谁能告诉我这幅画是谁的作品这画叫什么名字有什么背景
穆哈的招贴画。没啥背景,他靠画海报,插画混饭。
阿方斯·穆哈(AlphonseMariaMucha,1860年7月24日-1939年7月14日),是一位捷克斯洛伐克籍的画家与装饰品艺术家。
慕夏出生于捷克摩拉维亚地方的Ivan_ice,虽然他的歌唱天分让他可以升学至高中,不过从小时候开始画画就是他的最爱。他在莫拉维亚有个画装饰物品的工作,大多是画剧场使用的风景图。1879年慕夏进入了维也纳最重要的剧场设计公司工作,同时继续他的非正式艺术教育,不过一场大火结束了他这份工作。1881年他回到莫拉维亚成为自由接案的装饰画及人物画家,且受雇于KarlKhuen伯爵,画Hru_ovanyEmmahof城堡的壁画;这位伯爵对慕夏的画非常感动,于是资助他到慕尼黑美术学校接受正式的艺术教育。
慕夏在1887年来到了巴黎,在AcadémieJulian与AcademieColarossi继续他的学业,同时他也给杂志及广告提供插画。1894年圣诞夜,慕夏在大家都回家过节,公司设计人员、艺术家都不在的情况下临危受命,代当时巴黎最红的歌舞明星莎拉·伯恩哈特(SarahBernhardt)在新年演出的歌舞剧吉斯蒙达(Gismonda)设计海报,没想到因此引起了巴黎人的注意,而慕夏也得到公司的赏识,得到越来越多的设计机会。[1]因为他的卓越成就,还被奥匈皇帝授予了骑士封号,又被法国政府授予了骑士荣誉勋章。[2]
慕夏的作品具有鲜明的新艺术运动特征,也有强烈的个人特点,他创作了大量的画、海报、广告和书的插画,同时从事珠宝、地毯、壁纸及剧场摆设等设计。在画中常出现美丽的女人穿着带有新古典主义的长袍,四周围绕着丰富的花,且在女人的头后方常会有光环。他的新艺术风格常被模仿,然而,这是慕夏终生不想尝试的风格;他总是坚持着一种信念,那就是与其依附着任何一种流行的设计型式,他的设计是从内心而生。他声称艺术的存在只是为了传递精神上的讯息,如此而已;因此他对他在商业艺术界得到的声名感到挫折,而希望专注于那些更为崇高的艺术,及使他的出生地更为尊贵的计划。
慕夏在1906至1910年造访美国,接着便定居在布拉格,在那里,他为这座城市的地标及剧场增添了许多装饰。当捷克斯洛伐克在第一次大战之后独立时,他为这个新的国家设计了邮票、钞票以及其他官方文件。他花了许多年的时间创作他的杰作—斯拉夫史诗(TheSlavEpic),那是一系列描绘斯拉夫人民历史的巨大绘画;他在很年轻的时候就想要完成这个颂扬斯拉夫历史的梦想。
在法西斯主义风起云涌的1930年代末期,慕夏的斯拉夫史诗被报纸指责为反动派,当1939年德军进入捷克斯洛伐克之际,慕夏是第一个被盖世太保逮捕的艺术家。在一连串的审问中,他得了肺炎,1939年7月14日因为肺部感染而过世,埋葬于Vy_ehrad公墓。
穆夏的作品特点穆夏的作品吸收了日本木刻对外形和轮廓线优雅的刻画,拜占庭艺术华美的色彩和几何装饰效果,以及巴洛克、洛可可艺术的细致而富于肉感的描绘。他用感性化的装饰性线条、简洁的轮廓线和明快的水彩效果创造了被称为“穆夏风格”的人物形象。
经过他的加工,所有的女性形象都显得甜美优雅,身材玲珑曲致,富有青春的活力,有时还有一头飘逸柔美的秀发。他的画面常常由青春美貌的女性和富有装饰性的曲线流畅的花草组成。
与别的艺术家不同,穆夏同时也是一位摄影师,他利用摄影技术来辅助他的创作。他让模特儿摆出他所需要的姿势后拍成照片,然后以照片为基础,在画面上对服饰和头发进行整理加工,经过特别的构图再加上花卉及植物花纹的装饰,最后完成他的创作。
他的很多招贴画的素材都来源于照片,他为伯恩哈特所画的许多海报也是来自艺术家的剧照或画家本人为她拍的照片。后来,穆夏就将摄影当作和速写同样重要的创作辅助工具。
扩展资料:
招贴画:穆夏为莎拉·伯恩哈特和“文艺复兴”(DeLaRenaissance)剧院创作了一系列的招贴画,这些招贴随着伯恩哈特到美国的巡回演出而带到了美国,影响了美国招贴画的风格。
装饰组画:穆夏创作了不少被称为“Panneauxdécoratifs”(围绕同一个主题创作的成套的四幅图画,常印刷在有韧性的纸或是丝绸织物上用来装饰墙壁)的装饰组画,其中包括一八九六年的“四季”、一八九七年的“四种花”、一八九八年的“四种艺术”、一九零二年的“星辰”等题材。
广告画和商品包装画:穆夏还创作了大量的广告画和商品包装画(从饼干、自行车到肥皂、香烟),因为他所画的那些甜美的女性形象和极端精致的细节描绘正合乎了当时美即意味着品质的观念。
参考资料来源:
-穆夏
春天宜慕夏：阿尔丰斯·慕夏的艺术风格丨慕夏与新艺术运动即便没有听过阿尔丰斯·慕夏的名字,也多多少少观赏过他的画作。
画中有典雅清新的色彩,装饰性花环,飞扬的长发和错综复杂的植物图案,这些丰富的自然主义装饰及抽象元素,呈现了隐喻、象征主义与现实性的结合。
比如这组名为鸢尾、百合、石竹、玫瑰的花系列石版画就是许多艺术爱好者的心头所爱。
ㄏ盗惺婊
众所周知,阿尔丰斯·慕夏是活跃于19世纪末的捷克艺术大师。
不论是慕夏的同辈人,还是把他视为新艺术运动标杆的后辈,都认为时运成就了慕夏。
因为他幸运地结交了当时巴黎艺术界最受瞩目的明星莎拉·伯恩哈特女士,同时,海报这种精细的造型艺术表现手法也为他的成功推波助澜。
《莎拉·伯恩哈特之日》石版画
队鹈吩又,1896年
如果要解读慕夏华丽曼妙的艺术风格,那么理当从他的海报入手。
赞美美人
海报艺术的兴盛始于1894年底《吉思梦妲》发表后,这是一幅高达两米的彩色石版画海报。
莎拉·伯恩哈特在《吉思梦妲》中的造型,摄影
淖陨扯乩实幕婊,1896年
《吉思梦妲》采用了竖幅版式,不仅能呈现出人物的全身,也自然地展现出吉思梦妲的高大形象。
平面化处理是这幅作品的一个特色,慕夏并不追求空间的纵深感,因此利用视觉效果把画面中的女主角推向观众。
海报中人物的姿势源自戏中具有代表性的一幕。
在复活节游行中,吉思梦妲身着一袭华服,手执棕榈叶,神态庄严肃穆。
《吉思梦妲》,石版画
1894年
刺绣毛皮披肩笔直下垂,显得她的肩膀宽大,与裙摆上跳动的图案形成对比,裙摆占据了海报的下半部分。
唯一的人物位于画面中央,而海报的上方和下方都绘有文字,包含演出名称、女主角及演出地点的信息。
画面中的拱门仿佛为女主角带上了光环,进一步突出了她的庄严而白皙的脸部,这种表现手法在慕夏后来的作品中多次出现,这里的装饰图案参照了镶金片的拜占庭马赛克镶嵌画。
就这样,现实主义与效仿传统风格同时出现在一幅作品中,它们完美交融,产生新的美感。
莎拉·伯恩哈特《茶花女》剧照
1880年,摄影
无论是莎拉本人还是评论家和观众们,都对慕夏的海报艺术十分心动,莎拉也和慕夏非常合得来,于是他们又进行了第二次合作——《茶花女》。
《茶花女》海报,石版画
1896年,慕夏基金会
对于《茶花女》的创作,慕夏更加游刃有余,他采用了《吉思梦妲》的构图方式,只是棕榈叶被替换成了茶花树枝。女主角的面部表情凝固,但白色的裙摆轻舞飞扬。
值得一提的是,这幅作品的装饰性并不在于人物的服饰,而在于极具诗意的背景。
玫瑰组成一道天穹,画面中缀满了银色的星星,玛格丽特·戈蒂埃洁白的身影跃然纸上。
线条的节奏
如果观赏过慕夏的作品展览,一定对那些围绕着柔软的身体的装饰图案、浓密而流畅的发丝、轻盈的裙衫上或宽大或密集的裙褶印象深刻,它们构成了慕夏的图像语言。
《梦想》,装饰板,石版画
1897年,慕夏基金会
慕夏通过夸张的线条营造出活力及流畅感,利用已有的女性形象和植物界元素,创造出一个具有阿拉伯风情的装饰艺术世界。
将女人的头发描绘成装饰图案的头发处理也随之成为他作品的标志并大放异彩。
1897年,曾经给予过慕夏莫大支持的《羽毛》杂志委托慕夏绘制年历。
于是,慕夏创作了一个极其精致美丽的东方女孩:她纤长的侧影像一位苏丹王妃,正静静坐在密札浦或戈尔康达的金色大殿的门槛上。
《星座》,石版画日历
1897年
画中的年轻女子露出半身,侧身示人,佩戴着大量东方首饰,十二星座符号围绕着她的脸庞。
慕夏用变幻的曲线来刻画这位虚构美人的长发,越到发尾越是夸张,还画上了植物花纹的画框。
这幅作品丰富的装饰性、富有诗意的胜过慕夏此前的所有作品。
使用线条流畅的发丝幻化成阿拉伯式花纹,这样的画法同样引领了商业海报。
例如,它出现在慕夏于1897年设计的JOB卷烟纸上,这款商业海报一问世就被人们视为杰作。
《JOB圈烟纸》海报,石版画
1897年,慕夏基金会
慕夏绘制了一位女性的半身像,她看起来无精打采,躲在错综复杂的发丝后面。
发丝形成一张具有装饰效果的网,烟从女人手中的香烟袅袅升腾,两者交相辉映,与充满拜占庭风情的马赛克背景融为一体。
如此地展现一件消费品的功能,慕夏是第一人。
在其他商品海报中,慕夏回归了为莎拉设计的海报形式,充满了象征主义的美感与意象。
如果不是海报上的字母,我们可能很难理解广告要传达的信息。
《从摩纳哥到蒙特卡洛》海报,石版画
1897年,慕夏基金会
比如这幅《从摩纳哥到蒙特卡洛》,这是慕夏受巴黎-里昂-地中海铁路公司的委托而设计的,创作于1897年。
在世纪之交,巴黎-里昂-马赛铁路公司一度是“出发去度假”的代名词。
背景中的山峦暗示了列车驶向的目的地蔚蓝海岸,它仅占据画面中很小的部分。
画中的年轻女子凝视上方,双手托着下巴,沉醉于眼前的景色,她显然代表了春天。
然而,如果进一步观察,就会发现传递广告信息的细节。
例如位于海报对角线上的大型植物花环,它旋转、动感的形态仿佛在铁轨上全速行驶的火车车轮,因此而切合铁路公司的主题。
历史长卷与理想主义的悲怆
作为海报设计师,慕夏擅于突出人物及物体的轮廓,并运用细腻、明快的色彩,这些方法能有效简化图像。
慕夏自拍照
1896年
然而,他暂时告别了这类创作,因为他获得了一个独一无二的机会——为1900年巴黎世博会波斯尼亚和黑塞哥维那馆设计墙面装饰。
展馆是一座田园村舍般的建筑,土耳其风格,深灰色塔楼、红色屋顶、外突的阿拉伯式遮窗格栅、拱顶走廊、带有镶嵌图案的蓝墙,独特的配色令人着迷。
通过这个机会,慕夏把自己的艺术才能施展到了更广阔的地方,他的历史题材绘画几乎达到了史上最杰出的水平。
《波斯尼亚和黑塞哥维那馆的壁画》(局部)
1900年巴黎世博会,布面蛋彩画
屠,奥赛博物馆
他不出几天就完成了第一稿设计图:
“墙面装饰的主体为三幅绘画长卷,它们覆盖了整间大厅的墙面。位于下方的壁画上画满了花卉图案,中间的那幅更宽,讲述了波斯尼亚和黑塞哥维那的历史,上方的那幅取材自波斯尼亚传说。”
《波斯尼亚和黑塞哥维那馆的壁画》(局部)
1900年巴黎世博会,布面蛋彩画
屠,奥赛博物馆
这组由12幅绘画组成的历史长卷以3幅反映史前文明的绘画开头,结尾则描绘了反映波斯尼亚的多种宗教信仰的三组人物,这组绘画展现了慕夏丰富的内心世界,也得以一窥他对民族的炽热之心。
因为同样取材于历史历史及现实,很多人将慕夏的大型画作《斯拉夫史诗》与波斯尼亚和黑塞哥维那馆的装饰壁画联系在一起。
慕夏正在绘制《斯拉夫史诗》的第六幅作品
《塞尔维亚国王艾蒂安·杜尚加冕为皇帝》
1924年
然而事实上,《斯拉夫史诗》与“慕夏风格”毫无关系。
“慕夏风格”指的是用阿拉伯花饰描绘人物和植物,并将两者融为一体。
这种风格显然并不适合叙事性绘画,它所表达的含义模糊,并非所有人都能理解。
因此,为了使画面的叙述清晰易懂,必须放弃美学手法。
《斯拉夫人民在原来的国土上》,布面油画和蛋彩画
《斯拉夫史诗》第1幅作品
1912年,慕夏基金会
慕夏对于《斯拉夫史诗》的表现手法融合了现实主义、浪漫主义和象征主义,即使他清楚,从美学的角度来说,很难让观众接受同一主题的系列绘画,这种古典的方法并不受现代艺术待见。
《向大摩拉维亚帝国介绍斯拉夫礼拜仪式》
《斯拉夫史诗》第3幅作品
1912年,慕夏基金会
“我希望这里能出现一些立意高远的东西,犹如管风琴的旋律般回荡在穹顶下。”
这样的信念指引着慕夏。
《斯拉夫史诗》的创作始于1910年(即奥匈帝国统治的末期),贯穿整个二战时期,于1928年完成,为捷克斯洛伐克共和国十周年献礼。
《俄罗斯废除农奴制》,布面油画和蛋彩画
《斯拉夫史诗》第19幅作品
1914年,慕夏基金会
整组绘画由二十幅巨大的画作组成,慕夏选取了一系列历史人物和事件,以此回顾斯拉夫人的历史。
为了完成这项恢宏的创作,慕夏大量借助摄影,他走遍了巴尔干半岛、东欧,对斯拉夫人的历史、文化、服装进行实地考察,并用照片记录。
它们组成了丰富的纪实素材库,为人物、服装、装饰的设计提供了很大的帮助。
模特儿为《斯拉夫椴树下的欧兰第纳誓言》摆造型
1925年至1926年,慕夏基金会
其中,有些照片拍摄于工作室中,工作室里搭起了画面所需的场景,有些照片则严格按照学院派的传统方法拍摄而成。
通过男、女模特儿的表现,慕夏不仅抓住了主要人物的肢体语言,还观察到人物的情绪表达,他们使画面生动了起来。
《斯拉夫椴树下的欧兰第纳誓言》,布面油画和蛋彩画
《斯拉夫史诗》第18幅作品
1926年,慕夏基金会
《斯拉夫史诗》是慕夏的心血之作,他渴望在精神上团结他的斯拉夫同胞,相信艺术的启迪力量能推动人性的进步。
慕夏与新艺术运动
20世纪初,在巴黎风靡一时的“新艺术”风格中,阿尔丰斯·慕夏大放异彩、受人追捧。
他的大型壁画、名伶海报、华美插图等作品均极具个人风格,线条优雅,色彩丰富,人物甜美。因而,慕夏当之无愧地成为新艺术运动的先驱者。
在这本内容翔实、配图精美的书中,菲利普·蒂埃博从绘画、海报、插画、家具、珠宝等方面回顾慕夏令人赞叹的创作生涯,以及他与当时新艺术派艺术家之间的故事。
《慕夏与新艺术运动》
[法]菲利普·蒂埃博
2020年2月
华中科技大学出版社-有书至美
_有趣有料的慕夏和新艺术运动一本通
捷克国宝级艺术家慕夏为首的18位艺术大师,100余幅“新艺术运动”全彩经典作品,沉浸式体验为新时代而生的“崭新艺术”。
_法国知名艺术史学家、策展人倾情撰写
前任奥赛博物馆馆长执笔,绘画、海报、插画、家具、珠宝分门别类回顾慕夏创作生涯生动还原艺术大师跌宕起伏的一生。
_巧妙融合人物传记+艺术鉴赏
详实文献资料,保证学术意义,内容包罗万象,再现灵感来源,一本概览现代设计的先驱实验。
_给西方艺术与慕夏爱好者的献礼
16开精装便携口袋本,随时随地汲取艺术养分,呼应风靡全国的慕夏展览热潮,新艺术运动爱好者的绝佳入门书。
我前段时间刷了部叫《午夜巴黎》的**，被导演伍迪·艾伦在影中所呈现的怀旧风和奇幻剧情深深吸引。在剧中，每当午夜的钟声响起，一辆古董车便会开到男主吉尔面前，带他一次次穿越时光回到令人神往的“黄金时代”，其中一次便穿越回了巴黎的“美好时代”。
▲《午夜巴黎》**截帧来源于网络
在关于美好时代这段剧情里，神奇的古董车又如约而至，带吉尔与女主艾德里安娜回到了1890年代的巴黎美心餐厅。他们还去到了有名的红磨坊，遇见了劳特累克、高更、德加等后印象派的艺术家，简直让我我实名制羡慕到爆！！！艾德里安娜更是直言，这就是她心中最美好的时代。
▲《午夜巴黎》**截帧来源于网络
法国历史上的美好时代（19世纪末至1914年一战爆发之前）虽然短暂，却是无比辉煌的一页。 看官们今天就随我做一回影中人，“穿越”回那个美好年代，去到那些著名的地方，一同领略当年那个浪漫之都的艺术之光吧！
▲法国巴黎，来源于网络
艺术人才辈出的时代
19世纪末20世纪初，欧洲处于相对和平的时期，资本主义的发展以及第二次工业革命给社会和人们的生活带来了极大地改变，这个时期的科技、艺术、文学等领域都飞速的发展。社会转型期的新旧交替不仅体现在时间上，还体现在生产方式、生活方式、审美观念，以及人们使用的日用品当中。
▲ Pierre-Victor Galland 《The Bar at Maxim's 》c1890，来源于网络
美好时代是艺术史上精彩纷呈的一段时期 ，和平繁荣的社会环境孕育了许多杰出的艺术家和新的美术流派 ，比如印象派、新印象派、后印象派、野兽派、立体派等。这时期的艺术家们喜欢聚集在巴黎的蒙马特地区，他们可以整日待在画室作画或是约上三两好友在小酒馆相聚，一起探讨艺术的真谛。
▲ 印象派艺术家毕沙罗所绘制于1897年的蒙马特林荫大道街景，来源于网络
巴黎蒙马特地区是当时艺术家消遣、聚会的核心区域 ，这里汇集了很多知名的小酒馆、文化沙龙、俱乐部和歌舞厅。像这类可以看演出的小酒馆或歌舞厅在法语中被称为“ Cabaret”，中译为卡巴莱，这类活色生香的场所没有身份限制，很多人都能去享受一边用餐、一边欣赏表演的休闲时光。例如艺术家鲁道夫·萨利斯开办的黑猫酒馆（Le Chat Noir），华丽的表演、自由的用餐氛围，以及不定期举办艺术沙龙活动吸引了大批顾客。
▲巴黎蒙马特，来源于网络
▲艺术家ThéophileSteinlen黑猫酒馆设计的宣传招贴画，来源于网络
女神游乐厅（Folies Bergères）这家咖啡厅与黑猫酒馆一样，也是当时艺术家们爱光顾的地方，例如我们熟悉的 印象派艺术家爱德华·马奈（Édouard Manet） 的名作《女神游乐厅的吧台》就是以这里为背景创作的。除了马奈， 后印象派成员埃德加·德加（Edgar Degas） 也记录着咖啡厅的图景。
▲爱德华·马奈《女神游乐厅的吧台》(Un bar aux Folies Bergère)c1882，90 x 130cm, 考陶尔德美术馆,来源于网络
德加是地道的巴黎人，也是巴黎生活的观察者。他捕捉下了都市人的另一种生活状态，比如下图这幅《苦艾酒》用独特的视角呈现，让画中这一幕就像是不经意“抓拍”到的一样。画中愁眉苦脸的女子是当时的演员爱伦·安德蕾，右边的男子是德加的朋友，版画家马赛兰·台斯色丹，他们各有所思，气氛有些尴尬尽管靠得很近，眼神却没有任何交流。乍一看有种情侣吵架怄气的赶脚，但其实德加是为了传达出一种属于人与人之间的疏离、孤独和苦闷，所以看官们会发现画面整体的色调都很灰暗。
▲埃德加·德加《苦艾酒》c1873，92 x 685 cm，奥赛美术馆, 来源于网络
流连于巴黎蒙马特的还有人称 “蒙马特之魂”的图卢兹·劳特累克 （Toulouse-Lautrec），我在以前的推文中有介绍过这位艺术家，想了解的请自戳链接：（
艺术有见笛（Dì）丨浪荡在红磨坊的现代海报设计先驱
▲位于巴黎蒙马特地区的红磨坊， 来源于网络
▲ Henri de Toulouse-Lautrec《Depiction of the can-can》c1895,来源于网络
不同于前几位艺术家对蒙马特地区歌舞升平的生活场景的描绘， 文森特·梵高（Vincent van Gogh） 则呈现了蒙马特的另外一面。他笔下都是一些风景优美的自然风光，远离了城市中心的喧嚣和浮躁，像是一首抒情曲。
▲Vincent van Gogh《Sloping Path in Montmartre》c1886,来源于网络
除了印象派艺术家，野兽派和立体派的艺术家们也曾来到这里寻梦。可以说， 美好时代的蒙马特成为了艺术家们成长的摇篮和圣地。 他们在这里开拓新理念、引领新潮流，大大推动了艺术史的进程。
▲ 截帧来源于网络
引领时尚潮流的时代
美好时代的巴黎除了是艺术之都，还是当时世界上的时尚和奢侈品之都 ，小资产阶级的兴起使得人们的消费观念和消费需求变得越发的多样化和个性化。
▲Henri Gervex《Five Hours at Paquin’s》c1906,来源于网络
在女性时装方面，女性们为了突显完美的“S型”身材真的特别拼！她们用束腹或裙撑（bustle）来达到前凸后翘的效果，夸张的羊角袖以及佩戴手套也是那个年代流行的时尚。
▲ 1900-1909年巴黎女性时尚的演变，来源于网络
除此之外，这个时期还流行一种仿男版西装制作的女式夹克，这种改良过的女式夹克更贴合女性的身材。轻便的着装不仅适合远行，还透露着一点可盐可甜的小帅气呢~
▲1900年的女士西装，来源于网络
女性冬装方面，大衣和带羽毛装饰的大礼帽是常见的搭配，整体雍容华贵且不失精致典雅。
▲美好时代的女性冬装，来源于网络
法国的高定时装(Haute couture)文化和运作结构也于这个时期萌芽并发展起来 。有“The king of fashion”之称的保罗·波烈(Paul Poiret)在1903年创立自家服饰品牌，并于短短十年间成为全球最具人气的时装之王，影响到巴黎时装往后的发展与声望。
▲保罗·波烈和他的模特们，来源于网络
1910年始，保罗·波烈在设计中去掉了束腹和裙撑，简化了女性服饰，并将腰线提升至胸下，使得女性的形体看上去更为修长。emmm我仔细看了下，果然有种腿长一米八的既视感，还是“遮肉神器”。
▲ Paul Poiret设计的长裙，c1907，巴黎装饰艺术博物馆,图来源于网络
美好时代的珠宝首饰也因受新艺术运动（Art Nouveau）的影响大放光彩， 奢华精美、线条流畅，成熟的镂空工艺也使得珠宝显得更加精致轻盈。
▲美好时代的珠宝，来源于网络
▲20世纪的珠宝，来源于风笛艺术电商平台
这时期的珠宝还十分讲究对新材料和工艺的运用，艺术家们充分发挥自己的创意，将各类易于雕琢上色的材质进行搭配，设计灵感多来源于大自然，呈现出灵动优雅之美。
▲新艺术风格的珠宝，来源于网络
▲20世纪的珠宝，来源于风笛艺术电商平台
巴黎地标建筑拔地而起的时代
美好时代在绘画艺术与时尚领域大放光彩，建筑也不例外 ，一方面是典型的新艺术运动风格建筑，它们通常大量使用连续的曲线和曲面，富有韵律感和节奏感。装饰花纹则多以植物花卉、女性元素为主， 整体不失洛可可风的韵味，又带有强烈的现代自然气息。
▲新艺术风格的建筑，来源于网络
巴黎地标性的现代建筑也在美好时代拔地而起。 1889年正值法国大革命100周年，法国人希望借举办万国博览会之机建造一座代表法国荣誉的纪念碑，经过一番激烈的角逐，最终选中了古斯塔夫·埃菲尔（Gustave Eiffel）的设计，建造了一座象征机器文明、在巴黎任何角落都能望⻅宏伟建筑——埃菲尔铁塔。
▲埃菲尔铁塔，来源于网络
埃菲尔铁塔造型简洁直观，兼具很多现代主义设计特质，如标准化、功能主义、运用新材料等。它是世界建筑史上的杰作，也是现代巴黎的重要象征。
▲左：Georges Garen《embrasement tour Eiffel》c1889;右：今天的埃菲尔铁塔，源自网络
除了埃菲尔铁塔，为了迎接1900年的巴黎世界博览会，当时还修建了奥赛火车站（Gare d'Orsay），由维克多·拉鲁(Victor Laloux)担任总设计师，与卢西恩·马格纳（Lucien Magne）和埃米尔·伯纳德（Émile Bénard）共同完成设计。
▲1900年的奥赛火车站，来源于网络
火车站采用了“Beaux-Arts”风格修建，这种学院派风格借鉴了法国新古典主义的原理，融合了哥特式和文艺复兴时期元素，使用了现代建筑材料。建筑外观使用精细切割的石材构成，内部敞开式的门廊一直延伸到大厅，顶部是密封的拱形玻璃天棚。
▲ 巴黎奥赛美术馆，来源于网络
直到1986年，这座火车站华丽丽的变身成了巴黎著名的奥赛美术馆（Muséed'Orsay）。奥赛美术馆堪称近代艺术的宝库，这里总共收藏了1840-1914年间的艺术作品4700多件，种类丰富，涵盖齐全。位于美术馆中层和顶层陈列着的正是创作于美好时代时期的作品。
▲皮埃尔－奥古斯特·雷诺阿《煎饼磨坊》c1876，131 x 175cm, 奥赛美术馆
美好时代的一切繁华、美好随着一战的到来悄然落幕，但这些珍贵的艺术品在时代中的光芒从未消散，反而愈发耀眼。 它们是艺术家对这个时代的独家记忆，更是对这个时代最美好的见证。
如今的我们总爱去想当年和曾经，总说新不如旧，其实活在当下，认真的去生活，生活又怎会不美好呢？就像《午夜巴黎》影片的结局，吉尔突然明白，每个时代都有自己的辉煌和焦虑，他最终选择活在当下，直面生活。其实，不负当下就是最好的时代，也是我们所热爱的美好时代。
▲《午夜巴黎》** 截帧来源于网络
文：化肥 丨编辑：耘菲
责编：蜜丝姜
监制：大G小r迷你帆
珠宝设计师的作品是以经典名画做为灵感的，你知道有哪些吗？有兰蔻。易建联是一位绘画大师，也是一位版画艺术家。他的绘画风格具有强烈而明亮的色彩，工作室和布拉克之鸟震惊了当时的艺术界，确立了他们在法国绘画界的地位。但也有非常具有代表性的珠宝设计师，他们的作品充满了干货，目的明确。希望它能帮助对珠宝设计感兴趣或正在形成时尚/珠宝的年轻合作伙伴。他们可以不用说什么就打开街道。
同时，形状是三维的。Wolfes fress于1834年由比利时密苏里帝国的路易·沃尔夫斯（Louis Wolfers）创立。他的儿子菲利普于1875年进入布鲁塞尔的一个工作室，创作最初采用洛可可风格的作品。然而，到1890年，他开始接受新艺术运动的美学。
立方体的几何组成吸引了许多愚蠢和幼稚的人的嘲笑。当时，人们也对此提出质疑，认为没有人会使用这些珠宝。但事实上，这些简单的珠宝并没有被用作商业珠宝，但传统的珠宝和首饰都是受名画的启发而创作的，这些名画在现代社会中很常见。
真正的珠宝可以在屏幕上描绘出来，所以把梦幻般的珠宝变成名画，变成精致的现实，给别人以生命，也是一种乐趣。用你的产品和她交谈，用你的产品诠释她的美丽。每个人都愿意为自己的产品代言，寻找故事、主题、时间场景等，并不断积累一些创意素材和元素。例如，快乐、单身、激情，比如文艺复兴早期画家波提切利·斯普林，巴洛克画家鲁本斯的维纳斯和阿多尼斯，维纳斯来自乌尔比诺，提香来自威尼斯学派，维纳斯来自乔治尼的《睡眠》。
导读：导读：在2009年，有哪些时尚珠宝用极尽奢华的态度让你的生活闪耀起来？一起和我来盘点一下吧。
导读：在2009年，有哪些时尚珠宝用极尽奢华的态度让你的生活闪耀起来？一起和我来盘点一下吧。Bliss 环状手炼 不断变化的基本款
即使最大胆的设计师也很清楚经典从来不会过时。人们总是渴求最基本的款式，不管当下的时尚潮流如何变化，无论简单的圆环还是清爽的金属链条都很受欢迎。但是，经典并不等于单调，2009年设计师们更重视创意的设计和放眼新的组合方式。各种尺寸、形状和不同比例的链条相互搭配，扭曲的金属设计更是比比皆是。
Damiani双环戒指
日常款订制感
订制的概念来源于服装领域的 Couture，虽然珠宝领域借用订制这个概念早已不是什么新鲜事，但是对珠宝来说却越来越重要。但这个订制并不是真的高级订制，它是每天都可以佩戴的日常款，它也许造型简单，但是却有着精湛的技术和精致的细节，令它看上去像是专门订制的。比如戒指环内的设计和外表一样的精美，雕刻在手镯上的花纹令日常佩戴的首饰 立刻变身为一件艺术品。
Roberto Bravo 黄金珍珠胸针
艺术与手工的回归
高级珠宝本身的精髓就与艺术和手工工艺密不可分，虽然现代珠宝设计更依赖计算机，但是现在的消费者比以往更重视手工。新的艺术眼光和手工工艺，混搭 各种贵重金属和宝石，以及其他天然或人工材质，营造出与以往截然不同的艺术氛围。
Alfieri 黄金水晶戒指
现代莱俪风
Rene JulesLalique先生，这个法国19世纪末20世纪初最重要的玻璃艺术家、跨越新艺术运动和装饰艺术运动的大师，依然对新现代的审美风格保持着重要影响力。他最具标志性的风格是大胆和奇幻的，并且有着极其复杂和精美的做工。我们看到这种新艺术风格带着新的思考重新展现在我们面前。期待中的花朵，藤蔓和女性的特征依然被呈现，但是却运用半宝石代替了珐琅。蜻蜓依然是意料中的主题，其他的昆虫造型也备受欢迎。
SaLVini几何形镶钻项链
玩转几何形
几何形状总是充满了未来感，球型、方形、多边形带来无限创意。先进的镶嵌技术使在3D形状上布满宝石成为可能，各种圆形切割和珍珠的使用使色彩和形状得到完美统一。
Roberto Bravo彩宝戒指
高级订制更重佩戴
戏剧化、魅力、细节，这些词体现了珠宝订制的精髓，这是2009年最受欢迎的方式。根据全世界最顶级的设计师和零售商的说法，最有鉴赏力的消费者都在追求极致漂亮的专属唯一单品。虽然这些订制中使用的宝石都非常具有再次销售的保值价值，但是人们更关心现在的可佩戴性。这个趋势为设计师们提供了很大的创作空间，他们可以使用更多种的材料，从南洋珍珠到颜色特别的宝石，甚至是一些半宝石的使用。
Maria Antonietta Mittoni 青蛙金饰
符号最具吸引力
越来越多的品牌推出许多含有特别符号与标志的系列，这些符号来自各地的文化、历史、宗教、动物，甚至是一种精神。从具有东方意蕴的中国龙、中国结，西方盛行的家族徽章，甚至是可爱的动物造型都得到了人们的热烈追捧。
Valente宝石耳环
色彩的解放
过去的色彩规则再也不适用当今高级珠宝中彩色宝石的MixMatch了，现在的设计师用更加自由的色彩转盘打破了色彩预测的规则。多样的色彩出现在小小的一件珠宝上，却可呈现出完美和谐的视觉美感，这也使佩戴者更容易与多色的服装进行搭配。**、紫色、蓝色、绿色，这些相撞的颜色放在一起却美艳无比，毫无疑问，过去的禁忌已成为今日的时尚。
Maria Anzonietta MittoniK金手炼
链子的多样创意
各种珠宝首饰 中，链子无处不在。生活中 链子 ;的用作将某种东西锁住保持安全，而珠宝的佩戴总是寄托了人们的某种情感，所以佩戴链子也是来自于向往安全的心灵的需求。设计师们早已不仅仅用金属来制作饰品中的链子，各种材料都能作出绝妙的链子设计，其形状更是千变万化，甚至是随意弯曲的金环就可化身为一件现代艺术风格的单品
即便没有听过 阿尔丰斯·慕夏 的名字，也多多少少观赏过他的画作。
画中有典雅清新的色彩，装饰性花环，飞扬的长发和错综复杂的植物图案，这些 丰富的自然主义装饰 及抽象元素，呈现了 隐喻、象征主义与现实性的结合 。
比如这组名为鸢尾、百合、石竹、玫瑰的花系列石版画就是许多艺术爱好者的心头所爱。
© 花系列石版画
众所周知，阿尔丰斯·慕夏是活跃于 19世纪末的捷克艺术大师 。
不论是慕夏的同辈人，还是把他视为 新艺术运动标杆 的后辈，都认为时运成就了慕夏。
因为他幸运地结交了当时巴黎艺术界最受瞩目的明星莎拉·伯恩哈特女士，同时，海报这种精细的造型艺术表现手法也为他的成功推波助澜。
《莎拉·伯恩哈特之日》石版画
© 《羽毛》杂志，1896年
如果要解读慕夏 华丽曼妙的艺术风格 ，那么理当从他的海报入手。
赞美美人
海报艺术的兴盛始于1894年底《吉思梦妲》发表后，这是一幅高达两米的彩色石版画海报。
莎拉·伯恩哈特在《吉思梦妲》中的造型，摄影
© 翻拍自沙尔特朗的绘画，1896年
《吉思梦妲》采用了 竖幅版式 ，不仅能呈现出人物的全身，也自然地展现出吉思梦妲的高大形象。
平面化处理 是这幅作品的一个特色，慕夏并不追求空间的纵深感，因此利用视觉效果把画面中的女主角推向观众。
海报中人物的姿势源自戏中具有代表性的一幕。
在复活节游行中，吉思梦妲身着一袭华服，手执棕榈叶，神态庄严肃穆。
《吉思梦妲》，石版画
© 1894年
刺绣毛皮披肩笔直下垂，显得她的肩膀宽大，与裙摆上跳动的图案形成对比，裙摆占据了海报的下半部分。
唯一的人物位于画面中央，而海报的上方和下方都绘有文字，包含演出名称、女主角及演出地点的信息。
画面中的拱门仿佛为女主角带上了光环，进一步突出了她的庄严而白皙的脸部，这种表现手法在慕夏后来的作品中多次出现， 这里的装饰图案参照了镶金片的拜占庭马赛克镶嵌画 。
就这样， 现实主义与效仿传统风格同时出现在一幅作品中 ，它们完美交融，产生新的美感。
莎拉·伯恩哈特《茶花女》剧照
© 1880年，摄影
无论是莎拉本人还是评论家和观众们，都对慕夏的海报艺术十分心动，莎拉也和慕夏非常合得来，于是他们又进行了第二次合作——《茶花女》。
《茶花女》海报，石版画
© 1896年，慕夏基金会
对于《茶花女》的创作，慕夏更加游刃有余，他采用了《吉思梦妲》的构图方式，只是棕榈叶被替换成了茶花树枝。女主角的面部表情凝固，但白色的裙摆轻舞飞扬。
值得一提的是，这幅作品的装饰性并不在于人物的服饰，而在于 极具诗意的背景 。
玫瑰组成一道天穹，画面中缀满了银色的星星，玛格丽特·戈蒂埃洁白的身影跃然纸上。
线条的节奏
如果观赏过慕夏的作品展览，一定对那些围绕着柔软的身体的装饰图案、浓密而流畅的发丝、轻盈的裙衫上或宽大或密集的裙褶印象深刻，它们构成了 慕夏的图像语言 。
《梦想》，装饰板，石版画
© 1897年，慕夏基金会
慕夏 通过夸张的线条营造出活力及流畅感 ，利用已有的女性形象和植物界元素，创造出一个具有 阿拉伯风情 的装饰艺术世界。
将女人的头发描绘成装饰图案 的头发处理也随之成为他作品的标志并大放异彩。
1897年，曾经给予过慕夏莫大支持的《羽毛》杂志委托慕夏绘制年历。
于是，慕夏创作了一个极其精致美丽的东方女孩：她纤长的侧影像一位苏丹王妃，正静静坐在密札浦或戈尔康达的金色大殿的门槛上。
《星座》，石版画日历
© 1897年
画中的年轻女子露出半身，侧身示人，佩戴着大量东方首饰，十二星座符号围绕着她的脸庞。
慕夏用变幻的曲线来刻画这位虚构美人的长发，越到发尾越是夸张，还画上了植物花纹的画框。
这幅作品 丰富的装饰性、富有诗意的性感 胜过慕夏此前的所有作品。
使用线条流畅的发丝幻化成阿拉伯式花纹，这样的画法同样引领了商业海报。
例如，它出现在慕夏于1897年设计的 JOB卷烟纸 上，这款商业海报一问世就被人们视为杰作。
《JOB圈烟纸》海报，石版画
© 1897年，慕夏基金会
慕夏绘制了一位女性的半身像，她看起来无精打采，躲在错综复杂的发丝后面。
发丝形成一张具有装饰效果的网，烟从女人手中的香烟袅袅升腾，两者交相辉映，与充满拜占庭风情的马赛克背景融为一体。
如此性感地展现一件消费品的功能，慕夏是第一人。
在其他商品海报中，慕夏回归了为莎拉设计的海报形式，充满了 象征主义的美感与意象 。
如果不是海报上的字母，我们可能很难理解广告要传达的信息。
《从摩纳哥到蒙特卡洛》海报，石版画
© 1897年，慕夏基金会
比如这幅《从摩纳哥到蒙特卡洛》，这是慕夏受巴黎-里昂-地中海铁路公司的委托而设计的，创作于1897年。
在世纪之交，巴黎-里昂-马赛铁路公司一度是“出发去度假”的代名词。
背景中的山峦暗示了列车驶向的目的地蔚蓝海岸，它仅占据画面中很小的部分。
画中的年轻女子凝视上方，双手托着下巴，沉醉于眼前的景色，她显然代表了春天。
然而，如果 进一步观察 ，就会发现 传递广告信息的细节 。
例如位于海报对角线上的大型植物花环，它旋转、动感的形态仿佛在铁轨上全速行驶的火车车轮，因此而切合铁路公司的主题。
历史长卷与理想主义的悲怆
作为海报设计师，慕夏擅于突出人物及物体的轮廓，并运用细腻、明快的色彩，这些方法能有效简化图像。
慕夏自拍照
© 1896年
然而，他暂时告别了这类创作，因为他获得了一个独一无二的机会——为 1900年巴黎世博会 波斯尼亚和黑塞哥维那馆设计墙面装饰。
展馆是一座田园村舍般的建筑，土耳其风格，深灰色塔楼、红色屋顶、外突的阿拉伯式遮窗格栅、拱顶走廊、带有镶嵌图案的蓝墙，独特的配色令人着迷。
通过这个机会，慕夏把自己的艺术才能施展到了更广阔的地方，他的 历史题材绘画 几乎达到了史上最杰出的水平。
《波斯尼亚和黑塞哥维那馆的壁画 》（局部）
1900年巴黎世博会，布面蛋彩画
© 巴黎，奥赛博物馆
他不出几天就完成了第一稿设计图：
“墙面装饰的主体为三幅绘画长卷，它们覆盖了整间大厅的墙面。位于下方的壁画上画满了花卉图案，中间的那幅更宽，讲述了波斯尼亚和黑塞哥维那的历史，上方的那幅取材自波斯尼亚传说。”
《波斯尼亚和黑塞哥维那馆的壁画 》（局部）
1900年巴黎世博会，布面蛋彩画
© 巴黎，奥赛博物馆
这组 由12幅绘画组成的历史长卷 以3幅反映史前文明的绘画开头，结尾则描绘了反映波斯尼亚的多种宗教信仰的三组人物，这组绘画展现了慕夏丰富的内心世界，也得以一窥他对民族的炽热之心。
因为同样 取材于历史历史及现实 ，很多人将慕夏的大型画作 《斯拉夫史诗》 与波斯尼亚和黑塞哥维那馆的装饰壁画联系在一起。
慕夏正在绘制《斯拉夫史诗 》的第六幅作品
《塞尔维亚国王艾蒂安·杜尚加冕为皇帝》
© 1924年
然而事实上，《斯拉夫史诗》与“慕夏风格”毫无关系。
“慕夏风格”指的是用阿拉伯花饰描绘人物和植物，并将两者融为一体。
这种风格显然 并不适合叙事性绘画 ，它所表达的含义模糊，并非所有人都能理解。
因此， 为了使画面的叙述清晰易懂，必须放弃美学手法 。
《斯拉夫人民在原来的国土上》，布面油画和蛋彩画
《斯拉夫史诗》第1幅作品
© 1912年，慕夏基金会
慕夏对于《斯拉夫史诗》的表现手法融合了 现实主义、浪漫主义和象征主义 ，即使他清楚，从美学的角度来说，很难让观众接受同一主题的系列绘画，这种古典的方法并不受现代艺术待见。
《向大摩拉维亚帝国介绍斯拉夫礼拜仪式》
《斯拉夫史诗》第3幅作品
© 1912年，慕夏基金会
“我希望这里能出现一些立意高远的东西，犹如管风琴的旋律般回荡在穹顶下。”
这样的信念指引着慕夏。
《斯拉夫史诗》的创作始于1910年（即奥匈帝国统治的末期），贯穿整个二战时期，于1928年完成，为捷克斯洛伐克共和国十周年献礼。
《俄罗斯废除农奴制》，布面油画和蛋彩画
《斯拉夫史诗》第19幅作品
© 1914年，慕夏基金会
整组绘画由二十幅巨大的画作组成，慕夏选取了一系列历史人物和事件，以此 回顾斯拉夫人的历史 。
为了完成这项恢宏的创作，慕夏大量借助摄影，他走遍了巴尔干半岛、东欧，对斯拉夫人的历史、文化、服装进行实地考察，并用照片记录。
它们组成了丰富的纪实素材库，为人物、服装、装饰的设计提供了很大的帮助。
模特儿为《斯拉夫椴树下的欧兰第纳誓言》摆造型
© 1925年至1926年，慕夏基金会
其中，有些照片拍摄于工作室中，工作室里搭起了画面所需的场景，有些照片则严格按照学院派的传统方法拍摄而成。
通过男、女模特儿的表现，慕夏不仅抓住了主要人物的肢体语言，还观察到人物的情绪表达，他们使画面生动了起来。
《斯拉夫椴树下的欧兰第纳誓言》，布面油画和蛋彩画
《斯拉夫史诗》第18幅作品
© 1926年，慕夏基金会
《斯拉夫史诗》是慕夏的心血之作，他渴望在精神上团结他的斯拉夫同胞，相信艺术的启迪力量能推动人性的进步。
慕夏与新艺术运动
20世纪初，在巴黎风靡一时的“新艺术”风格中，阿尔丰斯·慕夏大放异彩、受人追捧。
他的大型壁画、名伶海报、华美插图等作品均极具个人风格，线条优雅，色彩丰富，人物甜美。因而， 慕夏当之无愧地成为新艺术运动的先驱者 。
在这本 内容翔实、配图精美 的书中，菲利普·蒂埃博从 绘画、海报、插画、家具、珠宝等方面 回顾慕夏令人赞叹的创作生涯，以及他与当时新艺术派艺术家之间的故事。
《慕夏与新艺术运动》
[法] 菲利普·蒂埃博
2020年2月
华中科技大学出版社-有书至美
☾ 有趣有料的慕夏和新艺术运动一本通
捷克国宝级艺术家慕夏为首的 18位 艺术大师， 100余幅 “新艺术运动”全彩经典作品，沉浸式体验为新时代而生的“崭新艺术”。
☾ 法国知名艺术史学家、策展人倾情撰写
前任奥赛博物馆馆长执笔，绘画、海报、插画、家具、珠宝……分门别类回顾慕夏创作生涯生动还原艺术大师跌宕起伏的一生。
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16开精装便携口袋本， 随时随地汲取艺术养分 ，呼应风靡全国的慕夏展览热潮，新艺术运动爱好者的绝佳入门书。
2022年蛇女佩戴什么好
前不久，小女迪丽热巴的新剧《爱情触手可及》开播了，剧中热巴饰演的服装设计师周放，直爽干练，不仅品味好，智商情商也是双双在线，真是让人不得不爱。
当芭珠姐还沉浸于周放姐的衣品时，热巴上周末出席活动时的新造型再次让我眼前一亮。
一身米白色抹胸长裙非常漂亮、显气质，搭配的蛇形耳环更是抢眼，御姐范儿十足。
迪丽热巴佩戴Alessandra Rich蛇形耳环出席活动
其实除了热巴，不少女明星在出席活动、红毯时都选择了蛇形珠宝。
Miley Cyrus
Bella Hadid
“蛇”和女性一直难舍难分？
女性戴上蛇形珠宝，突然就增加了魅力，其实从古到今，女性与蛇都有着难以说清的渊源。在不同的神话故事和文化中，蛇总是被赋予不同女性意象，或善良或，但她们的外表一定都是美丽的。比如东方神话故事中，有创造出主形象的人面蛇身的女娲，还有知恩图报的蛇精白素贞，这些都是正面的象征。
唐《伏羲女娲图》
当然，蛇也曾是、阴险、魅惑的象征，大家最熟悉的可能是古希腊神话中的蛇发女——美杜莎。除此之外，我们还常用到一些带“蛇”字的成语来形容女性，例如蛇蝎美人，大概是因为蛇也往往拥有美丽的花纹，却散发着致命的危险。
Caravaggio的美杜莎油画作品
珠宝界为什么把蛇宠上天？
那么蛇又是如何进入珠宝圈并且流行到了今天呢？最早的蛇形珠宝出现在古埃及时期，当时的人们认为蛇代表着忠诚和神性，在埃及法老和王后的王冠头饰上，我们就能够找到由黄金与宝石的蛇形图腾。声名显赫的埃及艳后克里奥帕特拉（Cleopatra VII Philopator）对蛇相当崇敬，她的不少珠宝上都装点着灵蛇图案。也有她是让一条蛇咬死自己来同时结束自己和埃及的生命，可见她对蛇多么敬重和崇拜了。
奥帕特拉佩戴过的黄金蛇形臂环，公元前1世纪
1962年，伊丽莎白•泰勒出演了经典的历史剧情片《埃及艳后》，中泰勒佩戴蛇形臂环，完美重现了埃及艳后的气场以及威严。她在为《埃及艳后》拍摄的宣传照时还佩戴了宝格丽的蛇形手镯腕表，蛇头画作表盘，而蜿蜒的身体则化作表带缠绕在手腕上，至今这都是宝格丽的经典号。
伊丽莎白•泰勒在《埃及艳后》中的剧照
在古埃及的珠宝刚兴起时，还出现了一种叫作“衔尾蛇”(Ouroboros) 号，呈现蛇形生物首尾相接的自噬造型，象征着再生、循环和永恒的生命，而这个号在之后的历史中依旧是无数珠宝的灵感 。
Gucci 古驰
Gucci Ouroboros系列戒指，2022 年
18K金、钻石、黑钻、红色拓帕石
虽然蛇图腾很古老，但在中世纪时期(约公元476年-公元1640年)蛇形珠宝几乎消失，因为的《经》中蛇教唆夏娃偷尝，所以人们一度对蛇元素十分反感，它被视为的象征。而从新让蛇元素流行起来的，则是女王维多利亚。
维多利亚女王与阿尔伯特亲王人物油画
维多利亚女王从小就喜欢蛇的元素，少女时代就戴过蛇形手镯。她的丈夫阿尔伯特亲王送给她的订婚戒指也是一条灵蛇。她将这样的蛇形视为无止尽的爱情的象征，还曾固执地将蛇的图腾视为自己的，无论是在正式会议上还是婚礼上，都要佩戴了“蛇”才能安心。
维多利亚风格蛇形耳环
18K金镶嵌钻石、
而在女王这位时尚Icon的推崇下，蛇形珠宝逐渐由戒指延伸到手镯、胸针和帽针，久而久之，佩戴蛇形珠宝自然成为了维多利亚时期的风潮，时髦女郎都很喜欢佩戴，蛇形珠宝的出镜率在这一时期可谓达到了顶峰，这种影响也辐射欧洲。
维多利亚时期 蛇形绿松石项链
伦敦佳士得拍品
古埃及时期的蛇形珠宝主要用黄金打造，而维多利亚时期的蛇形珠宝非常有特色，它们往往在蛇身镶嵌了各种宝石，绿松石尤为常见。但在1861年阿尔伯特亲王去世后，带有悼念意味的暗色宝石材质逐渐取代，镶嵌煤精、硬橡胶玛瑙、黑檀木、石榴石的蛇形珠宝变得更为多见。
维多利亚风格的胸针，约1880年
镶嵌珍珠、钻石、黑珐琅
到了19世纪末20世纪初的新艺术运动时期，珐琅工艺的流行起来，使用了珐琅材质的蛇形珠宝在造型上更加贴近自然。其中更具有代表性的珠宝艺术家有Georges Fouquet、René Lalique等等。
René Lalique珠宝作品 九头蛇
Icon的作用不容小觑
女性对经典珠宝的诞生和往往有不可或缺的作用，除了上面提到过的伊丽莎白•泰勒，二十世纪中期的拉丁美洲女星•菲利克斯（Maria Felix）也是其中之一。她日常装扮十分有特色，经常会将家乡风格和高级时装混搭在一起，就是她更爱的异国风情Style。而且她酷爱收奢华珠宝而且对野性自然有着疯狂的热情，她是卡地亚的忠实顾客，还曾经委托卡地亚以她的宠物鳄鱼为原型，定制了一条鳄鱼项链，后来成为她极具标志性的珠宝了。
Maria Felix佩戴蛇形卡地亚项链
而在那之前，1968年时，•菲利克斯还向卡地亚定制了一条铂金镶钻蛇形项链，整条项链为钻石和珐琅铰接式，完美地展现出微微发光的起伏蛇鳞，这种装置结构可以使项链柔软灵活，还能伸展到不可思议的长度，太精巧了！这件之作也为卡地亚之后的蛇形珠宝作品提供了源源不断的灵感。
Cartier卡地亚为Maria Felix定制的蛇形项链，1968年
Cartier 卡地亚
Eternity蛇形项链，1997年
同样是在1968年，宝诗龙首款以Serpent命名的系列也应运而生了，这是Boucheron先生致敬爱妻Gabrielle的作品，代表了永恒的爱情、呵护和幸福。
Boucheron 宝诗龙
蛇形项链
黄金、粉色、橘色、蓝宝石及无色钻石
后来宝诗龙再次推出Serpent Bohéme系列珠宝，将复杂的蛇形珠宝化作极简的现代抽象作品，采用水滴造型来比拟蛇头，毋庸置疑，蛇也已然成为宝诗龙标志性的设计了。
Boucheron 宝诗龙
SerpentBohème图案戒指（大号款）
爱时尚的小女们对•弗里兰（Diana Vreeland）肯定不陌生，这位时尚界和fashionista心目中的皇太后，用天马行空又大胆的理念和独到眼光，创造了《Vogue》的黄金时代，不仅如此，她还曾担任《Harper’s BAZAAR》主编，绝对算是时尚教母级的人物。她对蛇也十分痴迷，她还在回忆录里写道：“不要忘记蛇……蛇应该在所有的手指上、所有的手腕上及所有的地方上……蛇是古埃及守荷鲁斯首饰上的花纹。我们看到多少都不足够……”
•弗里兰（Diana Vreeland）曾经定制过一条宝格丽的腰带，并且别出心裁地当做项链戴在脖子上！在当时看，真的是新意、时髦绝顶了！
Diana Vreeland佩戴蛇形项链腰带
宝格丽还曾于2010年重新复制了这个项链腰带，玫瑰红与白色结合的珐琅纹饰，高贵优雅又十分奢华。
Bvlgari 宝格丽
Serpenti系列腰带，1970年
曾被Diana Vreeland收
除了这件珠宝，宝格丽在品牌发展历史上还有数不胜数的蛇形珠宝之作。蛇之所以会成为宝格丽最重要号之一，是因为宝格丽的创始人Sotirio Bvlgari是希腊人，家族为躲避土耳其才到了意大利。蛇在希腊神话中有非常重要的象征，于是作为希腊人的Sotirio Bvlgari在20世纪40年代就已经先于很多珠宝商把蛇元素运用在了手镯腕表上，抢占了先机。
Bvlgari 宝格丽
Serpenti手镯表，1958年
现为私人品
Bvlgari 宝格丽
典古董系列Serpenti项链，1969年
蛇形珠宝火爆至今，到了近些年就又多了些别的身份，2022 年时火爆全球的泰勒•斯威夫特（Taylor Swift）的单曲《Look What You Made Me Do》中就满是它的身影。为了拍这部“蛇性”满满的MV ，霉霉集齐了几乎所有跟蛇有关的珠宝，也是蛮拼的，涉及的品牌和珠宝款式也是超多的。
面对手撕对象的“蛇”的讽刺，霉霉这次直接大大方方地以蛇女造型出镜，针对各种Diss霸气反击。高居王座的霉霉身上挂满了经典的Bvlgari蛇形珠宝，将所有的“黑子”（蛇）踩在脚下，全身女王的标配，就是霸气！
Taylor Swift MV中佩戴蛇形戒指
除了最经典的蛇女王造型，霉霉的许多其他新造型也都“蛇性”满满。芭珠姐印象最深的就是这套皮衣配双蛇耳环的造型了，摇滚性感女王路线谁不说句绝！
Taylor Swift MV中佩戴Borgion双蛇耳环
回顾这些女性与蛇形珠宝的渊源，有人为它的灵性、神秘趋之若鹜，也有人独爱它的媚、狡黠，但它始终盘踞在追求美的女性的身旁，并与大自然着最亲密的 ，让人心生敬畏。从古埃及出现的之一枚蛇形珠宝开始，灵蛇变幻了千百种姿态，而这一经典意象给东艺术家们带来的是无尽的创作可能，所以就格外的受欢迎吧！
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芭莎珠宝传媒 内容
未经 ，
如需，请联络我们获取
以上就是与2022年蛇女佩戴什么好相关内容，是关于珠宝的分享。看完属蛇一生有几次婚姻后，希望这对大家有所帮助！
#古埃及文明#古埃及早我们的印象中，总是带有一种神秘独特的感觉，几个世纪都是如此，古埃及闻名似乎有着一种魅力向世人展现着自身的魅力，在18世纪末到20世纪初的考古更是让人们对法老极度奢华的生活产生了更多的遐想和期待，它的复兴主义更是引起无数的艺术家和珠宝设计师们的灵感。
曾经在1798年的时候拿破仑远征埃及但是最终还是以失败告终，虽然失败了但是也不是一无所获，他将这古老文明的神秘文化首次的带入了欧洲大陆，在1799年的时候法国上尉在尼罗河三角洲的罗塞塔城附近建造防御工事的时候无意间发现了已扩啊黑色的花岗岩石碑，这就是人类考古历史上著名的“罗塞塔石碑”。
石碑上密密麻麻的写着文字。是当时的祭祀们为年仅13岁的托勒密五世加冕一周年纪念做成的石碑，上面采用了三种字体来书写，第一段采用了古埃及象形文字代表献给神明的文字，第二段是古埃及草书，最后一段是古希腊语是同时统治者的语言。
从首次古埃及文化传入欧洲之后，人们便开始创造出来埃及化风格的装饰，并且渗透到了很多领域当中，比较典型的便是建筑和家具设计，后面在1822年到1824年的时候那块罗萨塔石碑的象形文字被破译。
在1869年的时候苏伊士运河开通，1871年的时候威尔第的歌剧在刚竣工的开罗歌剧院首演，每一件事都造成了民众们极大的反响，同时也让古埃及热潮持续升温。
不仅如此，古埃及文化对于珠宝设计也有很大的影响，在19世界中后期的英国和法国珠宝设计中便看得出来，那些著名的珠宝商纷纷以埃及为主题来设计珠宝。
到了19世纪末，更多的珠宝商们开始尝试将埃及元素和珠宝融合，比如古埃及的象形文字和狮身人面像，还有法老王以及蛇等等，他们用松石、玉髓和青金石等浮雕的形式出现在金灿灿的黄金背板上。
后面新艺术运动在世纪之交上越来越受欢迎，也带来了崇尚自然风格的全新艺术形式，但是这也没有让古埃及风格就此消亡，反而还以一种新的镶嵌技术重新演绎，古埃及宗教信仰一位女神伊西斯，是健康、婚姻的爱之女神，人们用和这个图案完美的迎合了新艺术时期的女性珠宝。
民众对于埃及的热情飙升到了巅峰时期是因为1922年的埃及法老王图坦卡蒙的陵墓被发现，他的金色遗产，用白金钻石和彩色钻石谱写了二十年代的新篇章。
要说在埃及复兴珠宝中添上了浓墨重彩的一笔要数ArtDeco的珠宝风格了，它的珠宝主要是白金钻石为底，采用了鲜明对比色的彩色宝石来作镶嵌，装饰艺术效果最佳，相对于其他的珠宝饰品来说，不管是项链还是胸针或者手镯，甚至是烟盒和珠宝座钟，每一件都体现着埃及的元素。
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