眼等方面的问题则为“表层结构”。

中西乐理的“表层结构”有很多相似之处。首先从律制看，中西都采用“五度相生律”“纯律”和“十二平均律”。管子和毕德哥拉斯都论述过“五度相生律”，孰先孰后，尚有争论。毕德哥拉斯用一弦琴解释过纯律，中国古代虽无有关纯律的论述，琴用纯律曾侯钟的测音结果却证明了我国在2400多年前，古琴已采用纯律。

至于十二平均律，则是我国音乐学家朱载堉于1584年首创，一个多世纪后，德国人威尔克迈斯特也提出了同样的理论。

印度人把一个八度分为22个“斯鲁提”，阿拉伯人普遍采用微分音，还把一个全音分为四份，印尼的佳美兰采用五平均律，东南亚国家还有采用“七平均律”的，他们所采用的律制与中国的和欧洲的都不同。

世界各民族音乐使用的各种音阶可分为各音级间的音程不同的“非平均音阶”和各音级间音程相同的“平均音阶”两类。

前者如西洋音乐中的“大音阶”“小音阶”，中国传统音乐中的“正声音阶”等；后者如西洋音乐中的“全音音阶”“半音阶”等。

中西音乐都采用“非平均音阶”中各种各样的五声、六声、七声音阶，又因都用十二个律位，故有采用五声音阶的条件，都可以有“六十调”，若采用七声音阶，则都可以有“八十四”调。

在中西乐理中，调的名称不同，各个音级进行的方式不同，但将它们从低到高排列起来，外表完全一致。

如中国的五声音阶羽调式音阶就和欧洲音乐中的“La pentatonic scale”一致，中国的下徵音阶和西洋的大音阶看上去也一模一样。

然而，印度、阿拉伯音乐中的音阶往往超过七声，东南亚还以“平均音阶”（如佳美兰中“斯连德洛”音阶和泰国的平均七声音阶）为特色，这些音阶与中西乐理中所涉及的音阶差别很大。

俄国音乐理论家霍洛波夫提出，应把欧洲音乐的调式体系分为强调主音的“调性的调式”和强调旋律型的“调式的调式”两种，这两种情况在中国传统音乐中都存在。

如宫、商、角、徵、羽五种不同的调式都可称为“调性的调式”，而“西皮”“二黄”“欢音”“苦音”等则可称为“调式的调式”。

在音长方面，中西音乐中的“上层结构”也是相同或者非常相似的。首先，两种音乐中都把“节拍”分为两大类，中国有“有板”和“散板”，西方则有“可划分”的拍子和“不可划分”的拍子两种，前者称“metric”或“measured”，后者则称“free rhythm”。

在格里高利圣咏和协奏曲的华彩段中都可以发现采用“不可划分”节拍的作品或片段。汉文中的“节奏”的本意就是“休止”和“演奏（唱）”，西洋乐谱中则用音符和休止符来表示它们。

西洋音乐的“节拍”中有二拍子、三拍子、四拍子等，中国音乐的“板眼”中有“一板一眼”“一板三眼”。

中国传统乐理中虽然没有“一板二眼”的说法，但中国音乐中还是有一些三拍子的作品，如山西民歌“开花调”和甘宁青一带流行的“少年”中都有三拍子的曲调。

西洋音乐中“节拍”里“拍”分“强拍”和“弱拍”，“板眼”中分“板”和“眼”，于是就有音乐学家在强拍和板之间、弱拍和眼之间画上了等号。

-中国音乐 （音乐文化）

-西方古典音乐

-西方音乐文化

古典音乐一般有广义和狭义之分，广义上的古典音乐是指从西方中世纪流传至今的欧洲文化背景下的西方古典音乐，会有很多复杂的创作技术，同时也会有一些文化内涵。而狭义上的古典音乐是指：在1750年到1827年这一时期称为古典主义音乐时期。古典音乐的主调风格是占主导地位，音乐的语言会更加的精炼亲切，形式也很明确，也会把音乐中的一些矛盾冲突强化，所以古典音乐是一种独立的流派，而艺术手法非常精炼。

古典音乐的种类有17种，有奏鸣曲、交响曲、协奏曲、交响诗、音诗、序曲，前奏曲、托卡塔、幻想曲、随想曲、狂想曲、练习曲、无词歌、浪漫曲、叙事曲、夜曲小夜曲、谐谑曲、间奏曲、赋格曲、卡农、等等，古典音乐在西方音乐传统中有着非凡的成就，也是当时西方音乐传统中的艺术音乐，同时也包括宗教音乐和世俗音乐。

古典音乐相比其他的音乐形式流传的时间更长。《致爱丽丝》是贝多芬在1810年创作的一首钢琴曲，现在的曲名也是后来改成的，虽然这首歌最初并没有很火，但是从这首歌中也让我们体会到了音乐该有的样子。《春之歌》这首曲子的作者是门德尔松，也是一首钢琴的独奏曲，同时也被广为流传。《华丽大圆舞曲》这首经典的古典音乐是肖邦的作品，这也是他早期的作品，这些古典音乐经典咏流传，依旧给人带来一种浪漫，从歌中也能让人感受到美而健壮。

古典音乐非常的好听，有一种美好神秘的感觉，也需要人细细的回味，同时古典曲也会让人心怀，崇敬。古典音乐也是各种文化的传统音乐也是经历过时间的沉淀，也是对表演者经过多年的严格训练而传递出来的音乐，也让人世世代代的欣赏，而这种古典音乐是没有时间界限的音乐，是非常高雅、高深的音乐。

巴洛克：

巴赫 《十二音平均律曲集》《d小调托卡塔》《a小调G弦上的咏叹》《第三勃兰登堡协奏曲》《卡农》

《b小调管弦乐组》《马太受难曲》《b小调弥撒》《无伴奏小提琴奏鸣曲》《无伴奏长笛组曲》

《英国组曲》《法国组曲》《哥德堡变奏曲》

亨德尔 《水上音乐》《皇家烟火音乐》《弥塞亚》《D大调第五号大协奏曲》《G小调第六号大协奏曲》

《C大调大协奏曲“亚历山大的盛宴”》

维瓦尔第 小提琴协奏曲《四季》

古典主义：

海顿 《创世纪》《伦敦交响曲奏鸣曲》

莫扎特 《土耳其进行曲》《A大调第十一钢琴奏鸣曲》《第二十一钢琴奏鸣曲》《C大调小星星变奏曲》

《D大调双钢琴奏鸣曲》《第二十一钢琴协奏曲》《第二十三钢琴协奏曲》《第二十六钢琴协奏曲》

《D小调小提琴协奏曲》《G大调第十三弦乐小夜曲》《D小调幻想曲》《安魂曲》

歌剧《费加罗的婚礼》《唐璜》《女人心》《魔笛》

古典主义至浪漫主义：

贝多芬 小提琴奏鸣曲“春天”“克鲁采”

《致爱丽丝》 钢琴奏鸣曲《月光》《暴风雨》《悲怆》《热情》

第三《英雄》交响曲 第五《命运》交响曲 第六《田园》交响曲 第九《合唱》交响曲

舒伯特 《第二即兴曲》《A大调五重奏“鳟鱼”》《D小调第十四弦乐四重奏“死神与少女”》

门德尔松 清唱剧《圣·保罗》《仲夏夜之梦》《E大调第一小提琴协奏曲》

浪漫主义：

柏辽兹 《幻想交响曲》

舒曼 《童年情景》《狂欢节》

李斯特 19首《匈牙利狂想曲》4首钢琴协奏曲《b小调钢琴奏鸣曲》《旅行岁月》

《浮士德交响曲》《但丁交响曲》

交响诗《前奏曲》《马捷帕》《塔索》《12首超技练习曲》

《献辞》《爱之梦》

肖邦 19首《夜曲》4首《即兴曲》《革命练习曲》《d小调前奏曲》《b小调谐谑曲》

《降E大调波兰舞曲》《A大调“军队”波兰舞曲》

《C大调马祖卡舞曲》《F大调马祖卡舞曲》

《降b小调奏鸣曲》《第一叙事曲》《波兰主题幻想曲》《升C小调幻想即兴曲》

《e小调第一钢琴协奏曲》《第二钢琴协奏曲》《克拉科维亚克舞曲风格回旋曲》

勃拉姆斯《第一交响曲》

瓦格纳 歌剧《漂泊的荷兰人》《罗恩格林》《纽伦堡的名歌手》《帕西法尔》《汤豪舍》《特里斯坦和伊索尔德》《尼伯龙根的指环》《爱情的禁令（巴勒莫的见习修女）》《黎恩济，罗马的最后一个护民官》《菜茵河的黄金》

柴可夫斯基《降b小调第一钢琴协奏曲》 钢琴套曲《四季》芭蕾舞剧《天鹅湖》《胡桃夹子》《睡美人》

《第六交响曲“悲怆》《弦乐四重奏（第二乐章：如歌的行板）》

圣桑 《动物狂欢节》

老约翰·施特劳斯《拉德茨基进行曲》

小约翰·施特劳斯《蓝色多瑙河圆舞曲》《春之声圆舞曲》《维也纳森林故事圆舞曲》《晨报圆舞》《皇帝圆舞曲》《南方的玫瑰圆舞曲》《维也纳糖果圆舞曲》《艺术家生涯圆舞曲》《维也纳气质圆舞曲》《享受生活圆舞曲》《你和你圆舞曲》《柠檬树花开何处圆舞曲》

《游览列车波尔卡》《爆炸波尔卡》《电闪雷鸣波尔卡》《闲聊波尔卡》《前进波尔卡》《安锐波尔卡》《拨弦波尔卡（与约瑟夫·施特劳斯共同创作）》

轻歌剧《蝙蝠》《罗马狂欢节》《阿里巴巴与四十大盗》《吉卜塞男爵》

约瑟夫·施特劳斯《奥地利村燕圆舞曲》《水彩画圆舞曲》《无忧无虑快速波尔卡》《小磨房波尔卡》

马勒 《第一进行曲》声乐套曲旅《旅行者之歌》 以唐诗为歌词的大型作品《大地之歌》

理查德·斯特劳斯 管乐《小夜曲》《家庭交响曲》　交响幻想曲《意大利》交响诗《唐璜》《堂·吉诃德》《死与变形》《英雄生涯》歌剧《莎乐美》《埃莱克特拉》《玫瑰骑士》

艾尔加 小提琴小作品《爱的致意》《威仪堂堂进行曲》《新颖主题变奏曲“谜语”》

拉赫玛尼诺夫《第二钢琴协奏曲》《第三钢协奏曲》《升c小调前奏曲》《帕格尼尼主题狂想曲》

布鲁克纳 《降E大调第四交响曲“浪漫”》

民族乐派：

斯美塔那 《我的祖国》歌剧《被出卖的新娘》

德沃夏克 《第九交响曲“自新大陆”》

格里格 《A小调钢琴协奏曲》《培尔·金特组曲》小提琴协奏曲

里姆斯基-科萨科夫《天方夜谭》《西班牙随想曲》

西贝柳斯 《交响曲“芬兰颂”》《悲伤圆舞曲》

印象主义：

德彪西 大合唱《浪子》《阿拉伯风格曲》《牧神午后》《大海》

拉威尔《鹅妈妈组曲》《波莱罗》《茨冈》

现代音乐流派：

霍尔斯特 《行星组曲》

普罗科菲耶夫 罗密欧与朱丽叶（芭蕾舞剧选曲）

有时候，老天会刻意刁难一下天气预报员。

明明说好的要下雨，但他却一直憋着，像一位喝得尽兴不想上厕所的酒鬼，也像一位玩疯了的小孩，直到实在憋不住了，才倾盆而下。

我在陶窑村那天所遭遇的天气情况，就是这样。

如果说从泾县到歙县的这段路程，可以随时发现一些预料之中的喜悦——这里是新安画派和黄山画派的发源地，也是中国顶级文房四宝的制造基地，那么在泾县的陶窑村则可触碰到一些惊喜。

对于公众来说陶窑村的知名度并不高，且因缺少系统地考古发掘和研究，那些层层累积上千年的陶器，至今依然在四周青山中的古陶窑遗址下沉睡。

步入村中的古陶陈列馆，你会有一种强烈的穿越感，似乎走入了南唐或宋人的一间厨房、仓储间，体会到古人真实的生活氛围。从其中一些古陶碎片中，可清晰地感受到当时民间画师们一些花鸟画技法，画史中所记载的“徐熙野逸”、“落墨法”等等谜团的线索，也许便隐于其中。

陶窑村位于安徽宣城市泾县琴溪镇。

你若喜欢中国传统文化，尤其是爱好中画和书法，那么从合肥出发一路南行的旅途，随时会带来一些预料之中的喜悦。

过了芜湖，不到一个小时的车程便可到泾县，这里是宣纸和宣笔的重要生产基地。

早在宋末元初，泾县小岭曹氏家族曾一度垄断了宣纸的生产经营。入元以后，在倪瓒、王蒙、吴镇、黄公望“元季四家”的推动下，水墨写意画占据中国画坛主流，他们的技法与风格形成与泾县所产的宣纸不无关系；宣城本地“宣笔”的 历史 更为悠久，在唐、宋的高峰期本地所产的紫毫享誉天下，为文人、画家们所宝。

泾县南与如今的黄山市接壤，不远处的歙县是古徽州的政治、经济、文化中心，这里孕育了徽商和徽菜，更是徽墨、歙砚的主要产地。

这条线路囊括了文房四宝——笔、墨、纸、砚一条龙，堪称一站到位。

若是将行程定制得更为广阔，从歙县境内顺着新安江，经千岛湖、桐庐、富阳可以直达杭州。而从泾县往北与芜湖接壤，从这里入长江便可至南京。

杭州与南京，这两座中国南方最重要的文化中心城市，尤其在魏晋、五代南唐和此后的南宋，不同朝代的定都之地，其时商贾云集、人文荟萃，无数文学家、艺术家留下了无数精彩的作品。

为这些作品提供文房四宝的重要生产制造基地，正是以黄山为中心包括泾县、歙县这方圆300里左右的古徽州地区。

上世纪三十年代，张大千与张善孖兄弟二人自杭州沿新安江二上黄山后，曾下榻于歙县。张大千在此定制了纪念墨，正面书“云海归来”，回到上海后分送友人，很是得意。

张氏兄弟来黄山的重要原因，是受到清初活跃于此的画家群体启发，这些画家们包括梅清、石涛、弘仁，比如出生于1642年的石涛，在青年时长期旅居安徽宣城，他首次游黄山是28岁。巧合的是，张大千也正是在同样的年龄开始了首次黄山之行。

这些清初画家面对黄山所感所悟之后，从而形成独特画风，近人将其归为“黄山画派”，此后张大千、黄宾虹等人遥接其衣钵。而黄宾虹本人，虽然出生于浙江金华，其原籍亦是安徽省歙县人。

比“黄山画派”的提法更为宽泛也更早出现的，还有另一个同样活跃于此的画家群体——“新安画派”，清初张庚在其所撰的《浦山论画》中总结说，这一画派多师法倪瓒；王士祯认为新安画派开山鼻祖为弘仁（字渐江），他与查士标、汪之瑞、孙逸同称为“新安四家”。

无论新安画派，还是黄山画派，其共同特点是以黄山及周边的风景为创作母体，提倡“师从造化”，从结构与技法上突破“清初四王”一味泥古守旧的甜俗之风；

其次，便在于他们均推崇倪瓒、黄公望等人，让水墨具有更丰富的表现力。而这，与本地所生产高质量的笔墨纸砚，不无关系。

尽管皖南这片土地，与中国绘画史的关系如此密不可分，而疫情之后我们首次出行的目的地——陶窑村，却与绘画不太相关，从这村名你大概就能猜出，这里以制陶而闻名。

若是说与宣纸和宣笔的相逢是这段旅途预料中的喜悦，那么在陶窑村，却触碰到了一些意外的惊喜。

天气预报是要下雨的，但我们在村中那天上午，表面却阳光灿烂。云层一直按部就班地聚集着，它们搜集着村中的山间、林地、水田里的水汽。

暂时晴朗的天气，让我们有机会审视这座千年古村落的大体地理地貌。

村子的面积比我想像中大，村子以前的中心，应是在四周环山的一片凹地中。一条小河绕着进村的公路流过，青山环绕四周，其中阡陌纵横、鸡犬相闻。中间一片平地上，星罗棋布着村舍，粉墙矗矗，黛瓦鳞鳞。

陶艺师傅胡金中的工作室，就位于其中一间。“正对面这座山是龙山，后边这座是虎形山，”他站在院子外边的台阶上用手指点着四周，热情地介绍：“龙山东边这座，是青龙山，西面那是凤凰山”。

胡金中除了自己制作陶艺外，还执着于研究本地的制陶史。他自费买下一座古民居，从各个村民处收集古陶器和碎片，将它们整理归类，办了一个“古陶陈列馆”。

陶窑村制陶业的兴旺，可以追究到晋代。据乾隆时期《泾县志·物产》记载：“泥器出陶窑。相传晋葛稚川炼丹作陶器，其结庐处有施姓、陶姓擅其业。”而嘉庆时《泾县志》中也记载：“葛仙庙，在县东北陶窑。相传葛洪练丹于此，而陶器作，因立庙。”

可惜如今葛仙庙早已被毁。按照清人的记载，东晋著名炼丹家葛洪（公元284——364年，字稚川，自号抱朴子）早年曾在此炼丹，因而带动本地制陶业兴旺。咸和二年(公元327年)，葛洪听闻交趾出产丹砂，遂南行至广州，此后隐居罗浮山。中国绘画中“葛稚川移居图”便是描绘葛洪携家人隐居的这一主题，其中最为著名的包括王蒙的这幅《葛稚川移居图》，如今收藏于北京故宫博物院。

1984年，安徽省文物局专家、中国古陶瓷学会常务理事兼副秘书长李广宁来此实地调查后，从烧瓷方式及采集瓷器标本，推测这里是一处五代至北宋时期的古民窑窑址群，主要烧制日用青瓷器。

在当年举办的中国古陶瓷研究会和中国古外销陶瓷研究会上，李广宁将两次调查采集的标本做了分析和汇报，与会专家一致推断该窑址烧造年代是五代——北宋时期，其上限可能会早到唐代晚期，应属著名的宣州窑窑口。这类观点遂得到业界的普遍认可，但直到如今该地还没有进行过系统的考古发掘工作，上述调查尚不能作为断论。

据《泾县志》记载，明清两朝陶氏、施氏家族传承了制陶业，从清末一直到抗战爆发前夕，这里的制陶业都相当发达——“清末至民国25年前陶窑、施窑，新溪、罗家冲等村长龙窑多达60一100余条，窑工达千人，产品销芜湖、南陵、宣城、当涂、太平、青阳及沿江各地。抗战期间销路受阻，制陶业衰落。1949年，全县有大小窑3条。生产日用生活陶制器皿及缸瓦，窑工40余名。”

目前陶窑村依然保存着相对完整的传统制陶工艺技术，王玉林师傅带领七、八位工人仍在传承这项古老的技艺。

村中仍在使用的龙窑是上世纪50年代移至村口，如今这里也是浙江大学非物质文化遗产的一处研究基地，包括中央美院、上海视觉艺术学院的师生们，也常到此交流、学习。

2008年，国际陶艺大师李见深在此详细了解制陶工艺，并拍摄了纪录片《陶窑》。这部片子代表中国参加了第十届法国国际陶瓷**节，获“文化遗产奖”，之后该纪录片被联合国教科文组织评为“最佳陶艺纪录片奖”。

“古陶陈列馆”是一幢有些年代的典型徽州民居，主体建筑为砖梁结构，用于挡风和防火的马头墙，被雨水冲刷出斑驳的痕迹，让人联想起黄宾虹那句“我从何处得粉本，雨淋墙头月移壁”。

进门有一前庭，中有天井，原来用着厅堂和厢房的空间，如今被布置为陈列室。透着玻璃橱窗，依次放置着古人制作、或者用过的器物。

距离如此之近，让我恍惚走进了南唐人或者宋朝人的一间厨房、或者是杂物间，各类的碗、盏、执壶、酒注、轮盘、罐等依次展示在陈列架上。也许其中某件小罐就是古人用来盛放盐的，双耳的陶壶可能是用来盛酒的，角落里的大陶罐，或是用来储存谷物。

据胡金中介绍，陶窑村的古窑遗址面积达15000平方米，堆积层最高可达6米。但尚未进行系统发掘，他所搜集的这些藏品，均采集于地面，主要有青釉、黑釉、黄绿瓷器。

其中最早的陶器和残片应是五代南唐时期，当地工匠所烧制的生活用器。这类生活用器因为需求量巨大，以及成本等问题，大多以实用功能为主，它们并不像故宫或者其他博物馆中，那些精致、细腻的精美艺术品，但它们都带着古人真实的生活印记，让我们可以揣测当时的生活方式，甚至能够触碰和闻到他们劳作中的留下的汗味和泥土气息，这种质朴的真实感带给人的震撼，甚至远远高于那些过于粉饰毫无瑕疵的精美器具。

也就是在这间陈列室里，胡师傅向我展示了几件五代南唐时代的古陶碎片。前段时间正好一直在写有关南唐时期徐熙的一些文字，我对于画史中记载的徐熙“落墨法”有些囫囵吞枣，因为不见有画迹佐证，一边写，自己心里也觉得没谱。

不过，从这几片古陶器物身上绘制的花卉，倒让我联想起人们印象中风格“野逸”的徐熙画法，它们并不像从隋唐、五代时期以双钩设色为主的主流花鸟画技法，这种技法到了五代，其代表人物是后蜀的黄荃父子。而身处江南的徐熙，其技法与他们截然不同。

在北宋郭若虚编撰的《图画见闻志》中，引用南唐才子徐铉的对徐熙的评价：“落墨为格，杂彩副之，迹与色不相隐映也”。同时也引用徐熙自述称：“落笔之际，未尝以傅色晕淡细碎为功。”这表明徐熙的画法一反唐以来流行的晕淡赋色，开创了一种新的“落墨法”。其技法特点是主要用墨来塑造形象，辅以色彩。

在宣和画谱中，也提到徐熙“落墨法”的几个特点：“独熙落墨以写其枝、叶、蕊、萼，然后傅色，故骨气风神为古今之绝笔。”

除了以墨色组合塑造物像外，徐熙的花鸟还有“野逸”之说，宋代沈括形容徐熙画“以墨笔为之，殊草草，略施丹粉而已，神气迥出，别有生动之意”。元人汤垕所撰《画鉴》中也说：“熙画花，落笔颇重，中略施丹粉，生意勃然。”

徐熙本人的画迹已难见到，而从这几组陶瓷残片上的花卉图案，我们完全能够体会到当时江南地区民间画师们，早已娴熟地掌握了不用线条勾勒然后着色的绘画技法，他们仅仅用毛笔“草草”几笔，便画出了花的枝叶和茎干，利用自然的墨色塑造出一片盎然生机。虽然并不精细，但其用笔流畅，造型生动，显然是有一定的固定程式和粉本。

遗憾的是因缺乏更为专业、细致的考古研究，这几片民间画师留下的陶瓷残片，仅仅为我们提供了一些有关南唐时期徐熙一类技法的想象空间和思路。

下午三、四点左右，我们驱车前往杭州时，大雨终于伴随着雷电倾盆而下。

身后的景物变得昏暗和模糊，陶窑村和这诸多的 历史 谜团一道，也被笼罩在一片烟雨中。

18世纪下半叶，“启蒙运动”遍及整个欧洲，成为欧洲资产阶级革命的思想基础。“自由”、“平等”、“理性”则成为这一运动的思想核心，并成为1789年法国大革命的旗帜。以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的“维也纳古典乐派”，其音乐风格正体现出了“启蒙运动”的基本思想，因此，人们常把音乐史上的18世纪下半叶称做“维也纳古典乐派时期”。“古典乐派”的音乐风格可以概括为朴素、亲切的音乐语言；明晰、匀称的结构形式；音乐中不断加强、深化的矛盾冲突以及与民间音乐的密切联系。这种音乐风格，基本上代表了这一时期欧洲音乐的总特征。另一方面，“维也纳古典乐派”在交响音乐、歌剧等方面做出了杰出的贡献，代表了这一时期欧洲音乐的最高成就。所以说18世纪下半叶是“古典乐派时期”。浪漫主义乐派是继维也纳古典乐派后出现的一个新的流派，它产生在十九世纪初。这个时期艺术家的创作上则表现为对主观感情的崇尚，对自然的热爱和对未来的幻想。艺术表现形式也较以前有了新的变化，出现了浪漫主义思潮与风格的形成与发展。浪漫主义音乐与古典主义音乐所不同的是，它承袭古典乐派作曲家的传统，在此基础上也有了新的探索。如强调音乐要与诗歌、戏剧、绘画等音乐以外的其他艺术相结合，提倡一种综合艺术；提倡标题音乐；强调个人主观感觉的表现，作品常常带有自传的色彩；作品富于幻想性，描写大自然的作品很多，因为大自然很平静，没有矛盾，是理想的境界；重视戏剧，研究民族、民间的音乐文学，从中吸取营养，作品具有民族特色。在艺术形式和表现手法上，是继承古典乐派，但内容上却有很大的差异，夸张的手法也使用的特别多。在音乐形式上，它突破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制，有更大的自由性。单乐章题材的器乐曲繁多，主要是器乐小品，如即兴曲、夜曲、练习曲、叙事曲、幻想曲、前奏曲、无词曲以及各种舞曲——玛祖卡、圆舞曲、波尔卡等。在众多的器乐小品中，钢琴小品居多。声乐的作品中出现了大量的艺术歌曲，并将诸多的声乐小品串联起来形成套曲，如舒柏特《美丽的磨坊女》、《冬之旅》，等，就是浪漫乐派创新的艺术题材。和声是表现浪漫主义色彩的重要工具，不谐和音的扩大和自由使用，7和弦和9和弦以及半音法和转调在乐曲里的经常出现，扩大了和声范围及表现功，增强了和声的色彩。作曲家创立了多乐章的标题交想曲和单乐章的标题交响诗，这是浪漫主义音乐的重要的形式。浪漫注意音乐以它特有的强烈、自由、奔放的风格与古典主义音乐的严谨、典雅、端庄的风格形成了强烈的对比。如果贝多芬的音乐只是黑白**或版画的话，那么浪漫乐派作品则像水彩画和五颜六色的油画。这一时期产生了两种不同的浪漫主义音乐流派。一种是以勃拉姆斯为主要代表的保守浪漫主义，另一种是积极浪漫主义。

古典音乐基本知识

　“古典”(Classic)一词源自拉丁文，原是典范、即奉古希腊(或罗马)为典范而加以模仿的意思。下面是我收集的古典音乐基本知识，希望大家认真阅读!

　CLASSICAL MUSIC，中文翻译成“古典音乐”。有人认为"古典"给人的感觉有古董、古板的味道，故改称“经典音乐”。也有人根据牛津英文辞典里对古典的定义，in traditional and serious style，而称其为“严肃音乐”。于是，“古典音乐”又被戴上了“严肃”的帽子，让人更不敢靠近。但下此定义的人一定没有好好查字典，因为serious的第二条义项是这样给出定义的：(指书、音乐等)启发思考的，不仅为消遣的。因此我们知道原来古典音乐不同于流行音乐的地方是它内涵深刻，能发人深思，更能使人高尚，免于低俗。再来看一下朗文辞典对古典音乐的解释：music that people consider serious and that has been popular for a long time。可见，古典音乐是历经岁月考验，久盛不衰，为众人喜爱的音乐。古典音乐是一个独立的流派，艺术手法讲求洗练，追求理性地表达情感。

　当我们听到巴赫、贝多芬、莫扎特、舒伯特的音乐时，它带给我们的不仅仅是优美的旋律，充满意趣的乐思，还有最真挚的情感，或宁静、典雅，或震撼、鼓舞，或欢喜、快乐，或悲伤、惆怅

　人们有时把严肃音乐或艺术性音乐统统称为古典音乐，以同所谓“流行”音乐或娱乐性音乐相区别。“古典”的这一广义解释，把历史时期和风格全然撇开，因此，本来是属于不同时期和不同风格的音乐作品，例如，巴赫、贝多芬、柴科夫斯基以至于斯特拉文斯基的作品，都可以称为古典音乐。

　音乐史上的古典时期基本上是属于器乐的，绝大多数作曲家的注意力都集中在器乐的体裁与形式，声乐的地位反而退居其次。敢于同大主教决裂的莫扎特，虽然在歌剧方面卓有贡献，他的器乐作品也是大量的。至于贝多芬，他纯粹是一位器乐作曲家，他以革命中的英雄作为作品的主人公，为此他有时也被称为革命的古典作曲家。古典主义的规范化确立了奏鸣曲、弦乐四重奏、协奏曲和交响曲等多乐章体裁和快板乐章奏鸣曲形式。古典风格作品中节奏与配器色彩灵活善变，而不是整乐章划一不变;古典作品中所有声部、甚至于演奏的力度，都由作曲家亲自写出和标明，而不是留给演奏者演奏时即兴处理。至于感情的表达，古典作品由于理性精神的影响，往往比较克制、沉着，而不是狂热的倾诉——从这方面着眼，巴罗克风格全然不同于古典主义，它反而更接近于后来的浪漫主义的精神。

　西方古典音乐是西方文明中极为重要的一部分。西方古典音乐作品浩如烟海，而在我们的传统印象中，由于历史文化的原因，西方古典音乐难于欣赏，成为一种阳春白雪的高雅文化。其实，古典音乐中有许多脍炙人口的音乐作品、片段，在我们生活中为人们所喜闻乐见

　霍夫曼曾说，“音乐是所有艺术中最富浪漫主义——几乎可以说是唯一的真正浪漫主义的艺术，因为它的唯一主题就是无限物。音乐向人类揭示了未知的王国，在这个世界中，人类抛弃所有明确的感情，沉浸在无法表达的渴望中。”

　在欧洲艺术史上有两个重要的时期，古典主义时期和浪漫主义时期。前一个时期包括十八世纪最后的二十多年和十九世纪的前几十年;另一个时期在法国大革命引起的社会和政治变动的影响下，于十九世纪的第二个二十五年中形成。当时的浪漫主义真可为无孔不入，在文学界，建筑界，艺术界等各个领域中都涌现了一大批杰出的浪漫主义者。

　在浪漫主义时期，随着工业革命的进行，钢琴也进行了改进，其自身采用了铸铁结构，琴弦也加粗了，这种钢琴能获得更浓厚和更辉煌的音乐，跟现在的钢琴开始接近。接下来，我用一个事实来证明这一点：如果李斯特的时代要求他有不同的表达方式，而且还因为这个时代为他提供了能产生不同效果的钢琴，这种钢琴在较早的时期是找不到。但这种比较我们只能在音乐文献中找到，在现实社会中已很难找到。

　十九世纪的钢琴小品大师有奥地利的舒柏特、波兰的肖邦、匈牙利的李斯特、德国的舒曼、门德尔松、勃拉姆斯，以及他们的同代人——在发掘钢琴技术上的可能性与戏剧性方面显示了无穷无尽的独创性。总而言之，短小的抒情形式的出现，作曲家就会认为乐曲的大小不是艺术批评的标准，一首优美的，精心的创作的小型乐曲也能和一部交响乐相媲美。

　一首完美的诗本身就是很完美的，不用需要有最高度的想象力。浪漫主义艺术歌曲的创造者将歌词与音乐结合得非常成功，正是由于这些音乐作品，有许多抒情诗才能得以幸存下来。

　歌曲的结构可分为两大类。在分节歌形式(strophic form)中，诗的每一段或每一节都重复同样的旋律。这是民歌和通俗歌曲中很常见的结构。歌的第一段可能是讲述一个情人的期待，第二段是他见到爱人时的欢乐，第三段姑娘的父亲粗暴地将他们分离，第四段姑娘悲伤地死去，所有这些都用相同的曲调演唱。另一种形式德国人称作“durchkompoiert”，字面意思是“全面创作的”，就是说作曲过程贯穿全曲，没有整段的反复。还有一种中间的形式，它将分节歌中的反复和全创作歌曲的自由结合在一起，有两、三段重复同样的旋律，然后在需要时就引入新的旋律，一般来说都是在高潮部分引入。舒柏特脍炙人口的《小夜曲》就是这种结构的精彩范例。

　尽管在各个时期(代)歌曲都处于显着的地位，但现在通过很多欧洲音乐文献记载知道艺术歌曲是浪漫主义时期的产物。艺术歌曲是在十九世纪初由诗歌与音乐相结合而创造出来的。舒柏特和他的后继者，著名的有舒曼和勃拉姻斯，使这种结合获得了如此完美的艺术效果，以致这种新风格以德文中的歌曲一词：Lied，闻名胜古迹欧洲。

　艺术歌曲随着抒情诗的兴起而繁荣。抒情诗的兴起是德国浪漫主义出现的标志，艺术歌曲使浪漫主义时期将音乐和诗歌结合的愿望得以实现，它包括温柔的情感或戏剧性的民谣风格。艺术歌曲中最常采用的主题是爱情、期待、大自然的美和人生中短暂易逝的幸福。

　钢琴在十九世纪作为普通乐器出现在欧洲，使浪漫主义艺术歌曲能够获得成功。钢琴的伴奏把诗中的形象变为音乐的形象。人声和钢琴共同创造出了富于情感的短小的抒情形式，这种形式对于业余爱好者和艺术家同样结合，也同样适合于在家庭里和音乐厅里演唱。在短时间内，艺术歌曲就获得了极大的普及，并对世界艺术做出了永久性的贡献。

　标题音乐是带有文字或图画联想的器乐作品，这些联想的内容由乐曲的标题或说明性的注释来提示的。“标题”只是由作曲家自由加上去的。在当时那个年代里，音乐家敏锐地意识到了他们的艺术与周围世界的联系。这种意识促使用使他们的音乐更加接近于诗歌和绘画，并且使他们的作品涉及到当时的道德和政治问题。还促使他们以一种新的方法来探讨绝对音乐(纯音乐)的形式。关

　标题音乐在歌剧院中获得了最初的推动力。序曲作为歌剧(或戏剧)的引子，是单乐章令人兴奋的管弦乐曲。有许多歌剧序曲后来获得了像音乐会乐曲一样的普及，因而独立出来。这样便为一种歌剧没有关系的新式序曲开辟了道路。

　标题音乐中有一种是为戏剧写的，也很有吸引力，通常由序曲和一组在幕间及重要场景演奏的乐曲组成，这就是配乐。十九世纪的作曲家创作出了许多这类的作品，这些作品的音画法(tone painting)，性格化和剧场效果都是值得注意的。最成功的配乐作品，通常被改编成组曲。其中一些流传得非常广泛。例如，德国著名作曲家大师门德尔松为《仲夏夜之梦》所写的音乐就是这类音乐作品中的典范。随着十九世纪时间的推移，一种大型的管弦乐形式就越来越需要了，这种形式在浪漫主义时代将起的作用就像交响乐在古典时期起的作用一样。到十九世纪中叶，交响诗的创造迈出了这期待已久的一步。交响诗是十九世纪在大型器乐形式上做出一个有独创性的贡献。它是李斯特的成就，他在1848年首次使用了这个词。他的《前奏曲》是此音乐中最出名的范例。

　交响诗是为管弦乐队而作的单乐章标题音乐作品，它通过段落之间的对比而发展诗意，使人联想起某种情景，或造成一种情绪。交响诗还有一个非常美丽的别称：音诗。交响诗与音乐会序曲有一点重要的不同，音乐会序曲一般保留传统的古典主义的构思，而交响诗在形式上则自由得多。交响诗的形式是为作曲家所需要的大型单乐章乐曲准备的“画布”。总之，交响诗在整个十九世纪后半叶中，成为标题管弦音乐的最精致的形式。

　最后介绍标题音乐进入到绝对音乐的神圣领土——交响乐中。作曲家一方面尽力保留贝多芬的宏大的形式，同时又赋予它以文学内容。这样就出现了标题交响乐。著名的作品有法国作曲家柏辽兹的三部标题交响乐——《幻想交响曲》、《哈罗德在意大利》、《罗密欧与朱丽叶》、德国作曲家理查德施特劳斯《阿尔卑斯山》、《家庭》和匈牙利作曲家李斯特的《浮士德》和《但丁》都是最著名的交响乐作品。

　民族主义者和民族艺术家是站在一起的，但民族主义者以一种更自觉的方式肯定他的民族传统。在十九世纪的欧洲，那时的政治条件促进了民族主义的发展，使之达到了在浪漫主义运动成为决定性力量的程度。征服民族的傲慢和被征服民族为自由的斗争造成民族关系的紧张，使民族情绪上涨，这种情感在音乐中找到了理想的表达方式。浪漫主义作曲家用许多方式表现他们的民族主义。一些作曲家以他们民族的歌曲和舞曲作为音乐的基础，如肖邦以他的玛祖卡舞曲、李斯特以他的匈牙利狂想曲、德沃夏克以他的斯拉夫舞曲、格里格的挪威舞曲。一些作曲家以民间传说或以农民生活为基础写作戏剧性的作品，例如韦柏写的德国民间歌剧《自由射手》、斯美搭纳写的捷克民族歌剧《被出卖的新嫁娘》，同样，还有柴可夫斯基和里姻斯基科萨科夫写的俄罗斯神话歌剧和芭蕾舞剧。还有一些作曲家写作交响诗和歌剧，歌颂民族英雄的功绩，历史事件或祖国的美景。柴可夫科斯基的《一八一二序曲》和斯美塔纳的《我的祖国》就是这股潮流的代表作;瓦格纳的音乐戏剧对德国神话和民间传说中的神和英雄加以颂扬，特别提到的是《尼伯龙的指环》(歌特式摇滚的先驱)，这个剧本是以齐格菲的生死为中心题材的庞大史诗，它也是一个代表作。

　民族主义作曲家常把自己的音乐与民族诗人或戏剧家的诗句结合起来，舒柏特为歌德的诗歌谱曲即属此类，还有格里格为易卜生的《皮尔金特》所作的配乐，及柴可夫斯基的为普希金的戏剧为基础的歌剧。俄罗斯民族诗人普希金还激发了里姻斯基科萨科夫和穆索尔斯基的创作灵感。在这种时期，民族主义作曲家能把人民的抱负以激动人心的方式表达出来，像威尔第在意大利为统一而奋斗时所作的那样，或是西贝柳斯在芬兰于十九世纪末为反抗俄国统治者而斗争时所做的那样。

　民族主义音乐的政治含义触动了统治者。威尔第的歌剧不得不一再修改，以适合奥地利检查官的心意。芬兰在十九世纪末、二十世纪初要求独立时，西贝柳斯那带有令人振奋的号角声的音诗《芬兰颂》被沙皇禁演。民族主义为欧洲音乐的语汇中增加了极富魅力和活力的民族风格。由于把对祖国的热爱注入到音乐中去，民族主义使作曲家能够表达出千百万人民的心愿。总之，民族意识渗透到十九世纪欧洲精神的各个方面。没有民族意识，浪漫主义运动是难以想橡的。

　在音乐、绘画和文学中的异国情调显现出遥远国度里别致的气氛和色彩。不同说，浪漫主义运动大大加强了这种倾向。在十九世纪，异国情调首先表现在北方民族思慕那南方的温暖和色彩，其次表现在西方追求东方那神话般的景象。前者推动德国、法国和俄国的作曲家在自己的作品中转而表现由意大利和西班牙引起的灵感。在这类众多作品中，有俄罗斯作曲家的几个著名作品：格林卡的两首《西班牙序曲》、柴可夫斯基的《意大利随想曲》和里姻斯基--科萨科夫的《西班牙主题随想曲》、德国贡献出门德尔松的《意大利交响曲》、沃尔夫的《意大利小夜曲》和理查德施特劳斯的《致意大利》、法国作品有夏布里埃的《西班牙狂想曲》和拉罗的《西班牙交响曲》。值得一提的是比才的《卡门》也是这一领域中的杰作。

　俄罗斯民族乐派使东方的魅力产生了国际性的影响。由于俄罗斯帝国与波斯接壤，这种异国情调实际上是民族主义的一种形式。亚洲神话般的背景渗透进俄罗斯的音乐。里姻斯基一科萨科夫绚丽的管弦乐作品《舍赫拉查达》及其歌剧《萨特阔》，鲍罗丁的歌剧《伊戈尔王子》和交响诗《在中亚细亚草原上》，伊波利托夫一伊万诺夫的《高加索素描》，这些都属于东方色彩的作品，这些作品至今还风行于全球。一些法国和意大利的作曲家也采用异国情调：如圣一桑的《参孙与达丽拉》，德利布的《拉克美》，马斯奈的《泰伊思》，威尔第的《阿伊达》，以及普契尼的歌剧《蝴蝶夫人》和《图兰多特》。

　懂得欣赏西方古典音乐也是很重要的。最容易进入古典音乐的殿堂就是官能欣赏，即满足于音乐的直觉感受，也就是说你觉得音乐旋律优美动听或者有一定的振罕力，给人以力量，振奋精神。你认为是好的声音、好的音乐不必考虑其他的内涵。如果有一套较好音响，你就更爱听，听得轻松听得舒服，时间长了你就很快进入古典音乐的殿堂。再一进步就是古典音乐情感的欣赏，也就是通过感受音乐的各要素，体验、理解音乐的情感，在欣赏过程中，对音乐的节奏、旋律和声、音色、力度、速度、调式、曲式、织体加以了解分析，节奏常被比喻为音乐的骨架，节奏是音乐中重拍弱拍的周期性，有规律的重复进行，基本的节奏所表现的音乐风格我们应该要了解，如慢三、慢四一般表现抒情、优美，圆舞(快三)表活泼，进行曲表现有力量等;旋律也称曲调，高低起伏的音乐按一定的节奏有秩序地横向组织起来，我们在欣赏音乐的过程中思想一定要跟着旋律走，基本的感觉一定要找到，如水平进行时表现的是柔和和优美、宁静、级进和跳进时就是主题推向高潮，下行一般表现激烈转为平静;和声也称和弦的运用，一般欧洲古典音乐都是多声部的音乐，如果说旋律是横向进行，和声就是纵向进行的，如此以来，音乐就丰满起来，也有了气势;音乐力度、速度等这些要素我们可以适当学习一些音乐常识得以掌握，欧洲古典音乐作品的曲式、和声、织体是十分规范严谨的，我们可以运用这些知识去体验理解，再加自兴趣进入欧洲的古典音乐情感的欣赏也是不难实现的。

　欣赏欧洲古典音乐最高层次是理智的欣赏，也就是说不仅体验、理解音乐的情感，还能对音乐作品的形式、内容、民族特征、社会价值和艺术价值等作出分析和评价。要想达到这个层次，我们必须了解欣赏欧洲古典音乐的三元素，即创作背景、演奏者的再创作;欣赏者自身的理解。欧洲古典的创作背景一般可分为四个时期：第一时期巴洛克时期，这个时期的代表人物有德国巴赫也称音乐之父，亨德尔也称清唱剧大师;意大利的维瓦尔弟等，这个时期的音乐风格旋律优美、柔和。第二时期是古典主义时期代表人物有海顿、莫扎特、贝多芬等，这个时期的音乐特征主题鲜明、有一定的冲突性。第三个时期是浪费主义和民族乐派，代表人物有德彪西舒曼、舒伯特、拉威尔、柴可夫斯基、斯美塔那、德沃夏克等，这个时期的音乐背景比较复杂，作曲形式多样化，音乐表现有些委婉、抽象，且有号召力，有鲜明的民族风格。第四个时期是近代主义乐派，代表人物有斯特莱文斯基、格什温等，作品特征和声配器丰富，旋律性不太强，内涵深，有的'还带有爵士风味，这个时期的作品较难理解;欣赏者自身的理解是根据自身的文化层次对音乐的理解，音乐不同于其它学科，它反映的东西是比较模糊的，也比较抽象的，因此，可以充分发挥自己的想象力，例如，在欣赏柴可夫斯基《天鹅湖》的场景时，可以想象一群长着翅膀如少女在宁静的湖面上翩翩起舞、若影若现，也可想象一群天鹅在湖面上轻轻地、慢慢地游荡。总之发挥自己的想象，将三元素有机联系起来，多听著名作品，感觉是美的东西就去欣赏、去思考，就会进入欧洲古典音乐欣赏最高层次。

　学习欧洲古典音乐，理解古典音乐，欣赏欧洲古典音乐，将给我们的生活增添无限的乐趣。

　说到欧洲古典音乐，我们不能不提到中世纪伊丽莎白时期，格里高利时期的音乐，其中，占主导地位的是宗教音乐!当时的人们对基督的信仰与崇拜，直接影响到了当时社会的政治与音乐，当时的音乐，只是纯粹的宗教用途，只限于在教堂中演唱，没有乐器，但是，却对今后的音乐发展起到了重要的作用!

　到了1450年，欧洲音乐开始进入了文艺复兴时期，因为当时的欧洲政治的不稳定，教廷的威信与势力开始衰弱，资产阶级萌芽，为了适应当时社会的发展与人们的新思想，音乐开始宣扬以人为本的思想，所以在各个领域里都开始了文艺复兴运动，也就是在那时，欧洲传统的大小调式逐渐形成!

　欧洲到了1600年开始，进入了一个大发展的时期——巴洛克时期，那时候不仅产生了象大家所熟知的巴赫，亨德尔等伟大的作曲家，歌剧，协奏曲，奏鸣曲等题材相继被创造发展出来。

　当欧洲音乐进入古典时期后，也就是在1750年巴赫逝世后，欧洲复调后继无人，乐风转向简洁实用的主调，那时候，出现了三位音乐大师：“乐圣”贝多芬，“神童”莫扎特，以及“交响乐之父”之称的海顿!音乐的主题也从延续几个世纪的宗教音乐，逐渐变成富有丰富哲理内涵的古典音乐!

　在1827年贝多芬逝世后，结束了严谨的古典主义时期。当时的欧洲正在接受浪漫主义的洗礼，当时的作曲家把作曲当作抒发内心情感的手段，对音乐的审美也有了进一步的发展，产生了炫技等音乐表现手法!如当时的帕格尼尼，李斯特等就是那时红极一时的演奏家!音乐表现，风格也日趋丰富，出现了一些以民族音乐语言进行创作的民族作曲家，如芬兰的西贝柳斯，挪威的格里格，俄罗斯的五人强力集团等，都是民族乐派的伟大作曲家～

　时间进入19世纪，出现了以德彪西为首的印象派音乐!音乐表现极具色彩化，和当时的绘画风格有相同之处!

　在浪漫主义后期，也就是欧洲调性体系发展到了最辉煌也是最后的时期，我不得不提到拉赫马尼诺夫等作曲家，他们把欧洲传统作曲法发展到了极致，当然也包括新的尝试，出现了第八交响曲《千人合唱》这样的宏大的作品。再者，就是斯特拉文斯基，他的新古典主义崇尚复调和对位法，采用多调性，为以后的传统作曲法到先锋音乐的过渡起到了至关重要的作用!

　时间到了十九世纪末，二十世纪初，音乐又有了突破性的发展，以韦伯恩为开始的作曲家打破十二音作曲法，抛弃了近400年的欧洲调性体系，发明了十二音序列，之后无调性等音乐形式出现，如当时的勋伯格就是代表!在世界大战之后，科技更加发达，人们的思想也更加丰富，出现了电子音乐，以及国家间的文化交流不断融合，产生了更加丰富的音乐形式，更加多元化!在1945年后的音乐被称为先锋音乐，这时候的音乐已经动摇了人们对音乐的美的看法，也更加理论化，产生了象无声音乐，噪音，微分音等人们无法理解的音乐形式!

　注：按广义的古典音乐定义：从17世纪到19世纪的专业音乐创作来看，印象派音乐和现代音乐皆不属古典音乐之类;若按严格的古典音乐定义，则古典是指海顿、莫扎特、贝多芬等人的音乐作品。

　柴可夫斯基：

　彼得·伊里奇·柴可夫斯基是俄罗斯伟大的音乐家，1840年5月7日出生在乌拉尔的伏特金斯，父亲是矿业工程师，十岁入法律学校。1859～1862年在司法部任职，同时勤奋学习音乐，尝试作曲，并成为新成立的彼得堡音乐学校的首届音乐学生。1862年辞去官职，投身音乐事业。1866年应鲁宾斯坦之邀到刚成立的莫斯科音乐学院任教，达十一年之久。这时，开始了他创作的第一个时期。他写下了许多早期名作，舞剧《天鹅湖》即在此间诞生。

　1877年，柴可夫斯基的生活发生了重大转折。他当年结婚，快速仳离。这是他一生中最为痛苦的一年，他患上了严重的精神衰弱症。在这期间，柴可夫斯基结识了一位贵族遗孀枣梅克夫人。她非常喜爱柴可夫斯基的作品，从1877年开始每年给予柴可夫斯基以优厚的经济资助，由此使柴可夫斯基辞去音乐学院的教职，把精力全部投入创作。从1877年到去世的十多年间，是柴可夫斯基创作上获得辉煌成就的时期。他的第四、五、六交响曲以及标题交响曲《叶甫盖尼·奥涅金》、《黑桃皇后》，舞剧《睡美人》、《胡桃夹子》，以及《小提琴协奏曲》、《意大利随想曲》、《1812年序曲》等，都是这一时期的名曲。

　柴可夫斯基的创作涉及题材范围极广，其中交响曲在他的创作中占有突出的地位。在这些交响曲中以《第六交响曲》(《悲怆》，1893)最为著名。这部悲剧性的交响曲是柴可夫斯基的全部交响曲中最反映创作个性及特点的作品。它以戏剧性的矛盾冲突及悲剧性的构思作为基调，在对美好生活的渴望与憧憬中，以悲剧性的结局预示出作者内心世界与现实的矛盾。

　1893年10月底他亲自指挥演出第六交响曲之后不几天，突然去逝，死因不明。一说患霍乱，一说自杀。

　中世纪时期(Medieval Period)(1450年前)

　这一时期主要是罗马天主教会所保存的在教堂中广为演唱的单声部歌曲集。大多用于两种礼拜仪式：一是弥撒，歌词为纪念基督最后晚餐及其献身事迹，这是教堂仪式的中心;二是日课，就是修道院每天咏唱的八课圣事，主要以诗篇为主。推荐：GREGORIAN CHANT

　巴洛克时期(Baroque)(约为公元1600—1750)

　这一时期的音乐是现代演奏会的先河。作曲家手下的巴洛克音乐带有显见的特性: 华丽、复杂、藻饰、扭曲, 著重于超现实和雄伟宏奇, 这些特质都能彼此融会贯通。如果说文艺复兴时代(以及后来的古典时代)代表著井然的秩序和澄澈的表现, 那么巴洛克时代 (及后来的浪漫时代)就是代表著骚动、不安和疑虑。四声部的和声, 以及加上文字指示和弦的「数字低音」 (figured bass) 都产生于巴洛克时代;旧有的教会调式消逝, 大小调音阶系统和沿用至今的相关调性之崛起, 是巴洛克时代大事。另外, 节奏思想也在这个时代萌芽, 也就是在音乐曲谱中加入小节线。这些形式日后直接衍生为奏鸣曲、交响曲、协奏曲、前奏曲与变奏曲。不过巴洛克时代也不乏一些自由的曲式--如触技曲、幻想曲、序曲和主题模仿(古幻想曲) 。

　古典主义时期(Classicl)(约公元1750—1820)

　因为这一时期的三位代表性人物：海顿，莫扎特，贝多芬的生活与创作主要都在维也纳，因此又被称为“维也纳古典乐派”或“维也纳古典主义音乐”。此时期作家中，莫扎特的小夜曲、嬉游曲等都很具亲和力。海顿的第一、二号大提琴协奏曲也会是很适合入门者欣赏的曲目。至于贝多芬的作品，轰轰烈烈的音响俯手可得，个人比较欣赏他的小提琴奏鸣曲《春》、钢琴奏鸣曲《悲怆》、《热情》、《月光》。

　浪漫主义时期(Romanticism)(约为公元1820—1900)

　这一时期的音乐更注重表达人的精神境界与主观感情，对自然景物的表现也愈加突出，创作上对民族和民间音乐的利用更加重视与频繁。19世纪中后期出现了以振兴本民族音乐为己任的民族乐派。在音乐体裁上出现了新的器乐独奏体裁，如夜曲，即兴曲，叙事曲，谐谑曲，幻想曲与无词歌等。此时期作品风情万种，各自独具特色，入门曲目有舒伯特艺术歌曲精选、《美丽的磨坊少女》;萧邦夜曲、钢琴协奏曲第二号;门德尔松小提琴协奏曲、钢琴协奏曲第一、二号;华格纳歌剧序曲集;布拉姆斯交响曲第一、三号;柴可夫斯基小提琴协奏曲第一号、钢琴协奏曲第一号;拉赫曼尼诺夫钢琴协奏曲第二号、《帕格尼尼主题与变奏》;拉罗《西班牙交响曲》;拉威尔钢琴协奏曲G大调。

　20世纪的作品有布列顿的《青少年管弦乐指引》、《小交响曲》，斯特拉文斯基的《保钦奈拉》、《彼得洛希卡》，以及普罗科菲耶夫的钢琴奏鸣曲第七号、钢琴协奏曲第一号。在此推荐德国作曲家亨德密特的《韦伯主题交响变奏曲》、《画家马席斯》交响曲，以及美国作曲家科普兰的《马术竞技会》、《一个平凡人的号角》。

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