新艺术运动的影响及其成就

影响：新艺术运动的风格是多种多样的，在各国都产生了影响。在欧洲的不同国家，拥有不同的风格特点，甚至于名称也不尽相同。 

“新艺术”一词为法文词，法国、荷兰、比利时、西班牙、意大利等以此命名，而德国则称之为“青年风格”（Jugendstil），奥地利的维也纳称它为“分离派”（Secessionist），斯堪的纳维亚各国则称之为“工艺美术运动”。

成就：十多个国家，从建筑、家具、产品、首饰、服装、平面设计、书籍插画一直到雕塑和绘画艺术都受到影响，延续长达十余年，是设计史上一次非常重要的形式主义运动。

扩展资料

新艺术的出现经过了很长的酝酿阶段，许多著名的设计家都认为英国文化为新艺术运动铺平了道路。但是，对于新艺术发展影响最深的还是英国的工艺美术运动。

威廉·莫里斯十分强调装饰与结构因素的一致和协调，为此他抛弃了被动地依附于已有结构的传统装饰纹样，而极力主张采用自然主题的装饰，开创了从自然形式、流畅的线型花纹和植物形态中进行提炼的过程，新艺术的设计师们则把这一过程推向了极端。

工艺美术运动的思想在欧洲大陆广为传播，终于在追求美学社会理想的过程中转变为接受机械化，最终导致了一场以新艺术为中心的、广泛的设计运动，并在1890年至1910年间达到了高潮。

这也太简单了

我稍微解释下啊，

1、 工艺美术运动抵制机器大工业，而新艺术运动实质并不抵制机器 工业

2、工艺崇尚中世纪动植物线条，主张艺术应效法古代而有所尝新，而新艺术则抛弃了传统装饰风格，走向自然装饰，突出表现曲线和有机形态，对建筑，装饰等行业产生了深刻影响，是现代主义的先声，对以后的现代主义产生了深远影响。

3、工艺美术主张艺术理念必须源自于大众，设计必须忠于材料的自然性质，以制作安静、诚实、永恒的精致手工艺术品，物品的形状必须与其使用目的一致，其实只是在简单的工业成品表面加上一些图案而已。而新艺术新艺术起源于法国，但在欧洲其它国家却有着不同的称谓。如德国的新艺术被称为"青年风格"。在奥地利则以"维也纳分离派"著称。新艺术运动主张"新"，提倡向生活学习，向自然学习。在风格上强调装饰性、象征性，在平面设计的完美性方面达到了一个新的高度。

4、“工艺美术运动”作为现代设计艺术观念的先导，有着极其重要的历史意义。其自然植物的线条，成为新艺术的开端“新艺术运动”实质上是英国“工艺美术运动”在欧洲大陆的延续与传播。

导读：吊坠上的绿宝石、蓝宝石及其祖母绿被切成独特的样子，这类激光切割方法能够在侧边产生一个光与影的差距和折射光，使它好似一面镜子，把这种晶石也是根据独特的包镶加工工艺安上来的，他们紧挨着相互却看不到金属

​“佳士得”针对大部分人而言都不容易生疏，他是由美国人勒布朗詹姆斯佳士得在纽约创建的，历经起起落落，他已变成历史时间最悠久的拍卖场。

其涉及到的行业十分的普遍：老古董、工艺品、轿车、房地产、工艺品、珠宝这些。其业务流程遍布世界各国，今日大家就来赏析一下佳士得的珠宝，来赏析他的一些精典珠宝及其拍出天价的珠宝，期待这种精典能对大家对珠宝有一个高些的了解。

你可以讲出这一叠戒指中的每一颗晶石的姓名吗？最上边的是无以伦比的深蓝色帕拉伊巴碧玺，正中间的是精致的锡兰蓝宝石，底端是一枚重约7克拉的颜色浓厚的**钻石。这三枚钻戒您会挑选哪一个？

珠宝饰品和初春有联络吗？你坚信珠宝还可以好似花束一样的绽放吗？这种“神密的”蓝宝石和绿宝石花吊坠由梵克雅宝（VanCleef＆Arpels）制做，它由梵克雅宝荷兰珠宝企业制作，并于1933年得到 专利权。吊坠上的绿宝石、蓝宝石及其祖母绿被切成独特的样子，这类激光切割方法能够在侧边产生一个光与影的差距和折射光，使它好似一面镜子，把这种晶石也是根据独特的包镶加工工艺安上来的，他们紧挨着相互却看不到金属材料基座，那样的加工工艺只能极少数的大珠宝商才可以保证。匠大家花销了很多的时间和活力才制做出了这让人目不暇接的珠宝。

蓝天白云一直是大家所憧憬的，大家是不是可以有好似蓝天白云一样蔚蓝随意的珠宝呢？大家讨论一下由卡地亚手表设计方案的EnVole系列产品镯子吧，它由裸钻、蓝宝石和祖母绿构成的飞翔的小鸟，设计方案栩栩如生轻快，它以前在纽约佳士得拍卖行以137000美金的价钱卖出。

如果你见到这对耳饰的情况下，是不是你被这蓝宝石和裸钻制做的耳饰所吃惊，它由哈里温斯顿制作，这种蓝宝石所有是纯天然锡兰蓝宝石，2016年在中国香港佳士得拍卖行售卖。

如今你见到的是珐琅彩加工工艺的海蓝宝挂坠，这类由薄薄金镶板做成的支气管在加温时候变全透明这类技术性从欧洲中世纪刚开始，可是在十九世纪就被废料了，但接着在十九世纪90年代，新艺术运动的珠宝商将此项技术性提高来到最大水准。这颗漂亮的海蓝宝挂坠于今年11月在法国巴黎珠宝交易会内以72,500英镑的价钱卖出。

这一件饰品是Etcetera企业制做的3851卡拉祖母绿裸钻镯子，它在2016年在中国香港佳士得拍卖行售卖。这么大的规格、没有一切人工服务解决的祖母绿是十分少见的。再加美丽动人的高对比度的色调和十分高的纯净度，即便在澳大利亚生产的这类尺寸的祖母绿中也是非常少见的，在显微镜下能够观查到的小量包囊体意味着了知名的Muzo、Coscuez和Chivor矿山的澳大利亚祖母绿的特点，这好多个矿山都坐落于澳大利亚安第斯山东科迪勒拉的翠绿色山下，而且这儿生产最好是的澳大利亚祖母绿。

这是一个经典的祖母绿切工水平激光切割的裸钻，这一激光切割方法过去好多个新世纪前刚开始，这一激光切割方法令其桌面上（table）一部分很大，令人把裸钻的内部看得更透亮，因而这一激光切割方法对钻石的净度规定十分高，假如纯净度不足则会把缺陷曝露毫无疑问。

珠宝饰品和初春，大家希望见到百花盛开这里。一些大家不在意在公园里种的花？这种“神密的”蓝宝石和绿宝石花吊坠由范克莱夫和阿皮尔斯！之前在纽约佳士得拍卖行售卖。这一代表性的神密情景是由荷兰珠宝企业开发设计的，并于1933年得到 专利权。配对的晶石(一般 是蓝宝石或绿宝石；非常少(绿宝石因其敏感而被切成独特的样子，并有附加的侧边以出示一个光与影的差距和折射光，如同一面镜子，而这种晶石应用了一个独特包镶加工工艺，这种晶石尽管牢牢地靠着，可是你却看不见一切金属材料基座，那样的加工工艺不仅必须花销很多的时间，并且只能极少数的顶尖珠宝商才可以保证。

最终这一件是由彼得·韦伯(DavidWebb)设计方案的一件挂坠吊坠双用款饰品，它以一颗光亮的狒狒蓝宝石为管理中心，加上珊瑚丛、裸钻及其珐琅工艺。这一件吊坠的设计方案有点儿相近伊利莎白·威廉姆斯个人收藏的一珠宝。

19世纪初期，欧洲各国的工业革命先后完成，与此同时也给社会带来了一个新问题：大批工业产品被投放到市场上，但设计上却非常粗糙和拙劣。在1851年的英国伦敦举办的第一次世界博览会上，这一问题就被充分的暴露出来。当时的展品中工业产品占了很大的比例，外型全部相当粗陋。工匠们尝试用一点装饰来加以弥补，硬是把哥特式的纹样刻到铸铁的蒸汽机上；在金属椅子上用油漆画上木纹；整个展品一片庸俗，完全体现不出美学功底以及装饰原则。一些关心艺术的人通常都把这一问题归罪于机器。

其实仔细推敲会发现问题的根源所在。中世纪那些受过行会训练，有教养的工匠阶层在所谓的“理性时代”被一扫而光，导致所有产品的外观造型都交给了那些缺乏教养的制造商来胡乱处理。然而这些粗俗的产品由于非常廉价，反而受到广大群众的青睐。而这些群众没有受过良好教育，他们要么有钱没时间，要么既没钱又没时间。这就将导致大众的艺术品位受到严重的污染。而此时的大部分艺术家受席勒（Schiller）的艺术哲学以及浪漫主义思想的影响，轻视实用价值和广大公众，他们把自己禁锢起来，远离时代的真实生活，退居到他圣神的小圈子里，创造为艺术的艺术，为艺术家自己享用的艺术。

事实上，这次展览的组织者当中的艺术团队亨利·科尔(Henry Cole,1808-1882)、欧文·琼斯(Owen Jones,1809-1874年)、马修·迪格比·怀亚特(Matthew Digby Wyatt,1820-1877 )和理查德·雷德格雷夫（Richard Redgrave，1804-1888）都十分重视上面的问题，想通过这个展览尝试对美学方面进行一次改革。

在1849年，科尔创立了一本名为《设计与制造学报》杂志。这本杂志所推崇的理念就是“装饰……与被装饰物相比必须是次要的，”“装饰对被装饰物而言必须是适当的”。而这些都来自于，几年前普金创立的信条。普金(August W N Pugin)在他的著作《尖拱顶或基督教的真实原则》中开宗明义“设计的两大原则……其一，去掉与建筑的方便性、可建设性和适用性无益的特征，”“其二，所有的装饰都应是建筑的精华浓缩而成”①。普金出生于法国移民家庭，后来信奉罗马天主教。他以维多利亚建筑史上哥特风格复兴先驱而著称于世，同时倡导设计与制造业的诚实和直率。他的这些思想在很大程度上影响了英国艺术理论家和散文作家约翰·拉斯金(John Ruskin,1819-1900)。

作为一位社会主义者的拉斯金，他的设计理论具有很强的民主色彩，他认为真正艺术必须为人民创作的，否定造型艺术——所谓大艺术（纯艺术）与被称为小艺术的手工艺、室内装饰等之间存在着什么差别。主张艺术家从事美术设计，让美术和技术相结合。

普金对中世纪艺术的道德内容的倡导也对拉斯金产生了重要的影响。拉斯金同样反对装饰的过度，认为装饰应当适当并且真实。他在1849年所著的《建筑的七盏明灯》的第二盏就是真实，对拉斯金来说，真实就是用手去制作，而且必须是愉快的去做。如果像希腊以及埃及的工匠那样，那还是卑屈的不真实的，因为“这儿的工匠地位低微，他们的技术和能力完全受上司意志的支配”。只有中世纪时期的手工制作才是真实的、美的，特别是基督教装饰“彻底摆脱了这种奴颜婢膝，因为基督教不管在大事还是小事上，都认识到个人的价值。但他除了承认这种价值外，还承认这种价值是不完善的，因为这种价值认为只有承认微不足道的事才具有尊严……哥特学派中最值得羡慕的也许是它们接受低等人的劳动成果,指出其中不完善的地方,宽容地树起一座完整、庄严而又无可指责的艺术之宫。”②，他在题为“生命之灯”这章中也写到“最宝贵的正是那些生命的迹象”。

拉斯金在装饰上推崇自然主义，反对维多利亚的繁琐矫饰的装饰。他认为“不是源于自然界的形式必定是丑的”③。他对机器的否定，他把机器产生的单调看成是死亡的东西，而把手工制作的东西看成是生命的表现。

拉斯金的这些理论思想最后成为英国工艺美术运动的主导思想。而将他的理论付诸实践的是英国工艺美术运动的倡导者、设计家、画家、诗人和社会改革家威廉·莫里斯(William Morris,1834-1896)。

莫里斯的家庭很富裕，家里也非常重视他的教育，使得他能够在牛津大学建筑系学习。在大学期间莫里斯听过拉斯金的讲课并深受普金影响，也读过拉斯金的著作《威尼斯的石头》。他对此书非常痴迷，并对哥特式建筑产生了兴趣。曾在一个暑假和大学同学也是他后来的合伙人爱德华·伯恩·琼斯(Burne Jones,1833-1898)一起到法国旅游，目的是调查哥特式建筑。这次旅游让他们大开眼界，也是他们毕生热衷于哥特复兴的设计活动的开始。毕业后莫里斯进入专门从事哥特风格建筑设计的乔治·斯特里特设计事务所（George Edmund Street）研究建筑。后来在好友但丁·罗西蒂（Dante Gabriel Rossetti）（拉斐尔前派的发起人之一）的竭力劝说于1857年离开了斯特里特工作室，来到伦敦，开始他的设计生涯及拉斯金理论的实践。

1859年莫里斯在布置他的新婚住房时，因为市面上找不到理想的住宅，和像样的桌子与椅子。家庭富裕的他又是学建筑出身。于是冒出了自己动手设计住房及家具的想法。他请他的朋友、也是斯特里特工作室的同事菲利普·韦伯（Philip Webb,1831-1915）为自己设计房屋。起初韦伯画了一个对称结构的房子图纸给莫里斯看。由于莫里斯深受拉斯金的影响，以及他自己的反叛思想，硬是把它改成不对称的结构。也正是他这种反叛思想，在韦伯想要给房子墙面粉饰时遭到阻止。直接就把红墙露在外面。这就是艺术史上至今依然赫赫有名的“红屋”（图1）整个红屋完全没有学院派的清规戒律；从背面规划，把建筑的正面作为次要的考虑；同时整个建筑的内部结构完全展示出来了，建筑与环境达到完美的结合与统一。与此同时，他们在设计屋子里的炉壁时，甚至将各种风格混在一起。莫里斯还动手设计了家具及壁纸，窗帘，帷幔的图案，并且由莫里斯的妻子珍妮亲手刺绣完成，风格上都追求哥特式的统一。红屋的设计可以说是对拉斯金理论的首次尝试性的实践，为后面的工艺美术运动打开了通道，也成为新艺术运动的早期样板。

莫里斯考虑到社会上还有很多人也同样需要一个像“红屋”一样的住宅，同时也为了实现和发展拉斯金的理论思想，1861年他与好友马歇尔（Marshall）和福克纳（Faulkner）及工艺美术工匠们成立了一个制造和装饰公司（简称MMF）。公司的业务分五大类：绘画、雕刻、家具、铁件制造。真正实现了拉斯金的“艺术家从事美术设计，让美术和技术相结合”的理想，充分显示了“艺术应取之于民，用之于民”的观点。这也标准着西方艺术新纪元的开始

1874年左右，公司由于财政问题，莫里斯将其他两个两个合伙人的股份买了下来，单独经营，改名为“莫里斯公司，并扩大了公司的规模。同时莫里斯自己在设计上也获得了国际名声。然而当他要想艺术能有更广泛的大众化的市场，他却失败了，因为他和拉斯金一样否定机械，也就不能批量生产，而通过艺术家手工制造的产品必定是贵的，也就不能更广泛的服务于大众。因此他的产品也还是只能服务与那些有钱的人。

19世纪70年代，莫里斯为了艺术能更广泛服务于大众，并提高和引导大众的艺术品位。他开始慢慢转向政治活动，“他以公开从事当时已精神失常的拉斯金的社会主义和文物保护事业为己任。”并于1877年成立了古建筑保护协会。1883年他开始阅读卡尔·马克思的著作，并在同年加入社会民主同盟，1887年社会民主联盟解散后，和马克思的女儿艾琳娜在埃夫林和巴克斯的帮助下成立了社会主义联盟，同时担任联盟机关报《公共福利》杂志的主编。他在该杂志上发表了很多有关于艺术和社会问题的文章，其中包括他那本带有空想社会主义色彩的小说《乌有乡消息》。他早年在受拉斯金理论影响下形成的民主思想，以及后来的社会主义思想得到了清晰的阐述，而在阐述的同时，形成了他关于工艺美术的理论体系。

在他1877年至1894年间发表的35篇讲演中，逐渐将艺术问题扩展到社会科学的领域中去了。他对艺术家们所谓的个人情感，和创作上的灵感感到厌恶。“说什么‘灵感’完全是胡扯”，说“根本没有这回事，有的仅仅是技术。”④他痛恨艺术家们脱离现实的日常生活，“用希腊和意大利之梦把自己紧紧地包裹起来……对于这些东西只有极少数人还在假装受到感动，或不懂装懂”⑤。莫里斯告诉我们“如果不是人人都能享受的艺术，那艺术跟我们有何相干？”⑥在论述大艺术（纯艺术）与小艺术（手工艺）的关系时，他和拉斯金的观点（前面已经提过）几乎是一样的，他说“我们没有办法区分所谓的大艺术和小艺术，把艺术如此区分，小艺术就会显得是毫无价值的、机械的、没有理智的东西……失去小艺术的支持，大艺术就会失去了为大众服务的价值，而成为毫无意义的附庸，成为有钱人的玩物。”真正的艺术必须是“为人民所创造，又为人民服务的”⑦。他的希望是“想起了野蛮主义能再度泛滥全球，使世界能再次变得既美丽动人而有富于戏剧性效果”⑧。

在莫里斯的影响下，一批年轻的艺术家开始组织自己的公司，称之为行会。从而掀起了一场复兴手工艺的艺术运动——工艺美术运动。其中有五个行会在当时非常著名：1882年阿瑟·海盖特·麦克默杜（AHMackmurdo）成立的“世纪行会”、1884年成立的“艺术工作者行会”、同年成立的“家庭艺术与工业协会”、1888年莫里斯的学生查尔斯·罗伯特·阿什比(Charles Robert Ashbee )组织的“手工艺行会”以及同年的“工艺美术展览协会”，工艺美术运动便由这个协会而得名。

工艺美术运动在轰轰烈烈地进行的同时也孕育了另外一场运动。在工艺美术运动打下的基础上以及日本和中国产品的引进。艺术家正处在一个艺术革命的年代，他们所面临的是一个在艺术领域需要全面改造和设计的社会，包括建筑、家具、工艺、珠宝设计、平面设计等等。艺术家们为了争夺他们在不同领域的席位，个个标新立异。甚至一个人占据好几个席位。这就是从19世纪80年代一直延续到第一次世界大战，波及整个欧洲和北美的新艺术运动。可以说这场运动的主导思想继承了工艺美术运动的思想。以反传统、反维多利亚的繁琐矫饰装饰风格为主，但比工艺美术运动更加强调自然主义和东方风格

国际上公认的新艺术运动的第一件作品就是“世纪行会”的创始人麦克默杜于1883年为《雷恩城市教堂》一书设计的封面（图2）。画面中充满了不对称的、细长的曲线，画面两边分别立着一只细长的公鸡，这正是新艺术运动中的一种普遍风格，但这本书的诉求不是新艺术运动。在英国北部的苏格兰的一位插图画家对新艺术运动的发展起到很大作用。他就是比亚兹莱(Beardsley,1872-1898)。算得上个传奇人物，他七岁就被确诊患有肺结核，26岁就死了。但是他在插图画上的影响却是无人可比。他仅仅在艺术夜校受过两个月的正式训练，完全靠自学；在他20岁到22岁这两年与拉斐尔前派有过接触。他的插图画中，完全看不出学院派的教条“他把世上一切不一致的事物聚在一起，以他自己的模式来使他们织成一致”。从他的画中也可以看到很多东方与西方相结合的痕迹。比亚兹莱所处的时期正是新艺术运动的“摇篮时代”，而当新艺术运动进入繁盛时期时，英国却从我们的视野中消失了。

新艺术运动的发祥地是在法国。19世纪末，法国艺术家已经开始对当时的维多利亚式风格的感到厌烦。1900年的巴黎世界博览会新艺术开始崭露头角。当时参加展览的一位法国南斯市的设计师埃米尔·加莱(Emile Galle,1846-1904)，早在1884年就开始展现一种完全不是维多利亚的造型雅致、色彩奇妙的玻璃制品。他的设计思想具有强烈的自然主义倾向，他深信大自然是获得灵感的唯一来源。1893年美国设计师路易·蒂凡尼(Louis Comfort Tiffany)开始生产他的玻璃制品。蒂凡尼是美国新艺术运动大本营的蒂凡尼百货公司的奠基人，他把工业生产和艺术表现结合起来的做法给萨穆尔·宾很大的启发。萨穆尔·宾(Samuel Bing)是一个出版商、贸易商，曾于1875年赴远东游历，对日本艺术产生了浓厚的兴趣。在1888年出版了一份杂志《日本艺术》，他自己也被公认为日本艺术鉴赏家。之后1895年在巴黎普罗旺斯路开了一家“新艺术商店”，目的是“为那些渴望展出他们带有现代倾向的作品的热情的年轻人和所有渴望看到我们时代艺术中蕴涵的能量的艺术爱好者们提供一个聚会的场所。”⑨在商店开业时，展出了伯纳尔、劳特雷克、比亚兹莱、加莱等一些具有强烈自然主义的作品。在巴黎世界博览会上“新艺术宾”展厅展出了新艺术商店的展品，在当时引起了广泛的关注，报刊也开始用“新艺术”来代表这种新的风格。

1896年巴黎成立了一个“六人团”也同样推崇“新艺术”风格。其中最为出名也最为有趣的就是建筑师赫克托·吉马德(Hector Plumet)，他直截了当地将新艺术运动的风格运用于巴黎地铁入口建筑（图3）。充分发挥了自然主义的特点，这些入口的顶棚和栏杆都模仿植物的形状，特别是扭曲的树木枝干，缠绕的藤蔓，顶棚还有意地采用海贝的形状来处理。

比利时的一位著名建筑师霍尔塔(Horta,1861-1947,比利时新艺术运动的代表人之一），在1892年设计建造的布鲁塞尔保尔·艾米利·占森路6号即原来的都灵路12号住宅（图4）。比起吉马德则更完美地将新艺术运动的风格运用于建筑当中，也是建筑史上的首次尝试。新艺术中的细长曲线、模仿自然中的藤蔓等风格在他这里得到了完美呈现。整个建筑风格统一，屋内也显得非常透亮、唯美。霍尔塔是于1894年成立“自由美学社”的重要***之一。自由美学社的前身是于1884年成立的“二十人团”。当时该组织主要介绍先锋派艺术家的绘画作品，比如劳特雷克、高更、塞尚、梵高等。到1891年左右受霍尔塔的好友凡·德·维尔德(Van de Velde)的影响，开始介绍英国工艺美术运动的作品，慢慢放弃绘画走向适用美术，并于1894改名为自由美学社。展览的内容变得更加丰富，包括比亚兹莱、莫里斯、阿什比等等。那么维尔德是个什么人物呢？他在比利时就类似于英国的莫里斯。维尔德早期是个画家，1891年左右开始注意到英国的工艺美术运动。于是放弃绘画从事设计工作。他和莫里斯一样是个社会主义与民主主义者。维尔德在设计上强调理性思维，装饰上在对自然形态的吸取时，必须要经过选择、分析和概括，最后变成一种抽象形态的过程。“根据理性结构原理所创造出来的完全实用的设计，才能够真正实现美的第一要素，同时也才能取得美的本质”⑩。他的这种理性使他注意到莫里斯学说的不足之处，因此他不反对机器，对机器持肯定的态度。这也使得他成为现代设计史上最重要的奠基人，他的影响远远超出了比利时的国界，在欧洲各国，特别是在德国有很深刻的影响。

1895年，德国著名艺术评论家格拉夫（Meier-Graefe）创办了一份介绍德国当代艺术与文学的杂志《潘》，同年格拉夫与萨穆尔·宾一起发现了维尔德自己设计的住宅，他们都十分欣赏。1897年维尔德的室内设计作品在德累斯顿实用艺术展上展出，他设计的家具上富有创造力的曲线更是深受格拉夫的推崇。与此同时，一些怀有与维尔德相似的改造艺术的目的的青年艺术家，在慕尼黑成立了“艺术和手工艺联合工厂”。这些人当中包括奥布里斯特(Hermann Obrist,1863-1927)、奥古斯特·恩德尔(August Endell)、彼得·贝伦斯(Peter Behrens)等。他们同样不反对机器，相反希望能通过机器来生产艺术作品。设计风格也开始转变为一种更加抽象和几何化的风格。同样奥地利维也纳的一批前卫艺术家和建筑家共19人，也组织了一个自称“分离派”的团体（主创人员包括：克里姆特，约瑟·霍夫曼(Jose Hoffmann,1870-1956)、约瑟夫·玛利亚·奥尔布里奇(Joseph Maria Oibrich)和科罗曼·莫泽(Koloman Moser)）。思想上和德国非常相似，不过分离派受建筑师奥拓·华格纳(Otto Wagner,1841-1918)的影响。设计上更加强调功能性，而把装饰放在次要的位子，形态开始摆脱新艺术运动的曲线风格。分离派定期的举办展览来推动他们的学说。1900年，英国设计师查尔斯·雷尼·麦金托什(Charles Rennie Mackintosh,1868-1928)的作品通过分离派的展览被介绍到奥地利。引起了强烈反响。麦金托什的设计完全放弃了新艺术运动中的自然主义装饰风格，采用简单的几何图形，特别是以纵横的直线为基础结构，色彩上以黑白为主（图5）。

而在西班牙的一个建筑师与麦金托什正好相反，他是将新艺术运动的曲线风格发展到极致。他就是安东尼奥·高迪(Antoni Gaudi,1852-1926)，他的建筑充满了想象，他使用破碎的瓷片和杯、碟当作装饰材料让人感到不可思议。高迪成熟期的建筑更是体现了他对自然的崇拜，他对自然有机形态的模仿已经达到了疯狂的地步。他的一生在不断的求新，不断的创造个性。坚决反对对传统模仿。这也使得他的建筑很少获得官方的认可。甚至到群众都无法忍受的地步。但是，有一个人非常欣赏他，就是长期支持和赞助他的一个企业家古埃尔(Guell,古埃尔家族是卡塔兰地区的新权贵），这个因素对他的建筑生涯是非常重要的。

高迪早期是一个高度个性化的哥特复兴主义者，这从他的1878年设计巴塞罗那文森公寓就可以看得出来。直到1883正式为古埃尔家族设计建筑后，开始出现一些有机形态，比如古埃尔别墅的入口处大胆而任性的曲线。到了1900年为古埃尔设计庄园，他的创作已经步入成熟阶段，完全抛弃了哥特式的影子，他成功地将大自然与建筑有机地结合成一个完美的整体。这里的一切——小桥、道路和镶嵌着彩色瓷片的长椅，都充满了新艺术运动蜿蜒曲折的风格，甚至很多随意处理的地方都已经超出了新艺术运动的范畴。

而于1910年建成的米拉公寓（图6）的风格已经达到了新艺术运动的极端。是高迪自己认为最好的一座房子。整个建筑内外，包括里面所有的家具和装饰完全采用有机形态。连墙面都是弯曲凹凸不平的。这种极端的做法引起了巴塞罗那市民的愤怒。报纸上以“蠕虫”“大黄蜂的巣”等字眼来形容他的建筑。

圣家族教堂（图7）是高迪从1884年接手直到他死后的今天都未完成的建筑，高迪一生建筑风格的转变几乎都显现在这座未完成的教堂上。他做建筑有个特点，就是没有工程图纸、没有预算、没有设计方案。完全不把建筑当项目来做而是当艺术作品来做，随意性非常大。工匠们被鼓励将工作做得粗糙大意，以至于很多地方他都要亲力亲为。这个建筑以及上面介绍的古埃尔庄园和米拉公寓在1984年被联合国教科文组织宣布为世界文化遗产，这在世界建筑史上都是十分罕见的。

从总体上来看，英国是工业革命的发源地，他们是第一个面临工业化带来的危机，面临如何处理艺术与工业的关系、艺术与人的关系、艺术与社会发展的关系等问题。他们选择了艺术改革，于是就有了工艺美术运动。而改革后之后在艺术领域必然会带来许多空位（前面已经介绍过）。比如英国工艺美术运动就出现了莫里斯、韦伯、比亚兹莱等大师。而随后欧洲大陆以及美国也同样面临大工业化。他们的目的和选择都是一致的，他们从工艺美术运动中吸取经验。对艺术进行改革，进行新艺术运动。这也是为什么新艺术运动在英国没有产生强烈的反应，因为英国已经改革过了，大师已经出现了，而麦金托什只能算是新艺术运动到现代主义运动的过度人物。

①《现代设计的先驱者》第二章25页

②《威尼斯的石头》第十章189页

③《秩序感》第二章45页

④Mackail,opcit,i,p186

⑤The Collected Works of William Morris,London,1915,xxiii,p147

⑥Mackail,opcit,ii,p99

⑦Ibid,xxii,pp47

⑧Ibid,p144;I,p305

⑨Mario Amaya,Art Nouveau,The Herbert Press Limited,1985

⑩《世界现代设计史》第三章71页

参考书目：

《现代设计的先驱者——从威廉·莫里斯到格罗皮乌斯》英 尼古拉斯·佩夫斯纳著，王申 王晓京译 中国建筑工业出版社2004年版

《现代建筑与设计的源泉》英 尼古拉斯·佩夫斯纳著，殷凌云译，范景中校，生活·读书·新知三联书店，2001年12月北京第1版

《欧洲19世纪美术》下，吴敢著，中国人民大学出版社，2004年版

《世界现代设计史》王受之著，中国青年出版社，2002年9月北京第1版

《秩序感》，[英]贡布里希，译者：范景中等，湖南科学技术出版社，2000年1月第1版

新艺术运动代表人物有：赫克托·吉马德(巴黎地铁站设计者)、艾米尔·盖勒(蝴蝶床设计者)、霍尔塔(建筑师)、威尔德(比利时大师)、安东尼奥·高迪(西班牙建筑大师)、吉斯塔夫·克里姆特(维也纳分离派)等。

新艺术运动

新艺术运动，是19世纪末20世纪初在欧洲和美国产生并发展的一次影响面相当大的“装饰艺术”的运动，是一次内容广泛的、设计上的形式主义运动。

新艺术运动涉及十多个国家，从建筑、家具、产品、首饰、服装、平面设计、书籍插画一直到雕塑和绘画艺术都受到影响，延续长达10余年。

新艺术运动实质上是英国“工艺美术运动”在欧洲大陆的延续与传播，主张艺术家从事产品设计，以此实现技术与艺术的统一。

　　我慷慨一下！！！"十九世纪中叶，欧洲各国的资本主义得到长足的发展。技术革命已经完成，一个工业化大生产的高潮在英、法等先进国家出现，它推动了城市生活和社会结构的改变，从而带来了新的社会思潮，引起审美观的变化。劳动者、职员、中产的市民家庭逐渐成为城市生活的主体，艺术所服务的对象也渐渐地转移到了他们中间，从而受到他们的审美趣味影响。在英国有拉斐尔前派产生，而在法国和比利时则表现为“新艺术运动”。“新艺术运动”的兴起是时代的必然，在欧洲大部分国家广泛发展，后来在中国也产生一定的影响。其在设计史上的重要地位也是不可埋没的。

　　一、 新艺术运动在各个国家的表现形态

　　新艺术运动在欧洲各国的性质和表现不尽相同，但也存在着一些共同的特色。比如他们通过艺术家集体的力量去探索现代工艺美术的语言，他们对反对传统的风格，要以新的工艺美术形式表现出时代的特征。尤其是新艺术运动所带来的影响和所形成的艺术特征更有相互一直的地方。

　　下面我列举一下几个国家，说明一下“新艺术运动”在各自国家的表现形态。在介绍的内容方面有所侧重，由于法国是“新艺术运动”的发源地，所以介绍的内容比其他国家相对详细一些。

　　法国是“新艺术运动”的发源地，“新艺术”（Art Nouveu）本是巴黎一家商店的名称，由出版商萨穆尔▪宾（Samuel Bing）1895年12月创立，是在仿效威廉▪莫里斯设计事务所的基础上开设的，取名“新艺术画廊”，（The Gallery De I’ art Nouveu）。虽然名称是“新艺术画廊”，其实主要经营和展览风格新颖的家具及室内陈设用品。“新艺术运动”在十九世纪末就初见端倪，1900年的巴黎世界博览会为“新艺术运动”提供了强大的展示舞台，从那时候起“新艺术运动”在法国持续二十余年，并影响到其他国家，因而，我们称法国是“新艺术运动”的发源地。

　　法国的“新艺术运动”的发展主要有两个中心：巴黎和南锡（Nancy）。南锡主要集中在家具设计上，而巴黎则包罗万象，涉及领域非常广泛，包括家具、建筑、室内、平面设计等。在巴黎，最主要的代表人物是建筑师格里马尔。他为巴黎许多建筑以其出色的很多相当精美的装饰，其中最出色的是巴黎地下铁路的出入口站，一共有141种不同图案。他还为卡斯第尔布拉齐旅店设计了一扇非常出色门，上面的图形变化莫测，线条优美，更是体现了新艺术的风格。在南锡，玻璃工艺家加莱是个十分重要的人物，以他为核心有南锡派的工艺美术联盟。他的玻璃器皿，运用砂轮磨花、酸腐蚀、金属镶叠、金属镂嵌和吹泡等特殊技法，加工出来的图案和花草昆虫都流畅美观，因而被成为“玻璃玻璃镶嵌细工”也不足为奇。

　　具有影响的“新艺术运动”组织有“新艺术之家”、“现代之家”、“六人集团”等。

　　英国的新艺术运动是莫里斯美术与工艺运动的继续。在莫里斯和拉斯金相继谢世之后，他们的学生马克默多建立了""新世纪艺术家协会""，生产新颖的家具和装饰品，成为向""新艺术""的过渡。稍后，在格拉斯哥，出现了以麦金托什为首的设计家集团。1896-1909年间，他们为格拉斯哥的四家茶室进行了别出心裁的设计，风格简练、明快。1909年建成的格技斯哥艺术学院新主楼，被喻为英国第一所新艺术风格的建筑。

　　比利时地处英国和法国之间，经济和文化交流非常密切，英国工业革命对比利时影响很大，工业发展十分迅速。1859年，在艺术上比利时出现了一些基金的组织，如“二十人社”（Les Vingts）。“二十人社”由奥克塔▪毛斯（Octave Maus）领导，在比利时经常展出雷东、修拉、劳特累克、高更。凡高。塞尚等人的美术作品。

　　亨利•凡•威尔德是比利时“新艺术运动”核心人物，

　　新艺术在意大利的“自由风格”，主要表现在建筑设计方面，参加这一运动的建筑师、设计师，分布在意大利一些大城市里面，他们的创作大都与地区特色相练习，但新艺术在意大利新艺术发展中，一些期刊杂志的出版发行，起到了推进作用。都灵

　　新艺术运动在佛罗伦萨也得到了发展。佛罗伦萨是意大利中部的文化名城，这个历史上艺术家云集、群星璀璨的城市，建筑物古香古色，已经形成独特的建筑格局。建筑师乔万尼▪米凯拉泽的作品很有代表性，他不受传统的束缚，而是从中汲取为新艺术有益的成分、参照文艺复兴建筑的典雅形式，充分运用优美、流动的曲线，装饰建筑物的内部和外观。在传统中融合了现代艺术的成分

　　奥地利新艺术的代表是""维也纳分离派""中的工艺家和画家们。他们有建筑与设计家奥托▪瓦格纳、霍夫曼、奥布里奇，画家克里姆特、莫赛等人。奥托▪瓦格纳为首的维也纳学派在新艺术运动的影响下形成了。奥托▪瓦格纳早期从事建筑设计，并发展形成了自己的学说，但在设计界的影响则是从1894年担任维也纳艺术学院建筑系教授开始的。他早期建筑风格倾向于古典主意，后来在工业时代技术的影响下，逐渐形成了自己的新的建筑观点。1895年，他出版的《现代建筑》一书中，指出新结构和新材料必然导致新的设计形式出现，建筑领域的复古主意样式是极其荒谬的，设计是为现代人服务的，而不是为古典复兴而产生的。在维也纳艺术学院就职演说中，他说：“现代生活是艺术创造唯一可能处罚点：。”所有现代化的形式必须与我们时代的新要求相适应“。在《电代建筑一书中，他对未来建筑的预测是非常激进的，认为未来建筑”像在古代流行的横线条他们设计的分离派陈列馆、印刷广告、装饰画等，主题上颇受象征主义影响。

　　德国新艺术运动是以""青年风格""出现的。它得名于1896年在慕尼黑创刊的《青春》杂志。年轻的设计家埃克曼、雕刻家奥布里斯特是其骨干。他们设计的缀锦、封面和各种美丽的花卉图案，被广泛地应用。此外，凡德维尔德和建筑家贝伦斯在柏林方面以抽象的青年风格设计建筑和建筑装饰。

　　西班牙的新艺术运动只限于巴塞罗那。建筑师高迪和蒙塔列分别代表着两种不同的风格。高迪以富有中世纪哥特艺术趣味的、简化的曲线形，设计了离奇古怪的卡萨米拉公寓和圣家族教堂，至今是西班牙人的骄傲。蒙塔列所设计的卡兰塔音乐厅，代表了大陆风的历史主义的新艺术风格。

　　新艺术运动在欧洲大陆“昙花一现”，但在中国的哈尔滨却持续了30年。 哈尔滨的艺术运动建筑数量居世界第三。早在上世纪二三十年代就有人将中央大街同柏林的菩提树大街、东京的银座大街、上海的外滩、天津的维多利亚(解放北路)大街相提并论，可见其影响之深远。此次“修旧如旧”的改造原则基本保持了中央大街建筑的欧式风格。中央大街整体改造完成，市民发现原来松雷商厦门前侧面大广告牌不见了，取而代之的是一堵造型新颖、别致的“假墙”。这是一堵“新艺术运动”墙，它与所依附的中央大街58号保护建筑的前脸一模一样。哈尔滨工业大学土木楼后楼就极有新艺术运动时期的风格，现在世界上已不多见。这是1920年的作品，希腊陶立克柱式，厚重的石础，挺拔的柱身，柱身上匀称的凹槽，中段柔美的墙饰，与底层阳刚形成对比。目前是一类保护建筑。建于1927年的哈尔滨摄影社（现中央大街58号）就是世界“新艺术运动”建筑风格的句号。

　　二、新艺术运动在设计史上的地位

　　新艺术运动在设计史上有是有重要意义的。“新艺术运动”实质上是英国“工艺美术运动”在欧洲大陆的延续与传播，在思想和理论上并且没有超越“工艺美术运动”。它主张艺术家从事产品设计，以此实现技术与艺术的统一。在具体的设计中，避免使用直线，注重从自然中获得自然形式的运用，但还没有从功能、结构、形式的统一上进行产品设计。在追求自然形式上，“新艺术运动”试图摆脱任何古代亡灵，真正从自然中获得启迪，完全走向自然主意风格，强调自然中不存在直线和平面，在装饰上突出表现曲线、有机造型，装饰的构思主要来源于自然形态。艺术家在“师法自然”的过程中寻找一种抽象，把自然形式赋予一种有机的象征情调，以运动感的线条作为形式美的基础。

　　新工艺运动时期的建筑装饰的大胆实践，至今对探索新建筑发生潜在的影响。新艺术风格表现了19世纪末和20世纪初艺术家感到需要影响现代人生活的整个环境。这种风格当时不仅影响到工艺美术，而且还影响到建筑、雕塑和绘画。它是有意识地抵抗“循环论”，因而在工艺方面，如在陶瓷设计方面，为获自由的形式开拓了道路。良好地解决了艺术趣味同工业生产利益之间的冲突。与此同时，强调实用的主张，从建筑扩大到陶瓷、玻璃、金属器皿在内阿弟其他工艺美术，“形式服从于功能”的思想在各个领域表现日趋明显，工艺美术发展阶段也进入了造型简洁、装饰单纯的形式，对后来的艺术形式影响甚远。

chanel 2020秋冬

2020秋冬，chanel又有一批maison gripoix打造的珠宝要发布了。无论是耳环、项链、手链和戒指等首饰，这一季腰带、胸针和皮具这样的配饰上也镶满了又闪又亮的彩色maison gripoix for house of chanel。

chanel 2020秋冬

熟悉chanel的会知道maison gripoix是一间工坊，2005年被house of chanel收购。除了chanel，它们也服务于包括娇兰、tom ford，以及schiaparelli等品牌。这些人造珠宝一件的制造最多能花掉一百小时，但很值得，它们能成为全身上下最闪耀的一处。

这条推送，是Vivienne Westwood：朋克老太公主心的末尾延伸阅读。

在19世纪，罗斯柴尔德家族糅合了英国、法国和奥地利打造出新的美学le gout rothschild，在中国没有人翻译过它，直译的话，就是“罗斯柴尔德式品味”，代表近代的极繁主义。

极繁主义在古代和近代一直盛行，过去这种“鸡零狗碎”堆一屋子的状态还有个浪漫的词儿，叫cabinet of curiosities，也被视为巴洛克的雏形。尤其在古代，人们在室内摆满了标本、艺术品和动物骷髅——用Google Art的话说，cabinet of curiosities是带点儿怪异的壮观。

frans ii francken在1636年画的房间一角

后来的法国洛可可在颜色上又比巴洛克更丰富、更大胆，再配合奥地利的新艺术运动（art nouveau）以及罗斯柴尔德家族的丰厚家底，随之形成了le gout rothschild。罗斯柴尔德家族曾一统银行业的江山，一度发展处五个派系。le gout rothschild影响了后来世界上其它大家族，包含房地产业的阿斯特家族、航运的范德比尔特家族和石油业的洛克菲勒家族，听上去就是金币撞击的清脆声音。

19世纪，罗斯柴尔德家族发生了两件事，一个是安瑟尔姆·罗斯柴尔德在德国过世，其儿子早就厌倦了开银行。继承父亲家产后他来到英国牛津郡，按照自己理想开始构建自己的le gout rothschild帝国，也就是如今的沃德斯登庄园。

同时，家族成员致力于收集宝石项链，其中彩宝越大越好，包含文艺复兴时期的宝石和贝类首饰。家族所有的大量举世无双的珍宝，如今分别面向大众展示在大英博物馆和沃德斯登庄园里。

沃德斯登庄园里的妮可·基德曼

历史 上le gout rothschild也有扑街的阶段——1957年，在庄园建成快一个世纪后，随着英国人对法式家装的厌恶，沃德斯登庄园也曾被批“丑到巅峰”。顺便提一句，在时装领域也有le gout rothschild的，便是我们熟悉的圣罗兰。他和伴侣的家，就是严格按照le gout rothschild布置。

圣罗兰先生在巴黎的家

汉娜·罗斯柴尔德女士在英国出生长大，她是英国国家画廊的信托成员，一面研究艺术，一面写作、拍**。作为 时尚 派对的常客，她就是坚定不移的le gout rothschild继承人。90年代起，汉娜自己也在市场上寻觅19世纪的珠宝。

1995年，她在巴黎一个跳蚤市场淘到了一串火焰百合项链——这串项链由一串儿原产非洲的火焰百合组成，搭配两片绿叶；百合花瓣镶着银边，花蕊是金**。热烈、明媚，只需要这一件单品，就能将一条无趣的晚礼服变得闪亮。这串项链儿，来自maison gripoix和香奈儿女士的合作系列。

maison gripoix for chanel，1869

这条项链在2013年也曾在大都会博物馆展出

那时候并不贵（汉娜女士的原话，可是她说的不贵究竟是多不贵？），但很难找。整整十年，她也只在地摊儿和跳蚤市场里收集到了五件类似的珠宝而已……

这些珠宝是人造的，但又并非普通的人造……

传统的失蜡法是一种铸造方法，中国古代在青铜器铸造上已经在使用。曾侯乙墓的尊盘最受称道，其上密布的蟠虺纹玲珑剔透，穷极繁缛富丽，即是失蜡法制成。这种铸造方法并不够普及，这与蜂蜡数量有限、制作过于复杂有关。失蜡法一般用于铸造立体结构非常复杂的、用常见模具组合法所不能胜任的产品。失蜡法首先用蜂蜡、松香和牛油混合的蜡料雕出要铸的产品（蜡型），然后往蜡型上浇粘土澄洗出的泥浆，撒石英砂、碎植物纤维、锯末（木屑渣子）等。待干后再浇粘土和黄泥混和澄洗出的泥浆，再撒砂子。反复多次在蜡型外制好型壳后，将型壳拿到火上加热。蜡遇热融化成液态，从型壳中流失。此后将型壳烧结（不能陶化，故而烧结温度一般不超过800℃），再向型壳内倒入融化的金属液体进行铸造。（摘自wikipedia）

maison gripoix自己都承认，其原材料“成本较低”

因为工艺从未改变，但就是特别耗时

1860年代的巴黎，一位名为安格斯汀·葛利普的年轻巴黎工匠用这种古法，烧制出来斑斓美丽的彩色琉璃和陶瓷，纯净、透明又兼顾了色彩。她很快吸引到了当时的女演员莎拉·本哈德，女演员不仅佩戴者上台演出，还欣喜地在姐妹圈儿中推荐。很快，葛利普的工作室聚满了慕名而来的皇室成员和上流女士的太太们，她们争相把她的彩色琉璃别在帽子和皮草上。

到了1920年，安格斯汀把工坊传给了女儿苏珊，苏珊也发现法国年轻女孩儿在时装上的变化——她们剪短了头发、穿上了短裙。比起钻石，她们更爱bling bling的首饰，苏珊开始调整maison gripoix的设计，很快她吸引到浪凡女士和香奈儿女士的注意。

1937年vogue刊登手绘的maison gripoix

香奈儿女士谈及珠宝的那些话，想必已经耳熟能详——“无需货真价实，只要震撼惊人”，还有更激进的，如“把一大串昂贵的珠宝挂脖子上，倒不如直接往身上贴满钞票得了”……她手里有一把前男友以及过去情人们所送她的金银珠宝，尤其是含有红绿宝石的拜占庭风格首饰，以及大把珍珠项链。她干脆交给苏珊要求“照着这些做一批复刻品出来”，并说：“让别人以为觉得是康鹏街附近工地里挖出来的旧东西就好。”

所以从时间上看，不仅maison gripoix 历史 更悠久，葛利普家族和house of chanel的合作也在佛杜拉公爵和她合作的前面。他们还会三方合作呢，比如这款50年代的胸针，佛杜拉公爵设计，maison gripoix打磨。由于年代久远无法考究它究竟是什么，有人猜是火焰。托着下巴观赏一枚胸针，竟像是在考古。

70、80和90年代的maison gripoix for house of chanel

葛利普家族就这么和house of chanel一直合作下去了，从玻璃烧制的假珍珠、人造金属到半珍稀彩宝到钻石再到琉璃，他们用设计和工艺开发了这些人造珠宝的各种可能性。如今据说maison gripoix只剩两个工匠？

chanel 2020秋冬

当然，如果还能再在地摊上找到maison gripoix for balenciaga，maison gripoix for christian dior ，maison gripoix for yves saint laurent，maison gripoix for christian lacroix，maison gripoix for balmain就更稀罕了，都曾是maison gripoix的服务对象。

90年代起，法国之外出现越来越多的更便宜的人造琉璃珠宝。如今的maison gripoix，其设计是有在变得更简洁的，这或许是汉娜女士这样的le gout rothschild派只对中古款有兴趣的原因。我是觉得2020年，我还是不会选贫穷风或性冷淡风，而且可能越是愁云密布的日子，越是需要大气、繁复的装饰来武装自己。如果要买maison gripoix，巴黎就有实体店，花朵永远是最maison gripoix的选择。

当然，这些花花玻璃珠子菲总都戴过了，各位大胆的男同学也不是不可以。

随着线上网站的兴起，汉娜女士再也不用苦苦去地摊儿上寻找。她开始网购maison gripoix和maison gripoix for chanel的中古首饰，却大多失败：有尺寸完全不合的，甚至有假货，白花了不少钞票。

不是每一个网络上的卖家都会展示这些中古珠宝的背面——而恰恰是我觉得有趣的地方：你可以看到与其正面光洁剔透完全不同的“原始”，而这正是古老手工传承至今最好的印记。

对于想要收集中古珠宝尤其是maison gripoix和maison gripoix for house of chanel的年轻人，汉娜女士有话要说——

a) 不要把它们作为增值工具，你无法负担那些供在大英博物馆内的maison gripoix；

b) 不要想着把它们流传给下一代，翻译过来就是不要拿“可以传女儿”作为你脑子一热就刷卡的借口。她自己的孩子们长大后都对“极繁主义”毫无兴趣，反而隔代像他们的外婆一样喜欢“极简主义”。你瞧，你的下一代不一定会喜欢你的收藏；

c) 建立你所信任的卖家关系、结交相同爱好的朋友。不再尝试为网购交学费的汉娜女士只认定固定的在巴黎、摩洛哥、纽约的几个卖家，她也会通过朋友圈和爱好者们置物交换。

冷静一想，以上好像是消费的universal rules：买自己喜欢的，去找自己喜欢的，关掉网页去找。毕竟找寻的过程比刷卡那五分钟更愉悦，且每一个过程都不一样。于是反省了一下自己，好像从来没有手机拿着去买别人晒过的同款，也没有观看直播来买货。

听她说完，我吁了一口气。

END

统筹｜大大撞

排版｜黄也噜

以上正文已结束，解锁你将看到maison gripoix for house of chanel在拍卖行和跳蚤市场的一些信息。可以不解锁，苏富比和佳士得有公开档案随便查询。

去年，汉娜女士心血来潮，请了一间拍卖行专家来为自己的60件藏品估估值，结果让她大跌眼镜——

新艺术运动为英国现代设计奠定了总体背景。根据查询相关资料显示，新艺术运动中格拉斯哥学派为英国现代设计做出了巨大贡献，其代表人物迈金托什为机械化、批量化、工业化的形式奠定了可能的基础。