徐志摩的三个老婆。要细一点的。谢谢。他们各自的婚烟多久？

应该是2个

第一次婚姻与张幼仪

张幼仪,1900年出生在江苏省宝山县，祖父为清朝知县，父亲张润之为当时知名医生。张幼仪排行兄弟姐妹第八，曾就读于苏州师范学校、德国裴斯塔洛齐学院幼师教育专业。1915年嫁给徐志摩，1918年生长子徐积锴（阿欢），1922年生次子彼得，遂与徐志摩于德国柏林签字离婚，1925年痛失爱子彼得。

1988年张幼仪去世。

第二次婚姻与陆小曼

陆小曼1903年出生，江苏常州人。1915年就读法国圣心学堂，1920年和王庚结婚，1925年离婚．1926年与徐志摩结婚．建国后担任上海文史馆馆员，上海市人民政府参事室参事．1965年病逝．

今天小编辑给各位分享刘海粟的知识，其中也会对刘海粟美术馆分析解答，如果能解决你想了解的问题，关注本站哦。

画家刘海粟，一生历经四任妻子，辜负三个，遇到真爱白头到老，人不如画吗？

刘海粟，原名刘_，字季芳，江苏常州青云坊人士，是一代绘画宗师、教育大家，油画与国画皆长，其后期更是以他独特恢宏的泼墨、泼彩技法而登峰造极。

没有人能够否认他的才华，可就是这样一位艺术家，在他的时代也有人因他在教学中使用裸模而对他憎恶得称其为“艺术叛徒”、“教育界之蟊贼”。刘海粟本人对此不以为意，甚至接下了“艺术叛徒”这个称号并以之自勉。

可后来江苏省教育会想要禁止人体模特写生，世人也对这难以被理解的艺术形式疯狂地攻击、谩骂，这些都让他伤心不已，甚至发出了“愿为艺术而死”的声音。

另一方面，刘海粟有着极其开阔的心胸，他以黄山为师、为友，对黄山之奇、之趣侃侃而谈，吸引了一众志同道合的好友。

这样极富魅力的一位艺术家，在情感方面也有着比常人更加传奇浪漫的经历。

四段婚姻

毁誉参半的刘海粟，对待感情也是直白热烈、爱恨分明。他一生中有四段婚姻，每一段都是他人眼中的良缘，可刘海粟从不为他人所动，坚定地追随着自己内心真实的想法。爱上了对方，就去与之相知相爱；爱上了别人，就潇洒地挥手告别。

第一段婚姻

1911年年底，刘海粟因为第一段失败的婚姻离开了家。

彼时的刘海粟还是一个意气风发的16岁少年，如同那个时代无数刚刚接触到西方新思想的青年一样，渴望着自由与先进之风，但这渴望却被“包办婚姻”无情打碎了。

在父亲强硬的要求下，刘海粟因为“八字不合”这样可笑的理由，被迫与心爱的青梅竹马——表妹杨守玉分开，心不甘情不愿地与祖上曾有人做过知府的大家**林佳完婚。

这婚姻从一开始就是错误的，刘海粟在婚后也拒绝与林佳圆房，以行动表达着自己对封建愚昧的抗拒。在刘海粟坚定的决心下，父亲终于妥协了，与林佳的父亲交流后，放任刘海粟与林佳离了婚。

在这段悲哀的婚姻里，林佳是无辜的，但谁又能说是刘海粟的错呢？只能说是那个时代封建守旧思想与先进新潮思想的强烈冲突下产生的一场悲剧罢了。

第二段婚姻

1912年11月，刘海粟与他的朋友们在上海乍浦路创建了现代中国第一所美术院校——上海国画美术院，后更为上海美专，即是现在南京艺术学院的前身。

本来，包办婚姻与母亲的去世造成了双重打击，再加上天性聪慧的刘海粟在国内已经无法满足自己的求知欲望，年轻的他想要像当时国内的大批有志青年一样，去日本留学，学习更加先进的绘画技法与知识。

只是，刘海粟的父亲无论如何也不能同意刘海粟只身漂洋过海，去遥远的异国，将家业都抛下。最终刘海粟与父亲达成协议，就留在国内的上海办美术学校。

刘海粟年轻而热忱的心坚信着，“艺术能救济现在中国民众的烦苦，能够惊觉一般人的睡梦”，一腔热血，要融合东西方美术文化的精髓，以艺术家的觉悟来救国。

在蔡元培等有志之士的帮助下，上海国画美术院办得红红火火，教授阵容中不乏关良、张大千、黄宾虹、傅雷、梁宗岱等到了现在名声依旧如雷贯耳的大家。

志得意满之际，刘海粟决定，将西方绘画中的人体模特写生也加入课堂。没想到，就是这个决定引起了国内学界的轩然大波。

最初的人体模特只招男性。或者说，只能招到男性。在学生所画的男性裸体画像于一场成绩展览会中展出时，社会各界议论纷纷，城东女校的校长更是怒斥刘海粟是“艺术叛徒”、“教育界的蟊贼”。

民间甚至流传着“上海出了三大文妖，一是提倡性知识的张竞生，二是唱毛毛雨的黎锦晖，三是提倡一丝不挂的刘海粟”的说法。只不过当时的江苏省教育厅并没有对此做出什么反应。

官方不予置评，那么学校课程还能办下去。这么想着，刘海粟并没有取消写生课程，甚至在1920年招到了中国第一个女性人体模特。流言蜚语尘嚣日上，刘海粟依旧不在乎，尽情追求着人体之美。

不过，任何事情都是有两面性的。刘海粟因为人体模特一事遭受了许多流言蜚语的攻击，却也同样因为人体模特一事遇到了他的第二任婚姻。

虽然1920年学校才第一次招到女性人体模特，但早在1915年，他就邂逅了心目中能够完全展现人之“美”的缪斯——画模张韵士。张韵士当时是一个青春洋溢17岁的美女学生，在去上海美专找朋友玩时与校长刘海粟偶遇了。

一见钟情的浪漫故事在现在看来也许像是俗套的小说情节，但在那个中国人渐渐觉醒了自由思想、对爱与美极尽赞美之意的年代，简直就是一场歌颂着爱情的华丽剧场。

两个人就这样迅速相知、相爱了。他们在当年的深秋成婚，婚后过着蜜里调油的日子，刘海粟更是以妻子为模特，创造出饱含爱意的画作。

张韵士也一心一意爱着刘海粟，为他生下了刘龙、刘虎、刘豹三个孩子。除了长子刘龙夭折，刘虎与刘豹都是人中龙凤。刘虎曾担任联合国秘书长特别助理，刘豹成了天津大学的教授。

如果刘海粟与张韵士的相爱是一个爱情故事的话，到这里就可以完美收场了。只可惜，等闲变却故人心，却道故人心易变。

第三段婚姻

1929年，刘海粟与张韵士共赴法国，沉浸于艺术殿堂，艺术造诣更上一层楼。1931年，夫妻俩回国了。可是，作为一个妻子，张韵士敏感地发现，刘海粟的心已经不在自己身上了。

此时，上海美专依旧是艺术与自由的迸发之地。由于上海美专大胆采用了男女共校的制度，校内不乏美丽优秀的年轻女孩。

成家和，上海美专的学生会主席，青春靓丽、才华横溢，这样的她迅速吸引了刘海粟的目光。作为一个始终追随着美、追随着自己本心的艺术家，刘海粟对这个女孩动心了。

刘海粟曾这样评价成家和：“较之一般的女孩子，她是很美的，不仅她的容颜和体型，风度、神韵皆美”。

艺术家总是追逐着缪斯，可当这一个缪斯渐渐失去最灵动时的风采，他们又会迅速将目光转向更美的另一位缪斯。他们是多情的，也是无情的。

教学时，他会忍不住更多关注成家和；学生临摹时，他也忍不住想要指导她、关心她。成家和也打心底仰慕着自己的老师，感动于他的爱和温柔。就这样，两人互许终生。

刘海粟将这件事直白地告诉了他现在的妻子张韵士。张韵士也是一位优雅而有风度的美人，得知丈夫心意已决，再无挽回的可能，她便不争吵，不挽留，保护自己最后的尊严。两人和平分手，为刘海粟的第三段婚姻放行。

刘海粟40岁时，成家和为他生下了女儿英伦。刘海粟曾对这个宝贝女儿倾注了无限的爱，可对妻子和子女的爱加起来，也不敌他对艺术的无限追求。

抗战爆发后，刘海粟独自去了南洋深造。他沉溺于艺术世界、举办画展，却全然没有考虑过妻子与儿女的艰辛。在这样日复一日的柴米油盐和鸡零狗碎中，成家和独自撑起一个家，可心却渐渐冷了。

第四段婚姻

1944年，在与第三任妻子成家和离婚后，刘海粟与第四任妻子夏伊乔结婚了。

两个人是在南洋认识的。夏伊乔是刘海粟在南洋收下的弟子，十分钦慕老师的才华。

在与刘海粟结婚之前，夏伊乔还有过一次婚姻，但前夫已经在抗战中壮烈牺牲了。后来与刘海粟相遇，夏伊乔心底又一次燃烧起了对爱情的追求。也正是夏伊乔，陪着刘海粟走到了生命的尽头。

夏伊乔是一位非常温柔善良的女士。她不但与刘海粟恩爱有加，还认真养育了刘海粟与前妻所生的子女们。更有甚者，在刘海粟的第二任妻子张韵士因病而不便行动、生活困难时，她主动将张韵士接到家中悉心照顾，直到张韵士去世。

六十年代，刘海粟再次经受了纷飞的诬陷之语。但这次，夏伊乔始终不离不弃陪在他身边，直到两人双双老去。

这时的刘海粟，才真正将自己在家庭中的身份，由一个“艺术家”转变为真正的“人”。

刘海粟的人名取自什么成语？

沧海一粟_

释义：大海中的一粒小米。

出处：宋·苏轼《前赤壁赋》：“寄蜉蝣于天地，渺沧海之一粟。”

译文：（我们）如同蜉蝣置身于广阔的天地中，像沧海中的一颗粟米那样渺小。

例句：我们干部同志要认识到群众的力量是无穷无尽的，而个人的力量只是沧海一粟。

近义词

微不足道

释义：非常渺小，不值得一提。

出处：郭沫若《百花齐放·单色_》诗：“在草花中我们虽然是微不足道。但我们的花色却算是紫色代表。”

示例：孙犁《秀露集·文学和生活的路》：“我不把自己的作品看得那么高，我觉得我的作品是微不足道的。”

刘海粟的劣迹谁知道？

1、模特儿事件

刘海粟1914年，在自己创办的上海美专破天荒地开设了人体写生课，最初只聘到男孩为模特儿。1917年，上海美专成绩展览会，陈列人体习作，某女校校长看后谩骂：“刘海粟是艺术叛徒，教育界之蟊贼！”一时舆论界纷纷扬扬，群起而攻，刘海粟则干脆以“艺术叛徒”自号自励，一如西方“野兽派”之先例。

2、人体写生

一天夜里，美专的画室被流氓捣毁了。孙传芳对刘海粟也甚为恼怒，当即下了通缉刘海粟的密令，又电告上海交涉员许秋风和领事团，交涉封闭地处法租界的美专，缉拿刘海粟。急得刘海粟之师康有为一天三次去找他，劝他离开上海，他坚守美专不离寸步。

法国总领事认为刘海粟无罪，尽管许秋风一再交涉，并不逮捕刘海粟，领事馆为了让孙传芳下台阶，只好在报上登了一条消息，说孙传芳严令各地禁止模特儿，前次刘海粟强辩，有犯尊严，业已自动停止模特儿。这个叫刘海粟的画家，因为这一事件从此名扬天下。

3、结识贵人

蔡元培在刘海粟的人生艺术道路上，起了举足轻重的作用。刘海粟后来之所以能成为一代艺术宗师，中国新兴美术的奠基人，与蔡元培对他的支持和提携是分不开的，在刘海粟的人生关键时刻，他给予了坚定的支持。最重要的是他帮助海粟到欧洲考察艺术和促成了柏林中国画展。

这两件事对刘海粟的艺术人生非常重要，可谓转折和升华。蔡还是刘海粟的艺术知音。在刘海粟的藏画中，有很多他的题跋。海粟终生感激他，蔡去世后，为了纪念蔡元培，刘海粟在美专设立了蔡孓民先生纪念奖学金，建立了蔡孓民美术图书馆。

4、艺术叛逆

1925年1月10月，画家刘海粟大力向国人推荐生前潦倒，死后荣耀无限的荷兰大画家梵·高，称他为“艺术叛徒”。文章中说：“非性格伟大，决无伟大人物，也无伟大的艺术家。”

5、争议

2005年，近代美术教育的先驱人物周湘的孙儿周传写了万言长文，揭露“洋场恶少”刘海粟的劣迹：刘本纨_子弟，1909年在光绪帝内廷画师周湘创办的上海布景画传习所中学画两个多月，因调戏周宅一名丫头而被开除。

刘怀恨在心，买通文化稽查部门诬指画院没有注册，继而怂恿税务稽查部门胥吏以偷漏税收罪名强行封闭学校，又指周湘教学生画模特儿为“藏污纳垢”兴讼。刘唆使黑社会流氓砸烂画院门窗课桌，把学生赶出校门。

最令人发指的是把周湘打成重伤，七孔流血，肋骨折断。在讼事审理过程中，刘海粟奸占周湘的丫头孙姝，且一再迷奸周夫人孙静安。

参考资料-刘海粟

毕加索作品

毕加索(Pablo Picasso，1881—1973)，是二十世纪西方最具影响力的艺术家之一。他一生留下了数量惊人的作品，风格丰富多变，充满非凡的创造性。毕加索生于西班牙的马拉加，后来长期定居法国。他的父亲是一位艺术教师。他自幼喜爱艺术，15岁时以优异成绩进入巴塞罗那美术学校，后来转入马德里圣费尔南多美术学院。他于1900年来到法国巴黎，开始以极大的同情心描绘穷人的生活。此时，他的作品充满悲剧性。瘦削的形象和冷灰的蓝色调，使他的画上充满孤独和绝望、灾难与不幸的感觉。人们把这一时期称为其创作的“蓝色时期”(1900—1904年)。1904—1906年是毕加索创作生涯的“粉红色时期”。他这一时期的作品以描绘马戏团人物为主，形象虽然忧郁，却并不孤寂。1906年毕加索受到非洲原始雕刻和塞尚绘画影响，而转向一种新画风的探索。于是，他画出了那幅具有里程碑意义的著名杰作——《亚维农的少女》。

《亚维农的少女》

这幅不可思议的巨幅油画，不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的一次革命性突破，它引发了立体主义运动的诞生。《亚维农的少女》始作于1906年，至1907年完成，其间曾多次修改。画中五个裸女和一组静物，组成了富于形式意味的构图。这幅画的标题是由毕加索的朋友安德鲁·塞尔曼所加，据说毕加索本人对之并不喜欢。但不管怎样，这只不过是作品名称罢了。在现代艺术中，标题与作品的相关性越来越小，画家们常常有意识地不以标题来说明作品的内容。毕加索这幅《亚维农的少女》，想必亦是如此。该画原先的构思，是以性病的讽喻为题，取名《罪恶的报酬》，这在最初的草图上一目了然；草图上有一男子手捧骷髅，让人联想到一句西班牙古老的道德箴言：“凡事皆是虚空”。然而在此画正式的创作过程中，这些轶事的或寓意的细节，都被画家一一去除了。其最终的震撼力，并不是来自任何文学性的描述，而是来自它那绘画性语言的感人力量。

这幅画，可谓第一件立体主义的作品。画面左边的三个裸女形象，显然是古典型人体的生硬变形；而右边两个裸女那粗野、异常的面容及体态，则充满了原始艺术的野性特质。野兽派画家发现了非洲及大洋洲雕刻的原始魅力，并将它们介绍给毕加索。然而用原始艺术来摧毁古典审美的，是毕加索，而不是野兽派画家。在这幅画上，不仅是比例，就连人体有机的完整性和延续性，都遭到了否定。因而这幅画(正如一位评论家所述)，“恰似一地打碎了的玻璃”。在这里，毕加索破坏了许多东西，可是，在这破坏的过程中他又获得了什么呢当我们从第一眼见到此画的震惊中恢复过来，便开始发现，那种破坏却是相当地井井有条：所有的东西，无论是形象还是背景，都被分解为带角的几何块面。我们注意到，这些碎块并不是扁平的，它们由于被衬上阴影而具有了某种三度空间的感觉。我们并不总能确定它们是凹进去还是凸出来；它们看起来有的象实体的块面，有的则象是透明体的碎片。这些非同寻常的块面，使画面具有了某种完整性与连续性。

从这幅画上，可看出一种在二维平面上表现三维空间的新手法，这种手法早在塞尚的画中就已采用了。我们看见，画面中央的两个形象脸部呈正面，但其鼻子却画成了侧面；左边形象侧面的头部，眼睛却是正面的。不同角度的视象被结合在同一个形象上。这种所谓“同时性视象”的语言，被更加明显地用在了画面右边那个蹲着的形象上。这个呈四分之三背面的形象，由于受到分解与拼接的处理，而脱离了脊柱的中轴。它的腿和臂均被拉长，暗示着向深处的延伸；而那头部也被拧了过来，直楞楞地对着观者。毕加索似乎是围着形象绕了180度之后，才将诸角度的视象综合为这一形象的。这种画法，彻底打破了自意大利文艺复兴之始的五百年来透视法则对画家的限制。

毕加索力求使画面保持平面的效果。虽然画上的诸多块面皆具有凹凸感，但它们并不凹得很深或凸很高。画面显示的空间其实非常浅，以致该画看起来好象表现的是一个浮雕的图像。画家有意地消除人物与背景间的距离，力图使画面的所有部分都在同一个面上显示。假如我们对右边背景的那些蓝色块面稍加注意，便可发现画家的匠心独具。蓝色，通常在视觉上具有后退的效果。毕加索为了消除这种效果，便将这些蓝色块勾上耀眼的白边，于是，它们看上去就拼命地向前凸现了。

实际上，《亚维农的少女》是一个独立的绘画结构，它并不关照外在的世界。它所关照的，是它自身的形、色构成的世界。它脱胎于塞尚那些描绘浴女的纪念碑式作品。它以某种不同于自然秩序的秩序，组建了一个纯绘画性的结构。

《卡思维勒像》

《卡思维勒像》，毕加索作，1910年，油画，100×615厘米，芝加哥，芝加哥艺术中心藏。

毕加索1909—1911年“分析立体主义”时期的绘画，进一步显示了对于客观再现的忽视。这一时期他笔下的物象，无论是静物、风景还是人物，都被彻底分解了，使观者对其不甚了了。虽然每幅画都有标题，但人们很难从中找到与标题有关的物象。那些被分解了的形体与背景相互交融，使整个画面布满以各种垂直、倾斜及水平的线所交织而成的形态各异的块面。在这种复杂的网络结构中，形象只是慢慢地浮现，可即刻间便又消解在纷繁的块面中。色彩的作用在这里已被降到最低程度。画上似乎仅有一些单调的黑、白、灰及棕色。实际上，画家所要表现的只是线与线、形与形所组成的结构，以及由这种结构所发射出的张力。

这幅《卡思维勒像》，清楚显示了毕加索是怎样将这种分析立体主义的绘画语言，用于某个具体人物形象的塑造的。令人费解的是，恰是在这种分解形象和舍弃色彩的极端抽象变形的描绘中，毕加索始终不肯放弃对于模特儿的参照。为了画这幅画，他让他的这位老朋友卡思维勒先生耐着性子摆好姿势，在他的面前端坐了有二十次。他不厌其烦地细心分解形体，从而获得一种似乎由层层交迭的透明色块所形成的画面结构。画中色彩仅有蓝色、赭色及灰紫色。色彩在这里只充当次要的角色。虽然在线条与块面的交错中，卡恩维勒先生形象的轮廊还能隐约显现，然而人们却难以判断其与真人的相似性。研究毕加索的最著名的专家罗兰·彭罗斯，在看了这幅画后，曾作过这样的评述：“每分出一个面来，就导致邻近部分又分出一个平面，这样不断向后移动，不断产生直接感受，这使人想起水面上的层层涟漪。视线在这些涟漪中游动，可以在这里和那里捕捉到一些标志，例如一个鼻子、两只眼睛、一些梳理得很整齐的头发、一条表链以及一双交叉的手。但是，当视线从这一点转向那一点时，它会不断地感到在一些表面上游来游去的乐趣，因为这些表面正以其貌相似而令人信服……看到这样的画面，就会产生想象；这种画面尽管模棱两可，却似乎是真的存在，而在这种新现实的匀称和谐生命的推动下，它会满心欢喜地作出自己的解释。”

《瓶子、玻璃杯和小提琴》

1890年—1892年，油画，45×57厘米，巴黎奥塞博物馆藏。

1912年起，毕加索转向其“综合立体主义”风格的绘画实验。他开始以拼贴的手法进行创作。这幅题为《瓶子、玻璃杯和小提琴》的作品，清楚地显示了这种新风格。

在这幅画上，我们可分辨出几个基于普通现实物象的图形：一个瓶子、一只玻璃杯和一把小提琴。它们都是以剪贴的报纸来表现的。在这里，画家所关注的焦点，其实仍然是基本形式的问题。

但是，这个问题此时却是以一种全新的态度来对待。在分析立体主义的作品中，物象被缩减到其基本原素，即被分解为许多的小块面。毕加索以这些块面为构成要素，在画中组建了物象与空间的新秩序。他通过并置和连接那些笔触短促而奔放的块面，获得一种明晰剔透的画面结构，反映了某种严格而理性的作画程序。而如今，在综合立体主义的作品上，他所采取的恰是正好相反的程序。他不再以现实物象为起点，将物象朝着基本原素去分解，而是以基本原素为起点，将基本的形状及块面转化为客观物象的图形。这就是说，他在表现出瓶子、杯子及提琴之前，就已经把一个抽象的画面结构，组织和安排妥当了。通过对涂绘及笔触的舍弃，他甚至获得一种更为客观的真实。他采用报纸、墙纸、木纹纸，以及其他类似的材料，拼贴出不同形状的块面。这些块面，一方面显示着画以外的那个世界，另一方面则以其有机的组合而显示出画的自身世界的统一性和独立性。难怪他的画商及好友卡恩维勒会如此地评价他：“即使没有摆弄画笔的本领，他也能搞出绝佳的作品。”在这幅拼贴的画上，左边的一块报纸表示一只瓶子，那块印有木纹的纸，则代表着一把提琴。而几根用木炭笔勾画的坚挺的线条，则使这种转换得以实现，并且将那些不相干的拼贴材料，纳入一个有机的统一体中。

这种拼贴的艺术语言，可谓立体派绘画的主要标志。毕加索曾说：“即使从美学角度来说人们也可以偏爱立体主义。但纸粘贴才是我们发现的真正核心。”在这种拼贴语言的运用中，毕加索显然比别的立体派画家(如布拉克、格里斯等)更为大胆和富于幻想。别的画家在拼贴不同的纸片时，多少要顾及到是否符合现实逻辑的问题，他们总是把木纹纸限于表示木质的物品(如桌子、吉他)。而毕加索则全然摆脱这种约束。在他的画上，一张花纹墙纸可用来表现桌面，一张报纸也可剪贴成小提琴。毕加索曾在与弗朗索瓦·吉洛的交谈中，阐述了他对于拼贴的看法：

“使用纸粘贴的目的是在于指出，不同的物质都可以引入构图，并且在画面上成为和自然相匹敌的现实。我们试图摆脱透视法，并且找到迷魂术(trompe L'esprit)。报纸的碎片从不用来表示报纸，我们用它来刻画一只瓶子、一把琴或者一张面孔。我们从不根据素材的字面意义使用它，而是脱离它的习惯背景，以便在本源视觉形象和它那新的最后定义之间引起冲突。如果报纸碎片可以变成一只瓶子，这就促使人们思考报纸和瓶子的好处。物品被移位，进入了一个陌生的世界，一个格格不人的世界。我们就是要让人思考这种离奇性，因为我们意识到我们孤独地生活在一个很不使人放心的世界。”(弗朗索瓦·吉洛等《情侣笔下的毕加索》，天津人民出版社，1988年，第60页)

《格尔尼卡》

《格尔尼卡》，毕加索作，1937年，布面油画，305．5×782．3厘米，普拉多博物馆藏。

油画《格尔尼卡》，是毕加索作于30年代的一件具有重大影响及历史意义的杰作。此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作。画中表现的是1937年德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的暴行。作为一个具有强烈正义感的艺术家，毕加索对于这一野蛮行径表现出无比的愤慨。他仅用了几个星期便完成这幅巨作，作为对法西斯兽行的遣责和抗议。

毕加索虽然热衷于前卫艺术创新，然而却并不放弃对现实的表现，他说：“我不是一个超现实主义者，我从来没有脱离过现实。我总是待在现实的真实情况之中。”这或许也是他选择画《格尔尼卡》的一个重要原因吧。然而他此画的对于现实的表现，却与传统现实主义的表现方法截然不同。他画中那种丰富的象征性，在普通现实主义的作品中是很难找到的。毕加索自己曾解释此画图像的象征含义，称公牛象征强暴，受伤的马象征受难的西班牙，闪亮的灯火象征光明与希望……。当然，画中也有许多现实情景的描绘。画的右边，一个妇女怀抱死去的婴儿仰天哭号，她的下方是一个手握鲜花与断剑张臂倒地的士兵。画的左边，一个惊慌失措的男人高举双手仰天尖叫，离他不远处，那个俯身奔逃的女子是那样地仓惶，以致她的后腿似乎跟不上而远远落在了身后。这一切，都是可怕的空炸中受难者的真实写照。

画中的诸多图像反映了画家对于传统绘画因素的吸收。那个怀抱死去孩子的母亲图像，似乎是源自哀悼基督的圣母像传统；手持油灯的女人，使人联想起自由女神像的造型；那个高举双手仰天惊呼的形象，与戈雅画中爱国者就义的身姿不无相似之处；而那个张臂倒地的士兵形象，则似乎与意大利文艺复兴早期某些战争画中的形象，有着姻亲关系。由此可以看出，毕加索不仅是一位富于叛逆精神的大胆创新者，同时也是一位尊崇和精通传统的艺术家。

乍看起来，这幅画在形象的组织及构图的安排上显得十分随意，我们甚至会觉得它有些杂乱。这似乎与轰炸时居民四散奔逃、惊恐万状的混乱气氛相一致。然而，当我们细察此画，却发现在这长条形的画面空间里，所有形体与图像的安排，都是经过了精细的构思与推敲，而有着严整统一的秩序。虽然诸多形象皆富于动感，可是它们的组构形式却明显流露出某种古典意味。我们看见，在画面正中央，不同的亮色图像互相交叠，构成了一个等腰三角形；三角形的中轴，恰好将整幅长条形画面均分为两个正方形。而画面左右两端的图像又是那样地相互平衡。可以说，这种所谓金字塔式的构图，与达芬奇(最后的晚餐)的构图，有着某种相似的特质。另外，全画从左至右可分为四段：第一段突出显示了公牛的形象；第二段强调受伤挣扎的马，其上方那盏耀眼的电灯看起来好似一只惊恐、孤独的眼睛；第三段，最显眼的是那个举着灯火从窗子里伸出头来的“自由女神”；而在第四段，那个双臂伸向天空的惊恐的男子形象，一下于就把我们的视线吸引，其绝望的姿态使人过目难忘。毕加索以这种精心组织的构图，将一个个充满动感与刺激的夸张变形的形象，表现得统一有序，既刻画出丰富多变的细节，又突出与强调了重点，显示出深厚的艺术功力。

在这里，毕加索仍然采用了剪贴画的艺术语言。不过，画中那种剪贴的视觉效果，并不是以真正的剪贴手段来达到的，而是通过手绘的方式表现出来。那一块叠着另一块的“剪贴”图形，仅限于黑、白、灰三色，从而有效地突出了画面的紧张与恐怖气氛。

毕加索爱情年表：

　　1881年 10月25日出生于西班牙南部的马拉加。

　　1904年23岁 定居于巴黎“洗衣船”。邂逅费尔南德－奥立维并同居，常去观赏马戏团的演出，粉红色时期开始。

　　1911年30岁邂逅艾娃－谷维。

　　1912年31岁与费尔南德分手。

　　1915年34岁艾娃因肺结核逝世。

　　1917年36岁至意大利为俄罗斯芭蕾舞团作舞台设计，邂逅舞者奥莉嘉－科克洛瓦。

　　1918年37岁与奥莉嘉结婚。

　　1925年44岁创作“舞”，首次影射与奥莉嘉的紧张关系。

　　1927年46岁邂逅年仅17岁的玛丽-德雷莎－华特。

　　1929年48岁作系列以女人头像为题的攻击性画作，显现婚姻危机。

　　1935年54岁与奥莉嘉分居。

　　1936年55岁邂逅南斯拉夫女摄影师兼画家多拉－玛尔。

　　1943年62岁邂逅22岁的方斯华姿－吉洛。

　　1946年65岁与方斯华姿－吉洛同居。

　　1954年73岁与方斯华姿－吉洛分手。

　　1961年80岁与35岁的杰奎琳－洛克结婚。

　　1964年83岁方斯华姿出版回忆录，造成两人决裂。

　　1973年92岁4月8日逝于坎城附近的慕瞻市。4月10日葬于佛文纳菊别墅的花园里。

剧情简介 · · · · · ·

　　1912年4月10日，号称 “世界工业史上的奇迹”的豪华客轮泰坦尼克号开始了自己的处女航，从英国的南安普顿出发驶往美国纽约。富家少女罗丝（凯特•温丝莱特）与母亲及未婚夫卡尔坐上了头等舱；另一边，放荡不羁的少年画家杰克（莱昂纳多·迪卡普里奥）也在码头的一场赌博中赢得了下等舱的船票。

罗丝厌倦了上流社会虚伪的生活，不愿嫁给卡尔，打算投海自尽，被杰克救起。很快，美丽活泼的罗丝与英俊开朗的杰克相爱，杰克带罗丝参加下等舱的舞会、为她画像，二人的感情逐渐升温。

1912年4月14日，星期天晚上，一个风平浪静的夜晚。泰坦尼克号撞上了冰山，“永不沉没的”泰坦尼克号面临沉船的命运，罗丝和杰克刚萌芽的爱情也将经历生死的考验。

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